Categoría: Entretenimiento

Las abuelas grafiteras del Centro de Mayores de Antón Martín en Lavapiés, Madrid, vuelven a agitar los aerosoles para colorear de memoria las calles del barrio en el Festival de Intervenciones Artísticas (CALLE), que cumple su 13ª edición cambiando el mapa urbano del barrio.Las abuelas grafiteras del Centro de Mayores de Antón Martín en Lavapiés. EFE/ Ana Márquez

Del 7 al 27 de mayo, 50 artistas intervendrán 50 espacios cedidos por comercios del barrio, en una cita impulsada por la Asociación de Comerciantes de Lavapiés que ya se ha convertido en una cita anual donde las estrechas y empinadas calles del centro de Madrid se llenan de color.

Entre los artistas invitados destacan una decena de mujeres y un par de hombres, entre 70 y 91 años, que se han enfundado emocionados los guantes y las mascarillas para grafitear la fachada del restaurante vegano Santa y Pura en la calle Santa Isabel.

Este grupo de señoras forman parte de este festival artístico desde el año 2020 y vienen del Centro Municipal de Mayores Antón Martín en una iniciativa que surgió –como tantas otras– a raíz de la pandemia.

Un sector muy afectado

«Fue un sector muy afectado y ese año quisimos hacerles un homenaje pero, sobre todo, que disfrutaran y cada año nos lo siguen pidiendo. Son incombustibles», ha asegurado Mercedes Saracho, gerente de la Asociación de Comerciantes de Lavapiés, quien coordina el festival de arte urbano.Las abuelas grafiteras del Centro de Mayores de Antón Martín en Lavapiés. EFE/ Ana Márquez

Las abuelas grafiteras han estado este año capitaneadas por la dirección de la artista visual Nataline Pomar, quien se ha definido a sí misma, en una entrevista, como «una activista del color» y ha configurado la obra «Los colores de nuestras abuelas».

Se trata de un retrato colectivo hecho por las propias participantes con piezas de madera que cada abuela grafiteras pintará del color que más le representa y el rostro abstracto contará con una bombilla como ojo que representa «la luz de las viejas a las nuevas generaciones» del barrio.

Junto a la obra, en un lateral, se incluirá una leyenda para explicar qué color ha elegido cada participante y por qué.

Pilar, de vital energía con 83 años, sabe cuál es su color: el rojo. «Es alegre y da vida», ha asegurado entre risas junto a sus compañeras de barrio, en él que vive desde que llegó con ocho años y ha visto cómo ha cambiando durante décadas.

El verde es el de Etelvina (74 años), quien prefiere que se la llame Etel, porque es el «color de la esperanza y le da vidilla». Es otra de las vecinas que ya habitaban Lavapiés «cuando todavía había serenos», hace más de sesenta años, y ha visto cómo los de su generación son «cada vez menos».https://www.instagram.com/reel/DYcUfgeM-8i/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fabuelas-grafiteras-lavapies-vuelven-pintar-madrid-llenan-memoria-festival_0_MVGz4XQVy1.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1489.2000000029802%2C%22ls%22%3A143.40000000596046%2C%22le%22%3A665.5%7D

Abuelas grafiteras

«Ay, que me mancho», bromean entre ellas, que se conocen desde hace años en el centro de mayores de Antón Martín y formar parte de las abuelas grafiteras las ha unido aún más, desde hace seis años que arrancó esta iniciativa de CALLE.

Pilar reconoce que a ella nunca le había gustado las manualidades pero no tiene reparos en menear los aerosoles y asegura que «hasta que el cuerpo le aguante» seguirá siendo una grafitera más en Lavapiés.Las abuelas grafiteras del Centro de Mayores de Antón Martín en Lavapiés. Foto: gentileza.

Este es un reconocimiento para las vecinas que más tiempo han pasado en uno de los barrios más emblemáticos de Madrid, una de las zonas que, según el último informe de la Federación Regional de Asociaciones Vecinales de Madrid, «pierde más de cinco vecinos al día» como consecuencia de la turistificación y el alto precio de la vivienda.

Unas consecuencias que también están notando las abuelas y, como ha asegurado Pilar, cada vez queda menos gente mayor en el centro de las ciudades que puedan «guardad su memoria».

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El formato y concepto prendió. La feria Arte Pequeño Formato, que anima a nuevos compradores con obras de arte contemporáneo argentino de un máximo de 50 x 50 cm, regresa al Museo de Arquitectura (MARQ) del 10 al 14 de junio redoblando la apuesta. En su quinta edición, este 2026 son 34 galerías –el doble que el año anterior–, de diversas trayectorias y geografías, que son asesoradas por curadores profesionales. El reconocido Marcos López es el artista invitado de honor.

“El año pasado fue muy exitoso, con números auspiciosos: en 3 días pasaron 1500 personas, y se vendieron un total de 476 obras”, destaca Mariela Ivanier, organizadora de la feria junto a Santiago Arce, Victoria Baeza y Mariana Gallegos del Santo. “Este año nos superó la demanda”, detalla. De entrada gratuita y carácter federal, la feria sumó una carpa en el predio de Av. Libertador, de ubicación privilegiada.Marcos López, artista invitado de honor.

Entre las principales novedades de esta edición se destaca la implementación de una convocatoria curada para la selección de proyectos, con criterios de evaluación centrados en la coherencia conceptual y poética del pequeño formato, la calidad de las obras, la trayectoria de los participantes y la solidez integral de cada propuesta.https://9102a8836d3e471d6ee76a76c5f12762.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Entre las galerías seleccionadas, destaca un grupo de grandes nombres, entre ellas muchas históricas y consagradas, que conviven con proyectos de inmediata vitalidad. La centenaria Van Riel, Vasari y Rubbers compartirán el recorrido con Rolf Art, Cosmocosa (que llevará obra de Antonio Berni), Hache, Quimera y Gachi Prieto en su nueva etapa. “Estos grandes nombres nos sorprenden, nos da mucha ilusión, alegría y responsabilidad”, agrega Ivanier.Esta edición se incorporan galerías de distintas regiones del país, cruces con arquitectura y diseño y experiencias gastronómicas.

Entre la interesante selección de galerías, la novísima Bauza –que debuta apenas unos días antes en la Feria de Corrientes–, tendrá su stand; también Al Sur Gallery, con obra de Jacques Bedel, CASA PROYECTO, Gallery Labs, Imaginario, Julia Baitalá, Valk, ROSEUM Arte Contemporáneo, Atocha, AURA, 1/1 Caja de Arte y Tiempo.

En su carácter federal, APF (que es marca registrada) recibe a las rosarinas Diego Obligado, CIRCA y Subsuelo (junto a la porteña Linse en el stand); Almacén de Arte desde San Nicolás, BAC desde Salta, Galerías Bonaerenses, María Casado, Luogo de Rafaela, las cordobesas Sasha y White Lodge, las tucumanas Fulana y Maleza y Yuyal, de Resistencia, Chaco.«Otoño», óleo de Marcos López.

A través de oficina de Proyectos, Marcos López será el artista invitado de honor, que ocupará la planta baja de la Torre del MARQ, con obra de pequeño formato y además una selección de obras instalativas. La elección de artistas de referencia –ya habían sido invitadas Andy Cherniavsky y Renata Schussheim, cuyas trayectorias aportan una mirada transversal entre imagen, escena y producción visual– refuerzan su identidad curatorial y su posicionamiento dentro del arte contemporáneo.

