Categoría: Entretenimiento

El escritor inglés Julian Barnes, distinguido este miércoles con el Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026, aseguró estar «encantado» y «sumamente honrado» por sumarse a la nómina de galardonados.El presidente del Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026, Santiago Muñoz Machado da a conocer el fallo del jurado en Oviedo. EFE/ Eloy Alonso

«Estoy encantado de recibir el Premio Princesa de Asturias de las Letras, del que tenía conocimiento desde hace muchos años», señaló en unas declaraciones difundidas por la Fundación Princesa de Asturias.

Barnes (Leicester, Inglaterra, 1946) destacó que «la valía de un premio siempre reside en la calidad de quienes lo han recibido anteriormente», y por ello se siente «sumamente honrado» de unirse «a este listado de tan distinguidas personas de todo el mundo».https://0a38806fdcc5b6f4686011f473370512.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

El autor de Inglaterra, Inglaterra sucede al español Eduardo Mendoza en el palmarés del Premio Princesa de Asturias de las Letras, un reconocimiento que ha recaído anteriormente en el japonés Haruki Murakami (2023), el francés Emmanuel Carrère (2021), la candiense Anne Carson (2020), el estadounidense Philip Roth (2012), el israelí Amos Oz (2007) o el mexicano Carlos Fuentes (1994).

Extraordinario narrador y ensayista

El jurado ha distinguido a Barnes, uno de los novelistas más influyentes en lengua inglesa de las últimas décadas y autor de novelas como El loro de Flaubert, Hablando del asunto y Nada que temer, por ser un «extraordinario narrador y ensayista» que además ofrece «una visión lúcida, cálida y compasiva del género humano».https://www.instagram.com/p/DZZzWy6gtmI/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fjulian-barnes-sumamente-honrado-unirse-ganadores-premio-princesa-asturias_0_eHYo1UC1cB.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2515.600000023842%2C%22ls%22%3A334.10000002384186%2C%22le%22%3A752.9000000357628%7D

Presidido por el director de la Real Academia Española, Santiago Muñoz Machado, el jurado ha destacado además que Barnes «emplea la memoria como configuradora de identidad sin renunciar a la imaginación, con el amor como principio esencial».

«Su obra reelabora, con mirada europeísta, la historia de la literatura, el arte, la música e incluso la gastronomía, hasta alcanzar un estilo único, que lo singulariza dentro de una generación de autores británicos especialmente brillantes, que ha marcado la literatura contemporánea», recoge el acta.

Salda una deuda

El Premio Princesa de Asturias concedido a Barnes salda «una deuda» de estos galardones con toda una generación de escritores británicos de la que forman parte también Martin Amis, Ian McEwan, Salman Rushdie y Kazuo Ishiguro y que han marcado una época en la literatura europea y mundial.

Así lo señaló en declaraciones a los periodistas tras hacer público el fallo el presidente del jurado, que destacó que Barnes ocupa una posición «muy significativa» dentro de ese grupo.El presidente del Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026, Santiago Muñoz Machado da a conocer el fallo del jurado este miércoles en Oviedo. EFE/ Eloy Alonso

Además de ser un escritor «formidable» que, a su juicio, «ha escrito de todo y bien, no hay nada que haya hecho que esté mal».

A su condición de miembro de una generación de autores que Mario Vargas Llosa definió como el grupo literario más importante tras el ‘boom’ sudamericano se refirió otra de las miembros del jurado, la escritora española María Dueñas.

Carreras sólidas y representativas

La autora de El tiempo entre costuras apuntó que todos los componentes de ese grupo son amigos y todos ellos han desarrollado carreras sólidas y representativas, además de ser «muy modernos, en el mejor sentido de la palabra».

Barnes es, agregó, «una figura enorme por sí misma por lo que representa de una generación, de un momento y es un referente en el mundo de la literatura británica y para sus lectores del resto del mundo».

Para otro de sus compañeros en el jurado, el español Sergio del Molino, el británico es «un narrador total» circunscrito al ámbito de la novela, con una obra en la que mezcla género y desarrolla «un ensayismo muy intimista» que le permite «mirar desde lo más pequeño, desde lo más íntimo y desde las cosas cotidianas» para abordar «la gran historia».Fotografía de archivo del 26/11/2012 del escritor británico Julian Barnes. EFE/ ARCHIVO/Marta Pérez

El galardón, apuntó, es extensible a la generación de la que forma parte «y lo recibe en nombre de todos» en un momento en el que ha anunciado el fin de su carrera literaria con una despedida «elegante» aunque Del Molino aseguró no creer mucho en su retirada.

«Cuando uno dice que es su último libro es porque le quedan cinco o seis», ironizó, a la vez que incidió en su carácter integrador en un momento de ruptura como el Brexit, en el que «con humor e ironía» fue capaz de contribuir a que no se terminasen de destruir los lazos entre Inglaterra y el resto de Europa.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Una lectura contemporánea de la cueva de Altamira a partir de la luz y la superposición de estratos es el hilo conductor de la instalación Materia inscripta, del artista Daniel Schweitzer, que se exhibe en el Museo de Altamira hasta el próximo 12 de julio en el espacio Vínculos.El escultor Daniel Schweitzer posa durante la inauguración de la exposición «Materia inscripta» en el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira. EFE/Pedro Puente Hoyos

Schweitzer (Alemania, 1988) plantea dos esculturas, una vertical y otra horizontal, realizadas en porcelana translúcida mediante la técnica de la biocerámica, un procedimiento contemporáneo que permite trabajar el material en capas muy finas.

Sobre esas láminas se intercalan pigmentos rojos y negros, cargas y óxidos que funcionan como manchas, huellas o indicios, en una referencia indirecta al lenguaje visual de la cueva e, incluso, a los códigos culturales perdidos que impiden conocer con certeza el sentido original de las pinturas rupestres.

Diálogo con el museo

El artista explica que la exposición nace de un proyecto que buscaba elaborar una propuesta vinculada y en diálogo con el museo, con las pinturas y con el contexto de Altamira, orientada a establecer puentes entre la creación actual y uno de los referentes del arte paleolítico.

A su juicio, las obras funcionan “como una especie de estratigrafía”, de manera que se establece un paralelismo entre las capas de las piezas y las capas arqueológicas que permiten estudiar el pasado y los policromos, superpuestas en el espacio y en el tiempo durante miles de años.

Asegura que con este proceso artístico, cada capa contiene una información que oculta parcialmente la anterior, del mismo modo que ocurre en las excavaciones arqueológicas o en la interpretación de las manifestaciones rupestres.

Schweitzer subraya que las cuestiones que más le interesaron de su visita a la cueva fue tanto la información conservada en las pinturas como los códigos perdidos para su interpretación, de manera que su obra no pretende explicar Altamira sino abrir una vía de reflexión sobre lo que aún permanece inaccesible.

