Categoría: Entretenimiento

La escritora estadounidense Patricia A. Billingsley propone una relectura de Poeta en Nueva York, del escritor español Federico García Lorca (1898-1936), a la luz de la relación sentimental que mantuvo con el estadounidense Philip Cummings.Lorca in Vermont explora el vínculo afectivo entre García Lorca y Philip Cummings. Foto: redes sociales.

Su obra Lorca in Vermont (Taurus), basada en cartas familiares, recuerdos, diarios, poemas y traducciones, sigue el rastro de un verano, de un paisaje y de una experiencia afectiva que, según plantea la investigación, iluminan una parte sustancial de la escritura lorquiana.

La autora, experta en Literatura del siglo XX y que ha dedicado más de catorce años a estudiar esta relación, atribuye la ocultación de la visita de García Lorca a Vermont (EE.UU.) en el verano de 1929, invitado por Cummings, a la homofobia de la época y «a una conspiración de silencio» sostenida durante casi veinte años para proteger el legado del escritor español.

La narración se remonta al primer encuentro entre Cummings, un joven de 21 años, y García Lorca en la Residencia de Estudiantes de Madrid en julio de 1928.

Cummings enseña al poeta español fotos de Vermont y lo invita a ver otras en su habitación, donde se produce, según Billingsley, su primer encuentro sexual.

Agosto en Vermont

Poco antes de embarcar hacia Nueva York, García Lorca se cruza con el joven estadounidense en el tren de Madrid a París. De ese reencuentro surge la invitación de pasar el mes de agosto en su casa del lago Eden, en Vermont, referencias que aparecerán en los versos de Poeta en Nueva York.

La escritora subraya que ese es el primer lugar donde Lorca vuelve a escribir tras semanas «casi mudas» en Nueva York, un espacio «de respiro» tras el «desconcierto» de la gran ciudad, y también un paisaje que permite a los dos hombres estar juntos con «una libertad vigilada».

El paisaje idílico, precisa, no borra el conflicto interior que recogen los poemas que el español escribió allí, ‘Cielo vivo’, ‘Muerte’, ‘Poema doble del lago Eden’ y ‘Tierra y luna’, en los que sigue empujando el lenguaje hacia la imaginería surrealista y el flujo de conciencia.

Los poemas muestran a un hombre atravesado por la ira, la desesperación y la angustia, incapaz de encontrar el amor auténtico que busca y, sobre todo, de hablar abiertamente de sí mismo, según Billingsley.Lorca in Vermont explora el vínculo afectivo entre García Lorca y Philip Cummings. Foto: redes sociales.

Una nueva edición

La editorial Arrebato acaba de sacar, además, una nueva edición de Poeta en Nueva York basada en los originales que el poeta dejó en julio de 1936 en las oficinas madrileñas de su amigo José Bergamín junto a una nota manuscrita: «Querido Pepe: He estado a verte y creo que volveré mañana».

Un mensaje de resonancias trágicas ya que, a los pocos días, intuyendo el inicio de la guerra civil española (1936-1939), marchó hacia Granada, donde sería detenido y asesinado el 19 de agosto por el bando sublevado contra el Gobierno de la II República.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

La obra de Miguel Hernández culminó con un último poemario, Cancionero y romancero de ausencias, que su muerte le impidió concluir y que supone una de las grandes expresiones poéticas del autor español, según el poeta y filólogo Luis Alberto de Cuenca, responsable de una nueva edición de este libro (Reino de Cordelia).‘Cancionero’ y romancero de ausencias, la gran obra final de Miguel Hernández. Foto: redes sociales.

De Cuenca explicó que este poemario de Hernández (Orihuela, 1910-Alicante, 1942) es capaz de «conmocionar, más que emocionar incluso» a los lectores, ya que «agrupa y hace una especie de cóctel maravilloso» entre el neopopularismo, un cierto surrealismo, la escritura del yo y otras tendencias propias de la poesía de la época.

Hernández escribió los poemas de este romancero -acompañados en esta edición por dibujos del ilustrador Toño Benavides- como prisionero del franquismo en los últimos años de su vida, antes de fallecer por tuberculosis a los 31 años, y en ellos reivindicó la esperanza tras la desolación de la Guerra Civil.

Desde la cárcel

«Él está en la cárcel cuando escribe el libro, y está continuamente pendiente de su mujer, del hijo nuevo que ha nacido y que le sobrevivirá, además del otro hijo que ha muerto antes», indicó De Cuenca.

Este contexto de pobreza y tragedia inspirará algunos de sus versos más famosos, como las ‘Nanas de la cebolla’, incluidas en el poemario, que dedica a su hijo tras recibir la noticia de que la madre solo puede alimentar al niño «con pan y cebolla».‘Cancionero’ y romancero de ausencias, la gran obra final de Miguel Hernández. Foto: Archivo Clarín.

«Estamos viviendo algo que existe, que no se imposta», aseguró el responsable de esta edición sobre el que considera «uno de los poemas más tiernos y deliciosos» del autor, con el que aporta «una especie de hálito de vida» en esas duras circunstancias y que «humedece los ojos» del lector.

«Es un poeta prodigioso, uno de los grandes poetas del siglo XX, que no desmerece nada comparado con Lorca o Juan Ramón Jiménez», sostuvo el filólogo y también poeta, quien resalta la figura de Hernández como un hombre que «no tuvo estudios, y que a fuerza de voluntad y coraje salió adelante».

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Nunca, durante toda la charla con la escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ, la gente dejó de llegar a la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires en un viernes feriado por el Día del Trabajador que quedará para la historia, según los organizadores y los expositores. Hubo gente, hubo ventas y hubo público de pie que siguió sin moverse el diálogo con la autora de Las viudas de los jueves, con la que ganó el Premio Clarín Novela en 2005. «Muchas gracias por acompañarnos», saludó la escritora a sus lectores.Entrevista a escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ. Foto: Mariana Nedelcu.

El eje de la charla proponía recorrer el pasaje que una novela realiza hacia la pantalla, así como la escritura para el teatro o las series, un ejercicio que Claudia Piñeiro conoce muy bien como guionista y dramaturga.

Ese es el caso de la obra Como bestias, que se puede ver ahora en Hasta Trilce y de la que ella fue parte. Lo recordó así: «Tengo un amigo que es director de teatro que puso en escena varias obras basadas en textos míos. Para cada cumpleaños, nos regalamos libros y no es tan fácil cuando ambos somos lectores. Le regalé entonces una novela titulada Como bestias, de la francesa Violaine Bérot, que me había encantado. Y le dije: ‘Vas a ver que, cuando la leas, la vas a querer hacer en el teatro’. Y así fue».https://4da2ef481f2c161788813b4eb58b5134.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

De manera que el director Marcelo Moncarz y la propia Piñeiro trabajaron con el texto: «Una de las condiciones que puso la autora fue que no se le podía cambiar el texto. Y me parece fantástico porque a mí me ha pasado en una película o una serie que me encuentro con frases que yo nunca hubiera dicho», compartió.

