Categoría: Entretenimiento

Los secretos de la colección Blaquier, que por años han sido de los mejor guardados del coleccionismo y el mundillo social argentinos, se empiezan a develar a partir de que los hijos de Carlos Pedro Blaquier y Nelly Arrieta de Blaquier deciden llevar a subasta un conjunto todavía no catalogado de obras heredadas tras la muerte de sus padres que incluye pinturas de Van Gogh, Degas, Gauguin y Monet por citar a algunas de las estrellas fulgurantes del mercado de impresionistas que forman parte de la transacción cerrada en estos días por los herederos con a firma Sotheby´s.

Dueño además de uno de los conjuntos más impresionantes de platería colonial y francesa del siglo XVIII, Carlos Pedro Balquier llegó a tener en su colección el servicio de platería que Catalina la Grande de Rusia le había regalado a su favorito el conde Orloff, y pasó luego por las manos de Simón Patiño, el rey del estaño boliviano, en su momento considerado uno de los hombres más ricos del planeta.«Zouave» (1888), de Vincent van Gogh, se vendió en 190 millones de dólares en una subasta privada anterior, fue parte de la Colección Blaquier.

La colección de Carlos Pedro Blaquier y Nelly Arrieta incluye, además de maestros del impresionismo, arte argentino del siglo XIX y XX, bronces europeos del Renacimiento y una colección de arte precolombino que se dividió tras la separación de ambos.https://af7cceb8990b79d6a9073abd3252245c.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Las piezas se repartieron entre la casa de uno y otro, y la estancia La Biznaga en Roque Pérez, provincia de Buenos Aires. Allí se guardaban con especial celo alguno de los tesoros que Nelly Arrieta solía mostrar a importantes coleccionistas internacionales y figuras tan relevantes como Glenn Lowry, el director del MoMA hasta 2025, en sus visitas a Buenos Aires. Ese aura de poderosos estancieros argentinos, dueños de piezas particularmente apreciadas por los nuevos ricos del mundo global es lo que seguramente potenciará el valor del conjunto que sale ahora a la venta.La Biznaga, en Roque Pérez, se se resguardó gran parte de la colección Blaquier. (Archivo Clarín)

El interrogante aún no despejado es qué ocurrirá con las incomparables piezas de arte argentino que llegó a adquirir Carlos Pedro Blaquier, entre las que se cuenta uno de los más extraordinarios conjuntos de Alfredo Guttero, El quinteto, la gran obra de Emilio Petorutti de 1927 que Blaquier adquirió en Sotheby´s en 1980, el original muro Madí y obras fundamentales de Prilidiano Pueyrredón como la inquietante escena de La siesta. El desnudo más audaz de los dos conocidos que pintó el artista es quizás otro de los secretos que la colección se ha empeñado en guardar ya que prácticamente no se ha mostrado públicamente. Ni siquiera para la exposición retrospectiva en homenaje al artista que el Museo Nacional de Bellas Artes organizó en 2023, la familia, que integra activamente la Asociación de Amigos del MNBA, evaluó la importancia de facilitarla para integrarse al conjunto, siendo una obra central de la producción de Pueyrredón.

Se trata de un dato de interés que de alguna manera define el comportamiento hermético que rigió la relación de la familia con un patrimonio de tal dimensión cultural para el país. Podría decirse que, a pesar del importante rol benefactor que Nelly Arrieta desempeñó por años como presidente de la Asociación de Amigos, la actitud restrictiva que la familia tuvo con relación a la circulación de las piezas de la colección, se mantuvo invariable.En canot (ou Jeune fille à la barque), 1877, de Renoir, sería parte del lote.

En ese sentido, contrasta fuertemente con el giro que le imprimieron a sus colecciones privadas otras figuras del coleccionismo local tras la senda que abrió Eduardo Costantini a comienzos del siglo XXI.

Resta saber también cómo se resolverán las cuestiones legales de la venta en el extranjero, luego de la multa de 7350 millones de pesos que los Blaquier debieron pagar por haber exportado en forma temporaria una serie de pinturas de Degas, otra de Renoir y otra de Paul Gauguin que debían retornar al país y no regresaron. La dirección de Aduana detectó la irregularidad de ese lote que salió a Luxemburgo y nunca más volvió. Partes de un rompecabezas que todavía está en construcción.

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Sobre la firma

Ana Maria BattistozziBio completa

Fuente: Clarín.com

Una subasta en el museo, en los docks de Puerto Madero al atardecer. Estas simples coordenadas convierten la cita en un programón porteño para este jueves. Se trata de la clásica Subasta Solidaria de la Fundación Policía Federal, que preside Ama Amoedo, con destino de gran donación al Hospital Churruca Visca. Solo que este año será cinematográfica: se lleva a cabo en Colección Amalita, con la panorámica excepcional de los diques iluminados.Vista de la sala donde se desarrollará el remate. El artista Román Vitali, en primer plano a la derecha. Traído por la galería rosarina Diego Obligado. Foto: Diego Spivacow. Cortesía.

“¡Me encanta que esta vez lo hagamos en casa!”, dice Ama Amoedo, quien continúa la labor iniciada por su abuela y su madre al frente de esta institución. “Estamos todos con un gran entusiasmo, conmovidos, te diría; la curaduría de esta subasta es casi una muestra de arte”, agrega en alusión al montaje de las obras en venta, expuestas en paneles móviles todo el tiempo a la vista. Su abuela, Amalia Lacroze de Fortabat, creó la Fundación junto a Carlos Bulgheroni; desde hace años, la lleva adelante Ama, junto a su vicepresidenta, Nunzia Locatelli de Bulgheroni.

“Esta suele ser una oportunidad inesperada de comprar obras valiosas a bajo precio”, destaca. El remate, este jueves a las 19 hs., verá el atril del martillero Nahuel Ortiz Vidal junto a una de las paredes más vibrantes de la gran sala, codeándose con Mamá Robot, un gran acrílico de Sofía Bohtlingk, y Subterránea, una obra de Julia Padilla, quien resultó Mejor Artista en la sección de galerías jóvenes de ARCOmadrid. En la fuga del paisaje, el yatch club y el puente de Calatrava iluminado.https://4c3b9406fecf2096e64d74e73730bb36.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Es este un año especial para la filántropa. Su colección personal cumple 30 años en diciembre. Asimismo, la Fundación Ama Amoedo abre otro capítulo internacional.

Primero fue Casa Neptuna, en José Ignacio, y ahora una alianza con el filántropo Jorge M. Pérez para residencias en El espacio 23 de Miami (viajan Sebastián Vidal Mackinson y Jimena Croceri).

“Estas subastas se destinan a la actualización tecnológica y capacitación del Hospital; nos fijamos metas concretas, sobre lo que el Churruca nos solicita como necesidad”, cuenta Amoedo pocas horas antes de la apertura de la exhibición.

Este complejo médico atiende a la comunidad policial de todo el país, y es de referencia en el tratamiento de alta complejidad en heridos de bala. Este año el objetivo de la Fundación es adquirir un equipo de pletismografía para función pulmonar y una mesa para quirófano inteligente, entre otras compras de infraestructura.

La subasta de 2025, además de un mamógrafo y otros equipos, permitió costear 8 capacitaciones, en posgrados y diplomaturas profesionales.

Los ofrecidos y deseados

Amoedo subraya la simetría virtuosa que duplica cada compra individual de arte en salud para los demás. Por eso esperan que, además de los coleccionistas habituales, se sumen allegados al área de la medicina y la salud.

Asimismo, sostiene, «la Subasta Solidaria ayuda a concientizar no solo en cómo participamos en robustecer el campo artístico, también a valorar y aprender a velar por los legados personales. Es parte de lo que debemos aprender: cómo conservar el arte para transmitirlo, cómo lo rodeamos de sus mejores condiciones”, destaca.

