Categoría: Entretenimiento

El ser humano ha creado y vivido el arte a lo largo de su historia, pero ¿puede el arte sentirnos de vuelta? La exposición Machine Dreams: Rainforest, una instalación inmersiva desarrollada con inteligencia artificial (IA) intenta acercarse a esa respuesta.Fotografía que muestra el logotipo de Dataland, el primer museo de inteligencia artificial, concebido por Refik Anadol Studio, en Los Ángeles (EE.UU.). EFE/ Mónica Rubalcava

En un complejo arquitectónico en el centro de Los Ángeles diseñado por Frank Gehry está Dataland, el primer museo de IA, concebido por Refik Anadol Studio, que llevará a sus asistentes a un viaje sensorial a la selva amazónica mediante una tecnología que parece sacada de una película de ciencia ficción.

El ritual de bienvenida comienza en una sala donde pantallas explican los sistemas que están a punto de envolver al visitante. Al escanear el boleto de entrada, una caja negra se abre para revelar dos dispositivos: un difusor portátil de aromas y un brazalete biosensor de grado médico que registrará las reacciones del cuerpo en tiempo real.

«Todo se siente futurista, pero en realidad usa tecnología del presente», dice Refik Anadol, quien fundó el museo junto a Efsun Erkilic, en entrevista.Una persona observa la exposición inmersiva ‘Machine Dreams: Rainforest’ (Sueños de máquina: Selva tropical), en Dataland, en Los Ángeles (EE.UU.). EFE/ Mónica Rubalcava

Una selva fantástica

Una vez equipado, el público desciende por unas escaleras que lo conducen a una selva fantástica inmersiva cuyas imágenes evolucionan constantemente hacia formas orgánicas inspiradas en la selva amazónica, mientras la música y los sonidos completan la experiencia.

Los asistentes pueden interactuar con ese entorno y los datos que recopila el brazalete son interpretados por el museo como indicadores emocionales para modificar en tiempo real el desarrollo de la experiencia.

«La gente se pregunta: ¿está usando mis emociones? Sí, las usa. ¿Estoy oliendo moléculas de aromas personalizadas? Sí, estás oliendo en tiempo real los sueños de una máquina», explica el artista.

Admirador confeso de Blade Runner, Anadol lleva una década entrenando sus propios modelos de IA. Tras su experiencia con los primeros grandes modelos de lenguaje que, según explica, no representaban bien la naturaleza, decidió crear el Large Nature Model, entrenado con 500 millones de imágenes obtenidas de forma ética, y que es el motor detrás de todo lo que el visitante ve, huele y siente en Dataland.

Las cinco galerías del museo suman 1.500 millones de píxeles distribuidos en paredes, techos y suelos que desaparecen para convertirse en selva amazónica a lo largo de aproximadamente 2.300 metros cuadrados.

Pero la exhibición va más allá de la contemplación. Una de las salas invita al público a crear su propio arte en tiempo real en pantallas táctiles transparentes pintando con lo que Anadol llama un «pincel pensante».

Laboratorio de la imaginación

«Buscaba un laboratorio de la imaginación», afirma el artista. «Y creo que inventamos una forma de laboratorio que lleva ese concepto a una manifestación física», añade.

Antes de llegar a la galería final, los visitantes podrán degustar chocolates elaborados a partir de datos sobre la genética del cacao y la selva amazónica, y llevarse un «souvenir» creado con la información recopilada durante su recorrido.Personas observan la exposición inmersiva ‘Machine Dreams: Rainforest’ (Sueños de máquina: Selva tropical), en Dataland, el primer museo de inteligencia artificial, en Los Ángeles (EE.UU.). EFE/ Mónica Rubalcava

El viaje culmina con una obra única e irrepetible, generada en tiempo real a partir de los datos emocionales captados por el brazalete de cada persona.

En un momento en que la inteligencia artificial genera tanto fascinación como desconfianza, Anadol apuesta por mostrar su lado más humano.Personas observan la exposición inmersiva ‘Machine Dreams: Rainforest’ (Sueños de máquina: Selva tropical), en Dataland, el primer museo de inteligencia artificial, en Los Ángeles (EE.UU.). Foto: redes sociales.

«La IA es una herramienta poderosa. Tenemos que ser muy cuidadosos. Pero con esa misma herramienta podemos crear cosas inspiradoras, nuevas formas de arte, nuevas perspectivas», concluye. «Todo depende de la colaboración entre humanos y máquinas».

El museo abrió sus puertas el 20 de junio con la promesa de seguir expandiendo los límites del arte y la IA.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

La noche del 8 de julio marcó la celebración de la novena década desde la fundación de la Academia Nacional de Bellas Artes (ANBA) en la sede del Fondo Nacional de las Artes, en Barrio Parque. Muchas personalidades, entre académicos y público en general, compartieron con evidente alegría la muestra 90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio, que reúne una selección de obras y documentos de su acervo artístico, bibliográfico y documental, en un recorrido acotado al espacio de la planta baja.El actual presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes, Sergio Baur. Foto: gentileza.

El actual presidente de la Academia, Sergio Baur, y el presidente del Fondo Nacional de las Artes, Tulio Andreussi Guzmán, dirigieron unas palabras dando cuenta de la historia de la institución y sus contribuciones al desarrollo del campo artístico del país, remarcando que, desde su creación, la entidad reúne a referentes de distintas disciplinas en un trabajo sostenido de estudio, preservación y difusión de la producción artística del país.

Se pueden ver los planos originales del Obelisco, los telegramas que firmó Onganía para censurar la ópera Bomarzo, o las repercusiones del Gran Premio en la Exposición Universal de Saint Louis, Estados Unidos, en el año 1904, de la emblemática pintura «Sin pan y sin trabajo» (1894), del artista argentino Ernesto de la Cárcova, provenientes de sus fondos patrimoniales, donados por distintos académicos.

También hay una nutrida selección de obras de arte donadas por distintos artistas que pertenecieron y pertenecen a la ANBA, acompañada de una serie de sus publicaciones emblemáticas y una sala con una línea de tiempo donde se mencionan todos los nombres de distintos referentes de la cultura nacional que fueron o son académicos a lo largo de estas nueve décadas.Inauguración de la “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio”. Foto: gentileza.

Es que la Academia Nacional de Bellas Artes, creada por el Decreto N.º 4362 del Poder Ejecutivo Nacional del 30 de noviembre de 1955 y autorizada para funcionar con carácter de persona jurídica por el Decreto del Poder Ejecutivo Nacional N.º 11.636, del 25 de septiembre de 1957, mantiene sus objetivos de preservar un acervo que incluye las artes visuales, la música, la arquitectura y el urbanismo, la historia y crítica del arte y la acción cultural, en un sostenido crecimiento que deja lejos la idea de una entidad cultural anclada en el pasado, aunque este sea un valor indiscutible de preservación dentro de sus objetivos.