Clases de dramaturgia

En otras ocasiones, el texto es de su autoría. Formada en dramaturgia en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), ese es un universo que conoce bien.

De hecho, sus obras dramáticas están reunidas en el volumen Cuánto vale una heladera y otros textos de teatro: «Una de las obras que escribí se llama Con las manos atadas y está basada en un cuento mío. Sucede en una escribanía en la que hay un asalto y la escribana y el empleado quedan atados en el baño todo el fin de semana. Pero cuando había escrito todo eso, me pregunté si los actores iban a poder hacer eso, estar con las manos atadas y moverse como me había imaginado. Entonces, me acuerdo de que mis hijos me ayudaron y nos atamos para probar todas las posiciones que yo había escrito para ver si efectivamente se iba a poder representar eso».

Consultada por los vasos comunicantes entre sus novelas, sus cuentos y las obras teatrales que escribe, Claudia Piñeiro explicó: «El teatro, con respecto a una novela, tiene una gran diferencia y es que, a la hora de escribir, no hay narrador. En una novela, el narrador va contando y va describiendo, pero en la obra de teatro hay personas hablando en medio del escenario y con esos monólogos o diálogos tenés que contar esa historia. Es bien distinto», subrayó.

La autora de Tuya y El tiempo de las moscas también recordó a su maestro, el escritor Guillermo Saccomanno, con quien perfeccionó su técnica: «Yo considero que mi gran maestro fue Guillermo Saccomanno. Aunque también escribo cuentos, el lugar donde me siento más cómoda es la novela. Lo que pasa con el teatro, y que me pasaba también con la literatura para chicos, es que una novela es un proyecto de muy largo aliento, puede demandar tres años de escritura y, cuando terminás una novela y quedás vacía de escritura, una historia para chicos o escribir teatro permite no volver a otro proyecto tan demandante y largo como otra novela», puntualizó.

Además, valoró que esos otros géneros le permiten otros tiempos más breves y «ciertas libertades que en las novelas que yo escribo, que son muy realistas y muy contemporáneas, no puedo usar», señaló.

Entrevista a escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ. Foto: Mariana Nedelcu.Entrevista a escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ. Foto: Mariana Nedelcu.
El otro pasaje entre registros es que muchas de sus novelas experimentaron al ser transformadas en películas de cine o series. «Decidí vender los derechos a Vanessa Ragone, con quien hice un montón de trabajos porque la respeto muchísimo». La dupla también transpuso Helena sabe, Betibú, El tiempo de las moscas y Tuya. «Tenemos un largo camino con ella», definió.

Antes de que se decidiera que el director sería Marcelo Piñeyro, hubo otros candidatos a dirigir la historia, entre los que estaba Lucrecia Martel («Hubiera sido una película totalmente distinta», señaló). Pero cuando Piñeyro apareció nació además una dupla que reincidiría luego con el éxito de la serie El reino para Netflix.

La adaptación de Las viudas de los jueves tuvo enorme éxito y no pocas quejas del público porque las decisiones al adaptarla eran evidentes para los lectores que luego iban al cine: «Lo que sucedió es que había gente en el cine que se ponía a discutir porque reclamaban por la ausencia de elementos que sí estaban en el libro. Es que se vendieron más de 500.000 libros y cada uno quería que el director hiciera su película, esa que se imaginó al leer», recordó divertida.

Otro trabajo que ponderó Claudia Piñeiro fue la interpretación de Mercedes Morán en Helena sabe: «Ella hizo muchísimo trabajo corporal, incluso con kinesiólogas y con personas especializadas en postura para lograr las posiciones necesarias para construir a una paciente con Parkinson. Y lo más increíble para mí fue que toda mi familia, mis hijos, mis tíos, mis sobrinos, mis primos estaban convencidos de que Mercedes conocía a mi mamá porque les parecía idéntica a mi mamá, porque aunque la novela no es autobiográfica, el cuerpo que yo conocía y en el que pensé al escribir era el de mi mamá. Y la verdad es que lo que hace Mercedes parece el cuerpo de mi mamá realmente aunque nunca la haya conocido».

Entrevista a escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ. Foto: Mariana Nedelcu.Entrevista a escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ. Foto: Mariana Nedelcu.
Acento mexicano
Las viudas de los jueves retornó recientemente, ahora como serie, en una producción para plataformas pero rodada en México. «Cuando vendés los derechos para una serie de plataforma, no se sabe dónde la van a rodar. En este caso, los productores encontraron que el tipo de vida de gente con determinado poder y dinero, que la novela cuenta, era muy trasladable a México. Entonces, en estos casos creo que hay que entregar. De hecho, en los próximos meses se va a estrenar la adaptación de Catedrales y es una producción con actores chilenos y rodada en Uruguay que se verá por Amazon Prime», anticipó.

La charla permitió además recordar el inicio del trabajo conjunto de la dupla Piñeiro-Piñeyro sobre el guion de El reino, sobre las adaptaciones de Tuya y El tiempo de las moscas, la venta de los derechos de La muerte ajena, su más reciente novela; y muchos otros pasajes de lenguaje.

Entrevista a escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ. Foto: Mariana Nedelcu.Entrevista a escritora Claudia Piñeiro en el espacio cultural de Clarín-Ñ. Foto: Mariana Nedelcu.
Y sobre la sensibilidad de los escritores y artistas para tomarle el pulso a su tiempo incluso antes de que el resto de la sociedad se dé cuenta de lo que pasa: «Yo siempre cito un texto de Antonio Tabucchi que se llama Autobiografías ajenas, donde él dice que los escritores tenemos unas antenas muy paradas, estamos muy atentos a lo que está pasando y además tenemos la posibilidad de bajarlo rápidamente a las palabras. A veces, hay muchas otras personas atentas, pero no tienen el oficio de la escritura. Entonces, tenemos las antenas paradas, tenemos la facilidad de la palabra y, por eso, algo que ya está en la sociedad dando vuelta, lo volcamos rápidamente y alguien dice: ‘Uy, lo vio antes’. En realidad, puede ser pero también puede haber pasado que se escribe antes», concluyó.

Fuente: Clarín.com

En el marco de las conmemoraciones por los 40 años del fallecimiento del escritor, el Ministerio de Cultura de la Ciudad, el Instituto Cervantes y la Fundación Internacional Jorge Luis Borges anunciaron la incorporación del legado borgeano a la emblemática cápsula del tiempo llamada Caja de las Letras, de la sede madrileña.Victoria y Mariana Kodama, la ministra Gabriela Ricardes, y Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, durante el acto. Foto: gentileza.