El entorno del museo sin duda eleva las obras ofrecidas, mientras unos precios de base razonables buscan contagiar las tentaciones. “¡Nos sentimos como en Christie’s!”, observan desde Subastas Roldán, la casa organizadora. El lote de 40 obras podrá visitarse entre hoy y el miércoles, desde el mediodía hasta las 20 horas, a fin de que el comprador llegue a la subasta compenetrado con sus apuesta y caprichos…

Las obras de base más alta rondan los $10 mil dólares: una pieza del histórico Juan Grela (Barrio La Laguna, de 1969, uno de sus años virtuosos), una carbonilla importante de Matías Duville -quien estará presente en el remate y vive su año estelar en el pabellón argentino de la Bienal de Venecia-, obra de Edgardo Giménez y una pieza de Marcelo Pombo (Anuncio encarnado, hecho en tinta, acuarela, anilina y marcador).

Surgido del post-pop “alternativo” del Centro Cultural Rojas, en los 90, Pombo viene protagonizando alzas meteóricas en las últimas subastas. ¿Se acercará el elusivo artista al cóctel previo «chez Ama»?

También en venta, hay obra de dos grandes fotógrafos como Santiago Porter y Alberto Goldenstein.¿Será la ternura nuestro don?, de Cotelito, tiene su club de fans a estas horas (base de U$ 3800).

Agrego dos tips a no perderse: Vaso griego, una acuarela de inolvidable turquesa de Luis Frangella (base de U$ 3000) y Muchacho del Paraná, esgrafiado en barro, de Manuel Brandaza, expuesto este año en la Bienal de San Pablo (U$ 3500).Junto a Amoedo, Nunzia Locatelli de Bulgheroni, vice presidenta de la Fundación Policía Federal. De la serie «Opus», de Nicola Costantino, escultura de cerámica japonesa Nerikomi y bronce. Aporte de la galería cordobesa White Lodge. Foto: Diego Spivacow. Cortesía.

El arco de precios no quiere dejar a nadie huérfano de arte, por eso han sido contemplados los coleccionistas nóveles, que en los últimos años inclinan el mercado global con sus gustos. Hay obras que parten de U$ 800, un tríptico de acuarelas de Máximo Pedroza, a U$ 2200 el conjunto. El promedio de precios base roza los U$ 3000. Las galerías ceden sus comisiones.

La mitad de lo recaudado va a la donación y la restante, a los creadores, si bien cada año algunos de ellos donan también su parte. Esta vez lo harán Matías Duville y Carlos Huffman. De él se ofrece una pieza, de las 40 que integran la serie Pájaros doctores, hecha en pandemia.

Por primera vez participan galerías de varias provincias, además de las porteñas: Remota, de Salta, ofrece una obra de Itamar Hartavi, que hoy reside en Jujuy, y la rosarina Diego Obligado, una de Román Vitali; White Lodge, de Córdoba, ha traído un Opus de Nicola Costantino, de su serie de bellísimas esculturas en cerámica Nerikomi (arrancará en U$ 2000).

Participan también galerías jóvenes, como Grasa, Hipopoety y Valerie´s. No obstante, el primer factor ha sido la selección de obras, en la que las galerías involucradas ceden sus comisiones. Así seguimos conversando con Ama Amoedo:

-El grueso de las obras posiciona con decisión a artistas nacidos en los años 80 y 90, es decir, la generación post-Rojas. En este panorama, ya quedaron liquidadas las divisorias clásicas entre arte mayor y géneros menores. ¿Qué te interesa en particular de ellos?

-Son generaciones muy intensas, en las que también se acabó la división entre hombres y artistas mujeres. Fijate que la oferta es muy equitativa; además se incluyen cuatro piezas muy distintas con textiles (las hay de Lucrecia Lionti y Lucila Gradín). Me encanta que esta tendencia se haya consolidado porque siempre alude a cuestiones del trabajo y de la transmisión dentro de la familia. En estos artistas, además, se abrió una cantidad de nuevos temas, como la preocupación por conservar la naturaleza.«1 peso argentino», obra de Emiliano Miliyo especial para esta subasta. (Acuarela sobre papel; 66 x 52 cm. Pertenece a la serie Billetes iniciada por el artista en el año 2018. Galería Cosmocosa). Foto: Diego Spivacow. Cortesía.

-Durante años, como coleccionista te concentraste en la generación del Rojas. Aquí han traído una obra de Gachi Hasper, con quien te iniciaste en el coleccionismo; y también una escultura de Nicola Costantino, con quien estudiaste. Tu colección personal cumple 30 años en diciembre. ¿Cambió en algo tu subjetividad como coleccionista? ¿Cuáles han sido tus últimas compras?

-Coleccionar arte es lo que más me gusta en la vida, mis mayores esfuerzos están allí, en completar, conservar y documentar con responsabilidad mi colección. Eso es algo que se estudia y aprende. Pero a raíz de esos nuevos temas que irrumpieron, veo que son cada vez más los artistas que se implican en la sostenibilidad y el compromiso social. Por ejemplo, el agua está en el centro de mis preocupaciones más fuertes. Más que nunca, la naturaleza hoy está presente en mí. Por eso, mis últimas piezas fueron destinadas al jardín de casa, donde sumé dos piezas del escultor Rodrigo Túnica en 2025. Algo voy a comprar en esta subasta, claro… Pero no digo palabra todavía.

Visitas desde el 10 al 12 de agosto de 12:00 a 20:00.; la subasta, el jueves 13 de agosto, a las 19:30, en Colección Amalita (Olga Cossettini 141, Puerto Madero). Si bien es abierta al público, tanto la expo como el remate requieren cita en info@coleccionfortabat.org.ar. Para participar por teléfono o con ofertas por sobre, a través de Subastas Roldán.

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Sobre la firma

Matilde Sánchez

Periodista. Autora de «Los daños materiales» entre otras novelas.msanchez@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.copm

Su infancia en el condado inglés de Devon, su pasión por los viajes en tren y su experiencia farmacéutica durante la Primera Guerra Mundial inspiraron la obra de Agatha Christie, la novelista más vendida de la historia, desde el detective Hércules Poirot hasta el veneno como recurso homicida predilecto.Escultura en honor de Agatha Christie en su localidad natal, Torquay. EFE/Judith Mora

Curiosa y aventurera, su vida y trayectoria profesional, muy atípicas para una mujer de su época, centrarán una gran exposición en octubre en la Biblioteca Británica de Londres, con documentos manuscritos y objetos personales, como parte de los eventos para conmemorar el 50 aniversario de su muerte, el 12 de enero de 1976.

Nacida el 15 de septiembre de 1890 en la localidad costera de Torquay, en la llamada Riviera inglesa del suroeste de Inglaterra, su infancia en libertad con escolarización en casa, el río Dart y la mansión georgiana de Greenway que adquirió en su madurez son referentes constantes en sus novelas.https://80b5e989f1c04e534fc67127a7defc3a.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

También los intrépidos viajes en ferrocarril por Europa y sus estancias en Oriente Medio, donde participó en excavaciones arqueológicas, forjaron clásicos como Asesinato en el Orient Express (1934) y Muerte en el Nilo (1937).

Poirot y Miss Marple

En el tranquilo pueblo de Torquay, una placa azul marca el lugar donde se alzaba Ashfield, la vivienda –hoy sustituida por un bloque de pisos– donde la escritora se crió en el seno de una familia acomodada, que más tarde perdió parte de su fortuna.

Era la menor de tres hermanos y su madre la animó desde pequeña a inventar cuentos, un proceso creativo que alimentó con las obras de Jane Austen, Charles Dickens y, sobre todo, las aventuras de Sherlock Holmes creadas por Arthur Conan Doyle.