Difícil tarea de seleccionar

La curaduría recayó en el actual presidente, Sergio Baur, con la participación de la secretaría de Acción Cultural y Fondo Patrimonial, a cargo de Mariana Castagnino, y la coordinadora de Archivo y Colección, Victoria Lopresto, quienes comentaron la difícil tarea de seleccionar lo que ellos llaman una ‘muestra de cámara’, es decir, un recorrido acotado para dar cuenta del valor de preservar archivos, ponerlos en valor y ordenarlos para que puedan ser consultados desde cualquier parte del país y el extranjero a través de un código abierto en su página web.

La muestra de arte reúne obras de académicos históricos como Noemí Gerstein, con la maqueta del «Monumento al prisionero político desconocido»; un aguafuerte y gofrado de Fernando López Anaya, de 1962; un bronce de José Fioravanti, «Cabeza» de Enrique Prins (1940); otro de Alberto Lagos, «Cabeza de muchacha. París, 1921». Josefina Robirosa, Ary Brizzi, Clorindo Testa, Alejandro Puente y Basilio Uribe también integran la muestra.El actual presidente de la Academia, Sergio Baur, y el presidente del Fondo Nacional de las Artes, Tulio Andreussi Guzmán, en la inauguración de la “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio”. Foto: gentileza.

Otros artistas que se suman son Eduardo Médici, Matilde Marín, Diana Dowek, Nora Iniesta, Graciela Taquini y los más recientes, como Carola Zech, Graciela Hasper y Pablo La Padula, entre otros.

Entre los documentos exhibidos destacan los planos de Alejandro Bustillo del proyecto de refuncionalización de la antigua Casa de Bombas de Recoleta de Obras Sanitarias de la Nación para alojar el Museo Nacional de Bellas Artes, de 1931, provenientes del Fondo Jorge Soto Acébal.

Además, los registros fotográficos de las salas del Museo Nacional de Bellas Artes en su sede actual, recién inaugurada luego de la adaptación realizada por Alejandro Bustillo, c. 1935, del Fondo Alfredo González Garaño, y el cuaderno de dibujos realizados durante su viaje por Francia, Bélgica y Holanda en 1893, del arquitecto Alejandro Christophersen, autor del Café Tortoni y de la Bolsa de Comercio de Buenos Aires, del Fondo Alejandro Christophersen.Inauguración de la “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio”. Foto: gentileza.

También se exhiben fotografías inéditas de Victoria Ocampo junto a Igor Stravinsky durante su primera visita a la Argentina, en 1932, e ilustraciones originales realizadas por Horacio Butler para las tapas de Editorial Sudamericana en la década de 1950.

Objetivos mantenidos

Desde su creación, la Academia se propone contribuir al desarrollo de las Bellas Artes en todas sus ramas, realizando estudios e investigaciones que divulguen sus resultados sobre el patrimonio artístico, promoviendo la conservación y el acrecimiento de los bienes de propiedad pública o privada, formulando planes de acción cultural que asesoren tanto al Gobierno de la Nación como a los gobiernos provinciales, las municipalidades y a otras instituciones culturales públicas o privadas, proponiendo proyectos de leyes y reglamentos que apoyen toda manifestación relacionada con sus actividades específicas.

El funcionamiento se basa en comisiones académicas que se reúnen periódicamente y abarcan la acción cultural, las artes visuales, entendidas desde la cinematografía, el dibujo, la escultura, la fotografía, el grabado, la pintura, el textil y otros soportes, sumados a la arquitectura, el diseño y el urbanismo, la música, la historia y la crítica del arte.El actual presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes, Sergio Baur. Foto: gentileza.

Si bien los archivos y la nutrida biblioteca forman parte de la institución desde su fundación, desde 2022 han tenido un impulso enorme, abriendo fondos documentales donados a lo largo de los años, que resguardaban una enorme cantidad de piezas valiosas que fueron tratadas con un criterio basado en normas internacionales para ponerlas a consulta mediante un catálogo que se sigue ampliando.

El desafío que se mantiene es asumir la preocupación por el aggiornamento de la institución con una mirada puesta en la contemporaneidad y preservar legados que han sido dados en custodia.

Tal es el caso de Alberto J. Trabucco (1899-1990), quien fue un artista autodidacta que participó en salones y premios, obteniendo numerosas distinciones, como el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1965.

Fue Trabucco quien legó un patrimonio que dio lugar a la fundación que lleva su nombre, creada por la Academia Nacional de Bellas Artes en 1991, que otorga anualmente la Beca Nacional de proyectos de investigación en el campo de las artes visuales y el Premio Adquisición Alberto J. Trabucco, del cual se exhibe en sala el correspondiente a la disciplina Pintura del corriente año, que recayó en Paula Senderowicz, con su obra «Amplitud térmica», una acuarela y gouache sobre papel entelado.

También, desde 1998, la Academia administra, como veedora artística y administrativa, a la Fundación Klemm, que permite no solo el sostenimiento de una sala con un acervo contemporáneo nacional e internacional de gran valor, sino también el llamado a concurso anual de un premio en el que han contribuido artistas de todo el país, consolidando sus carreras.

El Departamento de Publicaciones cuenta con más de 130 publicaciones y se encarga de editar los tomos sobre Historia General del Arte en la Argentina, reuniendo las contribuciones de destacados investigadores y referentes de la cultura nacional.

El tomo XIII, que abarca el período 2000-2020, fue publicado en 2024 con prólogo de Matilde Marín, por entonces presidenta de la Academia. La revista anual monográfica Temas de la Academia, enfocada sobre temáticas específicas, en su última edición, Temas XXI, estuvo dedicada a Artivismos en el siglo XXI. Arte – Urgencia – Acción, un panorama interesante que da cuenta de las contribuciones teóricas que mapean un concepto que ha dado un giro dentro del campo de las artes.

Inauguración de la “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio”. Foto: gentileza.Inauguración de la “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio”. Foto: gentileza.
Activaciones
El jueves 16 de julio a las 18 en la Casa Victoria Ocampo, se realizará un concierto con obras de piano de López Buchardo, Castro y Williams, con la interpretación de Dora De Marinis y la presentación del profesor Guillermo Scarabino.

