Categoría: Entretenimiento

Tras más de dos décadas dedicados al periodismo, Lena Sundström y Jens Mikkelsen han triunfado en Suecia con su primera novela, Jaque a la reina, un thriller que reivindica el periodismo de investigación frente a la corrupción y el racismo y que se acaba de publicar en España en la editorial Destino.Los periodistas Lena Sundström y Jens Mikkelsen han triunfado en Suecia con su primera novela, Jaque a la reina. Foto: redes sociales.

La novela entronca con la tradición del ‘nordic noir’, que le busca las costuras a la aparentemente idílica sociedad sueca, y transcurre en Malmö, una ciudad de 350.000 habitantes y 187 nacionalidades que, según sus autores, es «un símbolo de los grandes retos que afronta Europa hoy en día».

Tras recibir el premio de la Academia sueca al mejor debut del año, Sundström y Mikkelsen se pusieron a escribir la segunda obra, aún no publicada en España y dedicada al tema de la gestación subrogada, mientras siguen con sus respectivas carreras periodísticas, ella en un programa de investigación en la televisión pública sueca y él en el periódico Sydsvenskan, el tercero más importante del país.

Detrás de un reportaje

«No podemos permitirnos renunciar al periodismo de investigación», dice Mikkelsen, que explica que uno de los propósitos de la novela era hacer entender el esfuerzo que hay detrás de un reportaje de investigación, en tiempos en que «el periodismo está siendo atacado y los hechos se han convertido en algo cuestionable».

Galardonado con el Gran Premio de Periodismo en 2008, entre otros reconocimientos, Mikkelsen señala que en los últimos 15 años ha habido en las redacciones muchas discusiones sobre el ‘click bait’, pero que el panorama ha cambiado con la irrupción de la inteligencia artificial (IA), que en su periódico ya se encarga de editar la versión impresa y «pronto» entrará también en el terreno de las noticias de última hora.

Sundström, doctora honoris causa en Derecho por la Universidad de Estocolmo y premiada como mejor periodista de investigación, se dedica en la actualidad a investigar la corrupción en las municipalidades suecas, un trabajo lento, pero apasionante, afirma.

«Creo que es importante que los periodistas creamos en nosotros mismos, porque solemos tener un problema de autoestima», ha apuntado.

Una novela a cuatro manos

La idea de escribir la novela partió de Sundström. Quería hablar del periodismo, pero también dar voz a los que no la tienen y combatir la deshumanización de los migrantes en un momento de auge de la ultraderecha en Suecia y en el resto de Europa.

La historia de Jaque a la reina empieza con el asesinato de una reconocida activista. Todas las pistas apuntan a un grupo de migrantes indocumentados y la policía tiene prisa por cerrar el caso pero Sven, un veterano periodista, intuye que detrás hay una verdad más incómoda.Los periodistas Lena Sundström y Jens Mikkelsen han triunfado en Suecia con su primera novela, Jaque a la reina. Foto: redes sociales.

Para investigar se alía con Anne, una novia de su juventud que acaba de regresar a la ciudad tras dos décadas dedicada al periodismo internacional y que, a punto de cumplir 50 años, ve cómo su mundo se tambalea tras separarse de su marido.

La pareja de periodistas/investigadores toma mucho de la biografía de los autores, que también se han inspirado en hechos reales para construir la trama. Mikkelsen investigó una historia de corrupción que llegaba a las más altas esferas, pero no logró las pruebas suficientes para publicarlo y la historia de los migrantes indocumentados también se basa en un reportaje que, esta vez sí, publicó.

Según Sundström, no es una coincidencia que exista esta tradición del thriller escandinavo: son «sociedades aparentemente idílicas, con casitas rojas, igualdad de género», pero también «muy frías y no solo por el clima, la gente es introvertida y solitaria y con problemas de alcoholismo».

Ambos reflexionan sobre el hecho de que cuestiones como la igualdad y derechos humanos, como el derecho de asilo, que parecían inamovibles, hoy son cuestionados. «Defender los derechos humanos no se consideraba un posicionamiento político, ahora sí», inciden.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El cineasta Pedro Almodóvar publicará su primera novela, El hombre que solo escribía en los aviones (Reservoir Books), el 29 de octubre, en lo que supone su segunda incursión en la literatura después del libro de relatos que publicó en 2023, El último sueño.El director Pedro Almodóvar posa durante una sesión fotográfica en el 79º Festival de Cine de Cannes en Cannes, Francia, el 20 de mayo de 2026. REUTERS/Sarah Meyssonnier

Según detalla la editorial, El hombre que solo escribía en los aviones tiene como protagonista a Flavio Guijarro, un hombre que ha pasado media vida reinventándose. Ha tenido decenas de aficiones, pero pocas veces han culminado en una profesión; la de actor es la que ha logrado cultivar con más o menos fortuna.

La llama de una vocación

En un viaje de promoción, sin embargo, a 10.000 metros de altura, descubre tardíamente una nueva vocación, la escritura, y desde ese momento se dedicará a combatir sus bloqueos creativos y perseguir ese sueño… que irremediablemente se le escapa de las manos en cuanto se acerca el momento de poner el punto final, indican desde la editorial.

Se trata de una narración que se adentra –continúa– «en una selva de experiencias y lecturas, de tramas inventadas y de ideas prestadas, que a su vez sirven de cimiento a una obra sorprendente, libresca y muy apasionada«.

Almodóvar presentó su última película, Amarga Navidad, en el pasado Festival de Cannes, donde acudió con todo el equipo del filme, protagonizado entre otros por Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón y Leonardo Sbaraglia.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

La Embajada de Italia en Londres, en colaboración con el Museo Galileo y el Ministerio de Cultura de Italia, ha sido sede del lanzamiento de una nueva plataforma digital que reúne por primera vez en más de 400 años las dos principales colecciones de escritos y dibujos de Leonardo da Vinci.La restauración digital del Códice Atlántico reunió más de 550 páginas de Leonardo da Vinci que habían permanecido separadas desde el siglo XVI – (Leonardotheka)

Disponible en teche.museogalileo.it/leonardo, Leonardotheka constituye el mayor recurso digital del mundo dedicado a los manuscritos de Leonardo.

Como culminación de un proyecto de una década ideado por el Museo Galileo y desarrollado en asociación con el Royal Collection Trust, la Veneranda Biblioteca Ambrosiana y la Biblioteca Leonardiana de Vinci, y realizado gracias al trabajo de destacados investigadores y expertos en tecnología de la información del Museo Galileo, alrededor de 3.500 páginas de manuscritos de Leonardo –que habían permanecido separadas desde finales del siglo XVI– han sido finalmente reunidas.

Leonardotheka ofrece una nueva perspectiva sobre el pensamiento, la visión y el método de trabajo de Leonardo.

Estudios científicos y los dibujos

Gracias a la restauración digital de una parte de los folios, la plataforma pone en evidencia la conexión entre los estudios científicos y los dibujos figurativos del genio toscano, separados de forma arbitraria por Pompeo Leoni a finales del siglo XVI.La Embajada de Italia en Londres, en colaboración con el Museo Galileo y el Ministerio de Cultura, fue sede del lanzamiento de la plataforma Leonardotheka. Foto: redes sociales.

El Museo Galileo promovió la colaboración entre diversas instituciones, integrando el conocimiento de los principales especialistas del mundo con siglos de investigación acumulada, con el objetivo de ampliar el acceso a la rica herencia de Leonardo a través de una plataforma pública.

Leonardotheka reúne los 1.119 folios del Codex Atlanticus –la mayor colección de escritos de Leonardo perteneciente a un único corpus, conservada en la Veneranda Biblioteca Ambrosiana– con el núcleo más importante de dibujos figurativos, anatómicos, paisajísticos y naturalistas del genio de Vinci, es decir, alrededor de 550 folios de la Royal Collection de Windsor.

Estas dos colecciones han sido ahora reunidas digitalmente en una plataforma accesible para todos.

Tras la muerte de Leonardo, Francesco Melzi –su último discípulo– heredó todos sus manuscritos. Sin embargo, estos pasaron después a manos del escultor aretino Pompeo Leoni, quien desmembró cuadernos y hojas sueltas, distribuyendo el material en dos álbumes: en el primero, el más extenso, colocó ilustraciones y textos de carácter técnico y científico, mientras que el segundo lo dedicó a los estudios artísticos y figurativos.https://www.instagram.com/p/DZXQsm7luAq/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fleonardotheka-plataforma-reune-3500-manuscritos-leonardo-da-vinci_0_DBSZDMu0qG.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2542.9000000953674%2C%22ls%22%3A216.70000004768372%2C%22le%22%3A897.4000000953674%7D

A comienzos del siglo XVII, Polidoro Calchi, yerno de Leoni, heredó los manuscritos y vendió el álbum más voluminoso –posteriormente denominado Codex Atlántico– al conde Galeazzo Arconati, quien lo donó a la Veneranda Biblioteca Ambrosiana en 1637.