Entre las novedades de esta edición, se sumaron dos asesores curatoriales como servicio a las galerías. Francisco Medail, cuya labor articula producción e investigación en torno a la imagen, los archivos y los modos de exhibición, y Julián León Camargo, con trayectoria en gestión cultural, docencia y desarrollo de proyectos de circulación y formación en arte contemporáneo, acompañan a las galerías en el desarrollo de sus propuestas en el espacio, así como en armar recorridos y continuidades, pero también en la política de precios, aunque es autónoma.La feria se posicionó como una de las iniciativas emergentes de mayor crecimiento en la agenda cultural de Buenos Aires.

Los organizadores, sin embargo, buscan que esta política considere opciones acordes al concepto. “Porque así como una persona que es comprador de una primera obra no elige una de 2 x 2 metros, tampoco se gasta 10.000 dólares”, señala Ivanier una de las claves del éxito de ventas del año pasado.

Las expectativas son amplias en fortalecer su rol como espacio de articulación entre galerías, artistas emergentes, coleccionistas y nuevos públicos. “Entiendo que la experiencia de 2025 nos dio confianza, y que entendieron la marca y el concepto: hoy la feria es una marca registrada y encontró un lugar en el ecosistema”, concluye Ivanier.

La inauguración de la Copa del Mundo modificará unos de los días de la feria, convirtiéndose el 11 de junio en una feria nocturna.

La feria Arte Pequeño Formato® podrá visitarse en el MARQ (Av. Libertador 999) en los siguientes horarios: 10, 12, 13 y 14 de junio: 15 a 20 hs; 11 de junio: 19 a 22 hs (Noche de arte en el MARQ). Entrada libre y gratuita.

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Sobre la firma

March Mazzei

Editora de la Revista Ñ/ sección Culturammazzei@clarin.comBio completa

Fuente: Clarin.com

Alejandro Vaccaro cuenta con una colección de más de 30 mil piezas que incluyen todas las ediciones de los libros de Borges, manuscritos, rarezas y objetos personales. Es actualmente Presidente de la Asociación Borgesiana de Buenos Aires, Secretario de redacción de la revista Proa, miembro de la Sociedad de Bibliófilos Argentinos y Presidente Honorario del Instituto de Estudios Jorge Luis Borges de la Universidad Católica de San Pablo (Brasil). En Borges, textos secretos y falsas atribuciones (Emecé) recorre los diferentes escritos en torno al autor que siempre generaron controversias, así como de algunos datos vinculados a su biografía de manera errónea. Con extremo cuidado y minuciosidad al adjuntar la documentación correspondiente, se ocupa de analizar, responder o corregir la información errónea.Alejandro Vaccaro presentó en la Feria del Libro otro de sus libros sobre Borges: “Borges colección”, junto a Alejandro Guillermo Roemmers. Foto: Martín Bonetto.

“Una proliferación manifiesta de textos de Borges o atribuidos a él”, explica Vaccaro en la breve introducción al libro, “han nutrido su universo literario, fundamentalmente a partir de su desaparición física”.

En contraposición a textos que le fueron atribuidos erróneamente y circulan, en gran medida, a través de redes sociales, hay otros que mantienen una “fuerte identificación” con el estilo del autor, así como una “aceptación generalizada de que le pertenecen”, dice en esas páginas.

Y agrega: “Con la intención de buscar cierta diversidad hemos seleccionado aquellos que –a excepción de los dos últimos- tienen muy poco que ver con la literatura. Veremos sí, en esta variedad, textos ampliamente reconocidos como de autoría borgeana, otros que pueden ofrecer dudas y algunos inéditos o casi inéditos que nos dan las pistas necesarias para también desestimar aquellos que a todas luces no le pertenecen pero le fueron errónamente atribuidos”.

Posiblemente, el plural utilizado tenga que ver con los destinatarios de la primera tanda de personas a las que está dedicado el libro: “A Roberto Alifano, Juan Gasparini, Annick Louis, Antonio Requeni, Fernando Sorrentino y Beto Melograno Lecuna (in memoriam), cómplices involuntarios pero decisivos en esta nueva aventura borgeana”.

Los folletos

El primer texto del que se ocupa Vaccaro es el del ya mítico folleto de la leche cuajada de La Martona, la primera industria láctea argentina, fundada en 1889 por Vicente L. Casares, abuelo de Adolfo Bioy Casares. Borges y Bioy se habían conocido en 1931 en la casa de Victoria Ocampo.

Borges tenía 32 años, había publicado varios libros y artículos periodísticos y obtenido el Segundo Premio Municipal de Prosa por Idioma de los argentinos, de 1928. Bioy era un joven de 17 años, que sin embargo ya había publicado el libro Prólogo –a sus 15– y escrito el cuento «Vanidad o una aventura terrorífica», que posiblemente todavía permanezca inédito.

Los tíos maternos de Bioy, dueños de La Martona, les encargaron un folleto publicitario para hablar de las bondades de la leche cuajada. Los dos escritores se instalaron en la estancia de la familia de Adolfito, en el Partido de Las Flores, para elaborarla. Años después escribirían juntos cuentos policiales, que se conocerían luego como Seis problemas para don Isidro Parodi.

“Los trabajos en colaboración suelen arrojar resultados dispares”, afirma Vaccaro. “Por la razón que fuere puede prevalecer el estilo de uno sobre el otro, o bien pueden anularse, ambos autores, mutuamente en beneficio de un estilo neutro, sin marcas personales”.

Y luego agrega que, en este caso, “se nota la decisiva influencia de Borges y podría ser considerado como una prueba tendiente a su búsqueda de encontrar un estilo literario afín”. Es uno de los distintos análisis que realiza acerca del texto del folleto que, en su edición original, contaba con una cubierta ilustrada por Silvina Ocampo.

Entre las conclusiones, el autor sostiene que “distintos testimonios (incluido el del propio Bioy Casares) certifican la autenticidad del texto”. En una nota al pie, un texto en primera persona escrito por Bioy confirma que su tío Miguel Casares le encargó que escribiera para la lechería “un folleto científico o aparentemente científico, sobre la leche cuajada y el yogur”, y que le pagarían 16 pesos por página, “lo que entonces era un muy buen pago”, según aclara el autor de El sueño de los héroes.

A continuación, agrega Bioy que le propuso a Borges escribirlo en colaboración. “Escribimos el folleto en el comedor de la estancia, en cuya chimenea crepitaban ramas de eucalipto, bebiendo cacao, hecho con agua y muy cargado”, dice en la cita de su libro Memorias (Tusquets, 1994).El escritor biógrafo y coleccionista argentino Alejandro Vaccaro muestra fotos donde aparece Jorge Luis Borges junto a Jorge Mario Bergoglio. Foto: Mariana Nedelcu.

Con similar procedimiento Vaccaro se ocupa de analizar otros folletos publicitarios: el folleto del cincuentenario de La Martona, el folleto de la República Argentina –confeccionado en 1958 por la Dirección Nacional de Turismo, con fotografías de Gustavo Thorlichen, quien realizó retratos de, entre otros, Juan Domingo Perón, Eva Duarte, Victoria Ocampo y el propio Borges– el folleto de la compañía Varig y el folleto “Tres poetas a Polonia”.