El 23 de julio tendrá lugar una charla ilustrada del profesor Guillermo Scarabino sobre la figura del director de orquesta, a la misma hora y en la misma sede: “Un músico en la foto de la escalera: Ernest Ansermet”, que propone un acercamiento a un momento de intensa expansión cultural en la Argentina, en el que se inscriben tanto la creación de la revista Sur (1931), vinculada a la Casa Victoria Ocampo, como la posterior fundación de la Academia Nacional de Bellas Artes (1936).

Inauguración de la “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio”. Foto: gentileza.Inauguración de la “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio”. Foto: gentileza.
En ese mismo entramado cultural se sitúa la figura de Ernest Ansermet, quien contribuyó a la difusión del modernismo musical en Buenos Aires, fue amigo de Victoria Ocampo y publicó un artículo en el primer número de Sur.

En la célebre fotografía del grupo reunido en la escalera de la Casa, Ansermet aparece junto a figuras centrales del ambiente intelectual de la época. Como cierre, se proyectará Pacific 231 (1949), cortometraje experimental dirigido por Jean Mitry sobre la obra homónima de Arthur Honegger. Ambas actividades tienen entrada gratuita, con inscripción previa, por la capacidad de la sala.

La muestra 90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio puede visitarse hasta el 21 de agosto, en Rufino de Elizalde 2831.

Sobre la firma
Pilar Altilio

Bio completa

Fuente: Clarín.com

Un manuscrito del siglo XIV que narra la historia del rey Arturo y la búsqueda del Santo Grial se vendió este miércoles por 2.246.000 libras (unos 3 millones de dólares), premio de martillo más la prima del comprador, en una subasta celebrada en la casa de pujas Christie’s de Londres.

El manuscrito ilustrado, conocido como el Grial de Clermont-Tonnerre, tenía un precio de salida de entre 1,5 y 2 millones de libras (1,75 y 2,6 millones de euros) en la subasta titulada «Libros y manuscritos valiosos, incluida cartografía» de Christie’s, que no ha aportado el nombre del comprador.

Esta era la primera vez que el Grial de Clermont-Tonnerre, que data de entre el año 1290 y el 1310 y está considerado uno de los manuscritos más antiguos sobre el rey Arturo, se ofrecía a la venta, pues ha permanecido 700 años en manos privadas y nunca ha sido expuesto en público ni estudiado exhaustivamente.https://95c1ec2a0c041a6c50bb26399c9a9478.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlEl manuscrito ilustrado, conocido como el Grial de Clermont-Tonnerre, fue vendido por casi tres milloes de dólares. Foto: Christie’s

Pintado sobre pergamino y adornado con pan de oro, el manuscrito en francés está decorado con 126 ilustraciones en miniatura, incluida una en la que el mago Merlín aparece transformándose en un ciervo parlante.

El estilo de las imágenes sugieren que el autor del manuscrito podría ser el llamado Maestro del Apocalipsis de Lieja, un ilustrador anónimo que toma el nombre por la obra más famosa que se le atribuye.

«Este es un resultado extraordinario para un manuscrito excepcional. Ha sido un privilegio presentar esta obra, que combina una calidad artística sobresaliente, importancia literaria y una procedencia ilustre», dijo el director de manuscritos medievales y renacentistas de Christie’s, Eugenio Donadoni.El manuscrito ilustrado, conocido como el Grial de Clermont-Tonnerre, fue vendido por casi tres milloes de dólares. Foto: Christie’s

«Nos ha complacido enormemente la respuesta que ha recibido, desde los visitantes que la han visto aquí en Christie’s King Street hasta la puja tan competitiva que se ha visto hoy», añadió.

Con información de EFE

Fuente: Clarín.com

De alguna manera, es un regreso a casa. La 34.ª edición de la Feria del Libro Infantil abrirá sus puertas el sábado que viene en el predio que la vio nacer, en la intersección de las avenidas Figueroa Alcorta y Pueyrredón, hoy llamado Centro de Convenciones Buenos Aires (CEC). Ahí se acomodarán, en más de 3.000 metros cuadrados, más de 70 stands y dos plazas con espectáculos permanentes. Todo con entrada gratis y casi 300 actividades para disfrutar de las vacaciones de invierno.La 34.ª edición de la Feria del Libro Infantil abrirá sus puertas el sábado. Foto: Martín Bonetto.

Pero hay más. El acto inaugural será el viernes 17 de julio a las 17, y el discurso de apertura estará a cargo de la escritora e ilustradora Isol. “Me habían convocado otras veces y no sentía que fuera el momento. Ahora sí. Hay muchas cosas para decir”, le dijo la artista a Clarín en una entrevista exclusiva que acompañará la apertura de la Feria desde este diario.

Antes de eso, Isol expresó: “Espero que sea una oportunidad para compartir con la comunidad del libro y los lectores algunas reflexiones y experiencias de mi camino como autora en este campo, evocando algo de lo que nos inspira a seguir inventando historias y a disfrutar la riqueza de la actividad lectora (desde la infancia y para toda la vida)”.

Isol se suma a la lista de autores que tuvieron la responsabilidad de dejar inaugurada la Feria del Libro Infantil antes: la primera oradora fue la escritora y comunicadora Canela en 2023; el ilustrador y escritor Pablo Bernasconi disertó en 2024 y María Teresa Andruetto, el año pasado, para repelús del secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli, que, aunque era el anfitrión de la muestra en el Palacio Libertad (ex CCK), no asistió al acto porque no le gustó el discurso de la narradora cordobesa.

Alimentada por amor al arte

Isol Misenta (Buenos Aires, 1972) es autora de libros ilustrados que recorren el mundo, pero además es cantante, porque en su casa de la infancia fue alimentada en el amor al arte por una mamá que cantaba música barroca y un papá escritor y pintor. Ella y su hermano Federico (que también es músico) formaron el dúo musical SIMA.https://www.instagram.com/p/DZDoUf3mNaC/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fabre-sabado-feria-libro-infantil-entrada-gratis-centro-convenciones_0_P88SAxMREn.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1634%2C%22ls%22%3A111.39999997615814%2C%22le%22%3A790%7D

Isol fue ilustradora en agencias de publicidad, también en medios de prensa e incluso se asomó a la decoración, pero las historias poblaban su imaginación, de manera que, después de estudiar en la Escuela Nacional “Rogelio Yrurtia” y la licenciatura en Artes de la UBA, ella decidió dejarlas ocupar todo su tiempo.

Su primer libro, Vida de perros, fue publicado en 1997 después de recibir una Mención de Honor en el concurso «A la Orilla del Viento», organizado por el Fondo de Cultura Económica de México. Isol ilustró textos de escritores como Graciela Montes, Jorge Luján, Julio Cortázar, Federico García Lorca y Paul Auster, mientras sus propias historias seguían brotando.