El acto se desarrolló en la Fundación Internacional Borges (Anchorena 1660), que hace poco reabrió sus puertas para conferencias, talleres y visitas guiadas a su museo, que permiten un acceso íntimo al inagotable universo del escritor.

El año pasado, el Ministerio de Cultura advirtió la ausencia del máximo exponente de la literatura argentina en la Caja, al tiempo que incorporaban el legado de Maria Elena Walsh y Sara Facio. La ministra porteña Gabriela Ricardes demostró el orgullo de llevar adelante esta acción y agradeció a la Fundación por preservar el legado del escritor. “Que este ingreso se dé además junto a los herederos de María Kodama, que entendió y cuidó ese legado con tanta responsabilidad, es una enorme felicidad”.

Después de un recorrido por la Fundación llevado a cabo por Victoria y Mariana Kodama, Ricardes, María Victoria Alcaraz, directora General de Cooperación Cultural y Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, brindaron un discurso para anunciar el inicio del viaje del legado del escritor a la capital española.

Internacionalización de la cultura

Por su parte, María Victoria Alcaraz puso en valor los trabajos de proyección internacional de la cultura porteña. “Desde el Ministerio de Cultura de la ciudad tenemos un enorme interés y preocupación por trabajar en la internacionalización de la cultura de la ciudad de Buenos Aires, declaró.

Victoria Kodama manifestó el enorme orgullo y responsabilidad que siente por mantener vivo el legado de su tía María Kodama, viuda y albacea del escritor, fallecida en 2023. “Ella supo entender lo que Borges hubiera querido”.

“Desde el Instituto Cervantes será un inmenso honor vincular los nombres de Jorge Luis Borges y María Komada a nuestra tradición y nuestra historia” expresó el director del Instituto Cervantes, a la vez que anunció que se realizarán jornadas especiales también en Madrid.

Remarcó que las bóvedas que antes resguardaban caudales económicos, hoy preservan un patrimonio cultural :“Estamos convencidos de que la mayor riqueza de una comunidad es su cultura y de que la mejor manera de comprometernos con el futuro es recibiendo las herencias del pasado”.

El Instituto Cervantes funciona en el edificio que solía ser el Banco del Río de La Plata, cuya bóveda acorazada se transformó en La Caja de las Letras. Desde 2007 reciben y resguardan testimonios y objetos pertenecientes a personalidades de la literatura, el pensamiento y las artes del mundo iberoamericano.

Después del discurso, se realizó la firma de la carta compromiso, mientras que la pregunta que sobrevalaba fue, por supuesto la de qué objetos serán destinados a la Caja ¿Primeras ediciones firmadas?¿Una edición de Prisma?¿Fotografías tomadas por María Kodama?¿El reloj de bolsillo adornado con un tigre? Ricardes dejó la respuesta en suspenso y dictaminó que aún está por definirse en conjunto con la Fundación.Victoria y Mariana Kodama, la ministra Gabriela Ricardes, y Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, durante el acto. Foto: gentileza.

El legado de María Kodama

A su vez, se propuso la incorporación del legado de María Kodama junto al de su esposo. “Sería un honor. Guardo de ella el más grato recuerdo”, dijo al respecto García Montero, que no ocultó su entusiasmo por el depósito de ambos legados en conjunto. María Victoria Alcaraz, recalcó que Kodama fue “una mujer y escritora, pensadora e intelectual de la Argentina que todavía no hemos sabido descubrir adecuadamente”.

Para Luis García Montero, poeta, crítico y ensayista literario, Borges tiene un significado especial ya que lo marcó como lector y escritor. En diálogo con Clarín, expresó que si tuviera que elegir un objeto de Borges para incorporar a la bóveda, él propondría un bastón, porque sobre su bastón es que lo recuerda cuando lo conoció en 1984, afuera de su departamento en la calle Maipú.

En ese entonces, García Montero vino a la Argentina porque uno de sus libros había sido premiado y acababa de iniciarse un convenio cultural entre Argentina y España. Tuvo la fortuna de que Roberto Alifano, gran amigo de Borges, lo invitara a conocerlo y pudo disfrutar junto a él una tarde maravillosa.

“Yo iba dispuesto a ser muy discreto y dispuesto a demostrar mi animación, conocía la ironía de Borges, algunas cosas me daban miedo”, recordó el poeta. “Como granadino, soy muy admirador de Federico Garcia Lorca y había leído sobre muchas “pulseaditas” que Borges había tenido con él. Pero esa tarde, sin que yo sacara el tema de conversación, habló de algunas cosas que le interesaban de Lorca. Es un maestro ¿Qué más se puede decir?”.Victoria y Mariana Kodama, la ministra Gabriela Ricardes, y Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, durante el acto. Foto: gentileza.

De Borges extrajo muchas lecciones, como por ejemplo, la forma de entender las ciudades. “Borges nos invita a poner en duda los dogmas, lo que nace como una idea de eternidad. La vida se deshace y hay muchas posibilidades de respuesta. Una de ellas es la ironía y el sentido del humor a la hora de pensarnos a nosotros y a la realidad, esa es una de las cosas que a él le debo”.

García Montero se explayó también en su afecto por Buenos Aires. El año pasado, visitó el país con motivo de la presentación de El Papa Francisco, Borges y la literatura, editado colaborativamente por el Instituto Cervantes, la Fundación Borges y la Embajada de España. Y antes de despedirse, recitó de memoria algunas estrofas del poema «La lluvia», dejando más que clara su profunda admiración.Victoria y Mariana Kodama, la ministra Gabriela Ricardes, y Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, durante el acto. Foto: gentileza.

Las actividades en conmemoración de los 40 años del fallecimiento del escritor tendrán lugar a lo largo de todo el año y serán abiertas a todos los públicos. Y en octubre, el legado de Borges llegará por fin a la vitrina de la Caja de las Letras en Madrid para ocupar, simbólicamente, su merecido espacio en las letras hispánicas.

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Sobre la firma

Celeste Siarrusta

Maestría en Periodismo Clarín/Universidad de San Andréscsiarrusta@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

¿Qué tienen en común “Civilización, “Catedral”, “Madre”, “Huachafo”, “Arequipa”, “Madrid”, “Paris”, “Realidad” y “Fragilidad”, entre tantas otras palabras? Todas confluyen en un mismo lugar: el Diccionario Mario Vargas Llosa. Habitó las palabras, publicado por el Instituto Cervantes de España.Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Raquel Caleya Caña, directora de Cultura del Cervantes, y Ezequiel Martínez, director de la Feria del Libro de Buenos Aires presentaron el Diccionario Mario Vargas Llosa. Habitó las palabras. Foto: Sebastia´n Motta, gentileza.