Por eso, las manchas de pigmento que aparecen entre las capas de porcelana pueden remitir a formas reconocibles, pero no llegan a fijar un significado cerrado.Tres manos de la cueva de Altamira. EFE

“Podría ser un bisonte, podría ser un guiño o podría ser algo para que nosotros nos acerquemos y dialoguemos en torno a la obra”, explica el artista.

El artista asegura que la luz desempeña también un papel esencial en la exposición, pues en Altamira la luz fue necesaria para pintar y para habitar la cueva, pero también es hoy imprescindible para mirar, reconstruir e interpretar.

En Materia inscripta, Schweitzer utiliza la porcelana translúcida para convertir esa luz en parte activa de la obra, al permitir que el espectador perciba las capas, los vacíos y las señales ocultas en el interior del material.

Diálogo entre arte y arqueología

Para Schweitzer, el diálogo entre arte contemporáneo y arqueología resulta muy interesante, ya que mientras la segunda busca reconstruir el pasado y aproximarse a verdades objetivas, el primero “busca hacer preguntas, establecer diálogos, reflexiones y subversiones”.El bisonte de Altamira que se halla en la cueva de Altamira en Santillana del Mar (Cantabria). EFE.

Recuerda que la visita a la cueva le abrió “todo un imaginario de preguntas y reflexiones”, una experiencia que ha trasladado a su obra y que ahora ofrece el espectador en Altamira.

Materia inscripta se inscribe así en una línea de trabajo que refuerza la continuidad de la creación artística a lo largo de la historia humana.

La muestra es resultado de la colaboración entre ArteSantander y el Museo de Altamira orientada a establecer puentes entre la creación actual y uno de los grandes referentes del arte paleolítico.

Permite incorporar al museo una mirada actual que no compite con el relato arqueológico, sino que lo amplía desde otro lenguaje, el del cruce de la materia, la luz, el pigmento y la memoria.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

La noticia del fallecimiento de Indio Solari este 5 de junio sacudió a la escena musical y cultural argentina. Figura central del rock nacional, el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota dejó un legado que trasciende generaciones y estilos. Su partida marca el cierre de una etapa para miles de seguidores que encontraron en sus canciones una voz propia y un refugio de resistencia cultural.Te puede interesar:El último ritual del Indio Solari: así fue el recital que cambió para siempre a Olavarría

El cantante, conocido por su bajo perfil y su esquiva relación con los medios tradicionales, murió en su domicilio de Parque Leloir, en la localidad de Ituzaingó. Según pudo saber Teleshow, se realizará la autopsia por protocolo y para que quede establecido el causal de muerte. Su última aparición pública fue en enero pasado, través de un mensaje cuando recibió el Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires.

El Indio Solari murió a los 77 años

El artista había construido alrededor de su figura un magnetismo singular. Su influencia se extendió mucho más allá de la música, convirtiéndose en un referente de la contracultura y en uno de los personajes más enigmáticos del arte argentino de las últimas décadas. Para muchos, su voz y el uso de metáforas en sus letras lo convirtieron en una figura central dentro de la música popular argentina.Te puede interesar:El dolor de los famosos por la muerte del Indio Solari: anécdotas, homenajes y lágrimas para el adiós

En 1975, en la ciudad de La Plata, Indio Solari y Skay Beilinson fundaron Los Redondos. Desde sus primeros pasos, la banda estableció una estética propia, tanto en lo musical como en su modo de relacionarse con el público. La independencia artística y la distancia respecto de los grandes medios marcaron a fuego el recorrido de la banda, que editó nueve álbumes de estudio hasta su disolución en 2001. Discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y ¡Bang! ¡Bang!… Estás liquidado y Luzbelito forman parte del repertorio esencial del rock argentino.

La formación clásica de Los Redondos: Skay, Walter Sidotti, Indio Solari, Semilla Bucciarelli, Sergio Dawi

La separación de Los Redondos supuso un hiato en la carrera de Solari. No fue hasta 2004 que presentó el primer álbum de su nueva etapa, bajo el nombre de LFDAA: El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel). Siguieron Porco Rex en 2007, El perfume de la tempestad en 2010 y Pajaritos, bravos muchachitos en 2013. El último trabajo de estudio, El ruiseñor, el amor y la muerte, vio la luz en 2018. Durante esta etapa, Solari mantuvo una relación intensa con su público, que lo acompañó fielmente en cada presentación.Te puede interesar:La palabra de Víctor Hugo Morales al enterarse en vivo de la muerte del Indio Solari: “Un pensador en la vida de la música”

Tras su muerte, las redes se convirtieron en un obituario inmediato y urgente en honor a su figura. Sin dudas, el mensaje más emotivo fue el de Skay Beilinson, su socio en Los Redondos, que lo despidió con un “Buen viaje, amigo”. Otros colaboradores históricos del grupo como el ilustrador Rocambole o el baterista Walter Sidotti también lo recordaron a su manera.El posteo de Skay para el Indio

El último recital en vivo de Indio Solari tuvo lugar en Olavarría, en 2017. Fue un evento masivo, en el que nuevamente se puso de manifiesto la dimensión popular de su convocatoria. Desde entonces, se volcó al trabajo en estudio y a la publicación de libros, mientras su salud comenzó a ocupar un lugar central en su vida pública. En 2020, recurrió a las técnicas holográficas para ofrecer un concierto virtual, anticipando el final de su ciclo sobre los escenarios.

En marzo de 2016, Indio Solari confirmó públicamente que padecía la enfermedad de Parkinson, en un gesto que sorprendió y conmovió a sus seguidores. El anuncio se produjo durante un recital en Tandil, donde expresó ante la multitud: “el Parkinson me anda pisando los talones”. Desde ese momento, la enfermedad se volvió parte de su narrativa pública, y Solari no dudó en hablar abiertamente sobre su experiencia.

Fuente: Infobae.com

La historietista argentina Maitena Burundarena se ha convertido en la primera mujer en recibir el Premio Iberoamericano de Humor Gráfico Quevedos, en su edición 2025, convocado por la Fundación General de la Universidad de Alcalá de Henares (FGUA) y dotado con 30.000 euros.La historietista argentina Maitena Burundarena se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Iberoamericano de Humor Gráfico Quevedos. EFE/ Guillermo Martínez

El jurado ha otorgado el premio a Maitena “por su innovación y originalidad en el lenguaje humorístico, su impacto cultural y social, su proyección internacional y especialmente iberoamericana, y por su calidad y consistencia en la trayectoria”.

La dibujante ha señalado que a través del humor se pueden contar de otra manera estados, como la furia, la vergüenza, el rencor y hasta la miseria humana. “Me gusta mucho esa frase de Raymond Queneau que dice que el humor es una tentativa de limpiar la estupidez”, ha añadido.

Personas que ríen juntas

Sobre la importancia del humor para acercar culturas y formas de entender el mundo, Maitena ha enfatizado en la exposición con decenas de sus trabajos, ubicada en la Capilla del Oidor en Alcalá de Henares (Madrid), que “lograr que las personas se rían juntas, une”.