Un regalo destinado al rey

El otro álbum, con los trabajos figurativos, fue llevado a Inglaterra en la década de 1620 y pasó a formar parte de la Royal Collection hacia 1670, probablemente como un regalo destinado al rey Carlos II.La restauración digital del Códice Atlántico reunió más de 550 páginas de Leonardo da Vinci que habían permanecido separadas desde el siglo XVI – (Leonardotheka)

La nueva versión de Leonardotheka ha permitido la recomposición de 50 manuscritos, gracias a la incorporación de pequeños fragmentos conservados en Windsor dentro de las páginas del Codex Atlántico, restituyendo así su contexto original.

El embajador Fabio Cassese, quien inauguró la conferencia «Leonardotheka, an innovative tool for the study of Leonardo’s codices», declaró: «La importancia de Leonardo trasciende las fronteras nacionales. Leonardo no pertenece solo a Italia, sino al patrimonio cultural y científico de toda la humanidad. Por eso, proyectos como Leonardotheka tienen una relevancia crucial que va mucho más allá de la investigación académica. La colaboración entre el Museo Galileo de Florencia, el Royal Collection Trust de Windsor y la Veneranda Biblioteca Ambrosiana de Milán constituye un ejemplo virtuoso de este espíritu de cooperación».

Con información de Ansa.

Fuente: Clarín.com

Belén Papa
Orfano

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21/06/2026 08:01

¿Cómo un estadounidense que sirvió en el Ejército apostado en Corea del Sur como observador meteorológico, con una profunda cultura católica, que tomaba clases de historia del arte de manera informal y que llegó a ser guía del MoMA se convirtió en uno de los mayores exponentes del arte minimalista? El Malba inauguró Dan Flavin. Luz, color y espacio, una aproximación al artista que combinó tres materialidades que rozan la abstracción, para crear una idea nueva de obra de arte que no tuviera que ver con el objeto, sino con la percepción, con las condiciones espaciales, arquitectónicas, y con la subjetividad del espectador.Dan Flavin. Luz, color y espacio, se puede visitar hasta el 17 de agosto en el Malba. Foto: Clarín.

La muestra se creó en conjunto con la Dia Art Foundation, una institución que estuvo en boca del mundo artístico porteño en las últimas semanas porque también están detrás de la exhibición Penumbra que se puede recorrer ahora en Fundación PROA. La institución, con distintas sedes en Nueva York, se enfoca en el arte de la segunda mitad del siglo XX y en impulsar proyectos de gran escala.

La historia de Flavin es la de un artista completamente atravesado por sus orígenes y experiencias. Nacido en una familia católica, el arte renacentista de retablos, vírgenes y alegorías donde el dorado a la hoja jerarquizaba a los santos y vírgenes representados fueron fuente de inspiración para que siglos después Flavin encontrase un punto de conexión con sus esculturas e instalaciones hechas con tubos fluorescentes.Dan Flavin. Luz, color y espacio, se puede visitar hasta el 17 de agosto en el Malba. Foto: gentileza.

Observador meteorológico

Por otra parte, fue su trabajo como observador meteorológico del Ejército apostado en Corea del Sur lo que le agudizó la mirada sobre la luz y sus efectos. Fue por esta época que intentó formalizar su afición al dibujo, que tuvo desde muy chico, tomando clases por correo de Historia del Arte. Ya de regreso en Estados Unidos intentó estudiar de manera formal en varias instituciones, pero duraba poco en todas.

Humberto Moro, curador mexicano y director de programación de Dia Art Foundation, lo explicó así: “Él, durante mucho tiempo, trató de metabolizar todas estas influencias católicas a través del arte y de la historia del arte y en algún momento incluso quiso ser historiador del arte. Es un artista que, a diferencia de otros, se aproxima a la obra desde el hacer más que el saber”.https://www.instagram.com/p/DZbWazqss_e/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fdan-flavin-malba-artista-transformo-tubos-fluorescentes-obras-maestras-minimalismo_0_4nyxzZD7SA.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1893.4000000953674%2C%22ls%22%3A135.70000004768372%2C%22le%22%3A762.5%7D

Una tercera experiencia que influyó en su carrera fue su trabajo como ascensorista y guardia de seguridad en el Museum of Modern Art de Nueva York durante la década de 1960. A partir de sus largas y contemplativas estancias observó, como antes lo había hecho con la luz, que la arquitectura de los espacios podía ser un elemento más de la obra.

“Este acceso al tras bambalina de los museos también le dio otra conciencia muy elevada acerca de las instituciones y fue en las instituciones que su obra floreció. Muchas de las instalaciones permanentes que Dan Flavin hizo, que son ahora icónicas en Alemania, en Nueva York, tenían esta instalación muy específica con la arquitectura que es irrepetible, no se puede reproducir en otro momento”, aportó el curador.Dan Flavin. Luz, color y espacio, se puede visitar hasta el 17 de agosto en el Malba. Foto: Clarín.

Con todo este bagaje encima, y luego de pasar por el expresionismo abstracto, en 1961 Flavin tuvo la idea de incorporar bombitas de luz a sus obras. Tenía en mente los retratos de vírgenes y santos del periodo gótico y las aureolas, muchas veces pintadas con hoja de oro, que los dotaban de una luz especial. Ese destello reprodujo en su serie Íconos, pinturas y objetos tridimensionales monocromáticos a los que por primera vez les incorpora un tubo de luz.

Para 1963, su interés se había volcado de lleno al potencial visual, conceptual y compositiva de los tubos fluorescentes. Los elementos formales de su obra se limitaron así a tubos de cuatro tamaños, en ocho colores más tres tipos de blancos. Son reflejo de una época, mitad del siglo XX, cuando la ambientación de oficinas y espacios corporativos se inclinaba hacia la homogenización de la luz.Dan Flavin. Foto: gentileza.

“Era un objeto totalmente industrializado, comercializado, doméstico, disponible y casi sin importancia. Era un objeto que era parte de la vida cotidiana de las personas. Ahora, es una tecnología extinta, arcaica, que no existe más, que, además, es increíblemente difícil de conseguir, de usar”, explicó Moro.

Y agregó: «Nosotros (Dia Art Foundation) tenemos un solo proveedor en el mundo que sigue haciendo luces fluorescentes y, eventualmente, es una tecnología que se va a extinguir; los gases que se necesitan para sacar el color son más difíciles de conseguir y hay colores que son mucho más difíciles de hacer que otros». En el futuro, analiza, la obra de Flavin podría convertirse en una obra efímera.

La exhibición en Malba, curada por Jessica Morgan y Min Sun Jeon de Dia Art Foundation, reúne obras producidas entre las décadas de 1960 y la de 1970.

La muestra incluye algunas de las que remiten a los monumentos, como sus trabajos en homenaje al constructivista ruso Vladimir Tatlin y sus obras en homenaje a las víctimas de guerra, como Monument 4 for Those Who Have Been Killed in Ambush (to P.K. Who Reminded Me About Death), una instalación realizada a partir de cuatro tubos fluorescentes rojos, entrecruzados, colocados de manera suspendida a la altura del nivel de los ojos, en el ángulo de dos paredes perpendiculares.Dan Flavin. Luz, color y espacio, se puede visitar hasta el 17 de agosto en el Malba. Foto: Clarín.

La serie Untitled (to Thordis and Heiner), –Flavin tenía como costumbre dedicar las obras pese a que a veces no les ponía nombre– se compone de obras cada una de cuatro tubos que forman un cuadrado colocados a corta distancia de una pared. Realizadas cada una de un color, resultan así marcos iluminados, escenarios que encuadran un fondo blanco que pertenece a la arquitectura del lugar.

Desafío a la percepción

En una punta de la sala, una obra de la serie de las barreras que hizo el artista, la pieza que más desafía la percepción del espectador de entre las que se exhiben en Malba. La única indicación específica cada vez que se reproduce es que debe bloquear el paso de una parte del espacio.

En el museo se muestra una barrera realizada en tubos verdes, pero si el visitante se detiene unos segundos de más frente a ésta opera ya la percepción y el verde parece transformarse en blanco.Dan Flavin. Luz, color y espacio, se puede visitar hasta el 17 de agosto en el Malba. Foto: gentileza.

Por último, la serie de leaners, tubos inclinados apoyados sobre el ángulo de una pared. Son tubos de dos metros de un color que en su parte trasera tienen adosados otro de medio metro de otro color, generando un efecto de luz que rebota sobre la pared donde se apoyan. Depende dónde se coloque el visitante podrá ver los dos tubos o solo uno y el halo del otro.Marita García, curadora en jefe del Malba y Soledad Álvarez Campos, jefa de comunicación del museo, presentan la exposición junto a Humberto Moro, de Dia Art Foundation y la curadora Min Sun Jeon. Foto: gentileza.