En cada uno de estos textos, que recorre con minuciosidad, estudia la mayor o menor presencia de la pluma del autor, y comparte con los lectores conclusiones como: “No resultaría arriesgado colegir que se trata de un texto cuyo autor es Borges, pero que se ha visto invadido por otra mano, para darle un sesgo comercial con o sin el consentimiento de Borges”.

O como la siguiente: “Una vez más, nuestro autor nos demuestra que cuando ninguna otra persona interviene en sus textos, su estilo es inconfundible”.

Poema “Instantes”

En el espacio destinado a las “falsas atribuciones”, que, según se encarga de aclarar Vaccaro, puede interpretarse como textos que, entre otros motivos, fueron atribuidos a Borges por error, explica que la manera más eficaz para demostrar que él no es el autor consiste en “aportar de forma contundente” los datos de quien verdaderamente los escribió.

Así es como se ocupa, entre otros casos, del poema “Instantes”, también publicado en ocasiones con el título “Momentos”. Aporta los datos de los verdaderos autores, producto de sus rigurosas investigaciones.El escritor biógrafo y coleccionista argentino Alejandro Vaccaro junto a la biblioteca dedicada al Jorge Luis Borges en su casa. Foto: Mariana Nedelcu.

Vaccaro no solo se ocupa del cuidado por el origen de los textos: también expone situaciones de “descuidos” o “falta de rigor” en circunstancias referidas a su vida personal.

Uno de esos casos es el de la casa natal del autor de El Aleph. “Me dirijo a Usted y por su intermedio a la Honorable Comisión Directiva de esa institución con el fin de realizar un aporte tendiente a subsanar un error que se ha cometido –al parecer involuntariamente– en lo relativo al edificio de vuestra propiedad sito en la calle Tucumán 842/44/46”, dice en el inicio de una carta que transcribe en su totalidad, dirigida a la Presidenta de la Asociación Cristiana Femenina.

En las siguientes líneas explica que la información incluida en las placas ubicadas en el frente de la propiedad en la que funciona la entidad –donde se indica que Borges nació allí el 24 de agosto de 1899– es errónea, ya que esa vivienda, que se encontraba en el terreno contiguo, fue demolida. A continuación, como lo hace en cada uno de los casos que trata en el libro, adjunta la documentarión que lo acredita.

No vaya a ser que se preste a confusión el dato de la casa natal de quien inició su poema “Las calles” con los siguientes versos: “Las calles de Buenos Aires/ ya son mi entraña”.

Borges, textos secretos y falsas atribuciones, de Alejandro Vaccaro (Emecé).

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Sobre la firma

Dalia BerBio completa

Fuente: Clarín.com

El tapiz renacentista italiano más importante conservado en Estados Unidos será restaurado gracias a los fondos de la fundación que organiza algunas de las ferias de arte más prestigiosas del mundo, entre ellas la de marzo en Maastricht y su edición gemela que abrirá en los próximos días en Nueva York.El tapiz renacentista de Dante y Virgilio volverá a exhibirse tras décadas en depósito. Foto: redes sociales.

En colaboración con socios de Bank of America, la European Fine Art Foundation otorgó una financiación de 25.000 euros al Minneapolis Institute of Art para la recuperación del gran tejido historiado del siglo XVI que representa el encuentro entre Dante y Virgilio.

Es la primera vez, desde la creación del fondo en 2012, que Tefaf financia la restauración de un tapiz. El museo de Minneapolis posee más de 40 –una de las colecciones más prestigiosas de Estados Unidos– y la representación en lana y seda del encuentro entre los dos grandes poetas constituye su pieza más importante.

Arte renacentista

«Devolver al público la oportunidad de verlo es un momento significativo para el museo y para todos los amantes del arte renacentista», declaró Max Bryant, responsable en el Mia de las obras de arte del Renacimiento europeo.

De más de cinco metros de alto y unos dos metros y medio de ancho, el tapiz que será restaurado es el único mediceo conservado en una colección pública fuera de Italia.

Precisamente por sus dimensiones y fragilidad, durante los últimos 70 años ha permanecido en su mayor parte en depósito debido a problemas estructurales y a su sensibilidad a la luz.

Regresará ahora a las galerías el próximo julio, una vez concluida la restauración, que estará a cargo del Midwest Art Conservation Center y se realizará dentro del propio museo.

El proceso incluye limpieza en húmedo, estabilización y una retejida parcial. También se instalará un nuevo sistema de exhibición para permitir su correcta conservación y exposición.El tapiz renacentista de Dante y Virgilio volverá a exhibirse tras décadas en depósito. Foto: redes sociales.

El museo diseñó además un marco a medida que permitirá en el futuro prestar la obra a otras instituciones.

Manufactura florentina

El tapiz fue realizado entre 1547 y 1549 en la manufactura florentina fundada pocos años antes por el duque Cosimo I con el objetivo de competir con los grandes talleres de Bruselas y dirigida por el maestro tejedor Jan Rost. La obra, que representa la escena inicial de la Divina Comedia, fue diseñada por el pintor Francesco Salviati.

A comienzos de este año, Tefaf financió la restauración de «La Caccia al Cinghiale» («La caza del jabalí») de Peter Paul Rubens en la Gem„ldegalerie Alte Meister de Dresde.

En el pasado, también apoyó la recuperación de un raro manuscrito del siglo XV en la Hispanic Society Museum and Library de Nueva York, de una escultura manierista en el Wadsworth Atheneum de Connecticut y de tres sarcófagos egipcios en el Rijksmuseum de Ámsterdam.

Con información de Ansa.

Fuente: Clarín.com

En Punta del Este, en el 2000, Diego Armando Maradona corrió el riesgo de morir: fue ingresado en coma, con una grave crisis hipertensiva y arritmia ventricular por exceso de cocaína. Al final se salvó por poco gracias a una intervención urgente.Pablo Neruda y Matilde Urrutia

Siempre en esos años, Rocco Morabito, un destacado jefe de la ‘ndrangheta, eligió Punta del Este para su vida en la clandestinidad: desde 2001 hasta 2017 vivió allí con un pasaporte brasileño falso a nombre de Francisco Antonio Capeletto Souza.

Pero este rincón de tierra, donde las aguas oscuras del Río de la Plata se funden con las azules del océano Atlántico, no siempre fue un paraíso para los Vip, para el dinero –más o menos legal– y para el jet set de medio mundo.

La cultura va a la playa

Lo que hoy se considera la Miami de América Latina, con casas de más de 8.000 dólares por metro cuadrado, en el siglo pasado fue amado y habitado también por figuras destacadas de la cultura y la política latinoamericana.

En una de las pocas casas bajas que aún quedan en pie en la ciudad, vivieron a comienzos de la década de 1950 el célebre poeta chileno Pablo Neruda, junto con su amante de la época, Matilde Urrutia, que más tarde se convirtió en su tercera y última esposa.El Che Guevara mateando con El presidente del Consejo Nacional de Gobierno uruguayo Eduardo Haedo. Archivo Clarín.

Allí Neruda encontró exilio –político y amoroso–: se cuenta que los habitantes de la ciudad, en señal de cariño, protegieron cuidadosamente su privacidad. Hoy, esa casita de fachada blanca y rosa, cerca del Puerto, se convirtió en un museo que reúne fotos y testimonios de aquella época.

Una decena de años después, exactamente en 1961, el Che Guevara dio precisamente en Punta del Este, en el hotel Nogaró, uno de sus discursos más famosos, que marcó la ruptura histórica y definitiva entre La Habana y Washington.

