Categoría: Entretenimiento

Con su muestra Revelaciones, de reciente inauguración en MC Galería, la artista plástica Cynthia Cohen (Buenos Aires, 1969) descubre no sólo su oficio para pasar al plano sus visiones personales, sino que abandona los fondos planos y la brillantez del pop para emprender un camino más metafísico, donde el tema del paisaje aparece tan definido que invita a proyectarse en esa calma.

Pero hay algunas sorpresas más que tienen que ver con la sala donde se cuela la sensualidad sin tapujos en una videoinstalación, provocando a los sentidos abiertos a tocar, lamer y señalar. Clarín Cultura mantuvo una conversación con la artista que permite conocer mejor las claves de esta etapa.«Revelaciones» busca trasladar al espectador a un plano metafísico a través de la proyección de las dinámicas internas de la artista. Foto Juano Tesone

–En tu manera de abordar la pintura había siempre un sesgo reconocible que tenía que ver con la nitidez, la pulcritud de la imagen y la laboriosa actividad que desplegás tanto para lo inerte de las piedras como los homenajes a los artistas del pop norteamericano, ahora aparece otro tipo de imagen.

–Estas nuevas obras tienen que ver con algo que vengo trabajando desde hace 30 años y que representan un quiebre con mis series anteriores, casi marcando una nueva etapa, un camino distinto que retrata mi pensar actual, mis ideas ligadas a un universo cercano a lo espiritual, lo místico.

Por eso creo que antes exploraba una imagen cercana al camp, que mantenía asociaciones un tanto ridículas, una exaltación de los objetos que derivan del consumo.

Ahora mi curadora, Laura Batkis, propone que estoy trabajando un pop metafísico. La novedad es que ahora tiene una resolución visible pero ya estaban en mí desde mucho tiempo atrás. Hay cosas que suceden aunque no podamos verlas, sólo podemos sentir sus energíasLa artista mezcla objetos de colores vibrantes sobre fondos del paisaje argentino. Foto Juano Tesone

–¿Algo de esta espiritualidad reflejada en tu nueva obra tiene que ver con tus viajes a disfrutar esos paisajes de Cruz Chica en la provincia de Córdoba? Un territorio cargado de cierto aire de introspección, de sanación y energía con un basamento pétreo ancestral, de los más antiguos del continente sudamericano.

–Algo de eso hay, hay mucho misticismo en la zona. De hecho, estoy relacionada con dos personas de allí que me acercaron a la meditación con cristales, esas gemas que ahora aparecen pintadas de manera rugosa, en bruto y sin la espectacularidad de la joya tallada.

–También incorporaste ese paisaje a tus obras.

–Nunca me había animado a competir con los paisajistas porque me parecía que habiendo tantos buenos pintores del género no podía con ellos. Luego de instalarme por períodos en ese paisaje serrano, comencé a hacer croquis y acuarelas y decidí abordarlo como un escenario de estos universos paralelos que propongo en esta exhibición.

Esas otras capas de sentido tienen que ver más con esa situación mística que también propicia el camp. Incorporé una suerte de texturas que permiten que la pintura salga de lo liso y eso lo trabajé con otra textura, sobre todo en los cristales, algo que en la foto se pierde y no pasaba con las otras obras, que fotografiadas salían perfectas.

Creo que las series donde todo brilla dejan al espectador afuera porque lo dicen todo con la imagen, en estas nuevas hay un clima que convoca a otro tiempoCynthia Cohen: «Siento que los artistas emergentes están mucho más afilados y abiertos a posibilidades, en tanto considero que lo mío era en cierto modo más ingenuo». Foto Juano Tesone

–Abordemos el tema de tu generación, llamada por algunos galeristas como la «generación intermedia», esa que se ubica en la franja que tiene más de 25 años de trayectoria pero que no son maestros consagrados ni artistas emergentes.

–Es un tema que hablo con colegas artistas de la misma generación porque es hora que se dé valor a nuestras trayectorias. Porque hay apoyos para los que recién se inician, en parte porque tienen precios accesibles, mientras que la inversión en un maestro mantiene su valor o lo acrecienta.

Dentro de nuestra generación intermedia, avanzamos de manera mucho más desarticulada de lo que sucede hoy en día. Como nuestro trabajo estaba más cerca de una actitud casi «punk», tratando de exhibir un universo de ideas en plano de prueba y error.

Siento que los artistas emergentes están mucho más afilados y abiertos a posibilidades, en tanto considero que lo mío era en cierto modo más ingenuo.

Las voces de las artistas mujeres

–A partir de las décadas de los 80 y 90 se incorporan muchas voces femeninas a la esfera del arte argentino, al punto que no se diferencian de las masculinas por tener un rasgo específico sino porque cada una de estas mujeres avanza con un plan diseñado por su propio deseo. ¿Sentís que esto sucede también ahora?

–La producción artística en nuestro país es muy valiosa y se percibe en aumento desde esos años. Es cierto que las mujeres artistas conseguimos más visibilidad, pero en el mundo ya se considera a los artistas como un commodity y esto no pasa acá. Hay gestiones de política cultural que faltaría concretar para ponernos en valor.Cynthia Cohen: «Nunca me había animado a competir con los paisajistas». Foto Juano Tesone

–Una parte de tu trabajo aborda y problematiza el mercado del arte.

–Mantengo una honestidad con respecto a mis intereses que están dentro de la pintura, pero en un proyecto como 25 unidades disponibles se presentaban las obras, como sucede con la venta de inmuebles, en pozo.

Cuatro años antes había concluido una acción en arteba presentando un cartel que contabilizaba con datos lo que movía una feria, pensando en esos entornos festivos que se suceden alrededor y que estaban lejos de la realidad de los artistas argentinos.

En 2011 con Larisa Zmud transformamos mi taller en una suerte de cubículo que sugería una venta de departamentos a futuro. Trasladamos el léxico que se usa en este tipo de comercialización para que la gente elija el tamaño de la obra, la serie que más le interesaba y tome en cuenta de las oportunidades que representa invertir en el mercado del arte como en real estate.

Ficha

Revelaciones, de Cynthia Cohen
Dónde: MC Galería (María Calcaterra), José León Pagano 2649.
Cuándo: de lunes a viernes, de 11 a 19. Hasta fines de septiembre.
Entrada: gratis.

Fuente: Clarín.com

Tres cuerpos sobre un fondo coloreado. Parecen humanos. Uno de ellos yace acostado entre los otros dos que, a sus extremos, lo asisten. La pintura se llama Efigie observada y es obra de Alfredo Hlito. El artista la pintó en 1992, poco tiempo antes de morir, y por eso la postura inerte de la figura adquiere cierto tono de vaticinio.

Hacía varias décadas que aquella efigie que el título menciona se había convertido en una suerte de alter ego de su creador. Una terca permanencia, la muestra que ahora puede verse en el primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes, da cuenta con precisión del derrotero de esas figuras, surgidas al calor de la historia del arte y la literatura, a caballo entre la pura forma y la pura fantasía, que insuflaron vida narrativa a treinta años de trayectoria en su pintura.

Curada por María José Herrera, la muestra se centra en el nacimiento y vida de las efigies y algunas otras criaturas presentes en la obra madura, y figurativa, de un artista que es preeminentemente recordado en los manuales de historia como “no figurativo”.«Efigie observada», de Alfredo Hlito (1992).

Pintor autodidacta, en su juventud Hlito había sido uno de los pilares fundamentales del arte concreto en Argentina, integrando junto a Tomás Maldonado, Enio Iommi y Claudio Girola, la Asociación Arte Concreto Invención, que repudiaba la pintura en boga en ese momento.

Con similar énfasis, los concretos rechazaban, a mediados de los años 40, tanto el realismo como el surrealismo (encarnado en las obras, por ejemplo, de Berni o Raquel Forner) como la abstracción libre y experimental que por ese mismo tiempo ensayaba el solitario Juan del Prete.

En detrimento de la realidad ilusoria de la pintura, que invitaba a ver un cuadro como si fuese una ventana, los concretos querían hacer de la pintura una realidad en sí misma, cuyos principales actores fueran las formas geométricas y los colores, no las anécdotas que las figuras relataban.El artista plástico Alfredo Hlito (1923-1993).