En este sentido, al obtener este Premio Iberoamericano ha asegurado que “cuando los pueblos hablan el mismo idioma pueden leerse y reírse, hay un acercamiento que hace que, por más que vivamos en otros países y a veces países que son otros mundos, todos sufrimos y somos felices por las mismas cosas”.

La forma de trabajar de Maitena siempre es la misma, dentro de sus posibilidades, ya que los lunes escribe para todos los demás días de la semana, pero “el problema que tiene eso es que la actualidad política es tan sorpresiva y explosiva que lo que escribiste para el miércoles, cuando lo dibujas a veces ya no sirve”, ha dicho.

La dibujante ha admitido hacer muchos bocetos antes de llegar a la obra final. Después los pasa a tinta y más tarde los pinta. Aunque hace un tiempo realizaba el proceso con tinta, pluma y acuarelas, actualmente se vale de un iPad. “Es el mismo proceso pero mucho más rápido y menos sucio”, ha explicado.

Ser la primera ganadora del Premio Iberoamericano de Humor Gráfico Quevedos, galardón que han recogido otros profesionales como Quino, El Roto y Forges, no es algo que pase desapercibido para Maitena.La ilustradora Maitena retratada por Alejandra López. Foto: gentileza PRH.

Desde su punto de vista, ser la primera mujer en hacerse con este reconocimiento “también habla de una posición política muy interesante en esta época tan reaccionaria donde la misoginia avanza y los derechos de la mujer parecen una amenaza”.

El año pasado, cuando se informó en noviembre que le sería entregado el galardón, Maitena le dijo a Clarín: “No me había candidateado ni nada por el estilo, ni sabía que este premio estaba vigente, porque hacía muchos años que se había suspendido”.

La potencia del trabajo

Además, consideró entonces: “Yo creo que el hecho de que hayan elegido a una mujer tiene que ver con la potencia de mi trabajo, pero también creo que es una decisión muy interesante en este momento, en el que las mujeres estamos viviendo una ola mundial de descalificación y violencia por parte de la derecha”.La ilustradora Maitena retratada por Alejandra López. Foto: gentileza PRH.

Consciente de cuánto impacta su trabajo, agegó: “Es muy interesante haber elegido a alguien como yo, que soy una persona política y una persona que está en el mundo de las ideas. No sigo haciendo humor cotidiano y doméstico, aunque lo hago porque todo es político, pero me meto con un montón de cuestiones… Así que me parece muy interesante que me hayan elegido a mí”.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Poco tiempo despuésde que se conociera la noticia de que la colección Daros de Suiza había adquirido una importante cantidad de las más destacadas piezas de exploraciones cinéticasde Le Parc que aún permanecian en poder del artista, me encontré a con él, de paso por Paris. Almorzando cerca de su taller en Cachan, me cofirmó la noticia. Y, muy entusiasmado me adelantó que esas piezas, que habían estado guardadas por tanto tiempo, se estaban restaurando para la exposición que Daros inauguraría en Zurich en 2005 con el nombre de Le Parc Lumière. Y así fue. La exhibición viajó luego a Río de Janeiro y a Buenos Aires donde la pude ver, primero en la Fundación Daros y luego en el Museo Malba. Luego recorrió varias capitales de Latinoamérica.La obra de Julio Le Parc en el CCK fue visitada por más de 450 mil personas a lo largo de cuatro meses.

Con la importancia de esa noticia recuerdo muy especialmente un detalle lateral de nuestra conversación del 2005. Casi como en secreto me confesó que lo que más valoraba de la operación que había cerrado con Daros es que le permitía remodelar el taller de toda una vida y acondicionarlo como para transformar parte de él en viviendas para sus hijos y para Martha, la madre de sus hijos.

Unos años más tarde, en ese lugar, ya renovado celebró sus 80 años con una gran fiesta rodeado del grupo familiar que tan cerca lo acompaño a lo largo de su extensa vida y los amigos que vinieron de la Argentina y París.https://c04ed4781de1e7593823ca47c03ee581.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlLa obra de Julio Le Parc en el Palais de Tokio en París. Cilindros, Luz, movimiento y juegos son sus temas favoritos. Foto: Noel Smart.

Una vida colmada de reconocimientos

Antes y después de la impactante muestra Le Parc Lumiére continuaron sucendiéndose las invitaciones a participar en diversos espacios europeos, en los Estados Unidos y en Latinoamerica. Le Parc fue una de las figurasmás destacada de la muestra Lo (s) cinético (s) organizada en el MNCARS Museo Reina Sofía en 2007. En 2011 participó de la muestra Erre, variations labyrinthiques en el Centro Pompidou de Metz. Y fue a partir de allí que el director del Palais de Tokyo, lo convocó para una muestra individual que se realizó en 2013. Esa exhibición monográfica que ocupó unos 2000 metros cuadrados de la renovada institución parisina con obras dedistintas etapas de la carrera del artista, contó con la participación activa de su hijo Yamil en la producción.Un año antes, para la Nuit Blanche –versión parisina de la noche de los museos–, Le Parc propuso una proyección luminosa sobre el Obelisco de la Place de la Concorde.Julio Le Parc taller del GRAV París 1962. Archivo Clarin.

Sin embargo y más allá de todos esos éxitos, a ese punto el artista solía lamentar la falta de reconocimiento en su propio pais, al que siempre volvió y tuvo presente a pesar de la cantidad de años años que pasó afuera.

Pero el reconocimiento tan deseado llegó tras cumplir los 90. Esta vez Julio celebró su novena década en Buenos Aires en la paradisíaca Isla El descanso, en Tigre, gracias al coleccionista y amante de la naturaleza Claudio Stamato quien ofreció a su celebración un marco inolvidable. Allí estuvieron familiares y amigos de toda la vida, Perla Benveniste y Eduardo Rodríguez quien fue uno de sus más cercanos compañeros desde la juventud y lo acompañó en su obra cantidad de veces.

En 2019 la ciudad entera le rindió tributo a través de distintas exhibiciones que tuvieron lugar en cuatro de los espacios de mayor prestigio.•Le Parc Lumière, Works from the Daros Collection, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Buenos Aires. 2014. Foto: David Fernández

La muestra que le dedicó el Museo Nacional de Bellas Artes hizo foco en una inolvidable selección de obras de sus años de formación en la Escuela de Bellas Artes. Justamente fue una experiencia en ese mismo Museo que estimuló en Le Parc alguno de los rumbos que el artista tomaría después. En 1958 gracias a la gestión de Romero Brest, se exhibieron en el Museo cuarenta y dos obras del artista húngaro Victor Vasarely que le cambiaron la cabeza a muchos de los jóvenes artistas argentinos –entre ellos a Le Parc según él mismo confesó–.Sobre todo por las novedades que el húngaro planteaba con relación a los juegos opticos que los ponian al tanto de las novedades de la Gestalt y las teorias de la psicología de la percepción,

Así la suma de itinerarios sobre la obra de Le Parc que ofreció Buenos Aires durante varios meses en 2019 fueron revelando al público argentino cómo las tempranas obsesiones del artista se fueron convirtiendo en exploraciones radicales de una enorme coherencia del principio al final de su trayectoriaJulio Le Parc. Un visionario, una exhibición que se despliega en múltiples espacios del CCK. Foto Cecilia Profetico

Así también, varias de las salas del (en ese momento conocido como CCK) hicieron lugar a un impactante despliegue de pinturas, instalaciones lúminicas y obras, concebidas entre los años 60 del siglo pasado y la primera década del 2000.De manera que entre una exibición y otra el público pudo calibrar la importancia de los momentos fundacionales frente a las instancias creativasmás conocidas del artista.