Luego, fue el turno de Petit, el monstruo, Nocturno (mejor libro álbum de 2012 según el Banco del Libro de Venezuela), Cosas que pasan, El menino, Abecedario a mano, Imposible y La costura (seleccionado entre los 100 libros del listado The BRAW Amazing Bookshelf 2022 de la Feria de Bolonia), entre muchos otros. Isol lleva 25 libros publicados y traducidos a 17 idiomas.Isol Misenta inugurará la Feria del Libro Infantil 2026. Foto: Emmanuel Fernández.

La entrada a la Feria del Libro Infantil será gratuita todos los días y la muestra recibirá a pequeños y grandes lectores los fines de semana de 14 a 20, y de lunes a viernes de 9 a 17. En esta edición, la primera de las semanas tendrá a las escuelas como visitantes especiales, de manera que las delegaciones podrán inscribirse para recorrer la exposición entre el 13 y el 17 de julio, antes del receso de vacaciones de invierno.

Además de libros y autores, la Feria contará con dos Plazas Culturales. Se trata de sectores internos con espectáculos permanentes para entretener a grandes y chicos durante todo su recorrido. Para chicos y grandes que disfruten del arte, habrá una programación de talleres interactivos, narraciones, clowns, música y obras de teatro.

Actividades para el primer finde

Por lo pronto, la tarde del primer sábado estará dedicada a las primeras infancias con una programación que combina literatura, teatro y divulgación científica.La 34.ª edición de la Feria del Libro Infantil abrirá sus puertas el sábado. Foto: Martín Bonetto.

A las 14.30 habrá tres actividades en simultáneo. Por un lado, Mariana Spalj (@nanucuentos) presentará «¡Cuentos narrados y jugados!», una propuesta organizada por la Fundación El Libro en la que los niños de 3 a 8 años participarán activamente de relatos con humor, títeres e interacción, convirtiéndose en protagonistas de cada historia.

A esa misma hora, la narradora Any González llevará adelante «¿Quién tiene la llave?», un espectáculo de narración teatral para chicos de 3 a 7 años en el que una llave mágica abre la puerta a distintos cuentos y personajes. Además, el Grupo Melquíades ofrecerá un show de experimentos científicos destinado a chicos a partir de los 4 años, una propuesta que combina ciencia y entretenimiento mediante demostraciones sorprendentes.

Por su parte, el domingo ofrecerá una agenda variada para toda la familia, con juegos, literatura y fútbol como ejes. Comenzará a las 14.30 con el «Concurso de Banderas – Clasificación 1», organizado por Luminias. La actividad propone un desafío para reconocer la mayor cantidad posible de banderas de países en apenas 30 segundos, con premios para los participantes y una dinámica abierta a personas de 0 a 99 años.La 34.ª edición de la Feria del Libro Infantil abrirá sus puertas el sábado. Foto: Martín Bonetto.

A las 16.30, el narrador Juan José Decuzzi, invitado por Editorial Del Naranjo, presentará «Narrando historias: tres cuentos breves, sobre lobos, puentes y ruedas». La propuesta reúne tres relatos breves que apelan a la imaginación y al placer de escuchar cuentos, en una actividad destinada a toda la familia.

El cierre llegará a las 18.30 con «200 preguntas y respuestas sobre los Mundiales», organizada por Ediciones Granica. El ilustrador y autor Alexiev Gandman conducirá un juego de preguntas y respuestas sobre la historia de las Copas del Mundo mientras realiza ilustraciones en vivo, en una actividad que combina entretenimiento, curiosidades deportivas y dibujo para chicos y grandes.

---

Sobre la firma

Débora Campos

Editora de la sección Culturadecampos@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Diez años después de la muerte del filósofo, semiólogo y escritor italiano Umberto Eco, se inaugura la Biblioteca Eco en la Universidad de Bolonia.Foto de Archivo de Umberto Eco. Archivo Clarín.

Este nuevo espacio, que cuenta con 600 metros lineales de estanterías, alberga más de 32.000 volúmenes procedentes del estudio privado en Milán del profesor de la Alma Mater.

Eco estuvo profundamente vinculado a la Universidad de Bolonia (conocida como la Alma Mater Studiorum). En esta institución italiana, considerada la universidad más antigua del mundo, ocupó la cátedra de Semiótica desde 1975 y fundó la Escuela Superior de Estudios Humanísticos en 2001. Préstamo a la Universidad de

Préstamo a la Universidad

Posteriormente, la colección se completará con libros de su residencia en Monte Cerignone (Pésaro-Urbino), donados al Estado por los herederos del erudito en 2020 bajo el acuerdo de que serían cedidos en préstamo a la Universidad de Bolonia.

Ubicada en el ala del siglo XX del Palazzo Poggi, la biblioteca constituye una de las colecciones personales contemporáneas más significativas y conserva la disposición conceptual original ideada por Eco.

La colección refleja la amplitud de los intereses del erudito: desde la filosofía medieval hasta la semiótica, pasando por la literatura, la lingística, la cultura popular y el cómic, incluyendo hasta cuentos de hadas (con curiosidades como Carlo Collodi –autor de «Las aventuras de Pinocho»– junto al poeta GiosuŠ Carducci!) y la comunicación de masas.Más de 30 millones de volúmenes en la biblioteca Umberto Eco de Bolonia. Foto: Ansa.

El espacio está organizado en salas temáticas dedicadas a los conceptos fundamentales de su pensamiento.

Entre los materiales conservados figuran más de dos mil obras escritas o editadas por Eco –que abarcan numerosas ediciones y traducciones–, así como cerca de 600 volúmenes dedicados a su obra, la colección completa de la revista «Linus» (que cofundó en 1965) y ejemplares de trabajo de sus novelas con anotaciones.

Cábala, magia, alquimia

También, una importante sección consagrada a la cábala, la magia, la alquimia, el ocultismo y las teorías de conspiración (incluso se halló una baraja de tarot dentro de uno de los volúmenes); temas que también fueron centrales tanto en su obra de ficción como en sus escritos de no ficción.Biblioteca Umberto Eco, Bolonia. Foto: Ayuntamiento de Bolonia

Con la apertura de la Biblioteca Eco, la colección de libros que acompañó la labor del semiólogo se convierte en un recurso compartido, accesible tanto para la comunidad académica como para el público en general.

Con información de Ansa.

Fuente: Clarín.com

El museo del Quai Branly – Jacques Chirac celebró su vigésimo aniversario, convertido en una puerta de entrada consolidada a culturas de otras latitudes para muchos visitantes que llegan a París. De viernes a domingo, los jardines del museo se transformaron en un espacio festivo con conciertos, cine al aire libre y actividades para todos los públicos para celebrar la fecha.El museo del Quai Branly – Jacques Chirac celebró su vigésimo aniversario. Foto: redes sociales.