Una idea que surgió a partir del X Congreso Internacional de la Lengua Española, celebrado en Arequipa (Perú), como homenaje coral y panhispánico al célebre escritor peruano, ganador del Premio Nobel de Literatura 2010 y que anoche se presentó en la 50° edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires –que tiene a Perú como país Invitado de Honor– al cumplirse el primer aniversario del fallecimiento del autor de La ciudad de los perros y Conversación en La Catedral, entre tantos otros clásicos, ocurrido el 13 de abril de 2025 en su residencia en Barranco (Lima). Por entonces, Vargas Llosa tenía 89 años.

La sala Domingo Faustino Sarmiento, ubicada en el Pabellon Blanco de la Feria, tuvo una nutrida concurrencia de público interesado en conocer el universo vargallosiano. Cada palabra de este diccionario ha sido confiado a un centenar de “escribidores”, como solía decir el consagrado escritor peruano: familiares, amigos, filósofos, poetas, profesores y lectores configuraron este singular repertorio en el que habitan las palabras que forman parte del lenguaje de Vargas Llosa que, en lugar de definirlas, evocan su vida y , por supuesto, su inconmensurable obra.https://a87b944894d8fdb9f0869ea8aa6b95c2.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Este recorrido de la “A” a la “Z” atraviesa obras cumbre como La Ciudad de los perros; La Casa Verde; Conversación en La Catedral, La Guerra del fin del mundo, La Fiesta del Chivo y Tiempos recios, acompañada por sus ensayos, crónicas, reflexiones de intelectuales y políticas. Es que las palabras de Vargas Llosa no sólo permanecen en su vida y en sus obras, sino también en quienes lo leen y lo piensan.

El acto contó con la participación de Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Raquel Caleya Caña, directora de Cultura del Cervantes, y Ezequiel Martínez, director de la Feria del Libro de Buenos Aires. Rafael Oteriño, presidente de la Academia Argentina de Letras (AAL), estuvo entre los presentes.

“Se cumple un año de la muerte de Vargas Llosa, un gran amigo de esta Feria quien ha venido muchas veces. Aquí se ha presentado y ha sido una relación de afecto y también de polémica. Siempre lo hemos recibido con los brazos abiertos”, abrió la presentación Ezequiel Martínez.

El director de la Feria también recordó que este año es una edición especial al cumplirse el 50° aniversario de la Feria del Libro en Buenos Aires. También recordó que Perú es el primer país Invitado de Honor. De ahí también surgió el tributo a Vargas Llosa con una serie de eventos, una lectura de la Cátedra Vargas Llosa y una muestra para evocar su figura en Pabellón 9 de La Rural.

Diccionario de amigos

“Este es un diccionario de amigos ya que Mario, a lo largo de su vida construyó muchos amigos, admiradores y gente que tiene alguna anécdota. Tuve el privilegio de entrevistarlo muchas veces y en muchas ciudades cuando era periodista. Recuerdo que una vez me dedicó un libro poniendo: ‘Al amigo, el periodista itinerante’”, comentó Ezequiel Martínez.

A continuación, Raquel Caleya Caña se refirió a la confección del Diccionario Vargas Llosa. “Esta es una obra que nace de esta idea de comunidad y de circulación de la literatura en español. Este diccionario comenzó a prepararse en febrero del año pasado cuando iniciamos la invitación a autores y autoras y les ofrecimos las primeras palabras. La respuesta fue inmediata y entusiasta por parte de todos”.

Y amplió: “Lamentablemente, el 13 de abril, cuando murió Mario, detuvimos el proceso de edición. Pero pronto entendimos que la mejor manera de rendirle homenaje no era interrumpiendo el proceso sino continuarlo. Así lo hicimos”.

“Mario Vargas Llosa encarna de manera muy precisa esta pretensión compartida de nuestra lengua. Fue un escritor profundamente peruano pero también universal, tuvo nacionalidad española y siempre mantuvo una relación muy intensa y muy estrecha con el España. También tuvo mucha participación en el instituto Cervantes. Él entendía muy bien defender la lengua como espacio de creación, de pensamiento y de libertad”, completó Caleya Caña.

¿Diccionario o DiccioMario?

“Algunos amigos lo llaman diccciomario Vargas Llosa”, bromeó Luis García Montero, y continuó: “Las palabras están vivas y en las palabras caben muchas cosas. Ése era el sentido del libro”.

Además, el director del Instituto Cervantes remarcó que el Congreso de la Lengua en Arequipa, ciudad donde nació el escritor peruano, se ha puesto en marcha este homenaje relacionado con las palabras. “Su familia, sus amigos y los escritores que lo rodeaban conformarían un diccionario eligiendo una palabra que tuviese que ver no solo la obra de Vargas Llosa, sino también su lectura”, deslizó.

“La metáfora, el símbolo más importante que permanece sobre el contrato social es el hecho de la lectura. Es la posibilidad o la experiencia de que un autor se desarrolle en un espacio que pueda después ser habitado por distintos lectores”, remarcó García Montero. Y cerró: este diccionario “es un sentido de admiración a Mario a la literatura y de reflexión sobre la importancia de la literatura”.Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Raquel Caleya Caña, directora de Cultura del Cervantes, y Ezequiel Martínez, director de la Feria del Libro de Buenos Aires presentaron el Diccionario Mario Vargas Llosa. Habitó las palabras. Foto: Sebastia´n Motta, gentileza.

“Civilización del espectáculo”

En el diccionario, García Montero le dedicó la palabra “Espectáculo” en alusión al ensayo “La civilización del espectáculo”, de Vargas Llosa.

Según el director del Instituto Cervantes, esta palabra “me invita a pensar en la sociedad en la que vivimos. Una sociedad de prisa donde los valores culturales que relaciono con el contrato social, con mi conciencia con la lectura, se ven sometidos a la prisa que nos provoca una falta de reflexión y hace que no seamos dueños de nuestra propia conciencia. Entonces vemos cómo la realidad se convierte en un espectáculo. Nos encontramos en una realidad que cada vez más se parece a un circo con unos protagonistas de la realidad que cada vez se parecen más a unos payasos”.

Luego, leyó parte de lo que escribió en el Diccionario Vargas Llosa. “La palabra espectáculo sirve para nombrar las diversiones públicas celebradas en un teatro o un circo. Pero las palabras son en sí mismas un espectáculo a la hora de moverse en nuestros pensamientos y dan verdaderos saltos, o hace movimientos sutiles, para ponernos en contacto con la realidad que nos habita y habitamos”.