Lejos de los ready made que para la época en que el artista irrumpe con sus tubos ya habían alcanzado la madurez, la obra de Flavin no se circunscribe al objeto, sino que se expande para transformar el espacio a partir de los juegos de luces y la ambigüedad visual, donde lo que se ve depende enteramente de dónde se para uno.

Dan Flavin. Luz, color y espacio, se puede visitar hasta el 17 de agosto en el Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415) de jueves a lunes de 12 a 20 y miércoles de 11 a 20.

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Sobre la firma

Belén Papa Orfano

Editora de la sección Último MomentoBio completa

Fuente: Clarín.com

De su Vigo natal, escenario de El Albatros Negro, María Oruña pasa en poco más de un año al Madrid de la alta sociedad y el arte en La Cámara de las Maravillas (Plaza&Janés), su nueva novela de intriga, fascinada por uno de sus personajes, un ladrón de guante blanco, aunque ella dice codiciar «más la historia que hay detrás de los objetos que el objeto en sí».La escritora María Oruña publica ‘La Cámara de las Maravillas’. EFE/ Javier Cebollada

En el Museo Marco de Vigo, cuenta que visitar «muchísimas» de estas galerías en toda Europa le llevó a cuestionarse «qué había detrás» de los tratantes de arte y de esos cuadros que valen «millones de euros».

Un mundo en el que se adentró cuando, al investigar para otros libros, descubrió que existía una Brigada de Patrimonio Histórico en España, ubicada en Madrid «y con apenas 20 personas». Ese cuerpo policial fue una de las cuestiones que más le sorprendieron en su trabajo de documentación.https://669f8fe1557d69ab76ec7e414bcd4adb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Allí, la inspectora jefa la recibió «con los brazos abiertos y como muy sorprendida de que alguien se interesara en su trabajo». A la autora la dejó «asombrada» que nadie escribiera de ellos. «Llevan casos como todo de película», expresa.

Un ladrón de guante blanco

La trama se teje en un «triángulo» que le ha dado «mucho» juego, con Dimas Chevalier en uno de los vértices, el ladrón de guante blanco que le resultó «difícil de perfilar para que fuese tan creíble». Ella, que dice no tener «ningún ánimo delictivo», reconoce que le «fascina el ingenio» de este tipo de ladrones que, «sin violencia», logran su botín.

Junto a Chevalier, un inspector «muy excéntrico, que se cree que es muy listo y siempre está citando autores de misterio, como Agatha Christie». Es asexual, extraño, vive con su gato y se las «va a ver» con Mencía, la única normal de la novela», una policía que no entiende «muy bien a qué viene tanto revuelo por unas obras» de arte.

Y en paralelo, la familia Mendoza, la que «maneja el palacio donde sucede todo», que está en la élite del mundo del arte y tiene galerías.

Detrás de «casi todos los nombres» hay una «inspiración muy clara», raíces romanas. Oruña concede una pista: llevan un «doble mensaje» que ayudará a descifrar si cada uno de ellos «es de los buenos o de los malos».

Casa de América

Para ambientarla escogió Madrid porque, aunque en Europa lo que más le encajaba era París o Londres, quería que transcurriera en España y sabía que en la capital podía encontrar esas conexiones para el comercio internacional del arte.

Allí buscó localizaciones y, entre los palacios que sondeó, se decidió por el de Linares, la actual Casa de América, transformado en su Palacio Dorado. El libro también transcurre por el Jardín Botánico, la Iglesia de los Alemanes, la Plaza de Santa Ana o el Museo Thyssen. Así, el lector puede comprobar que el libro, allí, «cobra vida».

La trama aúna «elegancia, misterio e intriga», una provocación constante al lector, al que intenta «engañar sin hacer trampa», con un juego de «espejos» que le ha resultado todo un desafío, pero también una diversión. «Intentar hacerlotodo el rato hacerlo conlleva un esfuerzo de intelecto bastante grande, pero espero haberlo conseguido y que el lector se lo pase bien», afirma.

Para elaborar la trama bajo esas premisas, ha analizado cómo trabajan restauradores, artistas y marchantes o cómo funcionan las subastas.

El estatus social

Para Oruña, «lo que se codicia casi nunca es realmente el dinero o el comprar cosas lujosas, sino el estatus», el que «te reserven la mesa concreta» en un restaurante o «poderte manejar de determinada forma en una jerarquía social». «Por mucho que lo neguemos y por muy modernos que seamos», subraya, la sociedad sigue funcionando así.

Y aunque no defendería con su vida ninguna de las joyas que posee, a Oruña le dolería que le arrebataran un anillo de oro «muy original y extraño» que compró su abuela «cuando tuvo ahorros» y al que guarda cariño por la historia que lleva implícita.

«Yo codicio más las historias de los objetos que los objetos en sí», confiesa la escritora viguesa, que también protegería la réplica de un cuadro de Monet que le regaló una amiga ya fallecida.La escritora María Oruña publica ‘La Cámara de las Maravillas’. EFE/ Javier Cebollada

Ella dice no sentir «presión» ante el ritmo de producción que lleva en los últimos años -su anterior novela salió en marzo de 2025-.

María Oruña explica que maneja «un tiempo de ventaja con el que los lectores no cuentan»: El Albatros Negro lo entregó un año antes de publicarlo y ya empezó a trabajar en La Cámara de las Maravillas, que hace meses que está en manos de su editor, su «lector cero».

Así que es fácil deducir que ya está inmersa en «otro proyecto» y «haciendo maldades», pero esta escritora profesional no las descubre; sigue escribiendo «a ritmo» y, mientras tanto, compaginará la escritura con la promoción de La Cámara de las Maravillas.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Quince autores, traductores y editores extranjeros entre los que se encuentra la titular de la argentina Ediciones Corregidor, Paula Pampín, recibieron esta semana en Beijing el 19º Premio Especial del Libro de China, el reconocimiento más relevante en el país asiático para protagonistas de la industria editorial.

Un total de 15 ganadores de la 19.ª edición de los Premios Especiales del Libro de China recibieron sus galardones el martes en Pekín. Foto: Wu Jie/GT gentilezaUn total de 15 ganadores de la 19.ª edición de los Premios Especiales del Libro de China recibieron sus galardones el martes en Pekín. Foto: Wu Jie/GT gentileza
Paula Pampin es editora de un sello familiar fundado hace más de medio siglo por su padre, Manuel, que ahora es conducido por la segunda generación de una estirpe dedicada a los libros: Juan Manuel Pampín es el presidente de la Cámara Argentina del Libro, entidad gremial empresaria con más de 85 años en el mercado y más de 500 socios pymes argentinos; y María Fernanda Pampín, además de editora, es directora de Publicaciones en Clacso e investigadora en el Instituto de Literatura Hispanoamericana de la Universidad de Buenos Aires.

En los últimos años, Corregidor se interesó por el mercado editorial chino, sumando publicaciones y estableciendo vínculos con instituciones de aquel país y también con autores. Entre los libros editados recientemente, referidos a China, al Partido Comunista de China, a su sistema de gobernanza y al pensamiento de Xi Jinping, se cuenta China. Muralla contra la pobreza. Compromiso, organización y patriotismo, de los periodistas Néstor Restivo y Gustavo Ng.

El jurado consideró que todos los premiados realizaron “contribuciones destacadas a la difusión de la China contemporánea y a la promoción de las publicaciones chinas en el extranjero”. En esta edición, los reconocimientos fueron concedidos a cinco autores, cinco traductores y cinco editores de países como Rusia, Estados Unidos, España, Alemania, Argentina y los Emiratos Árabes Unidos.

Ya en 2019, otro argentino recibió este galardón: el editor Fabián Lebenglik de Adriana Hidalgo en la misma categoría. Y en el rubro escritores, lo ganaron Gustavo Alejandro Girado y Gustavo Ng, que tiene orígenes chinos y gallegos y creó aquí la revista DangDai.

Una alegría y un honor
Paula Pampin aseguró que «el Premio Especial del Libro de China no solo es una alegría y un honor, sino que significa también el compromiso y la responsabilidad de seguir trabajando aún más para que China pueda llegar a todos los lectores argentinos y latinoamericanos directamente y sin intermediación alguna».

La argentina agradeció a la agencia que exporta literatura china, la China National Publications Import and Export (CNPIEC), «a todos los colegas chinos que hicieron posible las publicaciones de estos años y a los queridos amigos que este trabajo me permitió hacer”.

Y en declaraciones a Global Time, contó que ha publicado libros centrados principalmente en los aspectos políticos y económicos de China, ya que los lectores latinoamericanos sienten curiosidad por saber cómo China ha llegado a convertirse en un líder mundial en los últimos años.

Los otros extranjeros galardonados como editores fueron Azimbai Yuldashevich Babanlyazov, Andrei Patlag, Martin Bavery y Christopher Robyn.