«La alianza de las letrinas»

En calidad de ministro de Industria, habló en una reunión del Consejo Interamericano Económico y Social. Ante el delegado de John Kennedy, Douglas Dillon, definió la Alianza para el Progreso, presentada por Estados Unidos poco antes como «la alianza de las letrinas», cuyo único propósito –dijo– era desviar a los pueblos latinoamericanos del camino abierto tres años antes por la revolución cubana.El 8 de agosto de 1961, el Che toma una gaseosa en Punta del Este. Archivo Clarín.

Terminado el conflicto de la guerra civil española, con la victoria de Franco sobre el bando republicano, el escritor andaluz Rafael Alberti se refugió en el exilio entre Argentina y Uruguay.

Y fue en Punta del Este donde vivió muchos meses al año, entre 1940 y 1963, en una casa que él mismo renombró «La Gallarda», en italiano, la fascinante, la elegante.

Para la crónica: en 1963 se mudó a Roma, donde vivió en Trastevere, antes de volver a España solo después de la muerte de Francisco Franco, en 1977.

Con información de Ansa.

Fuente: Clarín.com

Manolito, el amigo de Mafalda, es una persona real que tenía un almacén a la vuelta de la casa de Quino en San Telmo. Hace algo más de un siglo, el 10 por ciento de todas las personas que vivían en la ciudad de Buenos Aires habían nacido en Galicia. Diego Maradona tiene sus orígenes familiares en una localidad gallega de la provincia de Lugo. Se dice que Buenos Aires es la quinta provincia gallega y el periodista español Arturo Lezcano (Ferrol, 1976), que vivió como corresponsal de medios europeos durante seis años acá, ratifica esa idea mitológica en su libro El país invisible. La epopeya atlántica de la diáspora gallega (Libros del K.O.), que está presentando mañana en el Centro Cultural de España en Buenos Aires y que agotó ejemplares en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires la semana pasada. Porque lo que sobra en la capital argentina son nietos de gallegos.El periodista español Arturo Lezcano presenta en Buenos Aires El país invisible, una investigación sobre la diáspora gallega en América (en castellano y en gallego). Foto: gentileza Libros del K.O.

El libro se publicó al mismo tiempo en castellano y en gallego, con más de 600 páginas y detalles de diseño que hablan de la reflexión y el cuidado sobre el tema. En el lomo del volumen, un puntito minúsculo representa a escala a la Galicia territorial en relación con la monumentalidad del continente americano, que pobló con su diáspora. En la faja, un mapa con los caminos que recorrieron los migrantes desde su pueblo hacia América. Un dato: en el territorio gallego viven unos 3 millones de ciudadanos. Fuera de ahí, más de 563.000, por lo que el 20 por ciento de la población gallega total reside lejos del país, con una gran mayoría asentada en América (más de 400.000). Sobre esa diáspora es que se lanzó Arturo Lezcano.

El periodista contó días atrás en la Feria del Libro que su «método científico» de abordaje sobre el universo que quería retratar era simple: «Me sentaba cerca de la persona y le pedía que me contara su historia», explicó. Invariablemente, hombres y mujeres, muy mayores o no tanto, le respondían que no había nada que contar, que la suya era una vida sin interés. Dos horas después, prácticamente tenía que escapar porque los recuerdos seguían manando de memorias siempre prodigiosas para evocar «a terriña» que habían dejado del otro lado del mar y la epopeya de cruzar el Atlántico y volver a empezar de este lado.https://7f3fad9bb8167e09a2e8c3367fa1f77a.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

En primera persona

El propio Lezcano conoce la emigración en primera persona. Su madre, Viruca, le repite con frecuencia que él mismo nació «gracias a Fidel Castro». Parece que, de no haber sucedido la revolución cubana, ella habría también partido hacia la isla para reunirse con un tío, por lo que difícilmente hubiera conocido a su marido, el padre del periodista. Es que lo exótico en Galicia es no tener un migrante en la familia.

Ese fenómeno que atraviesa la historia de Galicia (y, en el reverso, también la de la Argentina) fue analizado por historiadores, sociólogos, lingüistas y economistas. En la Argentina, los historiadores Fernando Devoto, María Liliana Da Orden y Ruy Farías Iglesias son referencia en la materia, así como en Europa lo es su par Xosé Manoel Núñez Seixas. También la literatura de allá y de acá abordó el tema (en Europa, las novelas de Víctor Freixanes y María Xosé Porteiro, por citar solo dos autores, y aquí las de María Rosa Lojo, por caso). Pero el periodismo, más allá de la noticia del día, aún tiene una deuda con la emigración en lo que refiere a los abordajes en profundidad, con las herramientas de la crónica. Eso es lo que hace Lezcano.

Para eso, realizó a lo largo de doce años más de 200 entrevistas detenidas, minuciosas, de pura escucha. Luego, seleccionó las vidas representativas de singularidades y continuidades del fenómeno migratorio en la Argentina, Cuba, Uruguay, Brasil, Nueva York, Venezuela, México y Panamá. El resultado es un espejo en el que es imposible no verse. Antes de presentar el libro mañana en el CCEBA, Lezcano respondió las preguntas de Clarín.https://www.instagram.com/p/DSX-23kDcz7/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Farturo-lezcano-expresion-perfecta-gallego-porteno_0_mOmNv6Bibl.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2641.899999976158%2C%22ls%22%3A213%2C%22le%22%3A977.5999999642372%7D

–¿Cuán evidente es, para quien llega de Galicia a Buenos Aires, la huella gallega en la ciudad y, en ese caso, dónde concretamente la ves (y nosotros no porque la tenemos naturalizada)?

–Para mí, en Buenos Aires como en otras ciudades, y estoy en Montevideo ahora mismo, en la avenida 18 de Julio, es muy perceptible. Hay huellas visibles y huellas invisibles. Para el gallego que llega a Buenos Aires por primera vez, es como entrar en una especie de eucronía, una realidad paralela en la que coterráneos nuestros formaron una sociedad que es como otra Galicia paralela en el tiempo y en el espacio. Y es una sensación muy, muy extraña para quien llega por primera vez, porque está viendo realmente caras gallegas, apellidos gallegos por todos lados, en los colectivos, en los bares, en las tiendas, en los apellidos de una clase de colegio, de un diario o en cualquier lugar donde aparezcan nombres. Son huellas que son invisibles porque forman parte del ser argentino y están tan naturalizadas como los apellidos italianos o los judíos, pero son nuestras. Y luego hay otras huellas más visibles, que son las más típicas, como el cruceiro de Parque Lezama o el panteón del Centro Gallego en el Cementerio de la Chacarita o los 50 centros gallegos que funcionan en Buenos Aires. Pero, claro, a lo mejor, la gente va por la avenida Santa Fe y no se da cuenta de que en portales y galerías hay murales de Luis Soane, o entra al teatro San Martín y no se da cuenta de que ahí está el gran mural de Soane titulado «El nacimiento del teatro argentino». Es decir, hay un sinfín de huellas que nos hacen pensar que en algún momento, a través del Atlántico, existió ese país invisible en el que se cruzaron dos Galicias, y la porteña, está bien claro, está viva y más que viva.

–¿Qué características del ser porteño te parece que son herencia de los inmigrantes que llegaron de Galicia?