Morgana, hija de Mario Vargas Llosa, estuvo ausente en la presentación del diccionario que evoca a su padre ya que debió viajar a Perú. Sin embargo, participó en esta obra con la palabra “Madre”, como también lo hicieron sus hermanos Álvaro (“Tiempo”) y Gonzalo Vargas Llosa (“Perú”).

En ese sentido, la actriz y escritora española Carmen De La Osa, residente en la Argentina, leyó el texto “Madre”, de Morgana Vargas Llosa.Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Raquel Caleya Caña, directora de Cultura del Cervantes, y Ezequiel Martínez, director de la Feria del Libro de Buenos Aires presentaron el Diccionario Mario Vargas Llosa. Habitó las palabras. Foto: gentileza.

“La palabra madre para Mario es sinónimo de refugio. Fue la presencia estable en una presencia marcada primero por la ausencia del padre y luego por la severidad y la violencia. La madre también fue víctima de ese padre, y tal vez por ello convirtió la protección y el cuidado en una forma de resistencia”, reza el primer párrafo escrito por Morgana Vargas Llosa.

Y continúa: “Madre es sacrificio y trabajo. Afrontó una vida difícil con disciplina, decidida a salir adelante. Su ejemplo de tenacidad marcó en Mario una idea temprana de dignidad y perseverancia. Los logros se alcanzaron con esfuerzo y dedicación esto marcaría su vida como escritor desde el principio (…)”.

De La Osa también leyó el poema “Huachafo”, con soneto incluido, escrito por el cantautor español Joaquin Sabina, cuyo texto aparece en el Diccionario Vargas Llosa. Habitó las palabras.

Comienza con: “Telúrico, prístino concienciar / Quien aplaude al avión cuando aterriza / ese vals peruano que suaviza / el deseo de amar o de matar”.

Con razones y humor

“Nos lo explicaba Vargas Llosa / con razones y humor, pues todo cabe / al buscar las verdades del Perú”, forma parte de este poema dedicado al gran escritor nacido en Arequipa.

Y concluye: “En el medio de una vida licenciosa / el amor es huachafo. ¿Y quién lo sabe? / Responde mi mujer: lo sabes tú”.Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Raquel Caleya Caña, directora de Cultura del Cervantes, y Ezequiel Martínez, director de la Feria del Libro de Buenos Aires presentaron el Diccionario Mario Vargas Llosa. Habitó las palabras. Foto: gentileza.

Por su parte, Ezequiel Martínez leyó “Realidad”, escrito por Leila Guerriero: “Excepto cuando las utilizaba en su modalidad más clásica, (para señalar citas), las comillas no aparecen con frecuencia en la obra de Mario Vargas Llosa. Sin embargo, podría pensarse en que la realidad fue para él algo entre comillas: algo inestable y cambiante desde donde trasvasaba experiencia hacia su escritura y, que, a su vez, recibía el impacto de lo escrito (…)”, forma parte del primer párrafo que plasmó la periodista y escritora argentina.

Raquel Caleya Caña, quien además coordinó la edición del diccionario, le dedicó “París” a Vargas Llosa. La directora de Cultura del Cervantes vivió durante más de 15 años en la capital francesa, donde conoció al escritor peruano: “Mario no hubiera sido Mario Vargas llosa sin París, y por supuesto que París fue diferente a Mario Vargas Llosa”, enfatizó.

“’¿A qué va uno a París? A corromperse, nomás’, recordaba Mario Vargas Llosa, entre carcajadas, lo que le advirtió una tía antes del primer viaje, obtenido gracias al premio en un concurso de relatos. Y ya algo había en el territorio de sus lecturas juveniles, como las novelas de Dumas sobre la Corte de los Milagros, ‘ese alucinante barrio refugio de aventureros y criminales’”, puede leerse en el primer párrafo de Caleya Caña.Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Raquel Caleya Caña, directora de Cultura del Cervantes, y Ezequiel Martínez, director de la Feria del Libro de Buenos Aires presentaron el Diccionario Mario Vargas Llosa. Habitó las palabras. Foto: Sebastia´n Motta, gentileza.

El público también participó de las lecturas del Diccionario Mario Vargas Llosa. Habitó las palabras con textos que fueron entregados al azar antes de la presentación del libro. Se leyó “Francia” (de Gustavo Guerrero); “Guerra” (de Jesús Luis Mantilla) y “Miraflores” (de Fietta Jarque), acompañados por un aplauso entre los presentes.

Si bien se ha publicado una primera edición para el Congreso de Arequipa como obsequio y también fue presentado entre escritores en Madrid, por el momento el diccionario Mario Vargas Llosa no está disponible en la Feria del Libro de Buenos Aires aunque se prevé que más adelante estará en las principales librerías del país.

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Sobre la firma

Maxi KronenbergBio completa

Fuente: Clarín.com

El escritor japonés Haruki Murakami publicará el 3 de julio «The Tale of Kaho» (La historia de Kaho), anunció este jueves su editorial, Shinchosha, su primera novela con una protagonista mujer y basada en relatos cortos ya publicados sobre el personaje.

La primera novela del escritor en tres años, tras «The City and its Uncertain Walls» (La ciudad y sus muros inciertos), girará en torno a Kaho, una autora de libros ilustrados en cuya vida «a partir de cierto día comienzan a ocurrir sucesos extraños».

Shinchosha detalló que la novela, que tendrá 352 páginas y un precio de 2.860 yenes (unos 25.000 pesos), surge del relato corto «Kaho» publicado en 2024 y que Murakami leyó ese mismo año al público en la Universidad de Waseda.https://d2d871e21388ceca54adbd64aee6b41b.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Nacido en la ciudad de Kioto en 1949, el referente de la literatura contemporánea nipona ha publicado desde entonces tres relatos en torno a Kaho en la revista Shincho.

Estas obras se publicarán en julio como una «nueva novela completa», según la editorial, tras ser «revisadas y expandidas».Haruki Murakami es uno de los habituales candidatos al Nobel de Literatura. Foto: AP

Murakami cuenta con libros reconocidos como «Tokio Blues» (1987), «Sputnik, mi amor» (1999) o «Kafka en la orilla» (2002).

Eterno nombre en las quinielas del Premio Nobel de Literatura, posee otros importantes galardones como el Frank Kafka o el Yomiuri de Literatura, y en 2023 recibió el Premio Princesa de Asturias de las Letras de España, que se sumó a la Orden de las Artes y las Letras y al Premio Internacional de Cataluña que recibió por parte del Estado español en 2009 y 2011, respectivamente.