Por su parte el Centro Experimental del Teatro Colón se sumó al homenaje con una deslumbrante propuesta de luces y móviles que no hizo más que poner en escena la vigorosa creatividad del artista de 90 años.

Siete años más tarde, uno podia presentir que ese vigor apenas había disminuido ya que se empeñaba en estar en Londres para inaugurar Light. Color. Action, su próxima gran exhibición en la Tate Modern. Pero no, resultó que Julio no era inmortal aunque lo parecia,Julio Le Parc en la Tate de Londres. Reflective Blades. © Atelier Le Parc 2026 ADAGP Paris, and DACS London.

Frente a este momento cabe valorar como uno de los mayores logros de la empresa familiar que lo acompañó y asumió la gestión del Atelier Le Parc en la persona de su hijo Yamil, es que mucho de esto podrá tener continuidad.

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Sobre la firma

Ana Maria BattistozziBio completa

Fuente: Clarín.com

Con el mismo carbón de los árboles consumidos tras el incendio que arrasó 500 hectáreas, de norte a sur, de bosque nativo en Cafayate, Salta, en 2023, el artista Otto Soria (1967) dibujó a los que quedaron. Alrededor de 20 obras formaron Homenaje a los caídos, una muestra que empezó y terminó en un día de abril, e invitó a grandes y chicos, envueltos por las montañas y el clima árido de la zona, a contemplar la naturaleza con la profundidad y concentración que precisa hacer retratos.La muestra Homenaje a los caídos, de Otto Soria, se realizó en medio del paisaje afectado y convocó a los visitantes a dibujar y contemplar la naturaleza. Foto: gentileza.

Hubo atriles para que los invitados dibujaran. Ellos mismos debían sacar el pigmento del interior de estos algarrobos quebrados en carboncitos, y crear sobre el papel retratos de los mismos con la ayuda de la textura opaca, porosa y bien expresiva que ofrece este material vegetal.

El tema empezó cuando, en febrero, Soria viajó a Cafayate por unos días de descanso. En una de sus caminatas, llegó a este bosque quemado, con árboles caídos y muy pocos aún de pie, secos y carbonizados. Conversó con gente del lugar que le contó de lo sucedido en 2023. Aún se desconoce la causa del origen del fuego, pero hay teorías.https://177e33d6ce9adfeef96c14ce046caa61.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Negligencia, fogones y quema

Según el Servicio Nacional de Manejo de Fuego y Amnistía Internacional, las acciones humanas son responsables del 95% de estos casos: la negligencia, los fogones mal apagados y la quema intencional de pastizales, son algunas de las prácticas que inician los grandes incendios en el país. Con frecuencia los incendios intencionales están asociados al avance de proyectos inmobiliarios y/o la agro-ganadería. Por otro lado, su proliferación también se explica por el cambio climático.

La serie inició con la obra «Retrato del Patriarca»: un dibujo debajo de uno de estos árboles, que encontró muy naturalmente gestual –el tronco parece ejercer movimiento y hasta estar dando una especie de orden– como escultura en sí misma. Su estancia en Cafayate se prolongó entonces hasta dos meses más, dado que la serie cobró magnitud.

Otra de las obras es «Retrato familiar», una especie de rompecabezas de troncos, esta composición reúne y recompone a una familia de árboles que parecen haber quedado separados y perdidos después de la tragedia. Hay una instalación que hace de mapa de la zona afectada basada en una imagen satelital.La muestra Homenaje a los caídos, de Otto Soria, se realizó en medio del paisaje afectado y convocó a los visitantes a dibujar y contemplar la naturaleza. Foto: gentileza.

En los dibujos de Otto el negro intenso del carbón se mezcla con el color óxido de la resina que segrega el mismo árbol para bloquear infecciones y protegerse cuando sufre daños. Para dar claritos, el artista usó también nogalina y acuarela. Otra obra es un llamado a la justicia poética: al llegar a la parte del bosque donde luego decidió intervenir, encontró unos árboles en círculo, parecían orgánicamente en una reunión.

“Se me ocurrió hacer un juicio, cavé y planté en medio de ellos una caja con un fósforo representando el origen del fuego. Es irónica, el fósforo también es de madera. Quise metaforizar el atentado hacia nosotros generado por nosotros mismos”, subraya Soria.

“El tema está latente, cada año tenemos un incendio forestal y cada vez son más grandes. Siempre la política está metida, al final el dinero es por lo que nos peleamos”, agrega.La muestra Homenaje a los caídos, de Otto Soria, se realizó en medio del paisaje afectado y convocó a los visitantes a dibujar y contemplar la naturaleza. Foto: gentileza.

“Si bien todos mis trabajos tienen un reclamo social, no tienen bandera política. Trabajé con la memoria colectiva, la pobreza, la falta de justicia. Expuse en muchos colegios de Buenos Aires un libro que armé que se llamó Libro de quejas, los chicos, con el concepto, escribían sus propias quejas de cosas del colegio y demás. Busco movilizar y crear conciencia. Pienso que los extremos no aportan, aunque igualmente tienen que haber banderas para que la gente pueda elegir, y cuando una se equivoca, que esté otra para marcarlo”, dice.

De escombros a obras de arte

En 2001 el artista convocó a escultores en conmemoración por los siete años del atentado a la AMIA, a transformar los escombros del edificio destruído en obras de arte. El proyecto fue exhibido después en el Centro Cultural Recoleta.

Sus obras también participaron de exposiciones en el Palais de Glace, el Museo Casa Carnacini o Del cielo a casa, en el Malba, y su última muestra individual, Efemérides, en la galería Liliana Rodríguez de Buenos Aires, fue curada por Laura Casanovas. Estudió arquitectura en FADU y luego publicidad.

“Hace 30 años que trabajo como publicitario, estoy muy acostumbrado a convertir algo breve en atractivo, me parece muy lindo a través del arte traducir conciencia, memoria. Mi metáfora es la del caballo de Troya: que algo se reciba porque es lindo, pero adentro tiene todo un contenido que despierta cosas en la cabeza”, sostiene.La muestra Homenaje a los caídos, de Otto Soria, se realizó en medio del paisaje afectado y convocó a los visitantes a dibujar y contemplar la naturaleza. Foto: gentileza.