–Es una pregunta bastante complicada, habría que hacer nuestras las palabras del médico e intelectual Antonio Pérez Prado, que siempre decía que la expresión más perfecta del gallego es el porteño. Yo creo que hay muchas cosas, y haciendo nuestro el concepto elaborado por María Rosa Lojo de criptoidentidad, que pasan por invisibles o que se adjudican al origen italiano. Por ejemplo, el lunfardo está ahí: yeite, gayola, barullo, descangayado, chumbo (aunque posiblemente sea del portugués en este caso) y muchos otros vienen del gallego. Otro elemento es que en el ser porteño habita cierta sagacidad o intuición que es muy gallega, y específicamente del gallego de aldea, pues es de donde veníamos todos, prácticamente el cien por ciento. Y esa intuición, ese segundo de cavilación antes de tomar la decisión, es muy gallega. Y luego el individualismo, tan propio del gallego, y que también se manifiesta en algunas cosas del porteño, para bien y para mal. Y la retranca, esa ironía argentina, creo que es herencia, en gran parte, nuestra. Aunque hay que recordar que se dice que los uruguayos son más gallegos por carácter y quizás sí haya algo de eso.El periodista Arturo Lezcano (izquierda) entrevistando luego de la pandemia a Juan Calo, Chanquete, el hombre que fue niño en la célebre foto de Manuel Ferrol sobre la emigración gallega. Foto: Emilio Fernández, gentileza Libros del K.O.

–Y a la inversa, ¿cómo se ve el proceso ahora que en Galicia suenan los castellanos americanos por las calles?

–Estoy convencido de que lo que resulte de los próximos 20 años en España, por el aluvión de inmigrantes de los últimos 15 años, dependerá de esa integración de la segunda generación. Es decir, de esa integración dependerá en gran medida cómo será el futuro del país. En el caso de Galicia, mucho más. Galicia dejó de perder población para ganarla. Eso quiere decir que tiene muchísima gente llegando y su integración es básica, igual que lo fue la de la segunda generación, por ejemplo, de los gallegos en la Argentina. Y estamos haciéndolo día a día. Todavía no hay representación de la extrema derecha en Galicia ni un cargo público. Seguramente, el año que viene ya la habrá, pero creo que todo se resume en la palabra empatía, en ponerse en el lugar del otro, en que, por mucho aluvión y por mucha gente que llegue en muy poco tiempo, algo nos queda dentro de nuestra sabiduría y de saber que nuestros padres, nuestros abuelos y bisabuelos y más allá, llegaron como pudieron, muchas veces sin papeles y sin trabajo, para hacerse un hueco. Igual que se hacen ahora los de las nuevas diásporas, en las que, además, hay muchos que son descendientes, con lo cual se cierra el círculo.

–¿Qué cosas pensabas y ya no pensás sobre Galicia y su gente (la diáspora y la territorial) después de escribir el libro?

–Lo que yo pienso es que, después de este libro, la gente se va a abrir más o va a tener menos miedo a contar su historia. No tanto por temor sino por pensar que su historia no vale nada y, en realidad, vale. Es decir, ayuda, aunque sea un poquito, a quitarnos esa pátina de autoodio casi, o de baja autoestima respecto a nosotros mismos. Respecto a las cosas que pensaba y no pensaba sobre Galicia, me mantengo firme desde que empecé a escribir este libro en la idea de que había un país invisible que contar, en los dobleces de los mapas, en los sitios recónditos, en los lugares más ignotos de las Américas, adonde llegaron gallegos. Y otra cosa que pienso es que se puede ver un patrón importante y transversal, mucho más homogéneo de lo que se piensa. Da igual que hayas emigrado desde la Mariña Lucense a Cuba, desde Celanova a Venezuela, desde Avión a México, desde Bergantiños a Uruguay o a la Argentina, se repiten paso por paso todos los ejes y patrones de vida. Eso quiere decir que llevamos muy dentro una determinada forma de ser, que creo que solo es equiparable al otro gran hecho transversal, que es la lengua.

Arturo Lezcano básico

• Nació en Ferrol, en 1976. Trabajó 12 años como corresponsal en Latinoamérica.

El periodista y escritor Arturo Lezcano, autor de El país invisible. Foto: gentileza Libros del K.O.

• Ha colaborado en El País, Gatopardo, O Globo, Jot Down, Vanity Fair, Líbero, La Voz de Galicia y tintaLibre, entre otros. Creador de los podcasts In situ, La Fortuna, Olafo o En el corredor de la muerte.

• Dirigió A terra onde nin o demo chegou (TVG, 2010) y escribió el documental El último símbolo (Amazon, 2020). Fue guionista de Salvados (La Sexta) y productor de NBC Telemundo, actualmente dirige su propia productora Ailalelo.

• Ha publicado Fútbol sobre lenzo (Lea, 2005) y sus textos aparecen en las antologías Un mundo lleno de futuro (Planeta) y Crónica (UNAM).

Un país invisible se presentará mañana miércoles a las 18 en el Centro Cultural de España en Buenos Aires (Paraná 1159). Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

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Sobre la firma

Débora Campos

Editora de la sección Culturadecampos@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Serán las últimas Jornadas de la Crítica para los curadores Florencia Battiti, Fernando Farina y Cecilia Rabossi. Después de 12 años de gestión abandonan sus cargos al frente de la Asociación de Críticos de Arte con el evento que se llevará a cabo este jueves 14, viernes 15 y sábado 16 de mayo en la Fundación PROA. La inscripción para participar, de forma gratuita, ya está abierta en la web de la fundación, así como la programación completa del evento.

Bajo el lema ¿Para qué sirve la crítica de arte? Nuevas perspectivas en la teoría y la práctica la organización busca recuperar la actitud crítica y el pensamiento colectivo para intentar encontrar respuestas sobre el estado de situación de la crítica en la actualidad. Se podrá asistir tanto de forma presencial como seguir las charlas vía streaming.

Los organizadores reconocieron que han tenido que adaptar el evento a los tiempos actuales, atravesados por la inmediatez, la irrupción de los nuevos formatos, los nuevos actores que ejercen la crítica y que abrieron la disciplina a distintos formatos y registros. Y sobre todas las cosas, empezaron a prestar atención a cómo el mercado puede también adaptar los

Durante tres días críticos de distintas ramas de las artes, curadores, investigadores, artistas y gestores culturales presentarán sus propuestas en diálogo con los principales ejes de este encuentro. Las jornadas, prometieron las autoridades salientes, están pensadas con formatos dinámicos y no como congresos académicos, con un mix de discusiones, apertura a ponencias y la incorporación de críticos jóvenes.

Entre algunas de las consignas que dispararán las mesas y las ponencias se destacan la situación actual de la crítica y sus cruces con la historia del arte y la práctica curatorial; el análisis de su lugar en un contexto de “estetización difusa”, donde se tensiona su autonomía frente a instituciones y mercados y su relación con algunas problemáticas urgentes vinculadas al medioambiente, la diversidad de géneros, las disidencias y las nuevas formas de circulación en entornos digitales.Ver esta publicación en Instagram

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La conferencia de apertura estará a cargo de Marita Soto, de extensa trayectoria en el ámbito de la Semiótica y el área de Crítica de Artes de la Universidad Nacional de las Artes, y la crítica y docente Ana María Battistozzi.

La actividad es la última organizada por la actual comisión directiva -que tiene a Florencia Battiti como presidenta; a Fernando Farina como vicepresidente y a Cecilia Rabossi como secretaria general-, después de 12 años de gestión. En ese marco se presentará a la nueva comisión.