Un total de 15 ganadores de la 19.ª edición de los Premios Especiales del Libro de China recibieron sus galardones el martes en Pekín. Foto: Wu Jie/GT gentilezaUn total de 15 ganadores de la 19.ª edición de los Premios Especiales del Libro de China recibieron sus galardones el martes en Pekín. Foto: Wu Jie/GT gentileza
La ceremonia de entrega de premios sirvió de preludio a la Feria Internacional del Libro de Pekín (BIBF) de 2026, uno de los encuentros editoriales más importantes de Asia, donde Pampin recibió el reconocimiento por su trabajo desde la editorial y por su participación en el Proyecto de Vinculación y Cooperación con China.

El Premio Especial del Libro de China es un galardón anual creado en 2005 por la Administración Estatal de Prensa y Publicaciones de la República Popular China. Hasta el año pasado, unas 219 personas de 63 países diferentes habían recibido el galardón.

Sobre la firma
Débora Campos
Débora Campos
Editora de la sección Cultura
decampos@clarin.com

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Fuente: Clarín.com

Al promediar la feria Arte Pequeño Formato, que cerró en el Museo de Arquitectura y Diseño (MARQ) con 3500 visitantes, ya se podían ver los puntos rojos que señalan que las obras contiguas ya no estaban disponibles. Con un balance positivo, el domingo cerró la quinta edición de la feria, que este año el calendario de ferias porteñas impulsó a 34 galerías a sumarse, el triple que el año anterior, y con un salto cualitativo en su relevancia en el mercado de arte local.

Aunque las ventas seguían cerrándose tras levantarse los stands en tres sectores del predio, hasta el cierre de esta edición se registraron 316 ventas. “Fue un éxito porque triplicamos la cantidad de gente que nos visitó durante los cinco días de la feria, y porque se vendió mucho: de diferentes precios, para todo el mundo y muchas primeras obras”, analiza Mariela Ivanier, organizadora de la feria junto a Santiago Arce, Victoria Baeza y Sinfinito. “Fue muy emocionante que la gente se animara a comprar su primera obra; era uno de nuestros objetivos, más allá de las relaciones que las galerías pudieron hacer con su público”.

La galería Cosmocosa lo experimentó en su propio stand, donde llevó una cápsula con piezas sobre papel de Antonio Berni, que se vendían a un promedio de 1000 dólares. “Se cumplió el objetivo: Berni traccionó al público y el 40% de las obras que vendimos fueron la primera compra de obra de arte”, señala Amparo Díscoli, su directora. “El interés y la apreciación por la obra del maestro se mantiene vigente respecto a los contemporáneos, y pudimos conversar con el público que estaba ávido de saber sobre las obras y la vida del artista”.https://1e8d635b624fb4bebbcc0882ec823737.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlMarta Minujín visitó la feria el fin de semana. (APF / Jennifer Haslop).

“Vendimos obras de todos los artistas”, contó Marina Pellegrini, directora de Vasari, galería tradicional que participó con obras de Juan José Cambre, Alita Olivari, Alfredo Prior, Sandra Warenbron y Marcos López, Artista Invitado de Honor. “Los compradores son clientes nuestros, a quienes invitamos, y personas que sabemos que compraban en otras galerías”, destaca la galerista, que reconoce haber ajustado los precios a la propuesta y sumarse a partir de la presencia de Marcos López, de su staff. Además de Vasari, el reconocido fotógrafo tenía obras en Oficina de arte y Rolf.

“Una enorme felicidad” fue el mensaje de Almacén de arte, galería con sede en San Nicolás y presencia frecuente en ferias. En esta oportunidad agotaron la serie completa de textiles de Leo Mayer que llevaron, además de obras de otros artistas, entre ellos Alejandra Recosta, Kalil Llamazares y Mariquena Vallejo. “Pero más allá de los números que celebramos, nos emociona lo que esta feria volvió a confirmar: que una obra puede abrir conversación, deseo, confianza y futuro. Que puede volver a habitar colecciones que ya acompañan nuestro proyecto y, al mismo tiempo, iniciar vínculos con nuevos coleccionistas”.Las obras de Rosa Aragone en el stand de Subsuelo. (Foto: Martín Bonetto).

En su primera participación, Quorum vivió la feria como “una salida y una excusa para estar en contacto con otro público y con pares, por lo que ya estar es algo bueno”, cuenta Melisa Boratyn, una de sus directoras. “Desde una visión menos positiva, creo que en términos generales es un año difícil en cuanto a ventas, por lo que la feria no hizo más que reflejar eso. En nuestro caso si llegamos a vender el fin de semana pero no a hacer una ganancia”.

Todas las galerías vendieron al menos una o dos obras. Es la cuenta que saca Graciela Sapia de GalleryLabs, que vendió 10, en muchos casos en cuotas. “Había muchas firmas a buen precio, como Berni y Le Parc, pero también Santiago Porter, y obras de artistas emergentes entre 200 y 500 que se llevaba la gente muy joven que estaban iniciando una colección”, analiza.Stand de The White Lodge.

“La feria fue fantástica, en muchos aspectos, pero sobre todo porque se creó un compañerismo muy lindo entre las galerías, con mucha calidez, y eso tiene que ver con la organización, que resolvió bien los espacios y ojalá mantenga este nivel”, concluye.

Con ella concuerda Amparo Díscoli. “Este formato hacía falta, y la organización fue excelente, nos acompañó en todo momento”, resume. “La participación de galerías de Meridiano le sumó a la feria y la feria nos sumó a las galerías”.

Consolidándose en el mercado local, Arte Pequeño Formato con su impronta propia. “Un espíritu festivo, alegre y colaborativo”, según Mariela Ivanier, quien resalta la edición nocturna el día que comenzó la Copa del Mundo. “Lo más destacado es que las 34 galerías generaron comunidad”.

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Sobre la firma

March Mazzei

Editora de la Revista Ñ/ sección Culturammazzei@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Tres salas rebosantes de imágenes, a la manera de las grandes iglesias del Renacimiento, cargadas de impronta simbólica y emocional, dan la bienvenida al universo de Federico Klemm; coleccionista, artista e impulsor del arte argentino hasta su fallecimiento en el año 2002. Para desentrañar los recovecos de esa realidad que construyó para sí mismo, basta recorrer Federico Klemm. Iluminador de mitos, en el Centro Cultural Recoleta, que, bajo la curaduría de Federica Baeza, Guadalupe Chirotarrab y Santiago Villanueva, develan algunas respuestas.Autorretrato. El ser es víctima y sacrificio en lo cotidiano.1990, en la muestra Federico Klemm. Iluminador de mitos. Foto: Gentileza Fundación Klemm.

Dividida bajo diferentes ejes, que el propio Klemm abordó durante una de sus etapas más potentes en cuanto al recorrido creativo que desarrolló en especial desde los 90, una época en la que no solo continuó su recorrido como artista, en alianza con amigos como Mildred Burton, por ejemplo, sino que consolidó su colección y abrió una exitosa galería que luego cerró para consolidar la Fundación Klemm, que este año cumple tres décadas.

Además, en esos años se sumergió en el universo de la televisión, a través de su programa El Banquete Telemático, ganando reconocimiento por parte de un público más grande que el del mundo del arte.https://61f70415023ed1a39f7f861d83ee65c2.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlLa muestra Federico Klemm. Iluminador de mitos. Foto: Gentileza Fundación Klemm.

“Mi abuela nos ponía ese programa cuando nos sentábamos a comer» o «en casa a mis papás les gustaba ver a Federico”, son frases habituales entre aquellos ávidos consumidores de la televisión de finales del siglo XX, así como para una generación anterior lo fue el programa de Tato Bores con la participación estelar de Federico Manuel Peralta Ramos.

Es interesante que el equipo curatorial haya incluido en la muestra un vídeo temprano, de principios de los 60, donde aparece un Klemm muy joven, creando un cruce entre corto experimental y acción de performance, que anticipa lo que potenciaría décadas más tarde.Curadoras de la muestra Federico Klemm. Iluminador de mitos, Federica Baeza, Guadalupe Chirotarrab y Santiago Villanueva. Foto: Gentileza Fundación Klemm.

En la primera sala se lucen vestimentas, fotografías en formatos inmensos, obras intervenidas por Klemm donde se hacen presentes sus musas, las mujeres glam que tanto admiraba, desde Mirtha Legrand hasta Evita, Amalita Fortabat y, por supuesto Rosa, su madre, con quien tuvo un vínculo muy profundo, a tal punto que su fallecimiento fue canonizado por medio de imágenes difíciles de olvidar.

Klemm las retrata y reúne, elevando a sus referentes y emparentando a estas figuras que de otra manera difícilmente convivirían.

Amor por lo escénico

Aquí también se percibe su amor por lo escénico, especialmente la ópera, algo que, a decir verdad, se siente durante todo el recorrido. Sobre eso, el equipo comparte: «Federico se imaginó a sí mismo como un cantante lírico, afición que practicó como performer en eventos nocturnos, discotecas e inauguraciones. Mediante su propia construcción pública, concibió su vida y su obra bajo la forma de una ópera: un relato atravesado por el drama, la tragedia y la comedia, entre episodios de su biografía, la historia y la ficción».