Quai Branly – Jacques Chirac, situado junto al Sena, abrió sus puertas en París en 2006 con una idea poco habitual en los grandes museos europeos: mostrar en un mismo espacio las artes de África, Asia, Oceanía y las Américas sin tratarlas como mundos secundarios.

Su edificio es monumental y la colección contiene más de 360 000 obras y 710 000 fotografías.https://26e26ee5390d210ec714a528dc33a32f.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Lo que define la visita a este museo es la sensación de desplazamiento constante entre formas de vida, rituales y modos de representación que no responden a una sola lógica.

25 millones de visitantes

Más de 25 millones de visitantes han pasado por sus salas en estos veinte años, muchos de ellos sin conocimientos previos sobre las culturas que allí se muestran.

Para muchos, la visita funciona como un primer contacto directo con realidades culturales que rara vez aparecen en los grandes relatos artísticos occidentales.

Hay máscaras, textiles, esculturas, objetos ceremoniales o piezas de uso cotidiano. En conjunto, no ilustran una historia única, sino múltiples maneras de entender la relación entre arte, sociedad y creencias.El museo del Quai Branly – Jacques Chirac celebró su vigésimo aniversario. Foto: redes sociales.

El museo, sin embargo, ha cambiado la manera de presentar sus colecciones en estas dos décadas. Hoy es habitual encontrar en sus exposiciones voces diversas, desde investigadores hasta artistas o representantes de comunidades vinculadas a las obras.

Trabajo científico del museo

El origen de las colecciones y su llegada a Europa también forma parte del trabajo científico del museo. No se trata de una cuestión accesoria, sino que atraviesa la forma en que se organizan las exposiciones y se interpretan los objetos.

Además del festival, el museo celebrará su vigésimo aniversario con exposiciones, encuentros y actividades diversas.El museo del Quai Branly – Jacques Chirac celebró su vigésimo aniversario. Foto: redes sociales.

Entre las propuestas destaca ‘Africa Fashion’, una exposición dedicada a la moda africana contemporánea como espacio de creación cultural y expresión global.

También hay debates y conversaciones abiertas sobre antropología, historia y museología, formatos que buscan acercar al público a las preguntas que ahora atraviesan el museo.El museo del Quai Branly – Jacques Chirac celebró su vigésimo aniversario. Foto: redes sociales.

No hay una única forma de resumir estos veinte años, pero sí una idea que se mantiene: la de un museo que invita a mirar fuera de los marcos habituales del arte europeo para entender mejor la diversidad del mundo.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El Ministerio de Cultura de Grecia anunció que había concluido la restauración de la fachada occidental del Partenón de Atenas, que ha devuelto al monumento su aspecto de principios del siglo XIX.El Ministerio de Cultura de Grecia anunció la finalización de la restauración de la fachada occidental del Partenón. Foto: redes sociales.

El templo de 2.500 años de antigüedad, dedicado a la diosa Atenea y ubicado en una colina de la capital griega, recibe más de cuatro millones de visitantes cada año.

«Hoy contemplamos el frontón occidental del Partenón como no lo habíamos visto en dos siglos«, declaró la ministra de Cultura, Lina Mendoni, en un comunicado.

«Por primera vez en unos 220 años, el Ministerio de Cultura presenta el lado occidental del Partenón en su forma más completa posible. La vista es verdaderamente impresionante«, agregó.

Fragmentos antiguos

El ministerio indicó que un equipo de arqueólogos, ingenieros y artesanos había utilizado fragmentos antiguos que se conservaban y mármol nuevo para rellenar los huecos y reforzar la fachada occidental del monumento.

«Es un proyecto de una dificultad excepcional», señaló Mendoni.

Según el ministerio, el templo se encuentra ahora lo más cerca posible del estado en el que estaba inmediatamente después de que se retiraran aproximadamente la mitad de las estatuas restantes por orden del entonces embajador británico ante el Imperio Otomano, Lord Elgin.

No obstante, las esculturas presentes actualmente en Atenas son réplicas, ya que las originales están en el Museo Británico de Londres.

Reino Unido insiste en que las obras fueron adquiridas legalmente y los sucesivos gobiernos han señalado que la decisión al respecto pertenece al museo.

Exhibir los mármoles

Bajo la dirección de George Osborne, exministro de Finanzas, el Museo Británico ha mantenido conversaciones con el gobierno griego para llegar a un acuerdo que permita exhibir los mármoles en Atenas.El Ministerio de Cultura de Grecia anunció la finalización de la restauración de la fachada occidental del Partenón. Foto: redes sociales.

El primer ministro griego, Kyriákos Mitsotákis, también ha intentado en repetidas ocasiones plantear el tema con sus homólogos británicos.

También se conservan fragmentos de esculturas del Partenón en museos de París, Copenhague, Múnich, Viena y Wurzburgo.

Con información de AFP.

Fuente: Clarín.com

Los agitados días de feria han pasado y la octava edición de MAPA nos dejó algunos proyectos muy singulares que marcan ese camino que los organizadores propusieron para robustecer la infraestructura del arte, consolidar prácticas que expandan horizontes y tejer nuevas redes con eje en lo más accesible, vital y dinámico. A continuación, algunos casos con quienes hablamos en el penúltimo día

Local 15. Son oriundos de Rosario y es la primera vez que muestran en Buenos Aires. Tienen algunas piezas del colectivo Hada Rosa, de los mendocinos Juan Castillo y Ayelén Villalba. La serie Animalitos toma el diseño de sus cueros reales, les cambian la escala y lo reproducen con cuentas de cristal de distinto tamaño. Ayelén es investigadora del Conicet y han armado una serie las «ranas tehuelches», se trata de una especie en extinción, en parte por la producción minera. Durante la pandemia armaron unas cuentas que se alargan en una enorme cadena para mostrar simbólicamente el cabello de María Magdalena. Local 15 está ubicado en el Pasaje Pan o también llamado Pam, que es el nombre de una pequeña y antigua galería de Rosario, inaugurada en 1899, lo que la convierte en la más antigua de la ciudad.Mapa 2026

Somos BRUMA. Es un colectivo de artistas ucranianos y rusos que viven y crean en Buenos Aires. «El nombre del proyecto refleja ese estado de transición que compartimos. Hay mucha incertidumbre y nebulosa en nuestras vidas; se ha convertido en nuestro estado habitual», cuenta Kristina Kirilina.https://57cd58f5086d8bedcf1e805c7f13154c.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Juntos comparten exilio y una cultura con muchos lazos entre rusos y ucranianos que no tiene por qué alinearse con la política estatal. Viven en la zona de Colegiales, se unieron acá, antes no se conocían y cada uno conserva su sesgo enlazando tradiciones, mitos y acciones que recuerdan a su infancia o lo que dejaron atrás. Ellos son: Kristina Kirilina, Polina Goman, Pasha Chibis, Kausha Miloslavskii, Olesia Lavrivenko, Yuri Chursin y Anastasia Berezina.Textiles de Tania Ortíz.