Fuente: Clarín.com

El sistema del arte está vivo. Da patadas de rechazo a algunas cuestiones, acepta otras, pero no acusa colapso inmediato. Claro que esto, dicho al finalizar la preapertura de la 61ª edición de la Bienal de Arte de Venecia, puede cambiar varias veces a lo largo del año, y hasta el 22 de noviembre de 2026, cuando el mega evento cierre sus puertas. Ingresaron alrededor de 10.000 visitantes el día de la inauguración (más del 10 % respecto de 2024). Exactamente 27.935 asistentes durante los tres días previos a la inauguración (más del 4 % respecto de 2024).Activistas y simpatizantes del grupo de rock ruso Pussy Riot protestan contra la inauguración del pabellón ruso en la 61.ª Exposición Internacional de Arte (Biennale Arte 61). EFE/EPA/ANDREA MEROLA

La pregunta que ha quedado flotando, tras la apertura de los pabellones de Rusia e Israel en esta edición, es por qué decidió la Fundación organizadora legitimar a dos países en guerra como Rusia e Israel, cuyos líderes políticos tienen captura internacional en varios países, por presuntos crímenes de guerra.https://b1a2d34986fae8c921bee413d94a7c67.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

La primera herida que abrió esta controversia por Rusia es la enemistad entre dos amigos, el presidente de la Fundación de la Bienal, Pietro Butafuoco, y el ministro de Cultura de Italia, Alejandro Giuli. El segundo no acudió a la preapertura de esta edición. La segunda es el retiro de la Unión Europea de un fondo de dos millones de euros a la Bienal por aceptar la participación de la Rusia de Putin.

A este entuerto del inicio hay que sumarle la renuncia en bloque del jurado que premia con ojo académico y crítico al mejor pabellón nacional y al mejor artista. El público decidirá, ha dicho la Bienal. Ayer la Bienal informó sobre la votación popular. Solo podrán participar los que paguen la entrada y visiten las dos sedes: Arsenale y Giardini.

La votación será a través de un link que la Bienal enviará al público asistente. Ya sea por la controversia o por el lema convocante esta es la edición que más gente llevó en la preapertura y tuvo la mayor cobertura mediática de toda la historia de la Bienal.

Una voz fundada

La artista bielorrusa Natalia Gurova, criada en Rusia y residente en Viena, Austria, desde 2014, se preguntaba hoy en su cuenta de Instagram, quién representa a quién en esta Bienal y por qué razón en “un momento en que las fronteras y las identidades son constantemente criticadas, pueden la ciudadanía, los pasaportes, la pertenencia, definir todavía el acceso y la representación de manera tan fuerte”. Es muy interesante el planteo de una artista que, precisamente, pertenece al “bando criticado”, por situar de algún modo a su país, Bielorrusia, aliado inquebrantable de Putin.Manifestantes de los colectivos ProPal marchan por la Via Garibaldi, en el barrio de Castello, durante una protesta en la que se exige a la Bienal el cierre del pabellón israelí. EFE/EPA/ANDREA MEROLA

Lo cierto es que “las claves menores” propuestas por la fallecida Koyo Kouoh, toda una apelación a bajar el tono, convertir el lenguaje en poesía y arte, valorar una experiencia meditativa frente a tanta obra conmovedora y comprometida, fueron barridas por el ruido de crítica, las notas ácidas de buena parte de la prensa especializada, y los colectivos que también hicieron valer su fortaleza para atrapar la atención mediática.

La presencia de los activistas Pussy Riot y Femen fue multitudinaria, porque a ellos se unieron muchos disconformes de la Bienal, entre trabajadores y artistas, sobre todo. Viene ahora la pregunta incómoda. Ningún líder de la actualidad, por cuestionado que sea, puede ser comparado con el horror que representaron Hitler o Stalin o Pol Pot, por nombrar lo peor de cada casa. Podemos imaginar la presencia de la Alemania nazi en la 61 Bienal de Arte de Venecia? O la Rusia de Stalin? O la Camboya de Pol Pot?

Es cierto que muchos pabellones han sido cuestionados en diferentes ediciones de la Bienal, pero como nunca antes tantos artistas y curadores y trabajadores han rechazado de manera tan clara lo que el sistema legitima. Sí la cúpula de la Bienal decide aceptar la presencia de artistas de dos países cuestionados, la gente que mantiene viva la Bienal no lo admite. Resiste y eso obliga a cerrar por primera vez 27 pabellones, el ultimo día de la preinauguración, lo que repercutió en las expectativas de coleccionistas, directores de museos, curadores, etc.

Queda claro que mientras la temperatura de las clases dirigentes, incluida la cúpula de la Bienal, se mantiene templada, la social y la del mundo del arte es caliente. Podremos convenir, a estas alturas, que la política de la cancelación es inaceptable porque ha dado cuenta de errores fatales. Como planteó la propia Bienal en el concierto de cierre de la pre apertura, el disenso y el arte pueden convivir. Pero además, el arte es un espacio de resistencia que produce sentido. Una obra, una performance, una instalación ubicadas en el escenario de la Bienal se lee de manera distinta, y activa un significado distinto.Protestas durante la inauguración de la 61.ª Exposición Internacional de Arte (Biennale Arte 61) contra la presencia del pabellón israelí en el evento. Foto: EFE/EPA/ANDRE

No hay creación artística que funcione si el poder lo valida y el momento actual es muy complejo. Putin invierte mucho en cultura, dice Natalia Gurova, precisamente porque está en guerra. Eso no puede pasar desapercibido para el sistema del arte. Como no puede pasar desapercibida la extendida campaña de Netanyahu por legitimarse ante los países europeos y la sociedad norteamericana.

¿Qué sería aceptable en un mundo roto, en relación con aquellos Estados que sostienen hoy conflictos bélicos que no dejan indiferente a nadie? ¿Quién valida a quién y desde qué lugar? Algunas voces que recogimos en los cuatro días de la pre apertura reclaman un debate puertas adentro de la Fundación de la Bienal. Reclaman cambios de posición y en todo caso, si el arte puede comprometerse con determinados acontecimientos del pasado y del presente, con más razón los grandes eventos internacionales tiene que adoptar una posición clara.

Otros avalan lo sucedido en esta edición. Dicen que está bien que ambos países cuestionados hayan participado, como también admiten que es legítimo que los colectivos que se oponen a ambos se haya manifestado. Lo contrario, dicen, hubiera sido censura. Como si no hubiera ocurrido ya en ediciones anteriores. En 2024, Rusia no abrió su pabellón al público. Y la artista Ruth Patir, tanto como los comisarios del pabellón de Israel, renunciaron a participar hasta que hubiera un alto al fuego en Gaza.

La Bienal no los excluyó, sino que ambos países, de una u otra forma, se autoexcluyeron. Incluso no hay que olvidar a la Venezuela de Nicolás Maduro, que no abrió su Pabellón (tiene espacio propio con identificación del país) en 2019. Las razones nunca se hicieron públicas, pero fue el agitado año en que Juan Guaidó se proclamó presidente interino y varios países lo reconocieron.

El punto crítico con el sistema del arte es la validación que conlleva una decisión como la que tomó la Bienal. En todo caso, si el sistema es responsable de la canonización histórica que define qué es una obra de arte y las instituciones –museos, academias, bienales, galerías, colecciones– validan el arte como tal, todavía es temprano para saber qué quedará de este episodio crítico que ha contaminado este evento global con el estruendo de las bombas y las balas que matan en otras partes.