La segunda sala pone el foco en el relato bíblico de Sansón y Dalila, por medio de una serie de fotografías que serían su último trabajo, en relación al impacto que la iconografía cristiana tuvo en diferentes momentos de su carrera. Excusas para poner en escena el deseo, los cuerpos y la potencia de los hombres «strippers, musculosos, bronceados» que retrata.

Como bien explica el texto que acompaña la muestra, esta es una oportunidad para crear una fusión «entre la antigüedad del mito, la fantasía y la reproducción tecnológica de las imágenes», por medio de las cuales Klemm diseñó un tiempo imposible de descifrar.

Por último, se visibilizan correspondencias, obras, archivos y otros elementos del mundo Klemm, como por ejemplo ese video incipiente antes mencionado o las cartas que recibió del bailarín afroamericano Sylvester Campbell en 1966, desde el hotel Savoy de la ciudad de Lima, donde le comparte haber pasado un tiempo fantástico en Buenos Aires y que considera que Klemm es fabuloso.

En otra, confiesa extrañarlo y comparte una foto de una puesta de El lago de los cisnes. Elementos íntimos que revelan otras facetas de Klemm, más allá de la extravagante visión que tantas veces se tuvo de él.La muestra Federico Klemm. Iluminador de mitos. Foto: Gentileza Fundación Klemm.

Además, bajo el concepto de Éxtasis de los telecristales, se propone enaltecer esa capa del hacer de Klemm, donde el centro de la cuestión es la representación del cuerpo masculino.

«Poniendo en juego la noción de éxtasis, recurre a la contemplación del horizonte representado en sus obras para ofrecer a los espectadores una fuga hacia otro lugar marcado por el deseo. Así, Federico imagina un estado de plenitud en el que esbozar otras vías de trascendencia mediante las imágenes».

Indagar en sus últimas obras

Por último, Federica Beaza, una de las curadoras de la muestra, comparte: «En Fundación Klemm el año pasado tuvimos la oportunidad de hacer una primera versión de esta mirada, donde trabajamos mucho el archivo, que comprende un acervo fotográfico muy importante, además de las obras y relaciones que tuvo con otros artistas; por eso en cada sala hay notas que vinculan esos acercamientos. Esta muestra también nos permitió indagar en sus últimas obras, por lo que el abanico es extenso, así como también fue la posibilidad de pensar en nuevos núcleos de investigación».La muestra Federico Klemm. Iluminador de mitos. Foto: Gentileza Fundación Klemm.

Tanto Beaza como Chirotarrab y Villanueva han mantenido un vínculo indirecto pero cercano con Klemm, no solo en cuanto a diversas investigaciones, sino desde lo personal. En ese tono, Baeza confiesa que de adolescente se acercaba a la Fundación para poder ver las fotografías de Robert Mapplethorpe o las pinturas de Roberto Aizenberg.

«Además, como persona trans, ver a una figura pública queer como Federico fue un señalamiento de que otro mundo era posible. En ese sentido, se convirtió en un referente», indica.La muestra Federico Klemm. Iluminador de mitos. Foto: Gentileza Fundación Klemm.

Para conmemorar un nuevo aniversario de la Fundación, y como resultado de una alianza con el Recoleta, surge entonces una oportunidad para seguir descubriendo las múltiples capas que conforman la figura de Federico Klemm y despliegan a este ser tan singular, del cual se decía tanto, pero de alguna manera se conocía tan poco.

Federico Klemm. Iluminador de mitos, se puede visitar de martes a domingo de 12 a 21 en las salas 7, 8 y 9 en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).

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Melisa BoratynBio completa

Fuente: Clarin.com

Recoleta se caracteriza por tener grandes espacios culturales que distinguen a este barrio también conocido como «la París argentina» por su gran inmigración francesa desde 1840 y su consecuente arquitectura. El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), la Biblioteca Nacional y el Centro Cultural Recoleta son los epicentros culturales más emblemáticos de la Comuna 2 de la Ciudad de Buenos Aires. Sin embargo, con el correr del tiempo emergieron otros espacios culturales que fueron ganando terreno en el selecto barrio y se afianzaron a través del tiempo, más allá de la crisis de 2001 y de la pandemia.

Una biblioteca popular, una infinidad de galerías de arte, dos palacios que exhiben obras, un centro cultural y hasta un moderno “concept store literario” forman parte de su atrapante recorrido en este barrio que respira arte, literatura, historia y la más refinada arquitectura ¿Dónde están y qué promueven los espacios culturales en Recoleta? Clarín trazó el siguiente recorrido que configura el mapa cultural actual en Recoleta.

Biblioteca Nacional (Agüero 2502)

Es toda una institución cultural que atesora y resguarda los materiales con los que se han forjado las distintas ideas y épocas del país: reúne miles de manuscritos, libros, documentos, revistas, periódicos, fotografías, mapas, grabados, audiovisuales y partituras, conservadas y resguardadas con técnicas bibliotecológicas modernas. Allí también funciona el Museo de la Lengua y la hemeroteca más importante de Latinoamérica.https://66fe6bb9d133e97652de86c177121cc7.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlBiblioteca Nacional. Archivo Clarín.

Tiene ingreso libre y gratuito para todo público. Se puede consultar material en forma presencial u online. También ofrece cursos, talleres, visitas guiadas, presentaciones de libros y eventos de índole literario-cultural. Los servicios presenciales funcionan de lunes a viernes de 9:00 a 21:00 (sin turno previo) y sábados y domingos de 12:00 a 19:00. Consultar más actividades y horarios en www.bn.gov.ar

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) (Av. del Libertador 1473)

El público podrá recorrer las salas que albergan la colección permanente, integrada por obras de grandes referentes del arte local y extranjero de distintos períodos. En la planta baja se exhiben piezas de Arte Colonial y de los Antiguos Pueblos Andinos, Arte Argentino del siglo XIX y Arte Europeo de los siglos XII al XIX, incluyendo salas dedicadas a autores como Francisco de Goya y Auguste Rodin.Museo Nacional de Bellas Artes. Foto: gentileza MNBA.

En el primer piso, la exhibición permanente presenta diversas escuelas artísticas del siglo XX y XXI, con obras de autores argentinos como Pettoruti, Quinquela Martín, Raquel Forner, León Ferrari, entre otros, latinoamericanos (Pedro Figari, Joaquín Torres García, Diego Rivera) e internacionales (Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Jackson Pollock, Mark Rothko).

“Siempre puede verse la colección permanente, es una colección formidable con arte colombino, europeo, latinoamericano y argentino con piezas maestras”, destacó Andrés Duprat, director del MNBA.

Entre las muestras temporarias, están Itinerarios artísticos entre la Argentina y España (1880-1930) que alude a los vínculos personales, los intercambios y las influencias entre artistas argentinos y españoles a partir de una selección de más de sesenta obras y documentos históricos. Está curada por Florencia Galesio, Paola Melgarejo y Patricia Corsani, investigadoras del Bellas Artes.Premio Arthaus de Artes Visuales. Museo Nacional de Bellas Artes. Foto: gentileza. prensa MNBA

El Bellas Artes es el museo estatal más visitado del país: recibe más de 700.000 personas por año y el número va creciendo en las últimas temporadas. También ofrece cursos, talleres y visitas guiadas. Abierto de martes a viernes de 11:00 a 19.30 (último ingreso), y sábados y domingos, de 10:00 a 19.30. En el hall de acceso hay un tótem que sugiere una contribución voluntaria que se realiza a través de un dispositivo de autogestión diseñado para admitir medios de pago digitales. También se puede gestionar una contribución anticipada desde la web para evitar hacer la fila en la entrada.

Centro Cultural Recoleta (Junin 1930)

En El Recoleta conviven las artes visuales y escénicas, el cine, la literatura, la música y danzas urbanas. Alberga muestras de artistas nacionales y extranjeros. Cuenta con una variedad de salas dedicadas a las artes visuales, a celebrar su historia (Sala 1 o Histórica) además de una espaciosa y colorida sala de dibujo, un cine, la Capilla y Terraza, donde se realizan conciertos de todo tipo. Hay salas y patios para el baile y el entrenamiento y una cafetería. La librería Céspedes se encuentra en la planta baja.Centro Cultural Recoleta (Junin 1930), uno de los puntos del circuito cultural de Recoleta. Foto: gentileza.

En junio, la sala Cronopios presenta la gran exposición Borges: ecos de un nombre, con curaduría de Maximiliano Tomas (director del CCR), Daniel Fischer y Diego Alonso sobre la obra y la vida pública y privada del autor de Ficciones, en conmemoración a los 40 años de su muerte, ocurrida el 14 de junio de 1986. Hay objetos personales de Borges, primeras ediciones, manuscritos, fotografías, memorabilia y una recreación del cuarto del departamento de la Plaza San Martín donde vivió gran parte de su vida.Centro Cultural Recoleta (Junin 1930), uno de los puntos del circuito cultural de Recoleta. Foto: gentileza.