Fondo Fluido. Es una iniciativa solidaria dentro del circuito artístico argentino. Fundada en 2020, se trata de un proyecto de intercambio económico, cooperativo y dinámico creado por la artista Marina De Caro junto a otros referentes.

Nació para contrarrestar las lógicas comerciales tradicionales de las galerías capturando un porcentaje del dinero que circula en el mercado del arte para apoyar proyectos artísticos independientes, iniciativas educativas y de impacto social que quedan fuera del circuito comercial. Funciona mediante alianzas entre artistas, galerías y ferias. Los artistas ofrecen obras a precios accesibles y un porcentaje de las ventas se destina a este fondo común solidario. Han financiado decenas de aportes económicos a creadores de todo el territorio nacional, promoviendo redes de cuidado y autogestión dentro de la comunidad artística.

Una galería para artistas con trayectoria, que cobran el 100% de la obra, reparten un 30% a otros artistas con necesidades urgentes o a una iniciativa de artista con impacto social, y destinan el 10% a Fondo Fluido. Artistas participantes: Karina El Azem, Marcelo de la Fuente, Virginia Buitrón, Silvina Resnik, Pablo Sinaí, Elena Blasco, Cynthia Kampelmacher, Ana Casanova y Alicia Esquivel. Tienen un catálogo digital.Obra de Jesús Casimiro en Mapa 2026.

CASAGALERÍA. Situada en el norte de Salta, se configura como un espacio de reflexión y diálogo en torno al arte contemporáneo, con un énfasis en la relación entre la creatividad y el patrimonio natural y cultural de la región. En este territorio de historia y diversidad, buscan promover la producción artística que active una conversación entre lo contemporáneo y las memorias ancestrales, los paisajes y las narrativas culturales.

Lo integran algunos artistas legendarios, no por su edad sino por su trayectoria. El caso de Jesús Casimiro, nacido en Luracatao, Alto Valle Calchaquí, una zona de tejedores que pasan sus conocimientos a otras generaciones, inventó puntos, maneras de tejer, con el tiempo aparece lo tridimensional o instalativo. El arte contemporáneo les ha abierto las puertas para dejar de ser artesanías para ser obra de arte, creatividad, sensibilidad, alusiones a la contaminación, corteza de árbol.Fotografia de Guadalupe Miles en Casagalería.

Artistas: Guadalupe Miles (1971), Sofía Huidobro (Salta, 1970), Tania Ortiz (Salta, 1972), Magdalena Pujals (1975, Buenos Aires), Jesús Casimiro (Salta, 1968), Claudia Lamas (1974, Salta).

Galería Phuyu. Es un destacado espacio cultural de exhibición de arte contemporáneo fundado en Buenos Aires en 2022. Funciona como un punto de encuentro y visibilización para artistas nacionales e internacionales de distintas disciplinas. Su nombre proviene de la visión andina de la nubosidad y el tránsito constante, metáfora que traslada a la mutación de las propuestas estéticas de su catálogo. Ubicado en Esmeralda 988, Interior 5, en Retiro, tiene una modalidad de ingreso únicamente con cita previa. La galería es dirigida por Cristias Rosas Chocano y promueve activamente un diálogo transversal entre formatos: fotografía contemporánea, pintura y escultura.La impactante imagen de Delfina Pignatiello, en Mapa 2026.

Delfina Pignatiello, la reconocida exnadadora olímpica y artista argentina nacida el 19 de abril de 2000. En junio de 2022, con solo 22 años, anunció su retiro definitivo del alto rendimiento. Su nueva vida como artista y fotógrafa logra reconectar con el agua desde una faceta creativa y profesional centrándose en la fotografía subacuática y de moda. Esta obra expone fotografías de nadadoras artísticas tomadas en apnea debajo del agua.

POSTVITRUVIO / Luciano Colman. Teología de la máquina es una obra que interpela uno de los grandes dilemas de nuestro tiempo. Tomando como punto de partida el Hombre de Vitruvio de Leonardo Da Vinci, Colman construye una imagen que cuestiona uno de los pilares del pensamiento moderno, la idea del ser humano como centro armónico del universo. El cuerpo humano aparece modelado con una textura de barro que remite a los antiguos relatos sumerios sobre la creación del hombre. El barro simboliza el origen, pero también la fragilidad de una especie vulnerable frente a las fuerzas de la máquina. La figura conserva la estructura geométrica, pero en las extremidades emergen drones, convertidos en prolongaciones mecánicas del cuerpo. Estas máquinas, asociadas a la conectividad global como a los sistemas de vigilancia y a las guerras contemporáneas, ocupan el lugar donde antes estaban las capacidades humanas.POSTVITRUVIO, la obra de Luciano Colman e MAPA 2026.

«La obra plantea una crítica al desplazamiento del hombre dentro del centro de la experiencia, donde el humanismo renacentista celebraba la armonía entre el ser humano y el cosmos. POSTVITRUVIO presenta un cuerpo subordinado a la tecnología, atravesado por las redes de comunicación, la fibra óptica, los algoritmos y las máquinas que organizan la vida contemporánea», cuenta Luciano Colman, que se pregunta qué sucede cuando la tecnología ocupa el lugar de lo sagrado y el ser humano deja de ser el centro para convertirse en una extensión de la máquina.

Juvenal Ravelo, invitado de lujo. Referente del arte cinético, contemporáneo de Le Parc, el artista viajó por primera vez homenajear a su amigo, que murió el mes pasado a los 97 años en París. Maestro del arte cinético, adelantado en pensar la impronta social del arte en la comunidad y uno de los referentes del arte participativo en la región.Homenaje a Julio Le Parc. Juvenal Ravelo viajó desde Caracas a Mapa 2026.

El vuelo que lo trajo al país desde Caracas, justo antes del doble sismo, salió apenas dos horas después de que se registrara el primero que estremeció La Guaira, principal punto marítimo de Venezuela. Su edificio un tercer piso de un complejo de poca altura, en el corazón del barrio San Bernardino, en Caracas, registró un movimiento intenso, pero resistió.