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Sobre la firma

Susana Reinoso

seccioncultura@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Buscando en el archivo de Longleat House, en el condado inglés de Wiltshire, unas memorias de Violet Dickinson, amiga íntima y mentora de Virginia Woolf, la académica Urmila Seshagiri se topó con tres cuentos inéditos de la autora de Las olas que ahora llegan por primera vez al lector español.“Violet”, de Virginia Woolf, tendrá una edición especial e ilustrada inspirada en los libros de esa época. Foto: Archivo Clarín.

Publicados en inglés el pasado otoño, la editorial española Páginas de Espuma está detrás de la primera traducción, que llegó a las librerías días atrás, una edición especial e ilustrada inspirada en los libros de esa época; la de Lumen lo hará este 7 de mayo, con el título La vida de Violet.

Se conocía un primer manuscrito, de 1907, que se conservaba en la New York Public Library, pero ésta es una versión posterior, de 1908, mecanografiada y corregida por la autora, lo que indica, según la traductora Patricia Díaz, que le daba más importancia de lo que hasta ahora creían los estudiosos y biógrafos.

«El libro nos acerca a una joven Virginia de 26 años que ya es escritora profesional, que escribe ensayos para la prensa, pero empieza a tantear la ficción –su primera novela, Fin de viaje, es de 1915–», recuerda Díaz, autora del prólogo de Violet.

Se trata de tres historias breves, ‘Galería de amistades’, ‘El jardín mágico’ y ‘Una historia para hacerte dormir’, inicialmente escritas sin intención de publicarlas, para que las leyera su amiga y para su propia diversión y experimentación.

El germen

Díaz cree que es «un caramelo» para cualquier amante de la obra de Woolf por varios motivos. Porque permite ver a una gran escritora dando sus primeros pasos en ficción, las conexiones entre biografía y novela, entre lo factual y lo imaginario que van a estar siempre muy presentes en su obra, ya están allí.

Se puede decir, sostiene, que Violet «prefigura Orlando», una de sus grandes novelas. «En Orlando ya está la madurez de su genio y este es un texto experimental, pero la guía es la misma, es decir, es una biografía medio real medio inventada, inspirada por el amor de una mujer».

También aparece la temática feminista. Woolf incide en la mala formación y educación que reciben las mujeres y habla de esa idea del espacio propio –aquí dice un «cottage propio»– a la que dedicará después uno de sus ensayos más célebres, Un cuarto propio.

«El deseo de vencer las limitaciones que una sociedad patriarcal impone a las mujeres atraviesa todo el libro», dice la traductora y experta en literatura inglesa.

En tercer lugar, aparece una Woolf divertida, que Díaz también reivindicó en Las cartas de Woolf. «Aquí en España, con su suicidio y con sus crisis depresivas tiene una imagen un tanto triste o lúgubre, pero era una persona muy, muy divertida y con una gran vitalidad», apunta.“Violet”, de Virginia Woolf, tendrá una edición especial e ilustrada inspirada en los libros de esa época. Foto: Páginas de Espuma.

Una relación de amor casta

Aunque hubo intentos de publicación anteriores, no llegaron a buen puerto. En 1955, la agencia que llevaba el archivo de Violet Dickinson le ofreció al marido de Virginia, Leonard Woolf, comprar el texto corregido, pero éste no quiso hacerlo.

Más tarde, el poeta y editor John Lehman –coeditor de Hogarth Press, la editorial fundada en 1917 por los Woolf–, entusiasmado con el tono lúdico de los cuentos, le pidió permiso para publicarlos en London Magazine, pero lo rechazó con el argumento de que «solo era un chiste privado y no muy bueno».“Violet”, de Virginia Woolf, tendrá una edición especial e ilustrada inspirada en los libros de esa época. Foto: Páginas de Espuma.

Díaz describe la relación entre Woolf y Dickinson como una relación de amor sin sexo. «Era una relación de gran intimidad física, en cuanto a besos y abrazos y dormir juntas, pero no sexual, Virginia tuvo muchos problemas en ese campo«.

El periodo de mayor intensidad de esa amistad fue entre 1902 y 1907. Woolf se mudó de la casa paterna a Bloomsbury, pero mantuvieron la correspondencia.

«Probablemente era correspondida, pero no lo sabemos porque las cartas de ella se destruyeron, Virginia las destruyó, pero Quentin Bell, el sobrino y autor de la primera biografía, lo da por sentado, era una relación casta pero íntima».

Con información de EFE.

Fuente: Clarin.com

Esa noche, cuando sonó el teléfono en la redacción, el periodista y escritor Jorge Fernández Díaz reconoció la voz de su padre en ese hombre que, sin saludarlo siquiera, le preguntó: «¿Va a recuperar el dinero?». Hacía tiempo que la relación era distante, de manera que ese contacto inesperado era sorprendente tanto como lo era la consulta: el hombre necesitaba conocer cómo seguía la trepidante historia que su hijo publicaba día a día en el periódico. Los parroquianos del bar en el que trabajaba de mozo estaban inquietos y él podía llevarles calma. «Sí, recupera la plata», respondió, emocionado hasta las lágrimas. «¿Estás seguro?», porfió el hombre. «Sí, lo escribí yo», ratificó el hijo. «Bien», cerró su papá y cortó sin más. Esta noche, el autor de Mamá y El secreto de Marcial contó esta y otras historias en el espacio cultural de Clarín-Ñ en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires.El periodista y escritor Jorge Fernández Díaz dialogó con el editor general de Ñ, Héctor Pavón, en el espacio cultural Clarín-Ñ de la Feria del Libro. Foto: Martín Bonetto.

Días atrás, Jorge Fernández Díaz hizo algo poco habitual en la Feria: se presentó en la sala José Hernández, la más grande de La Rural porque caben 500 personas sentadas, y conversó con su público solo, sin entrevistadores ni acompañantes. Solo él y una vida consagrada a la literatura y al periodismo, que no es poco. Esta tarde sí tuvo un interlocutor, que fue el editor general de revista Ñ, Héctor Pavón, y juntos revisaron su obra, sobrevolaron el presente del país, pusieron en foco a las redes sociales y volvieron sobre los ataques que le prodigó el presidente Javier Milei.

Sobre su trayectoria, Fernández Díaz recordó que, después de haber sido periodista desde los 19 años aproximadamente, fue promovido a secretario de Política en La Nación: «Una época muy intensa», puntualizó. En esos tiempos, definió que su columna sería la de un escritor: «Una columna de un escritor político», explicó.https://116146607b570c457e2755d06ac49474.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

El amparo de los libros

Ser un escritor político implicaba, según detalló, «tener un punto de vista y ser esencialmente un lector. Me obligaba a ampararme en los libros, volver a las bibliotecas, releer a los autores que había leído en mi juventud e incorporar a mi biblioteca muchas cosas«. Esa mecánica de trabajo exigente y demandante tomaba muchas horas y muchos días a la semana a lo largo de los años.

Esa rutina, como tantas, se quebró en la pandemia: «Me aburrí de escribir una columna y volví a mirar todas las películas con las que crecí, que son las películas en blanco y negro que mirábamos en el programa Cine de Superacción o en Hollywood en castellano y El mundo del espectáculo. Básicamente, eran las de la edad dorada de Hollywood», compartió.