El evento fue acompañado de música en vivo, Daniel D’Amico en los vientos y Fabricio Dioli en piano eléctrico. “Nos callamos todos por un rato y escuchamos al viento, al árbol que cruje, sonidos y sensaciones que uno por lo general pasa por alto. Se generaron unos momentos muy contemplativos y la gente aceptó esa invitación con gusto genuino”.

Presentará a fines de mayo en Buenos Aires «El universo», una instalación hecha de carbón de todos los lugares del país donde hubo incendios.

“16 resmas” de Otto Soria se podrá ver este viernes 29 de mayo a las 19 en Una Obra Un Artista en Sanchez de Bustamante 599.

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Sobre la firma

Nicole Giser

Periodista cultural.Bio completa

Fuente: Clarín.com

La Unesco lanzó la versión en lengua española del Museo Virtual de Bienes Culturales Robados, una plataforma interactiva lanzada en inglés en septiembre de 2025 durante el festival Mondiacult 2025 de Barcelona.Una vista del Museo Virtual de Bienes Culturales Robados de la Unesco. Foto: Gentileza/Unesco.

«El museo reúne actualmente 241 bienes culturales robados o desaparecidos procedentes de todas las regiones del mundo, presentados por 47 países, una cifra en constante aumento», señaló la Organización de la ONU para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco), en un comunicado.

La plataforma, que muestra las historias de los bienes culturales sustraídos, busca sensibilizar al público sobre la magnitud y las consecuencias del tráfico ilícito, al tiempo que da voz a las comunidades afectadas.https://7230247aeeef63a0c3dd3c3846e6df40.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

«Más de una cuarta parte de los objetos presentados (26,14 %) proviene de países hispanohablantes», refirió la Unesco.

Siguientes países

En concreto, los siguientes países de la región de América Latina y el Caribe han contribuido con objetos integrados en la Galería de Bienes Culturales Robados: Brasil (cuatro), Chile (uno), Colombia (ocho), Cuba (uno), Ecuador (siete), Guatemala (diez), Honduras (ocho), México (cinco), Panamá (cuatro), Paraguay (dos) y Perú (nueve).https://platform.twitter.com/embed/Tweet.html?dnt=false&embedId=twitter-widget-0&features=eyJ0ZndfdGltZWxpbmVfbGlzdCI6eyJidWNrZXQiOltdLCJ2ZXJzaW9uIjpudWxsfSwidGZ3X2ZvbGxvd2VyX2NvdW50X3N1bnNldCI6eyJidWNrZXQiOnRydWUsInZlcnNpb24iOm51bGx9LCJ0ZndfdHdlZXRfZWRpdF9iYWNrZW5kIjp7ImJ1Y2tldCI6Im9uIiwidmVyc2lvbiI6bnVsbH0sInRmd19yZWZzcmNfc2Vzc2lvbiI6eyJidWNrZXQiOiJvbiIsInZlcnNpb24iOm51bGx9LCJ0ZndfZm9zbnJfc29mdF9pbnRlcnZlbnRpb25zX2VuYWJsZWQiOnsiYnVja2V0Ijoib24iLCJ2ZXJzaW9uIjpudWxsfSwidGZ3X21peGVkX21lZGlhXzE1ODk3Ijp7ImJ1Y2tldCI6InRyZWF0bWVudCIsInZlcnNpb24iOm51bGx9LCJ0ZndfZXhwZXJpbWVudHNfY29va2llX2V4cGlyYXRpb24iOnsiYnVja2V0IjoxMjA5NjAwLCJ2ZXJzaW9uIjpudWxsfSwidGZ3X3Nob3dfYmlyZHdhdGNoX3Bpdm90c19lbmFibGVkIjp7ImJ1Y2tldCI6Im9uIiwidmVyc2lvbiI6bnVsbH0sInRmd19kdXBsaWNhdGVfc2NyaWJlc190b19zZXR0aW5ncyI6eyJidWNrZXQiOiJvbiIsInZlcnNpb24iOm51bGx9LCJ0ZndfdXNlX3Byb2ZpbGVfaW1hZ2Vfc2hhcGVfZW5hYmxlZCI6eyJidWNrZXQiOiJvbiIsInZlcnNpb24iOm51bGx9LCJ0ZndfdmlkZW9faGxzX2R5bmFtaWNfbWFuaWZlc3RzXzE1MDgyIjp7ImJ1Y2tldCI6InRydWVfYml0cmF0ZSIsInZlcnNpb24iOm51bGx9LCJ0ZndfbGVnYWN5X3RpbWVsaW5lX3N1bnNldCI6eyJidWNrZXQiOnRydWUsInZlcnNpb24iOm51bGx9LCJ0ZndfdHdlZXRfZWRpdF9mcm9udGVuZCI6eyJidWNrZXQiOiJvbiIsInZlcnNpb24iOm51bGx9fQ%3D%3D&frame=false&hideCard=false&hideThread=false&id=2056366750921261465&lang=es&origin=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com%2Fcultura%2Funesco-lanzo-museo-virtual-bienes-culturales-robados-240-piezas_0_mRykBt4rco.html&sessionId=15f9bf095df5b287eb6f31e883d46c9e516d5270&theme=light&widgetsVersion=6a3ad42b224df%3A1778106238597&width=550px

Desde su lanzamiento el pasado mes de septiembre en inglés, el Museo ha despertado un gran interés del público, con más de 200.000 visitas, 1,6 millones de páginas vistas y 4,4 millones de clics.

Entre los últimos logros para los que ha contribuido la plataforma, ha sido la recuperación del casco de oro de Coțofenești, uno de los tesoros culturales más emblemáticos de Rumanía que data aproximadamente del año 400 a.C.. y que había sido robado en 2025.Una vista del Museo Virtual de Bienes Culturales Robados de la Unesco. Foto: Gentileza/Unesco.

El Museo Virtual de Bienes Culturales Robados cuenta con la colaboración de socios clave como Interpol, el Consejo Internacional de Museos (ICOM, en inglés) y el arquitecto burkinés Francis Kéré..

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

A 40 años de su fallecimiento, el Centro Cultural Recoleta inauguró Borges: ecos de un nombre, una monumental exposición poliédrica de 800 metros cuadrados que desacraliza al mito para devolverlo a su dimensión más humana y textual. La renovación se completa con dos potentes apuestas dedicadas a la contracultura de los años 70 y al videoarte satírico actual.Borges ecos de un nombre en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

Un Borges joven recibe a los visitantes en el vestíbulo; un Borges adulto los despide en la salida. En el medio, unos 800 metros cuadrados de la emblemática Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta se transformaron en un dispositivo vivo, un «libro abierto» que invita a perderse y encontrarse.