Querían artistas inventores, más cerca de la ciencia que de la creación romántica de figuras. Repudiaban la academia y lo que hasta ese momento era enseñado. Como buenos vanguardistas, aspiraban a un nuevo comienzo para la pintura, y a un nuevo comienzo para la vida. A una nueva pintura para una nueva vida.

Por eso sorprende llegar ahora a las salas del museo y descubrir aquel Hlito posterior al joven del arte concreto, no solo realizando figuras en sus telas, sino también desconfiando amorosamente de la pintura, buscando asociarla a la palabra y a la literatura para que acabe de darse a comprender.

“Alfredo Hlito era un personaje muy especial –cuenta la curadora de la muestra–. Hay muchas capas para interpretarlo. Nunca renegó de su período en el arte concreto, pero llegó un momento en que dijo: ya no puedo pintar con convicción algo en lo que no creo”.La muestra deja deliberadamente afuera al Hlito concreto para centrarse en el desarrollo de sus figuras. Foto Guillermo Rodríguez Adami

A esa permanencia probablemente se refiere el título de la muestra. A la sensible terquedad de permanecer cerca de lo que creía y que, paradójicamente, eso se refleje en una larga serie de transformaciones sobre la tela.

La muestra deja deliberadamente afuera al Hlito concreto para centrarse en el desarrollo de sus figuras. Para eso reúne –además de un vasto conjunto de telas– sus bocetos y sus diarios, un material de archivo exquisito que Herrera supo hilvanar con pericia detectivesca, para que los espectadores podamos asistir a las transformaciones del artista con naturalidad y asombro, así como asistió, in situ, su creador.

Las salas se organizan entonces de forma cronológica, pero atendiendo al derrotero de sus criaturas: casi involuntariamente las líneas sobre el lienzo se van agrupando hasta cerrarse en una forma.

A lo largo de las décadas, esas formas se reúnen, se repiten, se endurecen y se ablandan. Algunas veces parecen volúmenes escultóricos, otras se congregan como íconos religiosos medievales, hacia el final de su vida, líneas y colores se ablandan: las tonalidades ocres que otrora evocaron la madera o la piedra dejan paso a los rosados, los naranjas y los verdes.Hay cierta idea de espacio, una intención de paisaje, un relato que da marco a sus criaturas, como si todas fueran episodios precisos en la vida de una forma. Foto Guillermo Rodríguez Adami

Hay cierta idea de espacio, una intención de paisaje, un relato que da marco a sus criaturas, como si todas fueran episodios precisos en la vida de una forma.

Debajo de cada una de sus figuras la pintura reverbera. Hlito la aplica de tal modo que los fondos vibran y se convierten en un placer para la mirada, como si más allá de las formas también hubiera espacio para la abstracción lírica. “Llamaba palimpsestos a sus pinturas, le fascinaba la pintura impresionista y le rendía tributo en sus obras”, explica Herrera.

También la geometría, central en sus primeras composiciones, sigue estando presente hasta en sus obras más tardías. Entonces figuración y no figuración, geometría y lirismo se convierten en los polos opuestos de un maniqueísmo absurdo que el artista supera con gracia, pero sin ligereza: “Hlito era una contradicción permanente, un cultor de la ironía y del oxímoron –cuenta la curadora–. Pero tenía la metodología de un yogui: para él el cuadro tenía una energía por la que debía dejarse llevar”.

Como un Tesseo enfrentando su propio ego como un minotauro, Hlito deshizo su propio camino labrando otro, puramente indicado por su intuición creativa. Aquella terca permanencia que fue su norte y que hoy inspira a sus espectadores la libertad más profunda.

Ficha

Una terca permanencia, de Alfredo Hlito
Dónde: Museo de Bellas Artes, Libertador 1473.
Cuándo: martes a viernes, de 11 a 20. Sábados y domingos, de 10 a 20. Lunes, cerrado. Hasta el 15 de octubre.
Entrada: gratis

Fuente: Clarín.com

Desafiar al poder político es algo a lo que están acostumbrados los lectores de Fernando Vallejo. Sus libros y sus discursos acostumbran a estar bañados de una amplia dosis de furia explosiva, que emplea para señalar a todos aquellos que corrompen el sistema.

Lo hizo ya en Memorias de un hijueputa y lo repite de nuevo en La conjura contra Porky (Alfaguara). Pero, esta vez, el ganador del premio Rómulo Gallegos narra su hastío y su afán por derribar las instituciones colombianas y religiosas desde un punto de vista muy distinto: el de su propia muerte.

–¿Cómo surge este libro?

–Como todos los míos, por desocupación.

–Pegarse un tiro en la Basílica Metropolitana de Medellín es un comienzo que algunos pueden tildar de provocador. ¿Es un anticipo del tono y de lo que se va a encontrar el lector a lo largo de la obra?

–Puede, sí, pero se equivocan. Yo no busco provocar a nadie. Los que ofician dentro de la basílica que usted dice son los que me provocan a mí con sus mentiras descaradas de Dios y Cristo. Dios no existe, y de existir es como si no existiera porque no sirve para un carajo.

Y Cristo no existió. Y a falta de un Cristo, por fuera del Nuevo Testamento hay una veintena, todos míticos, y en él hay tres, refundidos en uno, también inexistente, que es al que hoy le rezamos: el de los evangelios de Marcos, Mateo y Lucas; el del evangelio de Juan; y el de las epístolas de Pablo.

Y les quito a todos estos presuntos santos el “san” porque tampoco existieron. En mi libro La puta de Babilonia dilucido a cabalidad lo que aquí le digo de carrera porque no da para más una entrevista.«La conjura contra Porky», de Fernando Vallejo (Alfaguara, $1.990 ebook; $1.927 audiolibro).

–¿Cuál es la condena del protagonista?

–Su condena es la vida, de la que la Muerte lo libera, como pasa con todos los mortales.

–¿Qué es un Porky?

–Un Porky es todo presidente de Colombia: cualquier payaso dañino hijo de su madre como el que tenemos allá ahora, ¿y que se llama cómo? Se me enredan siempre los nombres de estos asquerosos.

–¿Y Colombia? ¿Con qué adjetivos la definiría y por qué?

–En La conjura contra Porky está definida así: “Colombia hija de puta, hija de España”. Y el porqué lo ha dicho la historia de ambos países incontables veces con irrefutables argumentos.

–Dijo en la Feria del Libro de Bogotá que su finalidad es desenmascarar a “parásitos públicos que con sus leguleyismos y burocracias, con sus trabas y sus impuestos nos atracan y nos están asfixiando, no nos dejan respirar”. ¿Cuándo empezó con ese propósito?

–Hacia los siete años, cuando tuve uso de razón e hice mi primera comunión y mastiqué la hostia. ¿La hostia no se podía masticar? Pues la mastiqué. Y fíjese usted cómo son de buenas la Iglesia y Colombia conmigo: la una todavía no me excomulga, y la otra todavía no me mata.

–En sus páginas hace evidente su preocupación por que el país cuente con cada vez más aspirantes a la presidencia. Dice que “por el Palacio de Nariño van entrando y saliendo hideputas”.

–Exacto. Es una verdad que todos los colombianos sabemos: entran unos y salen otros. En cuanto al “hideputa” me lo enseñó Don Quijote. ¡Qué bien escribía Cervantes! Y qué creación tan hermosa la de ese hidalgo de corazón limpio pero de lengua sucia. A Don Quijote le encantaba insultar.Fernando Vallejo: «¿La hostia no se podía masticar? Pues la mastiqué».

–Las madres no salen mucho mejor paradas. ¿Qué problema tiene con ellas?

–Hoy somos ocho mil millones. ¿Le parece poquito problema que paran?

–Igual de salpicados salen el Papa Francisco y el Vaticano, que define como “empresa criminal”.

–Y no solo el Vaticano: toda la Iglesia católica, más la protestante y la ortodoxa, o sea el cristianismo en su totalidad, es la más grande estafa y empresa criminal que haya conocido la historia.

–El hombre nace malo y la sociedad lo empeora, dice en su libro. ¿En qué se basa?

–Pues en la experiencia personal. En las muchas décadas que he vivido.

–¿Tan malo como para desear “la tercera guerra mundial y la primera y última nuclear que va a acabar con todos”?