Con información de EFE

Fuente: Clarín.com

El Museo del Prado investiga cómo la llegada de la fotografía en el siglo XIX transformó la manera de representar, documentar y proyectar la identidad del artista y sus espacios de creación a través de la exposición El universo del artista ante la cámara.El Museo del Prado presenta ‘El universo del artista ante la cámara’. EFE/ Daniel Gonzalez

La muestra, integrada por una treintena de imágenes, se inauguró en Madrid y podrá verse hasta el 5 de julio en la pinacoteca.

La llegada de la fotografía en el siglo XIX transformó la manera de representar, documentar y proyectar la identidad del artista y sus espacios de creación, una «herramienta de marketing y publicidad a través de la que modular su imagen y presentarla al mundo», según explicó Alfonso Palacio, director Adjunto de Conservación e Investigación del Museo del Prado.

Herramienta de publicidad

Los artistas utilizaron la fotografía en sus inicios como «una herramienta de publicidad para mostrar su imagen personal y la de sus estudios», lo que, de alguna manera les ayudó a «construir su identidad».

Posaban solos o en grupo, mostraban sus talleres y documentaron tanto el proceso para realizar sus obras. El retrato fue uno de los primeros géneros asumidos por el nuevo medio, funcionó como afirmación de identidad y estatus a través de poses meditadas, atributos significativos e indumentarias asociadas al oficio.

La muestra está integrada por fotografías de los últimos años del siglo XIX y principios del XX, y muestran espacios como el estudio de Federico de Madrazo en Madrid, el proceso de documentación del modelado del frontón de la Biblioteca Nacional de Agustín de Querol, o el Gabinete de las Maravillas donde convivían antigüedades y otros objetos.

La exposición presta especial atención a la presencia femenina en los ambientes artísticos, como el retrato de María Luisa de la Riva en su estudio parisino o el de la pintora Fernanda Francés y las alumnas de Cecilio Pla, además del evocador patio de las Doncellas del Real Alcázar de Sevilla.El Museo del Prado presenta ‘El universo del artista ante la cámara’. EFE/ Daniel Gonzalez

En las imágenes se pueden ver poses meditadas, atributos significativos e indumentarias asociadas al oficio.

Evolución de técnicas

Beatriz Sánchez Torija, comisaria de la muestra y miembro del área de Conservación de dibujos, estampas y fotografías del museo, incidió en que la exposición exhibe la evolución de técnicas y soportes.

Desde los papeles albuminados y los retratos en formato tarjeta de París o ‘carte de visite’ o tarjeta promenade a procesos como el platinotipo, el ferrotipo, el autocromo o las copias de la gelatina.El Museo del Prado presenta ‘El universo del artista ante la cámara’. EFE/ Daniel Gonzalez

Las imágenes forman parte de los fondos del Prado, y llegaron a estas dependencias procedentes de los archivos de Luis y Federico de Madrazo, Dióscoro Puebla, Rafael Rocafull o Cecilio Pla, entre otros, aunque algunas de ellas son de autores desconocidos.

La exposición se enmarca en el programa de difusión de colecciones del siglo XIX bajo el título ‘Almacén abierto’, que desde 2009 ha permitido el desarrollo de proyectos expositivos de pequeño formato que abordan múltiples perspectivas artísticas y técnicas, con obras que no están expuestas de forma habitual.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El Museo del Prado cuenta una de las historias más singulares del patrimonio español, el retrato de ‘La marquesa de Santa Cruz’, de Francisco de Goya, expuesta por primera vez con una de las copias encargadas por Franco cuando quiso regalarle el original a Hitler; una historia de intriga, exportación ilegal y recuperación.La marquesa de Santa Cruz (1805).Francisco de Goya. Foto: Museo del Prado.

La marquesa fue pintada por Goya (1746-1828) en 1805 y el dictador español, Francisco Franco, encargó tres copias a otro pintor para compensar a los dueños del cuadro y así regalarle el original a Adolf Hitler, algo que no ocurrió.

Ahora, el original y una copia posan juntas en una muestra organizada por el Prado con motivo del 40 aniversario del regreso del cuadro a España.

Intercambio de regalos

La historia del retrato de Joaquina Téllez, una aristócrata ilustrada del siglo XVIII, tiene mucho de historia «con mayúscula», dijo el director adjunto de Conservación e Investigación del museo, Alfonso Palacio, porque se adentró en la política internacional en 1941, cuando Franco tuvo la intención de ofrecérsela a Hitler porque entre ellos, contó el experto, se intercambiaban regalos.

El interés nazi surgió un año antes, cuando el jefe de las SS, Heinrich Himmler, recorrió el Museo del Prado y se fijó en la pintura, un retrato «originalísimo», como subraya el experto, en el que la marquesa posa como una musa de la música y el baile, aunque no fue eso lo que le atrajo, sino un adorno que tiene la lira que ella sostiene.

Era algo que aparentaba ser un símbolo que los nazis interpretaron como una cruz gamada, aunque en realidad se trata de un adorno que procede de las tradiciones decorativas de los etruscos y que puede verse en los enterramientos y en las tumbas escultóricas de los mismos. Es como un símbolo solar.

El regalo no se materializó, pese a haber pagado un millón y medio de pesetas a la familia propietaria y de hacer esas tres copias, pintadas por Francisco Núñez Losada, de las que solo se conserva fehacientemente la que se expone.https://www.instagram.com/reel/DW8gZfuE95T/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fhistoria-secreta-cuadro-goya-franco-quiso-regalar-hitler-hoy-ve-prado_0_AXJZRkmX2Q.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1419.3999999761581%2C%22ls%22%3A145.39999997615814%2C%22le%22%3A945.0999999046326%7D

La documentación del Museo constata que la obra estuvo en el Prado hasta 1944, cuando se devolvió a los dueños.

En 1983, los entonces propietarios la vendieron con la condición de que no saliera de España, pero no se cumplió y salió clandestinamente del país.

Fue a Zúrich y desde allí pasó a manos de un empresario británico, Lord Wimborne, que la ofreció al Museo Getty de Los Ángeles por doce millones de dólares, aunque no la compraron al conocer que había salido de España de forma ilegal.

Compleja batalla legal

De eso tuvo conocimiento el Ministerio de Cultura español, que inició una compleja batalla legal internacional que terminó en 1986, cuando volvió al Prado.

El Ministerio de Cultura de la época se enteró de que iba a subastarse en Christie’s, recurrió a los tribunales británicos y logró demostrar que los permisos de exportación eran falsos, lo que permitió negociar su adquisición por seis millones de dólares.Carlos Gómez Navarro, técnico de Conservación de Pintura del siglo XIX del Museo del Prado, da explicaciones ante el original y la copia del retrato de la Marquesa de Santa Cruz de Goya. | Mario Moron Pereira / EFE

Cuarenta años después, la marquesa de Goya se muestra resplandeciente gracias a las manos de los restauradores, junto a una de sus copias, que evidencia el paso del tiempo.