En tanto, en la sala J, Eduardo Molinari exhibe Hijos de la Luna. A 50 años del último golpe militar en Argentina, curada por Javier Villa. En la sala C, Liv Schulman presenta Entusiasmo público (con curaduría de Carla Barbero) y en las salas 7, 8 y 9 está Federico Klemm, iluminador de mitos, con más de 90 obras del artista que recupera su figura multifacética. Por último, en la Sala Histórica (salas 2, 3, 4, 5, 6 y 10) hay muestras de arte contemporáneo, artistas homenajeados y sorpresas para descubrir.

Abierto de martes a viernes de 12:00 a 21:00 y sábados, domingos y feriados de 11:00 a 21:00, con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos.

Galería Rubbers (Av. Alvear 1640)

Siempre en Recoleta, y con 60 años dedicada al arte, la galería es todo un clásico en Buenos Aires. Fue fundada en 1957 por Natalio Povarché. Mariana Povarché, su hija, es la directora junto a María Basile (hija de Mariana). Aquí pasaron obras de artistas emblemáticos como Luis Felipe “Yuyo” Noé, Juan Battle Planas y Spilimbergo.

Rubbers se caracteriza en la exhibición de trabajos de artistas argentinos modernos y contemporáneos. También representa a consagrados como Xul Solar, cuyas obras se exhiben en una de las salas, y otros contemporáneos como Candelaria Palacios, Carolina Cerverizzo, Tito Pérez, Eduardo Cetner, Marcelo Burgos, entre otros.Mariana Povarche de la galería Rubbers junto a Luis Felipe Yuyo Noe, frente a una de sus obras. Foto: Clarin.

En la trastienda hay pinturas de artistas relevantes Antonio Berni, Antonio Seguí, Emilio Pettoruti, César Paternosto. Son obras que Rubbers logró adquirir a través del tiempo.

Actualmente se encuentra Entre papeles, una muestra colectiva entre artistas modernos contemporáneos cuyo denominador común es que todas las obras están exhibidas en formato papel. La exposición estará disponible hasta el mes de julio inclusive. La galería está abierta al público de lunes a viernes de 12:00 a 18:00.

Palacio Duhau – Park Hyatt (Av. Alvear 1661)

El distinguido hotel de Recoleta se divide en dos edificios: se puede ingresar por avenida Alvear o por la calle Posadas. Ambas estructuras se comunican a través del Paseo de las Artes Duhau y por los jardines, que conecta las habitaciones y restaurantes del lugar. En ambos casos, funciona como único hotel.Foto Palacio Duhau-Park Hyatt Buenos Aires.

“El Duhau cuenta con su colección de arte privada como pinturas, esculturas y fotografías de artistas de renombre, como el cuadro de Guillermo Roux que se encuentra en el lobby del hotel, y otra escultura de la Reina Mariana. Ninguna de sus piezas está a la venta”, subrayó Lucuana Oblak, Coordinadora de Marketing Senior del Duhau.

En cambio, en el Paseo de las Artes se realizan muestras itinerantes de artistas argentinos. Actualmente, se exhiben la muestra Señales, de Pablo Sinai: una selección de pinturas y otras piezas que el artista ha creado en los últimos diez años. La exposición finaliza el 28 de junio. El ingreso al Paseo de las Artes es libre y gratuito al público visitante durante las 24 horas, los 365 días del año.

Tramo (Av. Alvear 1580, PB)

La galería comenzó en 2018 como Smart Gallery y desde 2024 pasó a llamarse Tramo. Representa a 13 artistas argentinos contemporáneos de mediana y avanzada trayectoria en diferentes disciplinas en las artes visuales: Juan Astica, Natalia Cacchiarelli, Julián Prebish, Valeria Maculan, Hernán Paganini, Verónica Romano, Santiago Quesnel, Elisa Strada, Nicolás Romero Escalada, Lobo Velar, Pompi Gutnisky, Verónica Palmieri y Yiyú Finke.Supertierra, de la artista Verónica Palmieri en galería Tramo. Foto: gentileza.

Ubicada en un edificio histórico de la Avenida Alvear, la galería posee un calendario anual de cuatro exposiciones individuales y además participa en ferias nacionales e internacionales.

Actualmente, y hasta fines de junio estará HAY / AY / AI, la segunda exposición individual de Alicia Strada, con la participación de los colectivos IF (Investigaciones del Futuro) y la Gloriosa JPG. Sus trabajos incluyen un componente personal a base de cartón como material predilecto para sus creaciones, y otro político de la vida compartida. Abierta al público de lunes a viernes de 14:00 a 19:00.

Herlitzka & Co. (Libertad 1630)

Herlitzka tiene como pilares el arte conceptual moderno y contemporáneo nacional y latinoamericano, con foco en artistas de sólida trayectoria como Carla Beretta, Mirtha Dermisache, Abdulio Giudici, Alicia Herrero, Hernán Marina, Anita Payró, Karina Peisajovich, Teresa Pereda, Alejandro Puente, Francisca Rojas, Osvaldo Romberg, Hernán Salamanco, Eduardo Santiere, Juan Sorrentino y Candelaria Traverso.Teresa Pereda, Juan Sorrentino, Marta Minujín, Fernando ‘Coco’ Bedoya y Claudia Casarino en una muestra de Galería Herlitzka. Foto Télam

Actualmente, la galería está llevando a cabo la muestra Transición: consiste en una selección de 25 obras de artistas que integran este espacio cultural que van desde pinturas de Alicia Herrero, Karina Peisajovich pasando por la publicación del libro de Abdulio Giudice que aborda su obra, entre otros artistas.

Palacio Balcarce (Quintana 161)

Fue construido entre 1913 y 1916 por el arquitecto británico Walter Basset Smith. Allí residió José González Balcarce Uriarte, caballero patricio. Su estilo es neobarroco eduardiano; madera labrada en escaleras y revestimientos, arañas de bronce, vitraux. Una joyita en Recoleta. Actualmente es la sede del Centro de Oficiales de las Fuerzas Armadas (COFA), presidido por el brigadier Gustavo Lema.Palacio Balcarce. Foto: Fernando de la Orden.

Allí se dictan clases de pintura, historia del arte, conferencias. También se realizan exposiciones de arte en el salón Belgrano curadas por Susana Araujo y Eleana Pardini. Entre otros artistas expusieron: Nora Iniesta con una obra alusiva a Manuel Belgrano, Isabel Mignaquy, Hermenegildo Sabat, Sylvie González Janeiro, Maitemazz y Roberto Tabush, por citar algunos. De lunes a jueves de 12:00 a 16:00, viernes y sábados de 12:00 a 16:00 y de 20:00 a 23:00, con entrada es libre y gratuita.

El Rincón de Loyds (Parera 50)

Este concept store de Recoleta nació en 2025 “para quedarse” en Parera 50. Al fondo, se encuentra “El Rincón de Loyds”, un espacio literario que promueve distintos eventos y actividades como presentaciones de libros, talleres y venta de ejemplares curados por el escritor Loyds, autor de la saga Merca, la Mama de Johnny y Pichón, también promotor de Semana Negra BA.Jorge Lebrón, conocido con el nombre de Loyds. Foto: EFE.

“Este lugar nació para bajar un cambio frente a la sobredosis virtual de la postpandemia y volver a conectar con el cuerpo del libro. No me interesa el formato de shopping. Lo que predomina en mi espacio es la curaduría atenta, el boca en boca y las ganas de consolidarlo como un faro cultural en Recoleta, pero con los pies en la tierra”, asegura su creador. Abierto de lunes a sábados de 9:00 a 20:00 (consultar días y horarios de las actividades literarias en el Instagram @Parera.50).

Biblioteca Ricardo Güiraldes (Talcahuano 1261)

En la planta baja se encuentra la biblioteca que atesora libros de todo tipo, entre novelas y cuentos. También hay libros de historia, filosofía, arte y de otros géneros y obras de autores contemporáneos como Mariana Enríquez, Javier Cercas, Florencia Bonelli, Samanta Schweblin y clásicos como los libros de Borges y Ricardo Güiraldes, autor de “Don Segundo Sombra”. Hay unos 15.000 títulos en la biblioteca y alrededor de 1200 socios acuden mensualmente a la biblioteca en Recoleta. En abril se sumaron 280 socios nuevos y en mayo, 180.Primer Festival del Libro Periodístico en la Biblioteca Ricardo Güiraldes. Foto: Martín Bonetto.