–Sí. Muy malo. Incluso es peor. Es lo más espantoso que ha producido la evolución.

–No se salvan ni las universidades. Las califica de “centros de estafa” y anima a los padres a que saquen a sus hijos de allí.

–Exacto. Centros de estafa. Y sobran las explicaciones: las universidades brillan de oscuridad. Hay que acabar con ellas y sumarles al exterminio las religiones y las patrias.

–Con la música se deleita más. ¿Por qué le resultó ideal la de Cuco Sánchez para armar un teatro fúnebre?

–Por el gran amor que le he tenido siempre a ese cantante mexicano, solo comparable al odio que le tengo a Bach.«Soy imposturólogo. Me dedico a desenmascarar impostores de todo tipo», dice Fernando Vallejo.

–La muerte es un tema sobre el que reflexiona en varios de sus libros. ¿Puro interés y curiosidad, o diría que roza la obsesión?

–¿Sobre qué podrá escribir un muerto que no sea sobre la Muerte? Que los vivos escriban novelas para que se ganen el millón de dólares del Premio Planeta.

–¿Existe esa libreta en la que anota muertos? Si es así, ¿cuál fue el último que apuntó? ¿Y el primero?

–El último lo anoté justamente hoy, hace unas horas: Heriberto Fiorillo, el organizador del Festival de las Artes de Barranquilla, una ciudad colombiana muy caliente, de clima y sexo.

El primero no sé cuál fue porque cuando empecé la libreta ya tenía un montón de muertos que tuve que ir sacando durante meses, con gran esfuerzo, de mi memoria. La inauguré con unos quinientos y hoy voy en cinco mil. Cinco mil que, puesto que me conocieron, le habrían podido dar testimonio a la posteridad de mí. ¡Los dejaron perder! La humanidad no tiene vocación de biógrafo.

–Algunos le juzgaron de duro con sus críticas por la gestión de la pandemia. ¿Qué es lo que hubiera hecho distinto?

–Soy imposturólogo. Me dedico a desenmascarar impostores de todo tipo. De hecho la ciencia de la imposturología la fundé yo. En toda la pandemia hubo ochocientos millones de infectados y solo veinte millones de muertos atribuidos a la covid, pero en el primer año no había vacunas.

¿Si el virus era tan mortífero por qué en el primer año no acabó con media humanidad? Y montones de vacunados se siguen infectando y reinfectando porque las vacunas contra la covid no sirven. La vacuna que sí sirve, y es gratuita, es la inmunidad natural que adquiere la mayoría de la población mundial con cada gripa anual. Ha sobrevivido la humanidad al judeocristianismo y al Islam, ¡no va a sobrevivir a una gripita!

–Termine la frase. En un mundo ideal…

–En un mundo ideal, que no exista la vida. La vida es una pesadilla de la materia.

Vallejo Básico

• Fernando Vallejo nació en Medellín, Colombia. Estudió filosofía y letras en universidades de Bogotá y dirección de cine en el Centro Experimental de Cinematografía de Roma.
• Vivió gran parte de su vida en México, donde dirigió tres películas y escribió la mayoría de sus libros, algunos de los cuales han sido traducidos a múltiples idiomas.
• En 2018 regresó a Colombia para establecerse en Medellín, y allí ha escrito las Memorias de un hijueputa. El gran amor de su vida son los animales y su única causa es su defensa.

©La Vanguardia

Fuente: Clarín.com

Tras haber sorprendió a los lectores en 2018 con el libro de cuentos Tipos singulares, el actor Tom Hanks, protagonista de películas como Philadelphia o Forrest Gump, publica su primera novela, Otra gran obra del maestro del cine, en la que cuenta los entretelones de la puesta en marcha de una superproducción con grandes estrellas de la pantalla inspirada en un cómic de superhéroes.https://ec1236ecab58f15dcd34111165f7d93f.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.html

Publicada en España por Roca Editorial, la novela –que también incluye dibujos que el autor hizo especialmente para la edición– es una mirada desde dentro al mundo del cine, aunque también se anima a abordar a la historia más reciente de Estados Unidos, un paseo por la irrealidad del mundo de las filmaciones pero también por lo más concreto de la identidad norteamericana.«Otra gran obra maestra del cine», de Tom Hanks.

La historia

La historia arranca en 1947, cuando un soldado con problemas regresa de la guerra y conoce a su sobrino de cinco años, un niño con un gran talento como dibujante que logra impresionarlo.

Después, el texto se retoma en 1970, cuando vuelven a reencontrarse tío y sobrino tras más de dos décadas sin verse y aquel muchacho se ha convertido en un brillante dibujante de historietas clandestinas en Oakland, California

El reencuentro hace que el sobrino redibuje aquel cómic con el que a sus cinco años intentaba impresionar a los adultos, pero, esta vez, con su tío como protagonista y convertido en un héroe que lucha durante la Segunda Guerra Mundial.

En las páginas de la novela también aparece un exitoso director de cine que descubre por casualidad ese cómic de los años 70 y que decide convertirlo en una superproducción de superhéroes.

Durante una entrevista con la revista People, el actor, de 67 años, contó que la novela está basada en sus experiencias personales en Hollywood y que con ella busca compartir también las «importantes lecciones» que aprendió en el camino o los «trucos» que hizo para salir a flote en los momentos complicados.

«Nadie sabe cómo se hace una película, aunque todo el mundo cree saberlo. Hice un montón de películas (y cuatro de ellas son bastante buenas, creo) y todavía me sorprende cómo se crean, desde una idea, hasta la imagen en pantalla, todo el proceso es un milagro», sostuvo, consciente de que aquello tiene cierto interés literario para un novelista.

Fuente: Clarín.com

El domingo se celebra el Día de las Infancias y, según estimaciones de la la Cámara Argentina de la Industria del Juguete (CAIJ), siete de cada 10 regalos que se realizan son un juguete. También pican en punta artículos tecnológicos y deportivos. Pero los libros también tienen su encanto y desde Clarín Cultura van algunas recomendaciones para todos los gustos y bolsillos.

1. Vertebrados Versátiles

Barbara Idesová, Marie Kotasová Adámková y Tom Velcovsky

¿Qué tenemos en común con algunos animales? Que somos vertebrados. En el mundo existen unas dos millones de especies y los vertebrados son el grupo más grande. Para ser un vertebrado se necesita un esqueleto, un cráneo y una columna. Este libro propone un repaso por los vertebrados más curiosos de la naturaleza.«Vertebrados Versátiles», de Barbara Idesová, Marie Kotasová Adámková y Tom Velcovsky (Pípala, $7.900).

2. Alicia en el País de las Maravillas

Lewis Carroll. Ilustraciones de Valeria Docampo

La clásica historia de fantasía sobre la niña Alicia que cae por un agujero y se encuentra con un mundo de los más extraño y maravilloso. Esta edición de tapa dura del sello unaLuna, del Grupo Claridad, está acompañada de los dibujos de la argentina Valeria Docampo. Un clásico para revisitar.«Alicia en el País de las Maravillas», de Lewis Carroll. Ilustraciones de Valeria Docampo. (unaLuna, $7.500).

3. Diario de un ogro en la escuela

Valeria Dávila y Mónica López. Ilustraciones de Laura Aguerrebehere

Un ogro se cansa de trabajar de ogro en los cuentos infantiles y decide abrir una escuela para educar a otros ogritos niños a que se limpien los mocos, por ejemplo. Lo escribe y lo cuenta con mucha rima en un diario íntimo con divertidas ilustraciones.«Diario de un ogro en la escuela», de Valeria Dávila y Mónica López. Ilustraciones de Laura Aguerrebehere (La Brujita de Papel, $3.300).

4. Un museo sobre mí

Emma Lewis

Este libro ganó en 2017 el premio a la mejor opera prima en la Feria del Libro Infantil de Boloña. Editado en Argentina por el sello Arte a Babor, que se propone hacer conocer el mundo del arte a los más pequeños, da cuenta de los distintos tipos de museos que existen: de arte, de ciencias naturales, de antigüedades y hasta en nuestras propias casas tenemos un museo casero con cosas que atesoramos y guardamos por mucho tiempo.«Un museo sobre mí», de Emma Lewis (Arte a Babor, $6.900).