Pero las dos enseñan a una mujer recostada y elegante, reflejo de una época en la que parte de la nobleza quiso identificarse con la cultura y la música. Una mujer serena ajena al revuelo que siglos después provocaría su imagen.

Fuente: Clarín.com

El modo en que la obra de Shakespeare se relaciona con la historia de Inglaterra, la manera en que reescribe el pasado y se basa en el trabajo de los cronistas, en la reinvención de los mitos para intervenir sobre la vida social de su tiempo, describe el valor político de las tragedias shakesperianas en particular y las isabelinas y jacobinas en general. El teatro de este período tiene una fuerte impronta política que es necesario conocer para poder pensar una puesta contemporánea de estas obras.Marta Cichero es autora de Coronas huecas (Mardulce). Foto: redes sociales.

Pero Shakespeare fue también un empresario, un autor que renovó el teatro a partir de reformular la tragedia de venganza (el ejemplo máximo es Hamlet) y de tomar el género de la tragedia histórica sin preocuparse demasiado por la fidelidad a los hechos, sino pensando en los términos de la coyuntura, del lugar ideológico que resultaba más conveniente para complacer al mecenas de turno y de saber eludir algunas prohibiciones, como la temática de la transición o la historia de Inglaterra en algunos períodos donde se ocupó de la historia romana al escribir Julio César (1599).

En Coronas huecas (Mardulce) Marta Cichero se ocupa de reconstruir estos procedimientos, de recrear la vida de Inglaterra en los siglos XVI y XVII y de pensar los modos en que Shakespeare abordó el tema del poder en sus tragedias históricas (el libro no las abarca a todas, pero elige Ricardo II y III, Enrique IV, V y VI, Julio César, Antonio y Cleopatra y un epílogo con Hamlet).

La referencia a Maquiavelo es fundamental, no sólo con relación a las nociones de virtud y fortuna que operan concretamente en la dramaturgia shakesperiana, sino en las concepciones del accionar del príncipe que Shakespeare toma como el soporte de un armado que, en muchos casos, discute al propiciar ciertas demarcaciones en el plano ficcional.

Shakespeare tenía un método de escritura que resulta bastante moderno. Copiaba párrafos enteros de los cronistas históricos y los convertía en versos, los unía a los mitos que había estudiado en la Grammar School de Stratford y componía escenas basándose en un conocimiento preciso de la noción de espectáculo; por eso creaba diálogos dinámicos y situaciones que requieren de cierta magnificencia creativa para poder desarrollarse.

Fracasos ante Shakespeare

Hasta el día de hoy, los puestistas que no comprenden esta dimensión de lo espectacular fracasan cuando llevan a escena a Shakespeare. Como señala Cichero, los autores isabelinos y jacobinos competían con la espectacularización de la brutalidad; un ejemplo era el show callejero donde se ataba a un oso y un grupo de perros lo atacaba hasta matarlo.

Ricardo III, cuyos restos se encontraron en el año 2014 gracias a la investigación de Philippa Langley, que superpuso los planos de la ciudad vieja y nueva y localizó la iglesia de los frailes grises donde enterraban a los hombres ilustres, ahora convertida en un estacionamiento (la información fue tomada en la puesta que realizó el año pasado Calixto Bieito en el teatro San Martín), era similar al secretario de Estado de la reina Isabel que continuó en el reinado de Jacobo de Escocia, llamado Robert Cecil. Es decir que su caracterización no se correspondía con el verdadero monarca, sino que aludía a una figura de su tiempo, conocida por todos.

Shakespeare no había podido asistir a la universidad como Christopher Marlowe porque se había casado a los 18 años con Anne Hathaway y ese estado civil no era aceptado en las instituciones académicas, pero logra derrotar a los University Wits al poco tiempo de llegar a Londres desde Stratford, especialmente después de la muerte de Marlowe, con un estilo que, para la época, era el de un autor comercial, aunque para nosotros esa caracterización resulte bastante difícil de asumir.William Shakespeare. Archivo Clarín.

La posibilidad de pensar a Shakespeare en el devenir de su tiempo, bajo las condiciones de producción del siglo XVI y XVII, en relación con el impacto que buscaba producir en el público (recordemos que el teatro en esa época era un espectáculo de masas y las obras de Shakespeare eran las que más recaudaban) es el mayor aporte del libro de Cichero.

Lo interesante es pensar que esta información brinda elementos para imaginar las formas contemporáneas de las puestas de las obras shakesperianas; no son datos que pretenden una aproximación arqueológica, sino que estimulan a entender una dinámica de escritura y una impronta popular que a veces no se comprende, especialmente cuando se busca encasillar a Shakespeare en la solemnidad y en la alta cultura.

Cuando Shakespeare escribió Hamlet, la reina Isabel agonizaba; era un período de transición hacia el reinado de Jacobo de Escocia, que era descendiente de Banquo, el hombre al que las brujas le anuncian que miembros de su linaje serán destinados a la corona y que es asesinado por error cuando Macbeth ordena la muerte de sus hijos.

Sin embargo, la caracterización de Macbeth parece responder a la figura de Jacobo; esto es importante para entender cómo Shakespeare buscaba intervenir en el contexto político y alentar las opiniones del público. Del mismo modo que Ricardo II era Isabel, una persona que conducía gracias a un liderazgo brillante, pero que era la enemiga de Southampton, el mecenas de Shakespeare.

En las tragedias shakesperianas surge el conflicto por la necesidad de llegar al poder y, una vez que el protagonista o algún personaje central logra su cometido, vive el temor a perderlo y la obsesión por asesinar a los posibles competidores.

La culpa

Pero lo que Shakespeare incorpora como un dato excepcional es la culpa. Ninguno de sus personajes sería tan inolvidable, sus historias no seguirían vigentes hasta el día de hoy si el autor inglés no hubiera descubierto, por así decirlo, el inconsciente. Sus personajes no pueden dormir, atormentados por sus crímenes, y pasan la noche en orgías donde consumen mucho alcohol hasta caer exhaustos. Lady Macbeth confiesa sus crímenes, sonámbula. Macbeth, Ricardo III y tantos otros ven los fantasmas de las personas que mandaron a matar.

Macbeth es, entre otras cosas, el hombre que no puede olvidar lo que hizo y por esa razón no consigue disfrutar del poder. Hay un heredero clave de Shakespeare en este sentido, y es Francis Ford Coppola en la saga de El Padrino. El personaje de Michael (interpretado por Al Pacino) nos encanta y podemos empatizar y comprenderlo, pese a ser un jefe mafioso, porque termina destruido por la culpa.