La Güiraldes también fue sede de festivales literarios como “Semana Negra” y “¡Urgente!” (primera y segunda edición), organizado por el Ministerio de Cultura porteño, entre otros eventos que se llevaron a cabo en el primer piso de la biblioteca. Mientras, en la planta baja, está el café Clorindo -con patio interno incluido- para disfrutar el día al aire libre.

Del Infinito (Quintana 325, PB)

Desde hace 27 años se encuentra instalada en Recoleta, sobre la calle Quintana al 300. Tiene como artistas a Emilio Pettoruti, Enio Iommi, Martha Boto, Gyula Kosice, Matilde Marín, Mariela Vita, Osvaldo Lamborghini, Margarita Paksa y Julio Le Parc, entre otros.Vista de sala de la muestra Emilio Pettoruti | Xul Solar, Nuevo mundo. Foto: gentileza Galería Del Infinito.

“Básicamente, lo que hacemos es mezclar artistas muy consagrados con artistas muy contemporáneos. Por eso trabajamos en la representación de Julio Le Parc, Alberto Greco y otros grandes del arte argentino. Nos gusta que los artistas jóvenes muestren sus obras con ellos ya que consideramos que las referencias tienen que ser uno a uno”, destacó Julián Mizrahi, director de la galería.

Desde el 4 de junio y hasta agosto exhibirá trabajos de Noemí Escandell, textiles de Guido Yannitto, Gracia Cutuli, Pajita García Bes y una otra inédita de Víctor Magariños D, con curaduría de Javier Villa. En trastienda habrá obras históricas que van desde Julio Le Parc pasando por Alberto Greco y Manuel Espinosa. Abierto al público de lunes a viernes de 11:00 a 17:00.

Miranda Bosch (Montevideo 1723)

“Nuestro origen es más inmobiliario, ya que la inmobiliaria está en la esquina de Quintana y Montevideo, pero surgió la posibilidad de canalizar la pasión que tenía por mundo del arte junto con mi socio y amigo Sebastián Miranda”, explica Francisco Bosch, uno de sus directores de la galería.Develar el espesor. Muestra en la Galería Miranda Bosch de los artistas Tamara Moura Costa y Federico Kehm. Curadora: Julieta Agriano.

Desde el 4 de junio habrá dos inauguraciones en simultáneo: Perder el glamour, de Valentina Sava (ganadora del primer Premio Estimulo MB 2025, segunda edición), que incluye pinturas e indumentaria estilo “fashion”, y Te sujeto para que no te pierdas, de Pablo Pérez Torres (ganador del segundo Premio Estímulo 2025). Abierto de lunes a viernes de 12:00 a 18:00, con acceso libre y gratuito.

Cosmocosa (Montevideo 1430, PB)

La galería, que lleva 15 años en Recoleta, se especializa en el trabajo con legado de artistas fallecidos como Antonio Berni, Luis Frangella, Emilia Gutiérrez y Batato Barea. También promueve artistas contemporáneos como Ignacio Iasparra y Ruy Krygier, entre otros. “Las muestras tienen un contenido más selectivo”, afirma Teo Díscoli, director de Cosmocosa.Galería Cosmocosa. Foto: Fernando de la Orden

En junio, y en el marco del circuito artístico NODO, exhibirá trabajos en acuarelas de Emiliano Miliyo y obras no tan vistas que el artista creó entre finales de los ‘80 y 2000. Abierto de lunes a viernes de 14:00 a 19:00 con entrada libre y gratuita (con cita previa).

Jorge Mara – La Ruche (Paraná 1133)

En su catálogo figuran artistas como Carlos Arnaiz, Washinton Barcala, José Antonio Fernández Muro, Sarah Grillo, Alfredo Hlito, Macaparana, Juan Lecouna, Kirin, Amalia Nieto, Fabio Miniotti, Lucía Mara, Kazuya Sakai, Ana Sacerdote, Kveta Pacovska, Fidel Sclavo, Carola Zech. También representa a los renombrados fotógrafos Grete Stern y Horacio Coppola.Galería Jorge Mara Ruche. Foto: Fernando de la Orden.

Actualmente, exhibe la muestra Imprevisto transitorio, de Eduardo Stupía, hasta fines de junio. Abierta de lunes a viernes de 15:00 a 19:00 con acceso libre y gratuito.

Centro Cultural de España en Buenos Aires – CCEBA (Paraná 1159)

El CCEBA integra la red de Centros Culturales de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), celebra casi 40 años de trayectoria como referente del intercambio cultural entre España y Argentina y como espacio clave para la creación contemporánea, la cooperación cultural y la formación de públicos y profesionales.Centro Cultural de España en Buenos Aires – CCEBA (Paraná 1159), uno de los puntos del circuito cultural de Recoleta. Foto: gentileza.

Dentro de la programación del mes de junio figuran: el Ciclo de charlas “Desplazamientos: Blanca de la Torre (España)” que aborda distintas prácticas curatoriales en la actualidad, previsto para el 1 de junio; “Encuentro comunitario de reparación” (13 de junio); “El impulso y la forma| Diálogos en tres actos sobre escritura y artes escénicas con Antonio Villa” (18 de junio); y el Concierto de Jazz de Belén López Trío (25 de junio). Para más actividades consultar en www.cceba.aecid.es.

OTTO Galería (Paraná 1158)

La galería representa a una veintena de artistas contemporáneos. Ellos son: Daniel Ackerman, Carlos Arnaiz, María Bayá, Rosario Briones, Daniel Callori, Mónica Canzio, Cintia Cuesta, Alec Franco, Marisa Gill, Dafne Kleiman, Teresa Magrane, Fernando Maza, Rebeca Mendoza, Fabio Miniotti, Daniel Prieto, Ana Rapela, David Sisso, Daniel Stroomer, Eduardo Stupía, Mane Zorraquín. Abierta de martes a viernes de 15:00 a 19:00 (actualmente cerrada por vacaciones).

Librería El Ateneo Grand Splendid (Av. Santa Fe 1860)

“La librería más linda del mundo” según la revista estadounidense National Geographic, elegida la “segunda mejor del mundo” por el diario británico The Guardian forma parte de la última tramo del recorrido por Recoleta.Librería El Ateneo Grand Splendid. Foto: Grupo ILHSA

Inaugurada como librería en 2000, la gran excusa es ingresar para comprar libros de cualquier género (hay más de 5000.000 títulos), películas y CDs, y dejarse llevar. Una vez adentro, las fotos, videos y selfies “instagrameables” son incontables. Es que librería, ícono de los porteños, es uno de los principales atractivos culturales para curiosos, visitantes y turistas, De la Recoleta para todo el mundo.

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Maxi KronenbergBio completa

Fuente: Clarín.com

En Madrid se habló de Sábat. Del Hermenegildo Sábat que, con su trazo magistral, desmesurado o sutil, ironizó, denunció o simplemente retrató, desde las páginas de Clarín, la grandeza y las miserias de los protagonistas de nuestro tiempo.Ricardo Kirschbaum, editor general de Clarín y autor del prólogo del libro Diez veces Sábat. Vida y obra del artista que retrató al país, en Olavide. Foto: Cézaro De Luca.

Sucedió en una librería deliciosa llamada Olavide Bar de Libros, donde un lunes a la nochecita no cabía ni un alfiler: se había corrido la voz de que se presentaba Diez veces Sábat. Vida y obra del artista que retrató al país, y la cita prometía una reflexión sentida y lúcida sobre Menchi, el genio “mudo” del humor gráfico.

“Menchi era un periodista. Y antes que eso era una persona muy sensible que lograba identificar los rasgos más salientes de un personaje de la política, de la cultura o de la vida cotidiana, sin agregar una palabra”, dirá Ricardo Kirschbaum, editor general de Clarín y autor del prólogo del libro.https://c9bd0252c335ad10274c0d0a83cc4741.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Diez veces Sábat, que el diario publicó como parte de las celebraciones por su 80° aniversario, es una degustación de los rasgos que más se acercan al artista multifacético.

“Menchi es la memoria colectiva de los argentinos porque, a partir de sus dibujos, podemos conocer qué pasó en Argentina en los últimos 50 años. Pero, más allá de todo eso, yo quería contar cuántos Sábat viven dentro de Hermenegildo Sábat. El Sábat maestro, el Sábat fotógrafo, el poeta, el escritor, el demócrata”, subrayó Diana Baccaro, la autora de esta memoria vital y artística.

Diez veces Sábat es culpa de la sed de Baccaro por conocer a fondo qué ideas y sentimientos alcanzaban su punto de ebullición en la mente creadora de Sábat. Lo logró luego de hablar largo y tendido con 30 fuentes –personas cercanas al artista– para después enhebrar, con una pluma cuidada, entre periodística y literaria, episodios biográficos y políticos memorables.

“Sábat empezó a dibujar a los dos años. Fue autodidacta toda la vida. Su abuelo, que también era caricaturista, murió cuando él todavía no había nacido. Sin embargo, fue su maestro porque le dejó sus dibujos. Entonces él, a partir de ver los dibujos de su abuelo, empezó a copiar y a crear su propio mundo. A los 12 años empezó a publicar”, contó la autora, que es editora jefa de Clarín y profesora de la Maestría de Periodismo que el diario imparte junto a la Universidad de San Andrés.