Su experiencia como dispensadora de farmacia durante la I Guerra Mundial le proporcionó conocimientos sobre venenos que utilizó con precisión en sus tramas, mientras que la observación de sus conciudadanos en el paseo marítimo contribuyó a perfilar sus personajes.

«Fue su hermana Madge quien un día la retó a escribir un relato detectivesco, que resultó en la publicación en 1920 de su primera novela, El misterioso caso de Styles, donde debutó Poirot», explica Lucy Rowland, comisaria de la próxima exposición Agatha Christie: Un mundo de misterio.Agatha Christie, la novelista más vendida de la historia, desapareció durante 11 días en diciembre de 1926. Archivo Clarín.

Según el experto local Graham Kerr, Poirot, el excéntrico investigador del cuidado bigote, se inspiró en un antiguo policía belga refugiado en Torquay durante la Gran Guerra.

Miss Marple, la perspicaz anciana detective que creó años después, refleja por su parte a su abuela materna, «amable, pero que siempre sospechaba lo peor de los demás y casi siempre acertaba».

Casada en 1914 con el piloto Archie Christie, de quien conservó el apellido, y en 1930 con el arqueólogo Max Mallowan, al que conoció en Irak, la autora escribió 66 novelas, 14 colecciones de relatos y otros seis libros bajo el seudónimo Mary Westmacott.

Entre sus obras teatrales destaca La ratonera, estrenada en 1952 y aún hoy la función que más tiempo ha permanecido ininterrumpidamente en cartel en el mundo.

La reina del crimen ha vendido unos 2.000 millones de ejemplares en más de 100 idiomas, solo por detrás de la Biblia y William Shakespeare.Un grupo de turistas se fotografían ante la mansión de Greenway. EFE/Judith Mora

Las escenas del crimen

A unos 12 kilómetros de Torquay, en una colina con vistas al río Dart, se alza la mansión blanca de Greenway, que compró en 1938 para pasar los veranos en familia y que utilizó como escenario de su novela El templete de Nasse-House (1956), con el embarcadero como lugar del crimen.

La casa y su entorno inspiraron Cinco cerditos (1942) e Inocencia trágica (1958), mientras que la costa cercana y la isla de Burgh están vinculadas a Y no quedó ninguno (1939) y Maldad bajo el sol (1941).

El hotel Imperial de Torquay es el Majestic de Peligro inminente (1932), y el vecino pueblo de Cockington se transformó en la idílica localidad de St. Mary Mead, donde reside Miss Marple.

«A cincuenta años de su muerte y más de un siglo después de su primera novela, Agatha Christie sigue siendo popular e influyente«, señala Rowland.Escultura en honor de Agatha Christie en su localidad natal, Torquay. EFE/Judith Mora

«Muchas de las características que reconocemos del género policíaco proceden de ella: el círculo cerrado de sospechosos, la reunión final en el salón donde se revela al culpable o ese detective sagaz pero infravalorado», apunta.

Además de explorar su universo literario, la exposición londinense revelará facetas menos conocidas de la escritora, como su afición al surf, que practicó en Hawái, así como al patinaje, la natación, el piano y el canto.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El artista colombiano Fernando Botero protagoniza hasta septiembre la nueva exposición de Sotheby’s en Nueva York, donde se resalta su singularidad y la convicción con la que defendía su visión artística.Sotheby’s dedica una gran muestra a Fernando Botero en Nueva York. Foto: redes sociales.

Durante una presentación a la prensa, Nick Deimel, director de ventas privadas de arte moderno para las Américas en Sotheby’s, explica que uno de los objetivos de la muestra es «evidenciar» la peculiaridad del pintor y lo convencido que estaba de su arte incluso cuando el público parecía no entenderlo.

«(Botero) aporta un ángulo totalmente nuevo tanto a la historia del arte como a la producción de su época. Es un colorista brillante, algo que también viene de su herencia colombiana y latinoamericana», indica Deimel frente a uno de los cuadros que reposan sobre la pared, ‘La exposición de Botero’.https://edde87569d026aa347cab688f0283a4e.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

En él, un grupo de dispares personajes –entre ellos una monja, un empresario, un cardenal y una niña– observan en un museo los cuadros del propio artista. En la parte inferior de cada una de las pinturas, se aprecia un pequeño circulo rojo.Sotheby’s dedica una gran muestra a Fernando Botero en Nueva York. Foto: redes sociales.

«Cuando una galería pone puntos rojos bajo las piezas significa que esas obras están vendidas», comenta Deimel, señalando además que una de las obras que se representan en el cuadro, ‘El picnic’, también forma parte de esta exposición.

Diálogo constante con el arte

A través de 37 cuadros, de los cuales diez han sido prestados por la Fundación Fernando Botero, gestionada por sus herederos, la casa hace un recorrido por la trayectoria artística del artista durante su estancia en Nueva York, donde residió desde 1960 hasta 1973.

Desde su hogar en West Village, el «epicentro del arte neoyorquino en ese momento», Botero mantenía «un diálogo constante» con la historia del arte y los trabajos de Cézanne, Van Gogh, El Greco, Rubens y de exponentes del ‘arte pop’ como Roy Lichtenstein o Andy Warhol, explica Deimel.

Pero aunque incorporaba algunas de estas influencias a sus pinturas, «nunca abandonó la figuración»: «Ese fue siempre su lenguaje. Se mantuvo fiel a su visión, aunque abierto a lo que le rodeaba», apunta el experto.

«Su trabajo es muy distinto de lo que se hacía en Nueva York en los años 60, pero en 1961 Dorothy Miller, curadora del Museo de Arte Moderno (MoMa), visitó su estudio y recomendó que la institución adquiriera una obra suya», recuerda Deimel.

De este modo, el MoMa se convirtió en el primer museo estadounidense en comprar una obra de Botero, en concreto una de su serie de la Mona Lisa.Sotheby’s dedica una gran muestra a Fernando Botero en Nueva York. Foto: redes sociales.

Su reconocible estilo se refleja en la recopilación de obras que la casa expone hasta el 7 de septiembre en su sede neoyorquina, en el edificio Breuer del Upper East Side, donde las populares figuras voluminosas de Botero reciben al público en distintos escenarios.

Una peculiar ‘Mona Lisa’

Por ejemplo, destaca una peculiar ‘Mona Lisa a los trece años’, representada en tonos azulados y sosteniendo un ramo de flores, donde Botero reformula el cuadro de Leonardo Da Vinci con proporciones alteradas y en clave de humor, según Sotheby’s.

En ‘Girasoles’, mientras, se inspira en Vincent Van Gogh para retratar estas flores sobre un jarrón azul sobredimensionado, dándoles un toque voluminoso y una vitalidad «desbordante», resalta la casa.Sotheby’s dedica una gran muestra a Fernando Botero en Nueva York. Foto: redes sociales.

También hay espacio en la exposición para varios bodegones del artista, entre ellos ‘Naturaleza muerta con sandía’, en el que bebe de artistas españoles como Velázquez o Goya, y para un homenaje al ciclista colombiano Ramón Hoyos Vallejo, ‘Apoteosis de Ramón Hoyos’, donde se deja ver su interés por el expresionismo abstracto.

Las obras expuestas que no forman parte de la Fundación Fernando Botero están disponibles para venta privada, lo que significa que no irán a subasta pero sí podrán ser compradas tras su paso por Sotheby’s.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Las hazañas de los héroes siempre nos son cercanas. Christopher Nolan revive la epopeya del héroe Odiseo. El cine se alimenta de la vida y de las grandes obras literarias. La interpretación de Nolan convive con otras tantas lecturas del texto homérico en la historia: desde Dante hasta Borges, y desde la Escuela de Fráncfort hasta Joyce.Fotograma de Matt Damon y Zendaya en La Odisea. EFE/ Melinda Sue Gordon/universal Pictures

Emily Wilson, la traductora de la primera versión en inglés de la Odisea realizada por una mujer –versión a la que se atuvo el cineasta–, no encuentra ninguna grandeza en la visión de Nolan, salvo el estímulo para volver a la obra homérica.