5. En mitad de la noche

Guido Van Genechten

¿Qué pasaría si te despertaras en medio de la noche y te encontrás con un tigre completamente dormido al lado tuyo en tu cama? Al pequeños protagonista de esta historia le pasa con frecuencia que algún animal del zoológico elige su cama para pasar la noche. Lejos de atemorizarse, él tiene una divertida solución.«En mitad de la noche», de Guido Van Genechten (Edelvives, $5.300).

6. Una hormiga distraída

María Inés Falconi. Ilustraciones de Dani Arias

Rosalía es una hormiga muy distraída. Cuando va en fila con las otras hormigas se entretiene mirando una abeja o una mariposa o el cielo celeste. No sería un gran problema si no fuera porque se desarma la fila de homiguitas trabajadoras provocando más de un malestar. ¿Qué pasará con Rosalía?«Una hormiga distraída», de María Inés Falconi. Ilustraciones de Dani Arias (Eudeba, $2.900).

7. Mundialito Tricampeón

Carolina Salvini

La autora había publicado en 2022, poco antes del inicio de la Copa del Mundo, el libro “Mundialito”, con juegos, actividades y desafíos futboleros. Ahora, tras el glorioso resultado de Argentina en Qatar, se aventuró con la versión de los campeones del Mundo. ¿A ver cuánto sabés?«Mundialito Tricampeón», de Carolina Salvini (Planeta Junior, $4.600).

8. Messi, Campeón del Mundo

El sello Catapulta ha publicado una especie de trilogía de los campeones del mundo: “La Scaloneta”, “Messi, campeón del mundo” y “El menú de los campeones”. Con la particularidad de que los dos primeros títulos mencionados se encuentran entre los libros más vendidos en las librerías. ¡Salud!«Messi, Campeón del Mundo» (Catapulta, $3.790).

9. Alan y Laura. Misterio subterráneo

Jó Rivadulla. Ilustraciones del cómic Cristian Bernardini

Estos dos amigos, Alan y Laura, se proponen investigar qué pasó con la abuela de Alan, que sufrió un accidente en la escuela donde trabajaba. Laura sospecha que nada sucedió como lo contaron. Juntos se embarcan en una aventura en viñetas.«Alan y Laura. Misterio subterráneo», de Jó Rivadulla. Ilustraciones del cómic Cristian Bernardini (AZ, $4.300).

10. Se duerme, se despierta

Nicolás Schuff. Ilustraciones de Mariana Ruiz Johnson

Una aproximación para que los más chiquitos aprendan los opuestos con bellísimas ilustraciones y divertidas oposiciones: “Se duerme bien tapado. Despierta en calzoncillos”.«Se duerme, se despierta», de Nicolás Schuff. Ilustraciones de Mariana Ruiz Johnson (Lecturita, $5.900).

11. Detectives de mitos

Elena Luchetti. Ilustraciones de Pablo Zamboni

Con QR para acceder a música y videos, este libro se propone descubrir los grandes mitos del mundo: monstruos, héroes, guerras, animales asombrosos, viajes, desde los grecorromanos, pasando por los celtas y los inuits hasta la actualidad.«Detectives de mitos», de Elena Luchetti. Ilustraciones de Pablo Zamboni (El Ateneo, $4.990).

12. Esperanza

Gianni Rodari. Ilustraciones de Francesca Ballarini

 Giovanni «Gianni» Rodari fue un escritor, pedagogo y periodista italiano especializado en literatura infantil y juvenil, que siempre tuvo la intención de renovar la educación.  renovación educativa. En este relato, Rodari nos ofrece desde su tienda algo difícil de conseguir en estos tiempos: la esperanza. 
«Esperanza», de Gianni Rodari. Ilustraciones de Francesca Ballarini (Limonero, $6.900).

Fuente: Clarín.com

La artista Mariela Vita acaba de ser seleccionada como finalista del Premio Fortabat 2023. La noticia se suma a sus proyectos actuales y futuros. En septiembre una obra inmersiva de su autoría recibirá al público en el Espacio Andreani de arteba. Mientras tanto, la galería Del Infinito exhibe su reciente instalación, Gejigeji, una obra para atravesar, tocar y descubrir los simbolismos de la cultura japonesa escondidos en ella.

Vita nació en La Plata en 1978, donde actualmente vive y trabaja. Estudió Artes Plásticas y Diseño en la universidad de esa ciudad. Durante su carrera los guiños a la cultura oriental han sido una constante, así como su fijación por el material, el color y los diálogos que consigue entablar entre estos.

Cuando arribó a Del Infinito para estudiar el espacio de la galería la artista tenía previsto un viaje a Japón. Allí se quedaría tres meses como parte de una residencia artística. Durante ese tiempo se dedicó a pensar el proyecto que instalaría en el espacio del barrio de Recoleta. Cada elemento fue concebido para ser exhibido allí. Sus obras son pensadas para un sitio específico, no hay dos montajes iguales.

Gejigeji, curada por Carla Barbero, continúa las indagaciones de Vita alrededor del imaginario gráfico y urbano de la cultura visual japonesa. La instalación está compuesta por esculturas, objetos y pintura que hay que ir descubriendo cuando el visitante consigue romper el hechizo del primer impacto. Con formas simples y colores planos la artista crea una realidad que parece flotar y no anclarse en un tiempo ni un lugar específico.

Kawaii es una palabra en japonés para describir ternura. El adjetivo trascendió la gramática para convertirse en un estilo de vida. Esta presente en el anime, en el diseño gráfico, en los gestos y las actitudes de los japoneses. También en la instalación de Vita que nació cuando se encontraba en cuerpo y alma en esas tierras.La instalación de Mariela Vita remite a elementos de la cultura japonesa.

Entre todos los elementos que remiten a Japón, asoma la ternura. Las monedas de I-Ching que cuelgan del techo son de madera maciza que fue pulida, tallada y luego pintadas con dorado por la misma artista. Artesanía y material son elementos que caracterizan su trabajo. La versión Vita de estas monedas incluye flores de sakura, dibujos que aluden a las lluvias que caracetrizan los veranos japoneses, caritas con gestos tiernos, corazones y un ciempiés con formas sintetizadas y geométricas.

En una de las paredes de la galería la escultura de otro ciempiés repta hacia el techo. Sus colores van de un verde fluorescente hasta el blanco. Se trata de un gejigeji, una especie autóctona de Japón cuya existencia es sumamente compleja. Gracias al aporte de la curadora, Vita realiza un paralelismo de lo que es la vida de ese animal y la dinámica de los videojuegos donde hay que atravesar obstáculos, llegar al siguiente nivel, ganar vidas y acumular experiencias.

La instalación continúa con más elementos. La figura de media manzana cuelga en un costado; es una construcción de madera que la artista recubrió con un lienzo y pintó el interior de la fruta como si se tratara de un cuadro. Lo remató con una rama tomada de un árbol en el lugar del cabo. En un único elemento Vita concentra varias disciplinas artísticas.Las obras que se exhiben en el patio fueron pensadas aparte de la instalación principal.

La rigidez de la manzana hecha con madera contrasta con la naranja gigante que cuelga en otro costado. Realizada con lona su volúmen esta dado por el aire que contiene en su interior. Sin estructura interna el objeto consigue mantenerse en pie por su propio peso.

La instalación se completa con una piscina que fue rellenada de mínimas esferas de telgopor que se escurren entre las manos de quien se atreve a agarrar un puñal. Hay una pequeña escalera dentro de ella y por fuera cuadrados azules que simulan delimitar un suelo de azulejos.

Todos los elementos se conectan entre sí, hacen sistema, mientas el visitante atraviesa la instalación, la recorre y se detiene en los pequeños guiños que le llaman la atención.

El bonus track hay que buscarlo en el patio de la galería, un espacio que funciona como fuente de luz en el medio de la misma. Vita realizó esculturas de hierro especialmente pensadas para este lugar a las que intervino con un baño químico que las oxidó y les incorporó textura, mientras que algunas de sus puntas fueron cromados con un baño de níquel.

Ficha

​Gejigeji. Mariela Vita

Dónde: Galería Del Infinito. Av. Pte. Manuel Quintana 325, PB. 

Cuándo: Lunes a viernes de 10 a 18 horas. Hasta el 16 de agosto.

Entrada: gratuita.