Fue en esos filmes, a los que no les falta tanto para llegar a la centuria, en los que descubrió algo: «Por alguna razón, encontraba analogías con el presente. Eso generó una vuelta de tuerca de la propia columna», rememoró. El proceso de transformación cerró más recientemente, cuando el periodista pensó en transformar su espacio: «Pedí al diario dejar ese lugar para hacer una columna más pequeña, más manual para mí».

Fernández Díaz explicó que una pregunta motoriza su escritura, sea periodística o literaria: «¿Qué puedo decir yo que no se haya dicho o no se vaya a decir? Por ejemplo, el domingo pasado elegí recuperar lo que Mario Vargas Llosa decía. Él hacía una discrepancia profunda con la política de Javier Milei, sin nombrarlo, por supuesto, sino sobre su concepto. Porque el dogmatismo económico lleva al autoritarismo y el autoritarismo es un viejo problema que tuvo el liberalismo en el siglo XX, por lo menos«, apuntó.

Sobre sus lecturas fundantes, el autor de policiales como El Puñal (2014), La Herida (2017) y La Traición (2020) consideró que nunca dejó de ser aquel niño «que veía aquellas películas, que leía al mismo tiempo la colección Robin Hood y Jorge Luis Borges, cuando me lo enseñó una maestra del Carlos Pellegrini, adonde iba. Fue como si hubiera abierto una puerta que yo no sabía que existía en el muro. Y esa puerta dio a muchos otros otros lugares», compartió.

Fue poco después que ese jovencito asumió que la escritura era lo que quería hacer: «No le gustó mucho a mi padre, que era un mozo del bar, que era inmigrante, y que, cuando descubrió que yo quería ser escritor, creyó que yo quería ser vago. Es que aquel era un periodismo lleno de bohemios, alcohólicos, eruditos. Yo estaba leyendo una novela policial y luego iba a la morgue porque trabajaba de reportero en Policiales y terminaba cenando con un compañero que te recitaba a Dante. Era un mundo alucinante, de comisarios y de alta literatura. Cuando mi padre vio eso, confirmó absolutamente que yo iba hacia el desastre más absoluto«.El periodista y escritor Jorge Fernández Díaz en el espacio cultural Clarín-Ñ de la Feria del Libro. Foto: Martín Bonetto.

Estudios gozosos e incesantes

Jorge Fernández Díaz es, además, integrante de la Academia Argentina de Letras, a la que definió como «un lugar extraordinario donde hay escritores, lingüistas, donde se hacen tertulias, donde se estudia, en particular se estudia a Borges de manera gozosa e incesante». El autor y académico recordó que su ingreso se formalizó con la lectura de un discurso sobre el articulismo: «Como sucede muchas veces, las columnas de los grandes escritores fueron importantes. De hecho, este país fue construido por columnistas. Sarmiento, Alberdi, Mitre, Mansilla, que, por supuesto, eran políticos y militares, pero se sentían profundamente convocados por la escritura y el debate. Las bases de nuestra Constitución son un reciclado de las columnas que había escrito Alberdi en distintos periódicos», subrayó.

Las bases de nuestra Constitución son un reciclado de las columnas que había escrito Alberdi en distintos periódicos.Jorge Fernández DíazEscritor y periodista

De los periódicos tradicionales, Fernández Díaz pasó a analizar las redes sociales y su impacto en el presente: «X me parece fundamental para trabajar. Yo no puedo concebir no revisar ese lugar tan tóxico y, al mismo tiempo, tan rico en cosas extraordinarias al mismo tiempo».

Y se permitió reconocer que «con las redes sociales tenemos la confirmación plena de que la sociedad está llena de estúpidos» y, al mismo tiempo, celebrar que, «a la vez, hay gente extraordinaria, gente inteligente, punzante, que a lo largo de un día es capaz, con muy pocos caracteres, de llevar a cabo una polémica intensa y positiva, que a los periodistas, si sabemos procesarla, nos sirve mucho».El periodista y escritor Jorge Fernández Díaz en el espacio cultural Clarín-Ñ de la Feria del Libro. Foto: Martín Bonetto.

Fue precisamente en esa red, antes conocida como Twitter, que el periodista fue atacado por el presidente con insultos rabiosos: «Publiqué una nota en la que decía que Milei es un populista de derecha. Y eso armó un lío gigantesco, me cayó rápidamente encima con una obsesividad increíble. Ahora, se mete con todos, pero a mí me apuntó y me apuntó y me apuntó y me apuntó, y nada de eso fue inocuo para mí«.

Los sinsabores de la ira presidencial fueron, sin embargo, compensados: «Curiosamente, ese artículo trascendió la frontera de la Argentina y me hizo ganar el Premio Mariano de Cavia», recordó el autor, en referencia a uno de los galardones periodísticos más prestigiosos de España, otorgado anualmente por el diario ABC desde 1920.

Jorge Fernández Díaz es un profesional habituado a los reconocimientos, pero este galardón tuvo un elemento singular y emocional: «Lo entregan los reyes de España, así es que tuve que alquilar un smoking –bromeó mientras una fotografía en la pantalla lo mostraba acompañado por los monarcas–. Ese fue un momento muy impresionante para mí, porque el rey, cuando da el discurso, se ve obligado por las circunstancias a nombrar a las dos personas más importantes de mi vida, las que me formaron, incluso a pesar suyo, y me desafiaron: mis padres, dos asturianos salidos de dos aldeas muy pobres, que apenas tenían la primaria hecha, que no eran grandes lectores y que, sin embargo, me sentaron a ver las películas que me formaron y me dieron la colección Robin Hood. Y el rey los nombró: Marcial y Carmina. El rey de ellos. Yo estaba sentado ahí y sentí una oleada por dentro muy fuerte«, evocó con emoción.El periodista y escritor Jorge Fernández Díaz en el espacio cultural Clarín-Ñ de la Feria del Libro. Foto: Martín Bonetto.

Una fábrica de literatura

Sobre su labor como analista político, el periodista aseguró que le pareció «interesantísimo discutir toda la liturgia peronista de raíz, algo que para algunas personas debe ser una herejía, pero a mí me pareció interesantísimo porque es discutir algo que es en sí mismo una fábrica de literatura. No me parece tan interesante la discusión con los libertarios«, admitió.

Y anudó su labor periodística a la narrativa: «Como yo quería ser detective en la infancia, puedo asegurar que las de detectives son novelas muy personales, personalísimas incluso. De hecho, muchas de ellas me permiten contar cosas que sé que ocurren. Pude contar cómo funcionan las mafias, los servicios de inteligencia, la política y los feudos gracias a las novelas, que se han vuelto un instrumento literario para contar cosas que aprendí como periodista».El periodista y escritor Jorge Fernández Díaz en el espacio cultural Clarín-Ñ de la Feria del Libro. Foto: Martín Bonetto.

En ese sentido, Fernández Díaz subrayó: «Los periodistas muchas veces sabemos muchísimo más de lo que publicamos, porque no podemos probarlo y, como no podemos probarlo, no podemos publicarlo. Yo, en este momento, sé más o menos cómo funciona y qué hay detrás del dinero del jefe de Gabinete. Pero no lo puedo decir porque no lo puedo probar, pero lo sabemos muchos periodistas. Pero ahí hay un gap y esa frontera no se puede romper porque se rompería un contrato de lectura. A mí, la ficción siempre me permite cruzarla».

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Débora Campos

Editora de la sección Culturadecampos@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com