Para quienes creen que el rol del cine es la dócil adaptación de un original, todo desvío de la prístina letra es una traición. Los que solo busquen la estricta fidelidad pueden ir a la fuente y leer el original. El cine no obstruye; por el contrario, estimula el regreso a lecturas que enriquecen.https://5b70817c438e7027963f09abd83401a9.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Luego de diez años de infructuoso asedio a Troya, la ciudad solo cae por el famoso artilugio de Odiseo: el caballo de Troya. Odiseo es símbolo de la osadía y la astucia. Una de sus enseñanzas es que el ingenio es más poderoso que la violencia. Luego de doblegar a los troyanos, Odiseo, llamado Ulises por los romanos, quiere volver a casa, a Ítaca, para reencontrarse con su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland).

El viaje de regreso es amor por el hogar; atravesar la inmensidad marina para recuperar la propia identidad. Pero esa identidad es simbólica. Para los pensadores de Fráncfort, Adorno y Horkheimer, en su célebre Dialéctica de la Ilustración, Odiseo es el anticipo de la racionalidad instrumental que constituye al mundo moderno occidental.

Encuentro con las sirenas

En el canto XII de la Odisea se produce el encuentro con las sirenas. Escuchar su canto es ser arrebatado por una fuerza divina y letal. Ulises lo sabe. No quiere someterse al llamado del mundo mítico. Ya es un moderno que quiere emanciparse de los dioses y sus aires de superioridad. Entonces, ordena a sus hombres que se tapen los oídos con cera y que a él lo aten al mástil. Otra astucia: Odiseo escuchará a las sirenas, pero sin ser gobernado por ellas. Vence al llamado de lo divino y atraviesa la prueba.

Su razón calculadora crea a un individuo que se da su propia ley. Es la gestación de la autonomía individual y de la razón instrumental que gobierna la modernidad.

Pero el Odiseo de Nolan, protagonizado por Matt Damon, es también la mirada del hombre moderno que se cuestiona a sí mismo y no solo a los dioses. La autocrítica del sujeto moderno.

Odiseo lidia con peligros continuos, una diferencia crucial con nuestra vida cotidiana, que busca seguridad y estabilidad. Y entre pantallas nada queremos saber de la muerte; sin embargo, Odiseo se acerca al mundo de Hades, de los muertos, para obtener una guía en su camino. Los vivos y los muertos respiran con un mismo par de pulmones.

En la isla de los Cíclopes enfrenta al primer gran monstruo de un solo ojo. Odiseo y sus hombres lo ciegan y así escapan de su cueva. En el original de la Odisea, el héroe de Ítaca dice al cíclope que su nombre es «Nadie».

Después de la fuga, otros cíclopes le preguntan a su par quién lo dejó ciego, y su respuesta es: «Nadie». Así, queda abierto el camino hacia el escape final. La inteligencia de Odiseo como astucia, no como sabiduría.

En una isla, Odiseo encuentra a Circe, la mujer maga. Es lo femenino con el poder de transformar a los hombres en cerdos. Metamorfosis que los desnuda y muestra tal como son.

En la isla de Calipso, Odiseo vive en un idilio; se le ofrece la inmortalidad, pero él quiere volver, ser, amar y no renunciar a lo que es y puede ser. La aventura heroica es vencer pruebas. El valor ante el mal y los monstruos, los cíclopes, los lestrigones, Escila, Caribdis.Odisea – Homero. Foto: Shutterstock.

En el mundo del Odiseo de Nolan, los dioses se retiran, casi por completo: solo la diosa Atenea acompaña al héroe. Queda la isla de Helios, que pertenece al dios del sol. Su fauna es sagrada; quien la coma será castigado.

El humano se siente libre cuando viola las prohibiciones. Ser libre es desobedecer. El placer de elegir libremente expone al castigo en forma de avalancha del orden. Por esa punición, los marinos de Odiseo son engullidos por el mar de Poseidón.

Culpa y crítica

La modernidad de Odiseo es culpa y crítica. Lo perturba el engaño del caballo de Troya. Ganar en la guerra por el ardid reemplaza la pura fuerza épica por el rastrero cálculo. Reflejo de nuestro mundo calculado, algorítmico y sin épica.

Y culpa por la violencia, la sangre y la ejecución de una sacerdotisa en la Troya invadida. Un resquemor ausente en el mundo homérico.

A veces, se vuelve al hogar con una gran soledad a cuestas. En Ítaca, Odiseo se oculta como un mendigo anciano que se reencuentra con su perro Argos, que esperó su llegada para morir. En la dura epopeya hay lugar para no olvidar la nobleza del animal.

La crítica más eficaz es la inesperada. Telémaco y Penélope hablan de los Pueblos del Mar. Entre los siglos XIII y XII a. C., estos pueblos asolan con ferocidad el Mediterráneo oriental. Poco se sabe de ellos, de dónde vienen o qué los impulsa en su expansión violenta, que marca el fin de la Edad de Bronce.

Para los griegos representaban a los bárbaros. Pero cuando el Odiseo de Nolan vuelve a Ítaca, todavía sin mostrar quién es, le narra a Penélope todo lo que vivió como si fuera un compañero de su esposo ausente.

Recuerda los horrores y engaños en la conquista de Troya. Una Penélope sorprendida, entonces, deduce de ese relato que los griegos son los Pueblos del Mar. Es decir, tras la apariencia de civilización siempre se repliega lo bárbaro.

Odiseo, el moderno, ya no solo es el sujeto de la crítica a la violencia y el de la poca atención a los fastos divinos. Ahora comprende que los griegos también son parte de la locura bárbara. La hibridez de la civilización y la barbarie en la trama fundacional de Occidente perturbado.

Los dioses de débil presencia hacen que Odiseo represente al humano que debe hacerse cargo de sí mismo. Y es también el que tiene que explorar el mundo con los dioses en retirada. Cuando los humanos estamos solos, debemos buscar lo mejor de nosotros mismos sin padres ni grandes autoridades que den guía y seguridad.

Al volver a Ítaca, Odiseo recupera su libertad. El héroe lo es en el sentido pensado por Joseph Campbell, el gran mitólogo: el héroe parte de su hogar, hace un viaje circular que vuelve al punto de partida, pero transformado en un iniciado, un nuevo hombre, luego de superar múltiples pruebas.

Y su conquista de la libertad en Ítaca es quebrar la repetición. Lo repetido sería que, luego de matar a los pretendientes de Penélope, se contentara con ser un satisfecho hombre de poder. Pero la libertad plena es ser de otra manera. Elige, entonces, seguir la aventura del viaje. Por el viaje, el héroe se encuentra a sí mismo y se realiza.

En el octavo círculo del Infierno

El Odiseo de Nolan recuerda al Odiseo de Dante, alojado en el octavo círculo del Infierno de su Divina Comedia por la arrogancia de proseguir el viaje y pretender conocer lo que no está permitido a los mortales.Vista de la tablilla de arcilla con una inscripción grabada descubierta tras tres años de excavaciones en el yacimiento arqueológico de la antigua Olimpia que preserva trece versos de La Odisea de Homero.EFE/ Ministerio de Cultura De Grecia

El mundo de Homero es un mundo perdido. A esa desvanecida latitud histórica, Nolan se acerca más por el sonido que por la imagen. Siguiendo sus instrucciones, el músico sueco Ludwig Göransson recupera instrumentos de la época y construye un tejido sonoro que nos devuelve a una época lejana, extraña y, efectivamente, perdida.

La modernidad del Odiseo de Nolan nos interpela, nos propone la continuidad del viaje como épica hacia nuestra mejor autoconstrucción.