Fuente: Clarin.com

La directora nacional de Museos, María Isabel Baldasarre, acaricia el sueño de validar su actual cargo político y dirigir el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) al haber alcanzado el primer puesto –en la última etapa del concurso– con un promedio de 91,7 puntos. Esto ha desatado un profundo rechazo dado que supone una maniobra evidente de continuidad oficialista justo antes de las PASO, que pueden reconfigurar un mapa político muy distinto al actual. Las autoridades kirchneristas le legarían así por cinco años un Museo trufado con una dirección opositora.

En el segundo puesto se posicionó el presente director, Andrés Duprat, quien está en su cargo desde 2014 y que obtuvo 87,9 puntos. En el tercero quedó la coordinadora artística del Bellas Artes, Mariana Marchesi, con 83,9 puntos. Ellos tres integran ahora la terna de la cual el ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, elegirá y legará al nuevo/a director/a del museo más importante del país. El MNBA es uno de los cuatro museos más importantes del hemisferio sur, cuyo acervo es un orgullo de todos los argentinos, junto con los de San Pablo, Melbourne y Sidney.

Es un hecho sin precedente y controversial que una funcionaria política, que tuvo acceso a las condiciones del concurso con carácter previo a la convocatoria, se haya presentado sin haber renunciado antes a su cargo actual, para empalmar ambas gestiones. El Bellas Artes depende directamente de la Secretaría de Patrimonio, a cargo de Valeria González y la Dirección Nacional de Museos depende de González. Recordemos que la convocatoria se demoró dos años y medio y el llamado fue lanzado entre gallos y medianoche, con pocas semanas de plazo, casi un traje a medida, según veremos.Tristán Bauer y Andrés Duprat, ministro de Cultura y director actual del Bellas Artes, respectivamente. Foto Martín Bonetto

Más curioso resulta que haya sido precisamente Valeria González –de quien depende este concurso en Cultura- quien propuso a Bauer el nombre de Baldasarre para el cargo que ésta ocupa (con 25 instituciones a cargo, entre ellas, el Palais de Glace, a cargo de Feda Baeza, otra funcionaria política que se presentó y también salió en la lista corta).

No solo eso: Baldasarre es amiga personal de una de las integrantes del comité de selección en el concurso: Laura Malosetti Costa, una muy prestigiosa historiadora del arte y curadora de la próxima muestra del MNBA sobre el pintor Eduardo Sívori. Además, curó el último envío que su país, Uruguay, llevó a la Bienal de Arte de Venecia en 2022. Ambas han trabajado juntas en ensayos, prólogos de libros mutuos y exposiciones. Ejemplos : Yo, nosotros, el arte; Colecciones públicas y privadas en los primeros años del Museo Nacional de Bellas Artes, etc.

Como dice a Clarín Cultura una fuente inobjetable: “Que Laura Malosetti Costa sea jurado debería ser un reaseguro en todo concurso; por eso sorprende no se haya excusado teniendo una relación tan estrecha con ‘Marisa’ Baldasarre. Por mucho menos, a un juez le iniciarían juicio político si no se inhibiera de actuar cuando conoce a una de las partes en una causa”.Al centro de la foto Tristán Bauer; hacia la derecha de la imagen, de pelo corto, atrás de la mujer de tapado cuadrillé blanco y negro, se ubica Marisa Baldasarre.

La prisa por convocar y rubricar el concurso en el MNBA antes de las PASO bastó como alerta para muchos. En diciembre de 2020, cuando la Argentina había superado la cuarentena por el Covid 19 (hubo un bonus track de tres meses más en 2021), el Ministro Bauer debió convocarlo pero no lo hizo y ahora todo se ha sustanciado en tiempo récord, apenas un mes, calculando todo el proceso al calor de las PASO. Los puntajes se conocieron anoche, en uno de los días más calientes de la agenda política nacional.

Un informante asegura a Clarín Cultura: “Es manifiesta la relación profesional y personal de la jurado Laura Malosetti Costa con la participante María Isabel Baldasarre, quien quedó en primer lugar de la terna. Ello, además de las actividades académicas en la Universidad Nacional de San Martín (Unsam), de la que Malosetti es decana en la Escuela de Arte y Patrimonio”. Las redes sociales atestiguan y multiplican las admiraciones públicas entre ambas.

Otra fuente desliza que, conocida la lista corta de postulantes, cuando vio el nombre de Baldasarre, el jurado Eduardo Stupía, reconocido artista plástico, hizo oír sus observaciones. De todos modos, como ya había comprometido su presencia como jurado, continuó en el comité.

Fuente: Clarín.com

Es difícil establecer si Delia Cancela fue atravesada tempranamente por la cultura de los swinging sixties o si fue su trabajo, junto al de otros referentes, el que definió el momento en la Buenos Aires de mitad de siglo. Dueña de un estilo al que fue fiel durante toda su vida, que recuerda que mundos maravillosos todavía son posibles y que la moda no es frívola, sino una disciplina también artística habilitada a conmover, la artista reina de corazones sigue activa a sus más de 80 años. En la galería Herlitzka & Co acaba de inaugurar Catwalk (Pasarela), una pequeña muestra de trabajos realizados en la década del 70, 80 y 90.

Se trata de una muestra reducida porque Cancela ha acumulado un caudal de obra inmenso a lo largo de su vida artística. Un poco guardó, otro tanto se quemó en un feroz incendio del que prefiere no hablar, y una importantísima cantidad se conservó.

Cancela comenzó a trabajar en la década del 50 influenciada por la tenencia del momento: el informalismo. Adoptó lo que todos estaban haciendo, pero a su estilo, que había definido tempranamente. Gracias a su padre distribuidor de diarios y revistas accedió al mundo editorial y se fascinó con las revistas de moda. Los primeros trabajos informalistas, por lo tanto, estaban cargados de retazos de textiles, figurines y recortes.Delia Cancela sigue activa a sus más de 80 años. Foto Guillermo Rodríguez Adami

La incorporación de elementos extraartísticos comenzaba a vislumbrarse en el trabajo de todos los artistas jóvenes. En el Instituto Di Tella, una obra de teatro, un happening o un concierto era asumido como obra de arte tanto como una pintura.

En ese ambiente Cancela y su pareja desde inicios de los 60, Pablo Mesejean, comienzan a trabajar haciendo de la moda el soporte de sus obras de arte. La historia dirá años más tarde que serán el primer dúo artístico que registra la Argentina.

Pero la violencia de la dictadura que había iniciado en 1966 con Juan Carlos Onganía se hacía sentir sobre intelectuales y artistas. En las inmediaciones de la ‘manzana loca’, como se conocían las cuadras que rodeaban al Di Tella, los arrestos estaban a la orden del día.Delia Cancela, artista reina de corazones. Foto Guillermo Rodríguez Adami

Así lo recuerda Cancela: “En los ‘60 nos perseguían a los artistas, más que nada a ellos, a los muchachos. A nosotras las mujeres no tanto, pero la policía te perseguía, te paraba».

Cancela dejó el país de manera definitiva en el ‘69 con destino Nueva York. Su vida en el exterior la llevó también a Londres, donde sintió a la ciudad como su verdadera casa, y luego a París.

En el 2000 regresó y aunque en su etapa europea había trabajado para lo más reconocido de la industria editorial de la moda, había conocido fotógrafos, estilistas y modelos, en Buenos Aires era una más.

Una pequeñísima parte de toda su producción europea es la que desde hace días se exhibe en la galería de Recoleta con diseño de montaje de Cecilia Garavaglia, su antigua galerista.

Son obras históricas de las décadas del 70, 80 y 90, la mayoría muy pocas veces expuesta. En estas piezas habitan desde su mundo más íntimo hasta su producción de prendas mostradas en las pasarelas parisinas ante cientos de invitados y prensa.El «registro de performance» del desfile que realizó en Le Palace se compone de anotaciones que hizo sobre cada pasada de las modelos, en los que incluye el diseño que vestirían, los accesorios que llevarían, el nombre de cada una y el orden de pasada. Foto Guillermo Rodríguez Adami

«La gente que esta acá no conoce mi vida, mis 30 años en Europa. Esto es una parte mía que Argentina no conoce”, apunta Cancela y recuerda que cuando regresó en el 2000 fue Garavaglia la primera galerista en apostar a su obra.