Porque Baccaro compartió años de redacción con Menchi. Y aunque nunca imaginó que aquella convivencia, distante y cercana al mismo tiempo, cobraría forma de libro, los gestos mínimos y las frases escuetas que el maestro pronunciaba a diario en la redacción fueron macerando este Diez veces Sábat.

Retratista “de la Argentina rota”

La presentación del libro en Madrid tuvo como maestro de ceremonias al periodista y escritor Juan Cruz, quien definió a Sábat como el retratista “de la Argentina rota”.

Participaron, además, los ilustradores Manuel Álvarez Junco y Agustín Sciammarella, argentino radicado en España que publica su trabajo en Clarín, y quien se permitió una ironía: “Yo tengo una ventaja sobre Sábat –afirmó Sciammarella–. Y es que aprendí de él”.

“Fue de los pocos dibujantes que han tenido la inmensa fortuna de editar libros. Atesoro una colección de libros de Sábat que no tengo de otro dibujante”, agregó el ilustrador.

Como colega, Álvarez Junco destacó “la esculturalidad que tenían los personajes que él realizaba en blanco y negro”.

“Desarrollaba un determinado personaje y jugaba después con él. No hay que olvidar que era un humorista. La caricatura es humor. Pretendía dar un toque, de alguna manera, como hizo cuando dibujó a Perón en pantuflas”, relató Álvarez Junco.

Y agregó: “La primera impresión que me dan las caricaturas de Sábat es la elegancia. La elegancia de Don Quijote, pero a la vez todo el contenido es siempre humorístico y de Sancho Panza”.Ricardo Kirschbaum, editor general de Clarín y autor del prólogo del libro Diez veces Sábat, junto a la autora Diana Baccaro, en Olavide donde se exhiben trabajos de Menchi. Foto: Cézaro De Luca.

“Él decía: ‘Yo me gano la vida mirando caras. A veces soy como un policía’ –recordó Baccaro–. Contaba que miraba y miraba la cara porque quería sacar el carácter de esa persona. ‘Puedo dibujar 20 veces la misma cara, pero nunca el mismo gesto’, decía Menchi. Ahí estaba su arte: abrir el personaje como una nuez y capturar desde ahí la verdad humana, el ADN de adentro.”

La presentación del libro estuvo arropada por la presencia del escritor nicaragüense y reciente miembro de la Real Academia Española, Sergio Ramírez –quien ocupará la silla que dejó vacante Mario Vargas Llosa–; el expresidente de la agencia EFE, Álex Grijelmo, y el exembajador argentino en España, Carlos Bettini.

También asistieron José Luis Fajardo, pintor canario que vivió en Argentina; el editor venezolano Sergio Dahbar; periodistas de medios españoles y lectores que suelen frecuentar la librería.

Sábat y Madrid

En Madrid se habló de Sábat, pero Sábat no es nuevo para Madrid: la Biblioteca Nacional de España cuenta con el retrato que el artista pintó del poeta argentino Juan Gelman. Integra la galería de autores que recibieron el Premio Cervantes –Gelman lo obtuvo en 2007– y que, como parte del mimo al homenajeado, desde el año 2000 concede al premiado la potestad de elegir quién le gustaría que lo retratara. Gelman no lo dudó ni un instante: “Sábat”, postuló.El escritor Sergio Ramírez junto a la autora del libro Diez veces Sábat, Diana Baccaro, en Olavide donde se exhiben trabajos de Menchi. Foto: Cézaro De Luca.

Años después, Menchi recordó aquella aventura: “Ese encargo valió para que viajáramos con mi esposa Blanca a Alcalá de Henares, donde nació el autor del Quijote –contó–. Tengo dos recuerdos de ese día. Uno fue una advertencia protocolar a las damas para que fueran de falda… y la única que estaba de pantalones ¡era la mujer de Zapatero!”. Por entonces, José Luis Rodríguez Zapatero era el jefe del gobierno de España.

“El otro fue que pudimos observar la resistencia etílica del rey Juan Carlos (hoy rey emérito, autoexiliado desde 2020 en Abu Dhabi, lejos del reino de España, por las desprolijidades de su vida sentimental y financiera), quien en medio de un patio soleado se tomó todo, hasta la presión. Tan alegre iba que, cuando salía, me miró y me dio la mano como si fuera un amigo de toda la vida, sin saber quién era yo”, recordó Sábat.

“Madrid fue, para Hermenegildo Sábat, una de esas ciudades interiores”, apuntó Cristina Santa Cruz, curadora de la muestra de 15 Sábat que se pueden visitar –y adquirir– en una de las salas de la madrileña librería Olavide Bar de Libros.

Retratos de Luis Buñuel, de Jorge Luis Borges o de Joan Manuel Serrat dialogan de una pared a otra con caricaturas de Gabriel García Márquez, de Pilar Miró o de Pablo Picasso. Hay hasta un original de una caricatura de Juan Carlos Onetti en el borde de la cual Sábat apuntó un número de teléfono.

En las palabras que Santa Cruz escribió en el folleto de la muestra, Madrid fue, para Menchi, “una forma de memoria”.

“Allí, aquí, Sábat se reconocía a sí mismo, resultándole, quizás, casi baladí haber nacido un día fresco y húmedo de 1933 en el montevideano Pocitos, en Uruguay, o haber expandido todo el fulgor de su obra en Buenos Aires. Sábat tenía la trascendencia de un universal, de aquellos que transitan casi inconscientes de su estela”, señaló la curadora en el folleto de la presentación del libro en España.El periodista y editor Juan Cruz junto a la autora del libro Diez veces Sábat, Diana Baccaro, en Olavide donde se exhiben trabajos de Menchi. Foto: Cézaro De Luca.

En Madrid se contaron anécdotas, simpáticas y aterradoras, que protagonizó Sábat. Kirschbaum recordó un episodio de los días espesos que compartieron en la redacción de Clarín durante la dictadura.

“Viví con Menchi en los momentos más complicados de Argentina. Él era un tipo que tenía miedo, como todos. Teníamos un acreditado en las Fuerzas Armadas que vino y le dijo al director: ‘Dice Suárez Mason (el exgeneral y represor Guillermo Suárez Mason) que la próxima vez que lo dibuje va a aparecer flotando en el río de la Plata’. A lo que Menchi respondió: ‘Bueno, soy rioplatense, al menos será un entierro digno’”, repasó Kirschbaum.

El miedo de los editores

El editor general de Clarín también confesó: “Había otro miedo, que no era de Menchi, sino de los editores, cuando él venía con algún dibujo muy jugado en un momento muy duro. Alguien le tenía que decir que no se iba a publicar, pero ninguno se animaba –admitió Kirschbaum–. Y entonces el dibujo se publicaba. No porque fuera de conveniencia editorial para el periódico, sino porque nadie se atrevía a levantar un dibujo de Sábat”.

Baccaro compartió el hábito que Menchi tenía de completar el casillero de las planillas que le solicitaban su profesión con un “demócrata” y el día en el que todas las mujeres de la redacción de Clarín se retrataron con él en respuesta a las agresiones verbales que recibía por parte de la expresidenta Cristina Kirchner, por entonces en el cargo. Sábat la había retratado con la boca tachada y, en otra ocasión, con un ojo morado.

El poder político lo calificó de mensaje cuasi mafioso. “¿Nos quieren calladitas y obedientes?”, cuestionó Cristina Kirchner.

“Menchi se sintió muy dolido –contó Baccaro–. Había debate sobre si era machista o sexista y a todas las mujeres de la redacción se nos ocurrió hacernos esa foto con él para decirle: ‘Maestro, usted no es ningún sexista, usted siempre ha respetado a las mujeres’”.Ricardo Kirschbaum, editor general de Clarín y autor del prólogo del libro Diez veces Sábat. Vida y obra del artista que retrató al país, en Olavide. Foto: Cézaro De Luca.

La publicación de Diez veces Sábat y la muestra de originales que se lucen en Olavide Bar de Libros fueron fruto de la generosidad de la familia Sábat y de un trabajo en equipo en el que participaron la curadora Cristina Santa Cruz, Jorman Gutiérrez, de Zink Industrias Creativas, y Silvia Camps, a cargo del montaje de la muestra.

En Madrid, quienes lo recordaron durante la presentación del libro confesaban que “A Menchi se lo extraña”. Hermenegildo Sábat murió una noche de octubre de 2018, mientras dormía.

Ni él se lo esperaba. Había dejado el guardapolvo colgado en la silla de su escuela de dibujo y una hoja en blanco sobre el escritorio de la redacción, pronta para el día siguiente.

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Sobre la firma

Marina Artusa

Corresponsal en Españamartusa@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com