Por eso, en el film, el viaje de Odiseo debe continuar. Y así, el héroe vuelve a surcar el mar; de nuevo hacia el horizonte de bruma y azul, con la luz de un sol joven. El renovado viaje para ver más, ser más.

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Sobre la firma

Esteban Ierardo

Filósofo, docente y escritor. Su último libro La red de las redes, ed. Continente; su página cultural “La mirada de Linceo: (www.estebanierardo.com)”Bio completa

Fuente: Clarín.com

La Feria de Editores (FED) abre mañana las puertas de su 15.ª edición con más de 330 editoriales independientes de nueve países, autores internacionales invitados, cientos de actividades y algunas novedades para el público. Hasta el domingo 9 de agosto, el C Complejo Art Media volverá a convertirse en uno de los principales puntos de encuentro para lectores, escritores, editores y libreros. Estos son seis datos clave para aprovechar la visita.En el año 2025, pasaron por la Feria de Editores (FED) más de 30 mil personas. Foto: Matías Moyano, gentileza FED.

1. Cuándo es, dónde se hace y cómo ingresar

La FED se desarrollará desde mañana y hasta el domingo 9 de agosto, de 14 a 21, en el C Complejo Art Media, ubicado en el barrio porteño de Chacarita. El año pasado reunió a más de 30.800 visitantes y este año volverá a ocupar durante cuatro jornadas ese espacio dedicado íntegramente al libro independiente.

La principal novedad para el público es que, aunque la entrada sigue siendo gratuita, ahora es necesario reservarla previamente a través de la plataforma Passline. Tras la inscripción, cada visitante recibe un código QR para ingresar, un trámite que también puede realizarse en la puerta del predio.En el año 2025, pasaron por la Feria de Editores (FED) más de 30 mil personas. Foto: Matías Moyano, gentileza FED.

2. Más de 330 editoriales de nueve países

La feria reunirá nuevamente a más de 330 editoriales independientes de la Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México, Paraguay, Perú, Uruguay y España, con catálogos que abarcan desde narrativa y ensayo hasta poesía, literatura infantil, historieta y libros ilustrados.

Entre los sellos argentinos estarán Godot, Sigilo, Caja Negra, Ampersand, Mardulce, Adriana Hidalgo, Chai, Eterna Cadencia, Fiordo, El cuenco de plata, Pequeño Editor, Limonero y muchas otras editoriales consolidadas, además de proyectos nuevos, artesanales y especializados, junto con destacados sellos extranjeros.

3. Invitados internacionales y una nutrida agenda de actividades

La programación combinará presentaciones de libros, entrevistas públicas, debates y conversaciones con escritores, investigadores, artistas y científicos. Entre los invitados internacionales figuran la mexicana Socorro Venegas, la cantante Julieta Venegas, la escritora francesa Violaine Bérot, las uruguayas Tamara Silva Bernaschina y Erika Paula Curbelo, el brasileño Felipe Charbel y el mexicano Jacobo Zanella.

También participarán autores argentinos como Martín Kohan, Juan Mattio, Sofía Balbuena, Santiago Loza, Ana Ojeda y Pablo Stefanoni, además de figuras provenientes de otras disciplinas, como la astrónoma Cecilia Garraffo, el físico y filósofo Gastón Giribet, la investigadora Florencia Garramuño y el dramaturgo Mauricio Kartún.En el año 2025, pasaron por la Feria de Editores (FED) más de 30 mil personas. Foto: Matías Moyano, gentileza FED.

4. Actividades destacadas para no perderse

Cada jornada ofrecerá encuentros especialmente esperados. El jueves sobresale una conversación sobre la correspondencia de Walter Benjamin con Valentín Díaz y Jorge Monteleone; el viernes, un diálogo entre Sofía Balbuena, Clara Obligado y Socorro Venegas sobre memoria y ficción.

El sábado habrá una charla dedicada a Borges con Martín Kohan, María del Carmen Rodríguez y Jacobo Zanella, mientras que el domingo la escritora francesa Violaine Bérot conversará con Valeria Tentoni sobre sus novelas, su imaginario literario y sus procesos de escritura.

5. Una fiesta por los 15 años y otras propuestas especiales

Para celebrar su aniversario, la FED organizará el sábado 8 una fiesta en el Teatro Vorterix, con música a cargo de Villa Diamante, DJ La Malibú y Sandwich Piano Bar. Algunas entradas se sortearán entre quienes participen de la campaña de donación de sangre organizada junto con el Hemocentro Buenos Aires.En el año 2025, pasaron por la Feria de Editores (FED) más de 30 mil personas. Foto: Matías Moyano, gentileza FED.

Como ya es tradición, la experiencia de la feria comenzará incluso antes de entrar: durante la espera en la fila se distribuirá un libro especialmente editado para esta edición, dedicado al tema «Trabajo», con diez textos seleccionados entre más de 600 postulaciones.

6. Descuentos, premios y una fuerte defensa de la Ley del Libro

Las librerías y bibliotecas volverán a contar con un horario exclusivo durante las mañanas del jueves y viernes para realizar compras con descuentos del 50 % en editoriales adheridas y envío gratuito de libros para adquisiciones institucionales. Además, se entregará el Premio a la Labor Librera, dotado con cuatro millones de pesos para la compra de ejemplares durante la feria.

La edición de este año también estará atravesada por el debate sobre la posible derogación de la Ley del Libro. Durante la presentación oficial, los organizadores expresaron públicamente su rechazo a esa iniciativa y defendieron la vigencia de la normativa como una herramienta fundamental para preservar el ecosistema editorial y librero argentino.

Fuente: Clarín.com

Los olores de la infancia dejan una huella permanente en el cerebro y explican el llamado efecto de la ‘magdalena de Proust’, según una investigación del Centro Nacional para la Investigación Científica (CNRS) francés, que identifica por primera vez los mecanismos neuronales responsables de esos recuerdos especialmente intensos y cargados de emoción.Corte transversal del bulbo olfativo de un ratón. Imagen obtenida mediante microscopía de epifluorescencia. © Jules Dejou, Universidad Claude Bernard Lyon 1, 2026.

Hay perfumes que, de repente, devuelven a una cocina, a un patio de colegio o a las vacaciones con los abuelos. Esa capacidad de un olor para despertar recuerdos muy antiguos, inmortalizada por Marcel Proust con su magdalena mojada en té en Por el camino de Swann, el primer volumen de su novela En busca del tiempo perdido, tiene ahora una explicación científica.

Según el estudio de la investigadora del CNRS Jules Dejou y su equipo, publicado en la revista Plos Biology, las experiencias olfativas repetidas y positivas durante la infancia dejan una marca duradera en el cerebro. Décadas después, basta volver a percibir ese mismo aroma para reactivar no solo el recuerdo, sino también las emociones asociadas.https://4fbc4a70c5fbd9c3dcd6e78cd62831fd.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Neuronas del bulbo olfativo

Los investigadores identificaron como protagonistas a un grupo de neuronas del bulbo olfativo, una región cerebral que sigue desarrollándose en los primeros años de vida. Cuando un adulto vuelve a encontrarse con un olor conocido de la infancia, esas neuronas ponen en marcha los circuitos cerebrales relacionados con la memoria y la recompensa.

Con el paso de los años, sin embargo, el recuerdo cambia de soporte. A medida que el cerebro reorganiza sus conexiones, la memoria deja de depender tanto de esas neuronas iniciales y pasa a apoyarse sobre todo en redes vinculadas con las emociones, lo que ayuda a explicar por qué estos recuerdos suelen conservar una intensidad afectiva excepcional.

Para llegar a estas conclusiones, los científicos combinaron un estudio con voluntarios y experimentos con ratones.