“Mostré obra con gente que eran en ese momento las promesas, muy jóvenes al lado mío. Mostré como si fuera una joven y eso para mí fue importantísimo”, rememora.

Cuando desembarcó en Nueva York a fines de los ‘60 fue casi de manera inmediata a trabajar para Vogue. Los figurines, los accesorios y la ropa que hacían Cancela y Mesejean estaban en sintonía con lo que la publicación buscaba entre las nuevas tendencias. “Nos aceptaron y enseguida empezaron a publicarnos y empezamos a hacer cosas para ellos. A nosotros se nos abrió la puerta enseguida”, reconoce.Delia Cancela aclara que sus dibujos no son ilustraciones. Foto Guillermo Rodríguez Adami

Pero la Nueva York de entonces lejos estaba de ser la ciudad segura que es hoy. “Nos quedamos un año porque yo no soporté, me parecía muy violento en esa época. No quería violencia acá ni allá”, cuenta Cancela. Lo que siguió fue un pasaje a Londres y un nuevo inicio. “Fue el lugar que realmente me abrió, donde yo sentí la libertad de poder hacer, de crear sin tener miedos”, admite.

Ya con un portfolio de trabajos en la Vogue estadounidense tocar las puertas de la Vogue inglesa fue sencillo. Allí el dúo Cancela-Mesejean conoció a Grace Coddington, la histórica estilista, partener de Anna Wintour, cuyo trabajo fue revalorizado a partir de 2007 tras la publicación del documental The september issue que cuenta cómo se produce la edición más importante del año que publica Vogue.

Cancela y Mesejean eran jóvenes, pero su trabajo y estilo ya estaban maduros. A Vogue le siguieron las otras revistas de moda más relevantes como Harper’s & Queen, Marie Claire y Vanity Fair, entre otras, y colaboraciones con distintos diseñadores.

Entre figurines, prendas y accesorios pasaron sus años en Londres. Sus dibujos, aclara, no son ilustraciones. La mitad de la exhibición en Herlitzka & Co se compone de estos trabajos que muestran mujeres estilizadas, vestidas a tono con la década del 70.La mitad de la exhibición en Herlitzka & Co se compone de estos trabajos que muestran mujeres estilizadas, vestidas a tono con la década del 70. Foto Guillermo Rodríguez Adami

Detrás de estas imágenes románticas y a la moda se esconden escenas irónicas, reivindicaciones feministas, guiños a la comedia del arte y huellas con las que rastrear el universo exuberante, lúdico, romántico y sensual que caracteriza al día de hoy a Cancela.

«Yo no hago diferencia, la moda y el arte son dos manifestaciones diferentes, pero yo como artista cuando decido trabajar en la moda es para mí un medio que tiene que ver con el arte, es arte. Cuando trabajo, trabajo con el cuerpo, así trabajamos cuando estábamos en Londres, la ropa se arma en el cuerpo, en el maniquí, se cose a mano, se le agregan cosas”, reflexiona.

Otro eje de la exhibición son los dibujos que Cancela realizó sobre sus parejas y amigos más cercanos a lo largo de toda su vida. Con Mesejean estuvo unida 20 años y una vez separados continuaron trabajando como dupla creativa.

Hubo otros amores en la vida de Delia, como el padre de su hija Celeste, que ella se dedicó a retratar en distintas poses, algunas más eróticas, en papeles y cuadernos. Algunos de esos trabajos, jamás antes exhibidos, cubren una pared de la galería. En una de las obras, que sobresale porque es la única a color, una mujer monta un pene. Entre risas, Cancela dice que esa sería ella entre todos sus hombres.«Yo no hago diferencia, la moda y el arte son dos manifestaciones diferentes», dice Delia Cancela. Foto Guillermo Rodríguez Adami

Fue idea de Mauro Herlitzka que Cancela compartiera estos trabajos como un elemento disruptivo entre tanta feminidad. «Acá hay todo un trabajo más íntimo, con otra conexión, que no es distinta ni menor que las otras, sino otra mirada”, explica el galerista.

Y prosigue: “Hoy tenemos una mirada de cuestión de género, identidades masculinas, femeninas, con todas las clasificaciones que tenemos. Pero acá estamos hablando de los ‘70. También acá hay una mirada de Delia de entender distintas variantes de la relación con el hombre, las masculinidades, las distintas formas de expresión donde ella tiene una sensibilidad muy especial, innata, intuitiva que la expresa acá”.

Audiovisual

El otro eje de la muestra, con el que Cancela parece más entusiasmada, se compone del registro fílmico del desfile realizado en 1979 en Le Palace, un teatro parisino a pocas cuadras del Museo de Louvre, y de las anotaciones que hizo sobre cada pasada de las modelos, en los que incluye el diseño que vestirían, los accesorios que llevarían –realizados por su marca Pablo & Delia–, el nombre de cada una y el orden de pasada.

Aparecen allí los nombres de Inés de la Fressange, Mercedes Robirosa (la hermana modelo de la artista Josefina Robirosa) y Violeta Sánchez, entre otras. Delia las recuerda a todas con afecto y admiración.

Cuando se le consulta a Cancela por qué guardó estos papeles, simplemente responde: “Porque es un dibujo. Tengo dibujos hechos en papelitos chiquitos y están guardados porque es mi obra. Un día saqué estos trabajos y dije ´esto es un registro de performance´”.En una de las obras, que sobresale porque es la única a color, una mujer monta un pene. Entre risas, Cancela dice que esa sería ella entre todos sus hombres. Foto Guillermo Rodríguez Adami

Estos símil bocetos, que ella portaba en una carpeta mientras durara el desfile para asegurarse que todo saliera tal cual lo habían pensado, componen hoy un mural. Fueron perfectamente conservados y resguardados del paso del tiempo.

“Yo tenía la persona que lanzaba las modelos que era Santiago Jaime, mi amigo que está ahí (señala a los dibujos de sus ex, aunque Jaime fue su amigo). Pablo que se ocupaba todo lo que era la organización de los accesorios, que había mucho, y yo me ocupaba de todo. Y me peleaba con Pablo”, acota entre risas.

El correlato de su registro de performance es el registro fílmico del desfile y el detrás de escena proyectado en otro sector de la galería. “Lo interesante es que antes no se filmaban los backstages, solo los desfiles. Esto es completamente nuevo. La cámara que filmó esto pasó la noche anterior con nosotros en el estudio donde trabajábamos filmando todo, pero no pudimos recuperar ese material”, sostiene.

Delia observa la filmación, se reconoce, cuenta cómo las modelos se peinaban solas y la cantidad de personas y prensa que asistían a sus desfiles que cruzaban la performance con el happening. A los 83 años, la artista es la historia viva de una época en la que se animaron al amor entre tanta violencia.

Ficha

Catwalk (Pasarela), de Delia Cancela
Dónde: galería Herlitzka & Co, Libertad 1630.
Cuándo: de lunes a viernes, de 11.30 a 19. Hasta el 11 de octubre.
Entrada: gratis.

Fuente: Clarín.com

En un país sumergido en la vorágine electoral, la feria arteba asomará en el calendario los primeros días de septiembre con su edición número 32. Fechada a mitad de camino entre las PASO y las elecciones generales, la mayor fiesta del arte argentino promete ser termómetro del estado de situación económico y político de la Argentina, aunque el clima de celebración que atraviesa al ecosistema artístico en cada edición promete superar los sinsabores de la vida cotidiana.

arteba se llevará a cabo nuevamente en el Centro Costa Salguero, domicilio que estrenó el año pasado, tras una prueba piloto en el complejo Arenas Studios de La Boca y luego de décadas de celebrarse en La Rural. Abrirá sus puertas al público general desde el viernes 1° hasta el domingo 3 de septiembre, en tanto que los invitados especiales podrán acceder a la feria desde el miércoles 30 de agosto. 

La feria, que cuenta una vez más con el apoyo de Clarín y la Revista Ñ, se propone como espacio de encuentro para todas las personas que integran el ecosistema del arte local, desde artistas, galeristas, curadores, coleccionistas y el público en general. No obstante, el objetivo principal de arteba es fortalecer el mercado de arte argentino con prácticas transparentes y profesionales.