Con motivo de los 40 años de la muerte del mayor escritor argentino –que se cumplirán el próximo 14 de junio de 2026–, el Centro Cultural Recoleta, en conjunto con la Fundación Internacional Jorge Luis Borges, inauguró Borges: ecos de un nombre, una importante exhibición que se podrá visitar hasta fines de agosto.https://1934799efbde38b02ad1cf5fab607196.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Megamuestra literaria y objetual

Lejos de las puestas tradicionales basadas puramente en la interpretación de artistas visuales, esta megamuestra asume un compromiso estrictamente literario y objetual. «Queríamos una exposición más relacionada con la literatura que con las artes visuales. Tratar de traer objetos, manuscritos y volver un poquito al Borges escritor, que es nuestro favorito», explicó Maximiliano Tomás, director del CCR y cocurador de la muestra junto a Rodrigo Alonso y Daniel Fischer.Borges ecos de un nombre en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

El diseño del espacio, desarrollado por el artista visual Pablo Lema, funciona como un laberinto borgeano: estructuras en forma de hexágonos que evocan los alvéolos de la Biblioteca de Babel y estratégicos juegos de espejos que hacen que la obra estalle y se duplique ante los ojos del espectador.

Un tabique central divide la experiencia en dos mundos: de un lado, la línea histórica y la vida pública; del otro, la ficción y la intimidad. Es precisamente en ese sector privado donde la muestra regala sus mayores impactos emocionales. Gracias a la cesión de los cinco sobrinos de María Kodama (actuales herederos de su obra, con Mariana y Victoria a la cabeza del proyecto), se logró reconstruir de manera idéntica la habitación de Borges en el departamento de la calle Maipú al 900, donde vivió más de 40 años junto a su madre. Cada objeto expuesto es real.

Al observar la austeridad extrema de su pequeña cama, sus libros y la ausencia de grandes lujos, el mito monumental se humaniza. «Tratamos de abarcar todos sus intereses para que cada uno pueda disfrutar su propio Borges, pero también se buscaba desacralizarlo. Mucha gente lo tiene como una persona muy refinada o lejana, y acá descubrís que fue un hombre, más allá de un gran escritor», señalaron los organizadores durante la recorrida de prensa.

Para los buscadores de tesoros literarios, la sala es un festín de archivos poco vistos: se exhibe el manuscrito original de Las ruinas circulares, ilustrado por el propio autor; la carta natal de Borges diseñada por su amigo Xul Solar; un retrato de María Kodama pintado por Norah Borges e incluso documentos de la censura de la época.

Además, la muestra cuenta con una sala de cine que proyecta las películas sobre las cuales él escribió y una completísima sala de lectura equipada con las Biblias de su biblioteca personal, pensada para que las nuevas generaciones tomen contacto directo con sus textos.Borges ecos de un nombre en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

Un avatar de altísima fidelidad

El punto tecnológico más comentado y disruptivo de la exhibición es un holograma hiperrealista de Borges, desarrollado a lo largo de varios meses por un estudio de diseño y animación profesional utilizando herramientas avanzadas de inteligencia artificial. No se trata de una animación estándar, sino de un avatar de altísima fidelidad que recupera su voz real, extraída de archivos de diferentes épocas.Borges ecos de un nombre en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

Al acercarse, el espectador se encuentra con el escritor de paso cansino, aunque más erguido de lo que uno lo recuerda en sus últimos años, hablando sobre la argentinidad, los laberintos o el fútbol, con aquella misma cadencia mansa tan característica.

En uno de los pasajes más conmovedores, el avatar recita fragmentos de su «Poema de los dones» y reflexiona sobre la ceguera: «Precisamente uno de los colores de los que nos faltan a los ciegos es el negro o el rojo… Yo, que tenía la costumbre de dormir en la oscuridad, tengo que dormir en ese mundo de neblina vagamente luminosa… Yo hubiera querido reclinarme en la oscuridad». Minutos después, su voz artificial sentencia una de sus citas más icónicas: «Siempre me he imaginado el paraíso como una biblioteca».Borges ecos de un nombre en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

La muestra está pensada tanto para los lectores versados como para aquellos jóvenes que se acercan a su universo por primera vez. Logra el milagro de bajar del bronce a la figura inalcanzable para devolvernos al Borges de carne y hueso: el poeta de los patios, los zaguanes y los antiguos balcones de casas bajas de Buenos Aires.

Proyecto visual y antropológico

El viaje por el Recoleta continúa en la Sala J con Hijo de la Luna, una propuesta de Archivo Caminante, el proyecto visual y antropológico que el artista Eduardo Molinari lleva adelante desde hace 25 años. Curada por Javier Villa, la exposición fue pensada especialmente en el marco de los 50 años del último golpe de Estado y se sumerge en las intensidades de las juventudes de los años 70; aquellas que, en palabras de los creadores, «decidieron no encajar».Hijos de la luna, de Eduardo Molinari en la sala J del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

La muestra pone en un diálogo eléctrico y sanguíneo dos imaginarios gráficos de la época: por un lado, una colección casi completa de la mítica revista de rock Pelo (que abarca desde 1969 hasta 1983) y, por el otro, las publicaciones clandestinas de la militancia armada y la guerrilla. «Me interesaba poner en diálogo ambos relatos porque percibía que había un único campo de fuerzas frente a los mismos acontecimientos históricos», explicó Molinari, quien transitó su propia adolescencia en aquellos años pesados.

El recorrido histórico de la sala está enmarcado por dos tragedias que llegaron desde el cielo: arranca cronológicamente en 1955 con una gigantografía de los aviones que bombardearon la Plaza de Mayo –cuando esa generación era apenas lactante– y cierra en 1983 con la recuperación democrática, signada por la sombra de los vuelos de la muerte y el lanzamiento del emblemático disco Clics modernos de Charly García.Hijos de la luna, de Eduardo Molinari en la sala J del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

Entremedio, el espacio se despliega con la mística de los códices prehispánicos, la astrología y el esoterismo, reivindicando al rock y a la militancia como rituales colectivos. El título de la muestra, inspirado en el filósofo Santiago López Petit, funciona como un faro para los desvelados del presente: «Los hijos de la luna son los que asumen el malestar de no querer encajar en las formas de vida dominantes. Hay que atravesar esa noche y aguantar hasta que salga el sol».

Humor, farsa y paranoia

El cierre de esta gran renovación del Recoleta llega de la mano del humor, la farsa y la paranoia contemporánea en la Sala C. Allí se despliega Entusiasmo público, la primera exposición individual institucional en el país de la destacada artista audiovisual porteña Liv Schulman, bajo la curaduría de Carla Barbero. La muestra reúne 15 años de un corpus de obra (2011-2026) fuertemente anclado en la escritura y el formato audiovisual, donde el absurdo se convierte en la herramienta principal para metabolizar los traumas de la realidad y la economía local.Liv Schulman expone en el Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

«A mí me interesa cómo socialmente estamos un poco sobreadaptados a las sucesivas crisis políticas y económicas. Siento que eso es constitutivo de nuestra identidad y que, si bien es una tragedia, también es una farsa. El humor es un arma crítica para adaptarnos y resistir», explica la propia Schulman.

Con una duración total que supera las seis horas de metraje, fragmentadas en cortos, películas y series, la artista propone una experiencia libre influenciada por la cultura televisiva del cable de los años 90: entrar a las salas y entregarse al puro «zapping» o dejarse caer dentro del videoarte.