Primero preguntaron a las personas por sus recuerdos olfativos más antiguos. Descubrieron que, en la mayoría de los casos, no estaban asociados a un acontecimiento aislado, sino a experiencias agradables repetidas, y a olores que seguían presentes a lo largo de la vida.

Con esa información diseñaron un modelo experimental en ratones. Durante la infancia, los animales fueron expuestos de forma repetida a un olor agradable en un entorno enriquecido y asociado a experiencias positivas. Ya adultos, mostraban una clara preferencia por ese aroma.

Los experimentos permitieron además comprobar que, si los investigadores bloqueaban temporalmente las neuronas implicadas en esa memoria olfativa temprana, los animales dejaban de mostrar esa preferencia, lo que confirma su papel esencial en la formación del recuerdo.Marcel Proust. Archivo Clarín.

Recuerdos que necesitan mantenerse vivos

El trabajo también revela que esos recuerdos necesitan mantenerse vivos. En los animales de más edad, la persistencia de la memoria dependía de volver a exponerse periódicamente al olor aprendido durante la infancia, porque, sin esos reencuentros, la huella tendía a debilitarse.

Los autores creen que estos resultados ayudan a entender por qué los olores evocan recuerdos más antiguos y emocionalmente más intensos que los desencadenados por imágenes o sonidos.

Estudios previos ya habían mostrado que la memoria olfativa suele remontarse a la primera década de vida, mientras que los recuerdos provocados por otros estímulos sensoriales suelen situarse más tarde.

La investigación ofrece así una explicación neurocientífica a uno de los ejemplos más célebres de la literatura y refuerza la idea de que el olfato ocupa un lugar singular en la memoria humana, capaz de conservar durante toda la vida el rastro de momentos cotidianos aparentemente insignificantes.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Desde los Medici, solo por citar a los banqueros más famosos del mundo, el vínculo entre los bancos, el coleccionismo de arte y el mecenazgo ha sido una veta explorada y explotada. En Argentina son cada vez más las entidades financieras que se vinculan con el arte. Compran obras, se convierten en sponsors de eventos, promueven y financian concursos.La alegría es lo que hace girar al mundo. Edgardo Giménez, en Torre Macro. Foto: gentileza.

Ya sea por una búsqueda de legitimación cultural, como parte de su trabajo de Responsabilidad Social, o por el gusto de un dueño por el arte, han reunido colecciones que en algunos casos compiten con los museos y los alimentan con préstamos o cesiones, siempre necesitados de fondos para completar sus acervos.

En Florencia, la familia Medici, padres fundadores del coleccionismo de arte moderno, fue mecenas de artistas, financió la construcción de iglesias y monasterios para intentar sacarse el mote de usureros de encima, en tiempos de absoluta presencia de la Iglesia en la vida en comunidad y en los que hasta Dante tenía un lugar reservado para ellos en el infierno.https://5aaa940bb6ad4b02f9244bf21837ac7d.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

A fines del siglo XVIII, los primeros miembros de la familia Rothschild, también banqueros, comenzaron a invertir su incipiente fortuna en arte para conseguir respeto social. Lo primero fue comprar colecciones enteras reunidas por aristócratas caídos en desgracia. A lo largo de los siglos, las distintas ramas de los herederos distribuidas por toda Europa y Estados Unidos mantuvieron el interés artístico. Desde hace décadas, las nuevas generaciones se han dedicado a donar a importantes museos grandes lotes de obras.

En Buenos Aires, los bancos y las entidades financieras irrumpieron con fuerza en el sector de la gestión cultural en los últimos años.

Si antes colaboraban de manera silenciosa a través de la Ley de Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires –no existe una ley a nivel nacional y los intentos para sancionar una se quedaron, durante el gobierno de Mauricio Macri, en etapa de análisis técnico–, ahora le ponen la firma a los proyectos que encaran y juegan como si lo hubiesen hecho toda la vida.

Colección Balanz

Balanz, una sociedad dedicada a las inversiones y al manejo de capitales, ha reunido desde 2008 una colección de arte con obras en todo tipo de formato, en su mayoría de artistas argentinos contemporáneos.Colección Balanz. Archivo Clarín.

Durante 18 años las obras se exhibían desparramadas en las distintas oficinas de la empresa en el microcentro y en una trastienda, cerrada al público, que era el secreto mejor guardado del circuito artístico porteño.

En casi dos décadas, Balanz reunió 600 obras de más de 110 artistas. Hay piezas claves, desde cuadros de Guillermo Kuitca, trabajos de Nicola Costantino, Antonio Berni, Mariela Scafati, Oscar Bony, un óleo de Francis Alÿs, hasta una increíble instalación del brasileño Ernesto Neto que es la pieza central de la trastienda.

En los últimos años, de manera tímida, algunas obras comenzaron a aparecer en exhibiciones hasta que en marzo pasado Balanz inauguró su propio espacio, Sala Nazaré, en la planta baja de sus oficinas en el microcentro.Colección Balanz. Archivo Clarín.

La primera muestra fue La máquina del tiempo, curada por Florencia Battiti, una exhibición que recupera la cita como fuente de inspiración de muchos artistas.

Presenta obras clave de Nicola Costantino, como el retrato de la artista posando como la mujer con sweater rojo de Antonio Berni o aquel en el que imita al Narciso de Caravaggio; obras de la serie de Caperucita Roja y el retrato de Lucien Freud de Mondongo; piezas de Max Gómez Canle con guiños a Roberto Aizenberg y un largo etcétera.Colección Balanz. Archivo Clarín.

Aunque no está en exhibición en la actualidad, se pudo ver durante el verano en Fundación PROA The Theater of Disappearance, de Adrián Villar Rojas, la gran instalación de mesas, sillas y seres maravillosos que se exhibió en la terraza del MoMA en 2017.

Banco Macro

En 2023, el Banco Macro salió al mundo en su faceta artística con el programa de exhibiciones desarrollado para el hall de su torre diseñada por César Pelli. Sin embargo, desde hace varios años posee su propia colección de arte argentino distribuida en los sectores privados de la sede central.

En la actualidad realiza al menos tres muestras por año con nombres propios del arte argentino. Ya pasaron por la planta baja de la torre Delia Cancela, León Ferrari, Clorindo Testa, Yuyo Noé y Leandro Erlich.La estrategia de la ilusión. Leandro Erlich en Banco Macro. Foto: gentileza.

En la primera muestra de 2026 se exhibió La alegría es lo que hace girar al mundo, de Edgardo Giménez, uno de los últimos exponentes vivos del Instituto Di Tella.La alegría es lo que hace girar al mundo. Edgardo Giménez, en Torre Macro. Foto: gentileza.

El artista reunió un conjunto de obras inéditas, algunas creadas especialmente para la muestra y otras que pocas veces se han visto en público, para dar un pantallazo de sus trabajos más representativos; una muestra cargada de colores vibrantes, saturados y la mística pop con la que el artista da vida a esculturas de monas, perros, conejos, flores y muebles que le escapan a los diseños hegemónicos. En tanto, para la segunda mitad del año llega otra exponente del Di Tella, Marta Minujín.

Banco Santander

Cuando en 2019 el Banco Santander lanzó su fundación y se convirtió en el main sponsor de arteBA, el banco ya había puesto un pie en el arte contemporáneo argentino de manera silenciosa. Por ejemplo, a través de la Ley de Mecenazgo porteño había financiado la restauración del taller de Marta Minujín en el barrio de San Cristóbal.Inaguracion de taller de Marta Minujin en 2018. Foto: Rafael Mario Quinteros.

Luego dio un paso más y, a la par que inauguró su torre en Parque Lezama, habilitó uno de los halls como espacio de exhibición. Comenzó de manera tímida, programando una muestra por año que queda montada durante varios meses. Lleva exhibidos proyectos de Marta Minujín, Leandro Erlich, Gachi Hasper, Nicola Costantino y Mónica Millán.La estrategia de la ilusión. Leandro Erlich se puede visitar en Banco Macro. Foto: gentileza.