La investigación, los fenómenos de visualización del objeto artístico, los procesos de fragmentación de la luz en sus obras y su preocupación por inculcar al público la vital importancia de su presencia para activar la obra de arte, convierten a Juvenal Ravelo no solo en uno de los pioneros del cinetismo venezolano sino en un artista atemporal, capaz de identificar y redimir en su arte las problemáticas de cualquier tiempo. De Europa hacia Latinoamérica la corriente abstraccionista nos ha legado maestros como Carlos Cruz-Diez, Gego, Carmen Herrera, Jesús Rafael Soto o Julio Le Parc. Sin embargo, la impronta del movimiento cinético no fue en una única dirección, sino que los artistas latinoamericanos también se desplazaron a otros contextos y realidades para sumergirse en los principios de un tipo de arte que impregnó de cambios la percepción del tiempo real. Ese fue el caso de Juvenal Ravelo, que decidió embarcarse en un viaje a Francia en 1964 para investigar los principios del cinetismo, el constructivismo y adentrarse en las facetas de la sociología del arte.

Sobre la firma

Pilar AltilioBio completa

Fuente: Clarín.com

Se conoció un nuevo capítulo de la disputa entre el artista argentino Helmut Ditsch y el Gobierno nacional por una obra que estuvo 13 años en Casa Rosada y fue descolgada recientemente por una decisión unilateral de las autoridades. El pintor había reclamado que si no la iban a seguir exponiendo, la devuelvan y esta semana recibió una respuesta por parte de la secretaría general de Presidencia, que consideró «humillante».

«The triumph of Nature», un cuadro hecho con técnica carbon print e inspirado en el glaciar Perito Moreno, había sido entregada por Ditsch en comodato tácito al Gobierno argentino y atravesó los mandatos de Cristina Kirchner, Mauricio Macri y Alberto Fernández sin mayores sobresaltos.

Estuvo colgada en la sala Eva Perón de Casa Rosada hasta marzo de este año, cuando el Congreso nacional debatió la reforma de la Ley de Glaciares. Fue en ese momento que el gobierno de Javier Milei decidió retirar la obra.https://47a37b8a13887593913deb6c8907f02b.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Cuando se enteró de esto, Helmut mandó varios mails a la secretaría general de la Presidencia, que dirige Karina Milei. En épocas anteriores los intercambios siempre habían sido a través de este sector y también con la gente de Protocolo. Sin embargo, esta vez no recibió respuesta y decidió hacer público su reclamo.

En aquel entonces, a mediados de mayo, habló con Clarín y contó en detalle cómo había llegado su obra a Casa Rosada, explicó por qué corresponde que el Gobierno la devuelva si no quiere continuar exponiéndola y adelantó que podría tomar medidas legales ante la ausencia de respuestas concretas.El triunfo de la naturaleza, pintura de Helmut Ditsch.

Finalmente, esta semana Ditsch recibió una respuesta de Presidencia y la compartió con sus seguidores de redes sociales.

«Me contestaron de Casa Rosada. Que ellos tienen la obra, que la puedo retirar, pero que no me van a ayudar a moverla. A cambio, van a poner a Policía Militar a vigilar cada uno de mis movimientos«, contó el artista sobre el contenido de la carta que le enviaron, que sostiene en sus manos.

Y siguió: «Tampoco me permiten hacer el peritaje necesario para embalar la obra, es decir, no me permiten hacerle fotos para documentar el estado en que esté la obra y me exigen que firme un documento que me comprometa a no demandarlos».

«Humillante», marcó.

Video

El artista Helmut Ditsch dijo que el Gobierno le puso condiciones «humillantes» para retirar su obra de Casa Rosada

En ese marco, Helmut endilgó la responsabilidad a la secretaría general de la Presidencia y apuntó: «Cualquier daño que sufra mi obra no es contra mí, sino contra todas y todos los argentinos».

«En fin, no hay mal que por bien no venga porque los tengo a todos ustedes, la gente y los periodistas, que siempre hicieron que no me sintiera solo. Les quiero agradecer por el amor recibido y por estar unidos», completó su mensaje, sin especificar cómo avanzará con el retiro de la obra.

Cómo llegó la obra de Helmut Ditsch a Casa Rosada

Son dos obras las que cedió a Casa Rosada. La primera, en 2013, durante el gobierno de Cristina Kirchner. En esta ocasión, se trataba de una pintura hecha al oleo, de 1,30 x 5,30 metros, bajo el nombre Glaciar Perito Moreno.

El préstamo de ambos cuadros se hizo en comodato tácito, es decir, un acuerdo mediante el cual una persona le cede a otra el uso gratuito del bien, con la obligación de devolverlo en el mismo estado y en el plazo acordado.

En 2013, cuando se terminó de restaurar la Casa de Gobierno, la sala Eva Perón había quedado sin elementos decorativos en las paredes, por lo que el secretario de Presidencia de aquel entonces, Oscar Parrilli, llamó a Helmut a pedido de Cristina Kirchner, para consultar si tenía alguna obra para colgar ahí.

En 2018, «caducó la importación temporaria de la pintura y, como no la compró el Gobierno, la tuve que devolver a Europa», donde había sido producida, explicó el pintor.

«Estaba Macri en el gobierno. Le pregunté a su gente si lo querían tener y sé que Mauricio era fan de esa obra, pidió que quede algo mío ahí, así que propuse hacer un cambio por una reproducción de altísima calidad«, indicó. Esa es la segunda obra.

Desde ese momento, la pintura quedó colgada en Casa Rosada durante el último tramo del gobierno de Mauricio Macri y también durante todo el mandato de Alberto Fernández. «Siempre tuve contacto con el área de Patrimonio, para saber si la querían seguir teniendo, y siempre tuve una relación muy buena con todos», agregó.

El reclamo del artista al gobierno de Milei

Hace casi tres meses, Helmut se enteró a través de los medios de comunicación que habían retirado su obra de la pared donde colgaba, en la sala Eva Perón de Casa Rosada.

«Empecé a mandar mails, primero a Patrimonio, luego a la Secretaría General de la Presidencia. Pensé que quizás ellos no sabían que esa obra es de mi patrimonio», consideró el artista, que señaló además que nunca logró tener contacto con el Gobierno desde la asunción de Javier Milei.

La sala Eva Perón era parte del recorrido público que se hacía los fines de semana en Casa Rosada, cuando todavía estaba esa posibilidad. «Era un orgullo poder tener mi obra ahí», recordó Ditsch.

«Sigue siendo muy impactante que la obra no esté más ahí. Veo una connotación política y eso es lo que más me preocupa. Mi obra representa el patrimonio nacional», expresó.