Entre las piezas destacadas se encuentra su obra de autoficción documental del 2013, donde Schulman recorre las casas de cambio de la Triple Frontera intentando canjear un premio de mil dólares hasta que el dinero desaparece por completo y su psiquis pierde el foco. También resalta su emblemática serie detectivesca para YouTube Control (2011-2018), que utiliza el prisma de la historia del arte para intentar explicar el mundo y develar sistemas ocultos.Liv Schulman expone en la sala C del Centro Cultural Recoleta. Foto: gentileza.

El recorrido por la Sala C se corona con sus producciones más recientes: por un lado, una pieza grabada durante la pandemia en su departamento de París –convertido por tres meses en un caótico set de televisión degradado y cubierto de slime– que parodia la explosión de emprendimientos hogareños de kimchi y cerveza artesanal.

Por el otro, su obra más nueva (2025): una hipnótica película de 63 minutos sobre vigilancia y opacidad financiera en el microcentro porteño. Filmada sin cámaras directas, Schulman dirigió a un grupo de actores por WhatsApp mientras registraba sus movimientos únicamente a través de los reflejos en los vidrios espejados de las torres del banco BBVA, logrando plegar el espacio urbano en una quimera semántica inigualable.

Las muestras del Centro Cultural Recoleta se pueden visitar de martes a viernes 12 a 21 y sábados, domingos y feriados 11 a 21. Lunes cerrado. Residentes en la Argentina, sin cargo y no residentes mayores de 12 años: $6000.

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Sobre la firma

Adriana MuscilloBio completa

Fuente: Clarín.com

Buenos Aires vivió una experiencia única que fusionó la proyección del cine mudo con la música improvisada por un pianista en vivo para conmemorar los 800 años del fallecimiento de San Francisco de Asís, el patrono de Italia.La película de cine mudo “Frate Sole”, musicalizada en vivo al piano por el maestro compositor Mario Mariani. Aquí en la Iglesia de San Francisco en Santiago. Foto: redes sociales.

De esta manera, el Auditorio de la Asociación Amigos del Bellas Artes fue el epicentro de esta performance única que combina música en vivo y la pantalla grande, en una función especial en la que se proyectó Frate Sole, el film mudo dedicado a la vida de San Francisco de Asís, con música en vivo a cargo del pianista y compositor italiano Mario Mariani.

Este evento se llevó a cabo este viernes en el auditorio ubicado en Avenida Figueroa Alcorta 2270 (CABA), en sociedad con el Museo Nacional de Bellas Artes y Amigos del Bellas Artes, con el auspicio de la Embajada de Italia y el Instituto Italiano de Cultura de Italia en Buenos Aires. Entre los asistentes estuvieron el embajador de Italia en Argentina, Fabrizio Nicoletti; la directora del Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires, Livia Raponi; el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat; y el secretario de Cultura de Bogotá, Santiago Trujillo.https://07c23ecff53e3012a69c8a6191a823cb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Una figura emblemática

San Francisco de Asís (1182–1226) fue un fraile y místico italiano, fundador de la orden franciscana. Según cuenta la historia, renunció a su vida de riquezas para abrazar la pobreza evangélica. Es mundialmente venerado por su profundo amor a la naturaleza. También es proclamado patrono de los animales y la ecología.

En ese sentido, el embajador de Italia en Argentina, Fabrizio Nicoletti, ofreció unas palabras sobre la figura de San Francisco de Asís instantes previos al comienzo de la función.

“Celebramos los 800 años de la desaparición de San Francisco de Asís. Una figura emblemática, universalmente amada, cuyo luminoso ejemplo y mensaje logró trascender fronteras y barreras de todo tipo: de espacio, tiempo, etnia, cultura y lengua”, exclamó.

“Francisco no ha dejado de ser, en particular, a partir de su tránsito, un punto de referencia compartido para las mentes ilustradas y humanistas, creyentes y no creyentes que hayan buscado respuestas a los grandes desafíos de la convivencia”, agregó.

También trazó un puente entre su figura y el mundo actual convulsionado por múltiples conflictos geopolíticos. “La constante atención a los últimos y filo-marginados, el llamado a la fraternidad entre los hombres, a la paz y al diálogo más allá de las divergencias, nos resulta de relevancia hoy en un contexto global marcado por conflictos, desequilibrios y profundas desigualdades, fuente de múltiples sufrimientos”, esgrimió el embajador italiano.

“La vida y obra de San Francisco han sido temas de memorables obras de arte, entre ellas, a partir del siglo XX”, recordó Nicoletti, y continuó: “Esta noche, asistiremos al primer largometraje que retrata su biografía asociada a la música original de Mario Mariani. Agradezco al Maestro Mariani, que es parte integral de nuestra iniciativa y ha viajado desde Italia para la ocasión de esta noche».

Andrés Duprat, director del Bellas Artes, se refirió a la magnitud de este evento. “Trabajamos mucho con embajadas en la programación de cine, que es uno de los canales interesantes para presentar películas fuera del circuito comercial. En este caso, nos interesó mucho Frate Sole, esta película muda de 1918, de Ugo Falena y Mario Corsi”.

“Está buenísimo porque hay un pianista que musicaliza el film. Mario Mariani es un pianista muy bueno, lo ha hecho con películas de Fritz Lang, George Méliès, Charles Chaplin y Buster Keaton… Tenemos mucha expectativa de ver esta película que retrata la vida de San Francisco de Asís, pero con el componente contemporáneo de que haya un pianista, de alguna manera, completando la experiencia”, enfatizó.

Por su parte, Livia Raponi, directora del Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires, contó detalles sobre el largometraje.

“Esta película tiene una peculiaridad: es un film mudo de 1918 que nació asociado a una obra musical de un compositor nacido en Orvieto que lo pensó para orquestas sinfónicas y coro. Entonces, desde el principio, iba junto con una parte musical que no era simplemente un complemento; no era un acompañamiento, sino una construcción audiovisual conjunta y, por esto, precursora de algo más actual que tiene el cine que viene después del cine mudo”.

Respecto al pianista Mario Mariani, especialmente invitado por el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires para hacer la interpretación en vivo, dijo: “Lo de hoy es cómo en su comienzo fue compuesto, así como fue una composición con dos formatos o elementos, en esta sostenemos una composición original hecha por un maestro de nuestros días (Mariani): no viene para acompañar, sino que él hace una composición instantánea. Entonces, cada performance, cada iniciativa ofrece algo musicalmente único”, apuntó.

“Es decir, la película es la misma, pero el artista va improvisando, teniendo ideas al momento. Lo que vamos a escuchar esta noche no va a ser igual a lo que hemos escuchado en Santiago de Chile”, completó.

Sobre Frate Sole
El film Frate Sole (Hermano sol, por su traducción al español) fue realizado en 1918 por los italianos Ugo Falena y Mario Corsi: el primero se encargó de la parte visual, mientras que el último, del aspecto narrativo, aunque sin un guion explícito por tratarse de cine mudo.