Ya constituidos como espacio de exhibición, siguieron de manera expansiva, mirando a su alrededor y acompañando, a través de la Ley de Mecenazgo porteño, proyectos artísticos en los barrios de La Boca, Barracas, Constitución y Microcentro, zona de influencia de la casa central del banco.

Y en 2024 dieron el salto de calidad definitivo al anunciar el lanzamiento del Premio Fundación Santander a las Artes Visuales. El ganador recibe 40.000 dólares para desarrollar su propuesta y exhibirla en la sala de exposiciones del banco. El proyecto ganador de la segunda edición, que se puede visitar en la actualidad, es ReversoDoble, de los artistas Valeria Maggi y Luis Garay, con curaduría de Mariano Mayer.

Adcap

Adcap, una sociedad dedicada al manejo de inversiones y las finanzas que tiene a Javier Timerman, hermano del fallecido excanciller Héctor Timerman, entre sus dueños, es uno de los nuevos actores en el ecosistema de la gestión cultural. “Así como acompañamos el crecimiento de empresas y proyectos productivos, creemos que la cultura también es un componente fundamental para el desarrollo de un país”, indicaron ante una consulta de Clarín.

En 2025 patrocinó la muestra homenaje a Alberto Churba, Diseño Infinito, realizada en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Este año entabló una alianza con el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y patrocina las exposiciones Naturaleza Arquitecta y Moderno y MetaModerno, que se pueden visitar en la actualidad.

Sin embargo, fue su sorpresiva presencia en el marco de las exposiciones paralelas a la Bienal de Venecia la que la puso en boca del mundillo artístico. Adcap patrocinó Darkness Visible: The Long Shadow of Dictatorship [Oscuridad visible: La larga sombra de la dictadura], una exposición que conmemora el 50.º aniversario del golpe de Estado de la última dictadura militar en la Argentina. El mismo Timerman, cuyo padre es uno de los 30.000 desaparecidos, viajó hasta la ciudad italiana para participar de la inauguración junto a la directora del museo, Victoria Noorthoorn, en el Spazio Punch. “En el caso de la Bienal de Venecia, además, existe un componente estratégico de proyección internacional, ya que representa una oportunidad única para mostrar el trabajo de artistas argentinos en uno de los escenarios culturales más importantes del mundo”, comentaron desde Adcap.

Banco Galicia

El vínculo entre el Banco Galicia y el arte se da hacia dentro y hacia fuera de la entidad y de a poco se abre al público general. En 2018 inauguró en el hall de su casa central en el microcentro porteño una esfera brillante de Julio Le Parc, la segunda que tiene la ciudad luego de la que el artista donó al Palacio Libertad. En 2020 lanzó la Online Banking Gallery, que consiste en la incorporación de obras de arte, que se exhiben de forma aleatoria, en la landing page del home banking del banco. Para convocar a los artistas llamaron a Guillermina Álvarez, al frente de la galería Yunta, con conocimiento del mundo emergente. Lo que comenzó como una tímida acción se afianzó en medio de la pandemia y después también con la masiva fuga de los clientes a las plataformas web. Las convocatorias sumaban en cada llamado más postulantes, comenzaron a ser temáticas y llegaron a proponer temas vinculados a la actividad bancaria para que los artistas se inspiraran y crearan en consecuencia.El Banco Galicia transformó una de sus sucursales en una galería de arte donde exhibirá obras reunidas especialmente para ese lugar. Foto: gentileza.

En la actualidad el Banco Galicia es sponsor del Museo Nacional de Bellas Artes y sumó a su colección de obras de arte el acervo que perteneció al HSBC al comprar la filial argentina del banco inglés en 2024. La entidad posee un acervo de arte argentino con obras del siglo XIX y XX y algunos ejes contemporáneos exhibidos en las oficinas de su torre. Solo como muestra, a pocos metros de distancia, en el piso 16 del edificio enclavado en medio de la city porteña, conviven tres geometrías de Eduardo Mac Entyre junto a una obra de Eduardo Sívori de calidad museística y otra de “Yuyo” Noé de fines de los 80. Se suman a esos nombres los de Emilio Pettoruti, Antonio Seguí, Rogelio Polesello, Fernando Fader y un mural de Benito Quinquela Martín que es de acceso público y se encuentra en la casa matriz del banco, en la esquina de Reconquista y Perón.El Banco Galicia transformó una de sus sucursales en una galería de arte donde exhibirá obras reunidas especialmente para ese lugar. Foto: gentileza.

En tanto, este año, la sucursal de Juana Manso 1401 se convirtió durante todo junio en una galería de arte donde se exhibieron 22 obras de manera física, otras 29 a través de un videowall y otra gran obra que cubrió los vidrios del frente del lugar. La intervención tuvo como objetivo repensar el rol de los espacios tradicionales y proponer un formato no convencional de exhibición, donde las obras dialogan con la arquitectura del lugar y con quienes lo transitan a diario.

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Sobre la firma

Belén Papa Orfano

Editora de la sección Último MomentoBio completa

Fuente: Clarín.com

Edgar Allan Poe nunca dejó de ser editado, traducido y reinterpretado. Sin embargo, pocas veces una nueva publicación invita a revisar la manera en que lo leemos. Eso es lo que propone Cuentos completos, el volumen de 1.184 páginas que acaba de publicar Páginas de Espuma para celebrar los 25 años de la editorial y los 175 de la muerte del escritor estadounidense.Las ilustraciones de Arturo Garrido acompañan los cuentos de Poe sin buscar una traducción literal. Foto: gentileza Páginas de Espuma.

Con una nueva traducción, dos prólogos inéditos y los comentarios de 67 narradores contemporáneos, el libro invita a volver sobre un clásico cuya lectura sigue renovándose con el tiempo.

“Mientras le pongo punto final a este prólogo, me doy cuenta de que la obsesión por la muerte, el cuerpo y la crueldad es todo Poe: somos sus hijos, los escritores de terror desde ya, pero también los de policiales, los cuentistas, los periodistas, los poetas”, escribe Mariana Enríquez en las páginas iniciales.https://d01ce0e9e3cbee4f631f2fd3535debf1.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Esa admiración se condensa en una definición: “Lo reclamo como el mejor capitán de la oscuridad. Él lo sabía, y lo sufría. Alguna vez dijo, y podría ser la voz de uno de sus personajes: ‘Muchas veces he pensado que podía oír perfectamente el sonido de las tinieblas, deslizándose por el horizonte’”.

Durante casi siete décadas, la traducción que Julio Cortázar publicó en 1956 fue la puerta de entrada a Poe para generaciones de lectores en castellano. Su prestigio nunca estuvo en discusión. Precisamente por eso, la decisión de encargar una nueva versión a Rafael Accorinti era uno de los desafíos de esta edición.Las ilustraciones de Arturo Garrido acompañan los cuentos de Poe sin buscar una traducción literal. Foto: gentileza Páginas de Espuma.

Curador del volumen junto con Jorge Volpi, el escritor e historiador peruano Fernando Iwasaki rechaza la idea de que los clásicos deban retraducirse por rutina.

«Existen traducciones de autor cuyo valor reside en el prestigio literario del traductor. Pienso en Borges, Cabrera Infante o Javier Marías. La de Baudelaire seguirá siendo la traducción de Poe en francés. La de Cortázar pertenece a ese mismo linaje y la considero incuestionable«, confiesa a Clarín. La nueva versión, aclara, respondió a razones extraliterarias y encontró en Accorinti a un traductor capaz de asumir ese desafío con solvencia.