“Desde la Fundación, buscamos fomentar la adquisición de obras de arte provenientes de museos públicos y privados, estimular la producción artística contemporánea, promover el crecimiento del coleccionismo privado y establecer redes y colaboraciones que impulsen un ecosistema diverso y sostenible”, precisaron desde la organización.arteba estará abierta al público general a partir del 1 de septiembre. Foto Fernando de la Orden

Qué galerías estarán presentes en arteba

Para esta edición, participarán más de 400 artistas, representados por 58 galerías de más de 15 ciudades. Los espacios participantes fueron seleccionados por un comité independiente integrado por César Abelenda, director de Galería Pasto; Carla Barbero y Sonia Becce, curadoras independientes; Leopol Mones Cazón, director de Galería Isla Flotante, y Marina Pellegrini, directora de Galería Vasari.

La novedad: por primera vez seis galerías, cinco de ellas del interior del país, participarán gracias a la Beca MICA Utopia, un programa inaugurado este año por la Fundación arteba y el Ministerio de Cultura de la Nación, a través del MICA (Mercado de Industrias Culturales Argentinas).

El objetivo de estas becas era permitir el acceso de galerías y proyectos artísticos de todo el país a la sección Utopia —tanto por primera vez como si hubieran participado en ella en no más de dos ediciones previas—, para así visibilizar nuevas escenas y dar continuidad al trabajo emprendido.

Las galerías participantes de la Sección Principal, espacios establecidos y reconocidos por su trayectoria, serán: Aldo de Sousa (Buenos Aires); Alejandro Faggioni – Estudio de Arte (Buenos Aires); Barro (Buenos Aires); Calvaresi (Buenos Aires); Constitución (Buenos Aires); COSMOCOSA (Buenos Aires); Cott (Buenos Aires); Del Infinito (Buenos Aires); Diego Obligado Galería de Arte (Rosario); Gachi Prieto (Buenos Aires); Galería Nora Fisch (Buenos Aires); Galería Rubbers (Buenos Aires); Galería Sendros (Buenos Aires).La edición arteba 2023 contará con la participación de galerías del interior ganadoras de la Beca MICA Utopia. Foto Fernando de la Orden.

También estarán Herlitzka & Co. (Buenos Aires); Isla Flotante (Buenos Aires); Jorge Mara – La Ruche (Buenos Aires); Maman Fine Art (Buenos Aires); María Casado (Béccar); MC galería (Buenos Aires); Miranda Bosch (Buenos Aires); Mite (Buenos Aires); Palatina (Buenos Aires); Pasto (Buenos Aires); Piedras (Buenos Aires); Revolver galería (Buenos Aires); Roldan Moderno (Buenos Aires).

Y Rolf Art (Buenos Aires); Ruth Benzacar Galería de Arte (Buenos Aires); Sputnik (Buenos Aires); Subsuelo (Rosario); Sur (Montevideo – Punta del Este); The White Lodge (Córdoba); Tomas Redrado Art (Miami); Vasari (Buenos Aires); Via Margutta Arte; Contemporáneo (Córdoba); Vigil Gonzales (Cusco / Buenos Aires); W-Galería (Buenos Aires).

Por otra parte, estará la sección Utopia, el sector de la feria dedicado a galerías, espacios gestionados por artistas, organizaciones con y sin fines de lucro y otras plataformas experimentales de comercialización que se enfocan en las producciones más recientes.

Aquí se presentarán los proyectos seleccionados a través de la BECA MICA Utopia. Se trata de las galerías Chorizo Galería (Resistencia); Galería Komuna (Buenos Aires); Jamaica ATR Gallery (Rosario); Laguanacazul (Calafate); Remota (Salta); Satélite (Córdoba).

Por segundo año consecutivo, arteba cuenta con la colaboración especial del arquitecto Horacio Torcello para el diseño del plano y la señalética de la feria.El diseño del plano y la señalética de la feria estará a cargo del arquitecto Horacio Torcello. Foto Fernando de la Orden.

Premio en obra y Premio arteba Coleccionismo

Como ya es tradición, la feria será el escenario para la entrega del Premio en Obra. Creado en 2008 por Juan Cambiaso con el fin de reconocer la creatividad y el talento de los artistas emergentes y los proyectos de galerías en su etapa inicial, desde el 2014 es organizado y coordinado por Abel Guaglianone y Joaquín Rodríguez.

Con trece ediciones realizadas en la feria arteba y dos en el Mercado de Arte Contemporáneo Córdoba, el premio entrega un reconocimiento económico sin la adquisición de la obra galardonada.

Los candidatos serán las 21 galerías y los artistas participantes de Utopia, la sección dentro de la feria que reúne espacios nuevos, innovadores y alternativos, que representan artistas de reciente trayectoria.

El jurado del premio está compuesto por el curador Raúl Flores y las coleccionistas Nicole Moises y Claudia Akian. El premio, cuyo monto se dará a conocer el mismo día del anuncio de los ganadores, es posible gracias a las donaciones de coleccionistas y entusiastas del arte. Los ganadores se anunciarán el viernes 1 de septiembre a las 17 horas.

Por otra parte, la edición 2023 inaugurará el Premio arteba al Coleccionismo que tiene como objetivo resaltar la dedicación y el impacto significativo del rol de esta actividad, destacando figuras relevantes que inspiran la formación de colecciones. La entrega del premio se hará el jueves 31 de agosto a las 12 horas en el Espacio para Coleccionistas y Profesionales.La edición arteba 2023 estrenará el Premio arteba al Coleccionismo. Foto Fernando de la Orden.

Programación artística especial

La feria contará también con una programación artística especial, curada por profesionales de renombre y trayectoria argentina.

En el Espacio Andreani, la curadora Florencia Battiti, Directora Ejecutiva del Parque de la Memoria, seleccionó una obra inmersiva de la artista platense Mariela Vita, representada por la galería NN, que le dará la bienvenida al público.

El Programa de Videos IRSA, curado por el artista Santiago Villanueva, esta dedicado a obras en formato audiovisual. Bajo el nombre Videohechizos (1974-2023), se presentarán trabajos de Marie Louise Alemann (Rolf Art) Batato Barea (COSMOCOSA) Emilio Bianchic Constanza Giuliani (Piedras) Federico Klemm Alejandro Kuropatwa (Vasari) Tomás Maglione (Ruth Benzacar Galería de Arte) Daniel Melgarejo Alberto Passolini (Constitución) El Pelele (Galería Sendros) y Gregorio Rubio (Hipopoety).

En tanto, el Programa de Videos Patio Bullrich, curado por Eugenio Viola del Museo de Arteo Moderno de Bogotá, presentará un programa de acciones performáticas en el ámbito ferial, en un espacio destacado y con obras en vivo. Baja el título Una vez más se programaron: “El rodete de Evita” de Pancho Casas (30 de agosto); “Las Amargas” de Mauro Guzmán (31 de agosto); “DESCARTES-BORDERLINE” de Liv Schulman (1 de septiembre); “Arco reflejo” de Sofía Durrieu (2 de septiembre); “Defenso inútil” de Daniela Aranudo (3 de septiembre).La curadora Lara Marmor tendrá a su cargo el Programa de Arte y Sustentabilidad Zurich. Foto archivo Clarín.

La curadora Lara Marmor tendrá a su cargo el Programa de Arte y Sustentabilidad Zurich. Éste propone abordar los problemas de la sustentabilidad a partir de producciones artísticas que invitan a reconsiderar y cuestionar las formas en las que nos relacionamos con el planeta y sus habitantes. Artistas seleccionados: Marcelo Alzetta (Calvaresi) Claudia del Río (W-Galería) Lola Goldstein (María Casado) Mónica Heller (Piedras) y Lux Lindner (Galería Nora Fisch).

El Programa de Arte e Impacto Social YPF estará a cargo de la curadora y gestora salteña Andrei Fernández. Se centrará en propuestas en donde la producción artística va de la mano de la voluntad de transformar su contexto y comunidad. Bajo el título El sentido migrante se presentarán proyectos de Distrito 1 Fundación; Mantera Galería; Qomlashepi, Mujeres indígenas; Silät, Tejedoras Wichí; Tejedores Andinos; y Tribu del Trueno.