La película de cine mudo “Frate Sole”, musicalizada en vivo al piano por el maestro compositor Mario Mariani. Aquí en la Iglesia de San Francisco en Santiago. Foto: redes sociales.La película de cine mudo “Frate Sole”, musicalizada en vivo al piano por el maestro compositor Mario Mariani. Aquí en la Iglesia de San Francisco en Santiago. Foto: redes sociales.
La película original, de 70 minutos de duración, protagonizada por Umberto Palmarini (como San Francisco de Asís) y Silvia Malinverni (como Clara de Asís), junto al elenco del cine mudo italiano, aborda cuatro episodios como ejes centrales: El beso del leproso, Tras los pasos de San Francisco de Asís, El tiempo y Los estigmas. En 1988 fue restaurada por la Cineteca Italiana.

En esta ocasión, la banda de sonido recreada por Mariani no es simplemente un acompañamiento, sino que está concebida como una pieza de concierto que se desarrolla en paralelo y complementariamente al largometraje, en lo que constituye una experiencia única.

El Maestro Mariani estuvo al frente del piano durante 55 minutos e improvisó su repertorio frente al público mientras se proyectaba Frate Sole en el auditorio.

“No sé exactamente qué voy a tocar. La música es improvisada. Es la primera vez que voy a tocar esto y el público también va a escuchar lo que toco por primera vez. El 80%-90% es improvisado”, aseguró el pianista italiano a Clarín, momentos previos al inicio de esta performance visual-sonora.

Mariani nació hace 55 años en Pesaro, Italia. Es pianista y compositor, colabora con importantes instituciones y proyectos, entre ellos, la Bienal Internacional de Cine de Venecia (en los períodos 1999-2001 y 2001-2003), el Teatro Stabile y diversas prestigiosas instituciones internacionales en las que ofrece presentaciones y conciertos. También, compuso bandas sonoras de los films de Vittorio Moroni y Matteo Pellegrini y la música de numerosas películas desde la época del cine mudo, incluyendo obras maestras de Fritz Lang, D.W. Griffith, George Méliès, Charles Chaplin y Buster Keaton.

“Me gusta mucho inventar proyectos como este, de San Francisco de Asís. Hace dos años hice proyectos sobre Federico Fellini y Gioachino Rossini, un gran compositor italiano a nivel mundial que también nació en Pesaro, como yo: una pequeña ciudad italiana sobre el Mar Adriático”, recalcó.

La película de cine mudo “Frate Sole”, musicalizada en vivo al piano por el maestro compositor Mario Mariani. Aquí en la Iglesia de San Francisco en Santiago. Foto: redes sociales.La película de cine mudo “Frate Sole”, musicalizada en vivo al piano por el maestro compositor Mario Mariani. Aquí en la Iglesia de San Francisco en Santiago. Foto: redes sociales.
Sobre la imagen de San Francisco de Asís, el pianista y compositor dijo que no solamente es una figura para los italianos sino también a nivel mundial. “Es el Santo Patrono de Italia, un ejemplo de fraternidad y amistad. Fue el primer ecologista; siempre le dio importancia a la condición humana y también a los animales, a la naturaleza y al sol. Estos cuatro elementos son muy importantes”, subrayó.

El público asistente ovacionó a Mariani una vez finalizada la función. “Me gusta mucho improvisar, es una lengua internacional que no necesita palabras. Es como el amor”, remarcó.

Por último, Mariani interpretó dos piezas italianas: una variación sobre la Petite Messe Solennelle (Pequeña Misa Solemne), la última composición del célebre Gioachino Rossini escrita en 1863, seguida por la Tarantella napoletana, otra pieza de Rossini, también nacido en Pesaro como él.

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Maxi Kronenberg

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Fuente: Clarín.com

El retrato de Diego Velázquez de ‘Pablo de Valladolid’ (1636), una de las grandes obras maestras del Siglo de Oro español, recupera su luz, equilibrio cromático y dimensiones originales gracias a una restauración financiada por la empresa energética Iberdrola.El Museo del Prado presenta el retrato de ‘Pablo de Valladolid’, de Velázquez, tras su reciente restauración. (EFE)

La restauradora del Museo del Prado María Álvarez, responsable de la limpieza y restauración a la que ha dedicado tres meses de trabajo, asegura que el cuadro «no estaba en mal estado, pero estaba estéticamente feo y pedía a gritos una restauración» por haberse tornado amarillento, desvirtuando el equilibrio de luces y colores.

Así, la escena había sido ampliada mediante la adición de bandas de tela en los laterales y en el borde inferior, mientras que el borde superior se limitó a un desdoblamiento del perímetro claveteado al bastidor.

A ello se sumaban repintes de intervenciones más recientes, cuyos tonos, con el paso del tiempo, habían virado y afectaban al equilibrio cromático del conjunto.

Más de 4,5 millones de euros

La intervención, financiada por la Fundación Iberdrola, que dedica más de 4,5 millones de euros (unos 5,3 millones de dólares) anuales a su programa de restauraciones en el Prado, ha permitido asimismo devolver al lienzo sus dimensiones iniciales y la restitución del equilibrio entre la figura y el espacio que la rodea.https://www.instagram.com/reel/DPvmTT6jDlt/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fmuseo-prado-restauro-pablo-valladolid-obras-clave-velazquez_0_iIo0SB6LKc.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2450.899999976158%2C%22ls%22%3A271.7999999821186%2C%22le%22%3A919.5999999940395%7D

Además, ha determinado una revisión en profundidad de los estudios técnicos realizados hace una década, así como la aplicación de nuevas técnicas de análisis gracias a los equipos adquiridos por el Museo del Prado con Fondos Europeos del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia (2021-2025).

El retrato de ‘Pablo de Valladolid’, un hombre vestido con ropajes negros que carece de referencias arquitectónicas o paisajísticas, construye el espacio únicamente a partir del cuerpo del bufón, la sombra que proyecta y el aire que lo rodea.

Esta solución, adelantada a su tiempo, convierte la figura en el eje absoluto de la composición y explica la sensación de presencia y tridimensionalidad que transmite la obra.

Anticipa la modernidad

Para el director adjunto de Conservación e Investigación del Museo, Alfonso Palacio, se trata de una obra «audaz que anticipa la modernidad» y que, de hecho, ha sido alabada y reconocida por pintores de todos los tiempos.El Museo del Prado presenta el retrato de ‘Pablo de Valladolid’, de Velázquez, tras su reciente restauración. (EFE)

Así, Juan Carreño de Miranda (1614-1685) toma a ‘Pablo de Valladolid’ como punto de partida para su bufón; y Francisco de Goya (1746-1828) hace lo propio para su retrato del economista Francisco Cabarrús que se encuentra actualmente en el Banco de España.

Años más tarde, el francés Édouard Manet (1832-1883), referente para la generación de los impresionistas, dice de él que es «el cuadro más asombroso jamás pintado» y que está «en la vanguardia de la pintura», y se inspira en él para dos retratos de actores.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com