La obra de Helmut «representa la soberanía nacional», dijo el artista. «No pinté otra cosa que el paisaje argentino. Esos fenómenos naturales extremos que tenemos son un prodigio natural. La suerte que tenemos los argentinos de tener grandes glaciares, que ya desaparecieron en Europa», expresó.

«El Perito Moreno terminó siendo la marca de mi obra, porque siempre me llamó pintarlo», destacó y lamentó que hace un tiempo esta masa de hielo «empezó un retroceso irreversible».

Fuente: Clarín.com

¿Cuánto incide el entorno y aquello que está al alcance de las manos en los procesos creativos? ¿Se puede dejar un mensaje al mundo desde la realidad individual? Estas preguntas parecen estar suspendidas en el aire de la muestra El árbol de la vida y la abundancia del reconocido artista colombiano Abel Rodríguez o Mogaje Guihu (su nombre indígena, que significa «pluma de gavilán resplandeciente»), que falleció en 2025 a los 84 años.Malba expone El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez hasta agosto. Foto: Alejandro Guyot, gentileza.

Reconocido como una de las figuras más relevantes del arte latinoamericano contemporáneo, además de una de las primeros personas indígenas en ingresar al circuito y el mercado internacional, Rodríguez nació a orillas del río Cahuinarí, en la Amazonia colombiana y fue uno de los últimos miembros de la etnia nonuya, que fue «cruelmente diezmada durante el llamado holocausto del caucho, ocurrido en la región entre fines del siglo XIX y comienzos del XX» explican los curadores de la muestra, Adriano Pedrosa y Leandro Muniz, director artístico y curador asistente del Museo de Arte de São Paulo (MASP).

Criado por la familia de su madre, desde los ocho años fue formado como un “sabedor”, alguien capaz de reconocer y nombrar todas las plantas de la selva, sus usos prácticos y simbólicos, junto a la trama de relaciones que tejen con los animales, las personas y el territorio.Malba expone El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez hasta agosto. Foto: Alejandro Guyot, gentileza.

La magia de Rodríguez

Un captor de conocimiento ancestral y eterno. Esa era la magia de Rodríguez, poseedor de una cualidad que, sin imaginar, décadas más tarde lo impulsaría hacia el mundo del arte, donde se convirtió en una figura muy singular en la cultura del arte colombiano.Malba expone El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez hasta agosto. Foto: Alejandro Guyot, gentileza.

«Además de Doris Salcedo, no existen muchos artistas que hayan tenido tanta proyección internacional, en especial si se tiene en cuenta que Abel era una persona indígena y que no recibió ninguna educación formal. Más allá de eso, considero que es muy importante no colocar al artista bajo ninguna categoría preconcebida, algo insuficiente e incluso violento, sino entender que sus obras tuvieron como propósito la transmisión del conocimiento», comparte Muniz.

Esos saberes botánicos infinitos y precisos que adquirió durante toda su vida, están representados en las obras que hoy se despliegan alrededor de la sala del Malba y que conformar la primera exhibición después de su fallecimiento, a través de la cual se busca dar una mirada más precisa sobre los aspectos fundantes de su práctica y expandir la mirada que se tiene sobre su legado.

Rodríguez no fue un artista ingenuo o naif, algo que puede suponerse por los aspectos estéticos de su obra sino «un naturalista, un educador y conocedor de las prácticas ancestrales de su comunidad y que formó una parte central de un organigrama social, a través del cual se transmiten los saberes que ayudarán a la supervivencia de la naturaleza», continúa explicando Leandro, que al igual que Pedrosa, lamentó mucho la perdida del artista en pleno proceso de la exhibición.

Para la comunidad que lo vio nacer y crecer, antes de que tuviera que mudarse de manera forzosa a Bogotá durante los años 90 a causa de los terribles avatares sociopolíticos, el avance del conflicto armado, el narcotráfico y el extractivismo en la región, el concepto de arte existe.Malba expone El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez hasta agosto. Foto: Alejandro Guyot, gentileza.

Sin embargo, es más importante la idea de «Imitia», una palabra de poder y transmisión del saber, por lo que el valor más relevante de la obra de Rodríguez es la información de fondo, los secretos que abren un portal hacia la preservación de algo que un espectador citadino a primera vista podrá parecer poco relevante.

En cuanto a ese punto, ambos curadores son conscientes e invitan a entender que, al no formar parte de ninguna comunidad indígena, hay aspectos que nunca llegarán a comprenderse y eso también es parte del proceso.

«Existen detalles en cada una de las obras que solo Abel sabría percibir en su totalidad», alerta Muniz, así como también invita a abrazar ese misterio y entender que por más bellas y placenteras que sean, muchas existen debido al desplazamiento territorial que el artista no eligió.Malba expone El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez hasta agosto. Foto: Alejandro Guyot, gentileza.

Conocimientos de la selva

Cuando estaba en sus cuarenta, Rodríguez se conectó con el arte a través del dibujo, cuando la organización no gubernamental Tropenbos Internacional Colombia, que estaba haciendo una investigación que buscaba preservar los conocimientos de la selva desde el punto de vista de la gente que allí vivía, lo convocó e incentivó a incursionar en el dibujo, al igual que otros artistas, como por ejemplo su hijo.Malba expone El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez hasta agosto. Foto: Alejandro Guyot, gentileza.

Luego en Bogotá, las cosas comenzaron a acelerarse cuando conoció a los curadores José Roca y Oscar Roldán-Alzate, que estaban muy interesados en la relación entre arte y naturaleza, algo que desplegarían en su producción curatorial, incluyendo a Rodríguez en importantes exposiciones internacionales.

Después de ganar el Premio Prince Claus, uno de los más prestigiosos de Europa, su proyección internacional escaló y comenzó a tomar protagonismo en Documentas y Bienales, llamando la atención del mercado, algo que se detecta incluso en el uso de materiales que fue cambiando a lo largo del tiempo. Sin embargo, en muchas ocasiones Rodríguez fue presentado de manera genérica y no se indagó realmente en sus búsquedas e inquietudes.Malba expone El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez hasta agosto. Foto: Alejandro Guyot, gentileza.

Es por eso que El árbol de la vida y la abundancia busca desentrañar los aspectos más profundos y, dividida en diferentes núcleos, conecta con su práctica fundante y enaltece la verdadera potencia de su conocimiento.

El árbol de la vida y la abundancia de Abel Rodríguez se puede visitar todos los días –excepto martes– de 12 a 20 hasta el 23 de agosto en el Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415).

---

Sobre la firma

Melisa BoratynBio completa

Fuente: Clarín.com