Otra influencia shakesperiana la encontramos en la serie Billions, los diálogos frenéticos, el modo de abordar el poder (en este sentido es clave el personaje de Wendy, la psicóloga interpretada por Maggie Siff), pero a su vez la comprobación de que el poder no lleva tanto al placer de la fortuna, sino a una obstinación de tiempo completo por mantenerlo y preservarlo, como vemos en el personaje de Bobby (Damian Lewis).

Shakespeare solía cambiar el texto al ver cada función. Sabemos que la reconstrucción de sus obras implica unir los parlamentos de actores que no leían la totalidad del texto, ya que el original quedaba en manos del mecenas y era imposible que los copistas le dieran a cada intérprete el material completo.Marta Cichero es autora de Coronas huecas (Mardulce). Foto: redes sociales.

Relación con su tiempo

Pero esta reescritura habla también de la relación con su tiempo, del impacto que generaba en un autor como él la orden de matar a María Estuardo, la sucesión en el reino, las pestes o las prohibiciones temáticas, pero, por sobre todo, la estrategia de sorprender a un público que demandaba conmoción, cambios inesperados, resoluciones espectaculares.

La dramaturgia de Shakespeare abandona la estructura aristotélica (causalista, ligada a las unidades de tiempo, espacio y acción) para entrar en la lógica del puro efecto, donde muchas escenas solo pueden contarse desde la arbitrariedad. Este es el mayor desafío de su abordaje en la actualidad: encontrar los procedimientos para que esas situaciones propongan una narrativa consistente para la mirada contemporánea.

La descripción de este libro de una Londres un tanto salvaje y de un escritor que entendía el teatro como artista, pero también como productor, brinda muchos elementos para despertar nuevas imaginaciones sobre una dramaturgia a la que siempre se vuelve.

Coronas huecas, de Marta Cichero (Mardulce).

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Sobre la firma

Alejandra VarelaBio completa

Fuente: Clarín.com

La modesta casa adosada del número 4 de Plaistow Grove, en Bromley, al sureste de Londres, parece banal, pero David Bowie pasó allí su adolescencia y el edificio pronto recuperará su aspecto de los años 1960 para recibir visitas de los fans del cantante.El cantante británico David Bowie, en la adolescencia. Foto: archivo Clarín.

El legendario músico británico, que nació en 1947 en el barrio londinense de Brixton y falleció en 2016 en Nueva York a los 69 años de edad, vivió en Bromley con su familia entre 1955 y 1968, poco antes del lanzamiento de su primer éxito, «Space Oddity».

Esta construcción de los suburbios de la capital británica fue adquirida por la organización patrimonial Heritage of London, que pretende devolverle el aspecto que tenía en 1963, tal como se ha hecho con las casas donde crecieron John Lennon y Paul McCartney en Liverpool.

Las obras se realizarán bajo la dirección de Geoff Marsh, especialista en David Bowie, y según las previsiones la casa se abrirá al público a finales de 2027.

Junto a la puerta gris de la casa, construida para alojar a trabajadores ferroviarios a finales del siglo XIX, una placa azul indica que Bowie residió allí.Placa en la antigua casa de David Bowie en Bromley, en las afueras de Londres, el 11 de marzo de 2026. © Ben STANSALL / AFP

Todo comenzó aquí

«Todo comenzó en este edificio, donde un simple escolar se transformó en un joven decidido a convertirse en una superestrella», señala Marsh.

David Bowie vivía en esta casa con sus padres y su medio hermano, Terry, que era mayor que él.

Terry tuvo gran influencia creativa en David. Le hizo descubrir el jazz moderno, la literatura de la «Generación Beat» y el budismo.

Pero a Terry le diagnosticaron esquizofrenia en 1966, lo que lo obligó a entrar y salir repetidamente de hospitales psiquiátricos.El cantante británico David Bowie, el 1 de julio de 2002 en París, durante un concierto en la capital francesa. © Bertrand GUAY / AFP

Según los biógrafos de David Bowie, su madre, Peggy Jones, era emocionalmente distante, y su relación estuvo marcada por periodos de alejamiento.

La mujer decidió abandonar la casa en 1970, un año después de la muerte del padre de David, Haywood, con solo 56 años, debido a una neumonía.

Para devolver la casa a su estado original se deberá eliminar la calefacción central, la ampliación de la cocina-comedor, el baño en la planta superior y el invernadero.

Después se reinstalarán una estufa de carbón, un baño exterior, una diminuta cocina y el garaje que se encontraba al fondo del jardín.La habitación donde David Bowie pasó su adolescencia, en Bromley, en las afueras de Londres, el 11 de marzo de 2026. © Ben STANSALL / AFP

Vía de escape

La casa se encuentra muy cerca de la estación de tren Sundridge Park, que permitía al joven David Robert Jones, verdadero nombre de Bowie, «escapar de una vida suburbana que consideraba muy monótona y desplazarse rápidamente a los clubes de música del West End o de Soho», en Londres, según Marsh.

Pese a su corta edad, «David claramente pensó que esa vida no era para él y que quería triunfar. Y la música fue su puerta de salida», señala Marsh, comisario en 2013 de una exposición sobre el artista en el museo V&A de Londres.

El punto culminante de la visita será la habitación del cantante, donde tenía su tocadiscos, su magnetófono y un saxofón que le regaló su padre.

David Bowie escribió allí sus primeras canciones, que no tuvieron éxito hasta «Space Oddity».

Más tarde, Bowie describiría esta habitación como el refugio al que acudía para escapar de sus padres y soñar, un lugar del que también diría que lo perseguiría toda su vida. «De alguna manera pasó su vida huyendo de ese lugar», afirma Marsh.

Para Nicola Stacey, directora de Heritage of London, «nada será más impactante» para los fans que estar en esa habitación.

En la pieza había una fotografía de Little Richard, leyenda del rock, que David Bowie había colgado cuando tenía diez años.Geoff Marsh, especialista en David Bowie y encargado de las obras en la casa de la adolescencia del artista, en Bromley, en las afueras de Londres, el 11 de marzo de 2026. © Ben STANSALL / AFP

Una casa bastante austera

Varios amigos de Bowie en aquella época recuerdan una casa y una atmósfera «bastante austeras», según Stacey.

«Subían a la habitación de David, ponían música y admiraban todos esos objetos estadounidenses que le apasionaban, con la sensación de nuevos horizontes posibles», relata Stacey.

Varias personas del barrio también recuerdan haber visto al adolescente «lucir atuendos increíbles», formados por prendas compradas en comercios de moda o de segunda mano de Londres.

Aquellos vecinos sabían que no era como los demás y sentían, según Stacey, que «iba a convertirse en alguien increíble».

Con información de AFP.

Fuente: Clarín.com