Por último, los asistentes volverán a encontrarse con la Isla de Ediciones Fundación Proa, el espacio dedicado a vincular la práctica artística con el pensamiento, que contará con charlas y presentaciones de libros curada este año por el editor venezolano Carlos Ávila. Participan proyectos independientes, la librería La Paragráfica y se invitó a las editoriales Buchwald, Caja Negra, Caracol Ediciones, Cruce, Fadel & Fadel, Iván Rosado, Ripio y Ubu.

Ficha

Arteba
Dónde: Centro Costa Salguero. Av. Costanera Rafael Obligado 1221. 
Cuándo: 30 y 31 de agosto (invitados especiales). 1, 2 y 3 de septiembre (público general).
Entrada: disponibles en www.arteba.org. Preventa $2200 / general $2500. Jubilados y estudiantes $1250 (presentando constancia). Menores de 10 años sin cargo. Personas con discapacidad (+ 1 acompañante) sin cargo (presentando certificado).

Fuente: Clarín.com

Se dice que el ser humano –en su carrera científica– ha llegado a conocer mucho más lo que sucede en el universo, en las galaxias, en planetas que por el momento nunca ha pisado, ubicados a distancias inconcebibles de la Tierra, o sólo concebibles precisamente en la ciencia física, que lo que ocurre “aquí nomás”, en un océano a 8.000 metros de profundidad. Once mil metros si se trata de la fosa de las Marianas en el Pacífico. El punto de mayor profundidad en el planeta: apenas 11 kilómetros. Los aviones vuelan a una altitud mayor. No parece una distancia insalvable y, sin embargo, por ahora, lo es.https://45bfd1d703ba8e71e7f8c0894494a785.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.html

A 8.000 metros de profundidad, la presión atmosférica, la oscuridad, la densidad, la falta de oxígeno, el peso de la masa de agua, tornan casi imposible cualquier tipo de vida.

Casi.

Zona Hadal se llama ese lugar de aguas profundas del océano, donde habitan especies que resisten esas condiciones medioambientales. También es el nombre que eligieron la escultora Claudia Aranovich, la videoartista Margarita Bali y el músico Gabriel Gendin para sumarle a la muestra Marea Alta, una reversión de la mega instalación inmersiva que impactó el público hace diez años en el subsuelo del Centro Cultural San Martín como parte del Festival Noviembre Electrónico de 2013.
Zona Hadal se llama ese lugar de aguas profundas del océano, donde habitan especies que resisten esas condiciones medioambientales. Gentileza

Si aquella experiencia había durado nueve días, y desde entonces nunca han dejado de preguntarles a las artistas cuándo la repondrían, esta vez, Marea Alta + Zona Hadal puede verse desde este viernes hasta el 16 de septiembre en la sala Imán de la Fundación Cazadores, en Villa Crespo.

Aranovich es escultora. Bali es coreógrafa y artista electrónica, además de bióloga graduada en la Universidad de California. Se conocieron como alumna-maestra, ocupando las dos, a su tiempo, ambos roles: Bali tomó clases de escultura con Aranovich; Aranovich tomó clases de videomapping con Bali. Dicen en chiste cómplice que todavía se siguen aguantando.

Hace más de una década, se les ocurrió montar un proyecto artístico interdisciplinario: Claudia hizo las esculturas que alojaban los videos de Margarita. La temática: el origen de la vida y la naturaleza. Si hay consenso científico para asegurar que la vida se dio a partir de organismos primitivos provenientes del agua, esta instalación da cuenta de esas ideas.Instalación «Marea Alta + Zona Hadal», de las artistas Claudia Aranovich y Margarita Bali, con música de Gabriel Gendi. Gentileza

Marea Alta se compone de grandes objetos marinos –seis esculturas, una con forma de caracol, otra de medusa, otra de caparazón y así– en una gran sala a oscuras con montículos de arena sobre los que se proyectan imágenes de figuras humanas en movimiento, dentro del agua, fusionadas con imágenes de especies de mar.

La Zona Hadal es un agregado nuevo a aquella instalación, con nuevas esculturas –burbujas como abismos– y proyecciones. Hadal refiere al dios griego del inframundo, Hades, y además en francés significa “lugar de la muerte”.

Difícil imaginar vida a más de 6.000 metros de profundidad. Habitan, no obstante, especies en un tiempo prácticamente detenido. Moluscos, crustáceos, peces abisales, organismos resilientes con luminiscencia propia, sin ojos o de gran tamaño, con muchos años de gestación y que, en definitiva, sobreviven y se alimentan del detrito de los océanos.

“Los vemos como seres raros. Son el ejemplo de resiliencia de la naturaleza, porque en las condiciones más adversas hay vida. Y además también así fue el origen de la vida”, cuenta Claudia Aranovich en charla con Clarín Cultura durante una recorrida por la muestra, que se inaugura oficialmente este jueves a las 19 (al público desde el viernes).La vida en las profundidades es un ejemplo de resiliencia para estas artistas. Gentileza

Y agrega: “Es también una forma de hablar sobre lo que sucede en la naturaleza, sobre la degradación de los océanos y la resiliencia de la naturaleza. La Zona Hadal es un lugar casi sin tiempo, con especies sin ojos, donde no hay luz, con seres extraordinariamente resistentes”.

La propuesta de Aranovich y Bali invita a imaginar cómo es ese lugar inaccesible: dado que resulta aún dificultoso para la ciencia estudiar esas profundidades, entonces el arte hace su propuesta apelando a la imaginación. Dice Rodrigo Alonso en el texto curatorial que acompañó la muestra de 2013: “Es éste un universo inasible, recóndito, conjetural, al que se accede más fácilmente con la imaginación que con la ciencia”.

Esta obra coreográfica-visual de grandes dimensiones, que conjuga el lenguaje coreográfico de Bali y el escultórico de Aranovich, se suma la composición musical del artista multimedial Gabriel Gendin.Una escultura con forma de caracol de Claudia Aranocich, sobre la que se proyecta una producción coreográfica visual de Margarita Bali. Gentileza

La música –sonidos de mar, de agua, de naturaleza– fue creada especialmente para esta instalación y se emite en loop en combinación con las proyecciones de los videos en las esculturas: una secuencia de principio a fin dura diez minutos en la que difícilmente los visitantes lleguen a coincidir en su ingreso con el inicio de la serie.

Pero en caso de coincidir ambos momentos, lo que el espectador verá, inmerso en la oscuridad, es la proyección de una ola, cinco humanos que llegan a la zona de arena y luego cada uno va a vivir en las seis esculturas con forma de caracol, medusa, valva.

Esta instalación, plantea Alonso, “es el resultado de una triple investigación estética, tecnológica y científica. Explora las posibilidades híbridas del encuentro entre danza, escultura, universo sonoro, narrativa y diseño audiovisual”.La música –sonidos de mar, de agua, de naturaleza– fue creada especialmente para esta instalación y se emite en loop en combinación con las proyecciones de los videos en las esculturas. Gentileza

Suma: “De la reunión de estos tres artistas y sus particulares modos de construir una obra conjunta multidimensional surge esta experiencia visual, espacial, aural y participativa, que transporta al espectador a un mundo líquido, habitado por seres fantásticos, dinámicos y fluidos”.

Al respecto, comenta Viviana Romay, directora general de Fundación Cazadores: “El foco de la Fundación es la formación y difusión de artistas y proyectos que buscan desafiar y explorar los límites de las disciplinas artísticas, sus formatos y dispositivos. La amalgama que logran Claudia Aranovich y Margarita Bali habla justamente de la posibilidad de explorar fusiones y dispositivos”.

Además, como antesala de la muestra, en el ingreso, se exhiben obras y producciones independientes de las dos autoras. Margarita Bali presenta Mujer oceánica, un torso sobre el que se proyectan algas, corales y medusas que aparentan arterias y órganos tramados con diseños orgánicos de vestimentas femeninas; mientras que Claudia Aranovich exhibe sus semiesferas en las que a través de las lupas incorporadas se vislumbran misteriosos mundos interiores de abismos oceánicos y bosques artificiales.

Ficha

Marea Alta + Zona Hadal, de Claudia Aranovich y Margarita Bali. Con música de Gabriel Gendin
Dónde: Fundación Cazadores, Villarroel 1438.
Cuándo: de miércoles a sábados, de 16 a 20. Desde el 11 de agosto al 16 de septiembre.
​Entrada: gratis.

Fuente: Clarin.com