Poe, el periodista

Mucho antes de convertirse en un clásico, Poe escribió con la urgencia de quien dependía de cada colaboración para vivir. Publicaba cuentos, poemas y críticas mientras pasaba horas leyendo novedades editoriales y escribiendo reseñas en periódicos y revistas de Baltimore, Filadelfia y Nueva York.

Esa faceta cobró nuevo relieve cuando Páginas de Espuma publicó los Ensayos completos, en buena medida inéditos hasta entonces en español. «Era natural que esa dimensión menos conocida apareciera destacada en los textos de presentación», explica Iwasaki. El trabajo con esos materiales, admite, modificó incluso su propia lectura: «Ya me resulta imposible releer algunos cuentos y poemas de Poe sin pensar en los libros que reseñó mientras los escribía».

Ese periodista, más pendiente de los cierres de edición que del pedestal al que lo subiría la historia de la literatura, convivía con el autor de relatos como «El corazón delator» o «La caída de la casa Usher». También polemizaba con escritores exitosos de su tiempo y ejercía una crítica feroz.

«La necesidad de subsistir terminó convirtiéndose en una pasión enfermiza por leer y escribir como si no existiera un mañana», resume el autor peruano. La imagen del genio aislado deja paso a la de un hombre inmerso en el vértigo de las redacciones, donde la literatura y el periodismo todavía no ocupaban casilleros separados.

La apuesta tampoco termina en la nueva traducción. También cambia la conversación que rodea a los cuentos. Si en la edición de 2008 los prólogos estuvieron a cargo de Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa, ahora las encargadas de abrir el volumen son Mariana Enríquez y Patricia Esteban Erlés. La elección, explica Iwasaki, fue deliberada: «Nos pareció oportuno que fueran dos escritoras y, además, una española y otra latinoamericana».

Pero el cambio no responde solo a una cuestión generacional. «Tanto Mariana como Patricia escribieron sus prólogos como lectoras de Poe y como escritoras de cuentos en el aire de Poe», señala el editor. A diferencia de los textos de 2008, más vinculados con la figura de Julio Cortázar, aquí el diálogo nace directamente de la experiencia de leer y escribir bajo la influencia del autor de «El cuervo».Las ilustraciones de Arturo Garrido acompañan los cuentos de Poe sin buscar una traducción literal. Foto: gentileza Páginas de Espuma.

Comentario de un narrador

Ese intercambio se amplía con otro gesto poco frecuente: cada uno de los cuentos va acompañado por el comentario de un narrador contemporáneo. Son 67 autores nacidos después de 1960 –entre ellos Alejandro Zambra, Guadalupe Nettel y Antonio Ortuño– convocados para leer a Poe desde su propia experiencia como escritores.El escritor e historiador peruano Fernando Iwasaki. Foto: gentileza Páginas de Espuma.

El criterio fue sencillo: convocar a escritores nacidos después de 1960 con al menos un libro de cuentos publicado. La idea, sin embargo, venía gestándose desde la edición de 2008. «Vargas Llosa aún no había recibido el Nobel y los 67 autores contemporáneos teníamos casi veinte años menos», recuerda Iwasaki. Aquella experiencia, dice, terminó funcionando como un manifiesto en defensa del cuento y abrió el camino para proyectos similares dedicados a Maupassant, Chéjov, Joyce y Flaubert.

Iwasaki insiste en despejar un posible malentendido: esta no pretende ser una edición crítica en sentido académico. No hay voluntad de competir con los especialistas ni de ofrecer un aparato filológico exhaustivo. El libro nació desde otro lugar. «Nuestra edición no es nada convencional, porque ni siquiera somos especialistas en filología inglesa. Todo lo contrario. Somos lectores y escritores en español, unidos por la complicidad literaria y la admiración por Edgar Allan Poe«.

Si este libro fuera una edición universitaria, “habría sido completamente diferente», resume el editor. «Estamos más cerca de la crítica de la pasión pura que de la razón pura.»

El orden de los cuentos tampoco es casual. En lugar de agruparlos por temas o géneros, la edición respeta la secuencia en que fueron publicados entre 1832 y 1849. Esa decisión permite seguir la evolución de Poe casi paso a paso: ver cuándo aparecen ciertas obsesiones, cómo cambia su escritura y en qué momento la ciencia empieza a ocupar un lugar central en su imaginación.

Este «Poe científico» es una zona a menudo mal comprendida. Su curiosidad por la física, la astronomía y las ciencias naturales fue vasta. “Pensemos en su ensayo ‘Eureka’, donde uno podría pensar que intuyó el Big Bang; o en su interés por la frenología, el mesmerismo, los experimentos o los moluscos –destaca Iwasaki–. Poe se documentó sobre esas y otras cuestiones para escribir ‘científicamente’”.Las ilustraciones de Arturo Garrido acompañan los cuentos de Poe sin buscar una traducción literal. Foto: gentileza Páginas de Espuma.

La relectura de Poe también pasa por las imágenes. Las ilustraciones de Arturo Garrido acompañan los cuentos sin buscar una traducción literal. Dialogan con esa atmósfera donde conviven la belleza, el horror y la extrañeza.

«Soy capaz de imaginar los cuentos de Poe ilustrados por Quino, Maitena o Fontanarrosa. Sus trazos son tan reconocibles que, en realidad, habrían sido ellos quienes recibirían los aportes de Poe», analiza Iwasaki. En esa lógica celebra el trabajo de Arturo Garrido. «Sus dibujos han leído a Poe hasta el punto de vengarse de su embrujo, arrancándole un ojo en un claro guiño a algunos de sus cuentos».

Los herederos de la oscuridad

Pocos escritores dejaron una descendencia literaria tan amplia como Edgar Allan Poe. Para Fernando Iwasaki, las casas en ruinas, los narradores perturbados, las mujeres espectrales y los crímenes que poblaron los cuentos de Poe siguen proyectando su sombra sobre buena parte de la literatura contemporánea. Maupassant, Stoker, Lovecraft, Shirley Jackson o Stephen King forman parte de esa genealogía.

«Son sus descendientes», resume. Aunque enseguida aclara, con humor: «Poe sería como Edipo, que nunca tuvo su complejo».

Esa influencia encontró en el mundo hispanohablante un mediador decisivo. Borges no solo tradujo y leyó a Poe, también enseñó a leerlo. Gracias a él, sostiene Iwasaki, el escritor estadounidense terminó ocupando un lugar excepcional dentro de nuestra tradición literaria, junto a autores como Chesterton, Stevenson, Kipling o De Quincey.Las ilustraciones de Arturo Garrido acompañan los cuentos de Poe sin buscar una traducción literal. Foto: gentileza Páginas de Espuma.

“En lengua española siempre vamos a encontrar nuevas ediciones y traducciones de Poe porque Borges convirtió a Poe en una referencia constante para sus propios lectores”, concluye el autor e historiador peruano.

Después de meses dedicado a revisar la obra de Poe, el editor peruano reconoce que hay un autor que cambió su manera de acercarse al autor de «El cuervo». «Después de leer Monsieur Pain, de Roberto Bolaño, nunca volví a leer igual ‘Revelación mesmérica’. La lectura de la novela de Bolaño condicionó para siempre mi lectura de ese cuento.»

Después de 175 años, quizá esa sea la mayor prueba de la vitalidad de Poe: cada nueva lectura descubre un escritor distinto.

Cuentos completos, de Edgar Allan Poe (Páginas de Espuma).

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Sobre la firma

Fabiana Scherer

Es periodista con más de dos décadas de trabajo, con especialización en periodismo cultural. Es autora de los libros Alzamos la voz (Urano) y Esos Raros Relatos Nuevos (Catapulta).Bio completa

Fuente: Clarín.com

Antes, para comunicarse, además de las ganas, había que hacer un esfuerzo. Sin vida digital ni internet, había que anticiparse y ampliar la paciencia. Antes, una artista como Mercedes Sosa, que viajaba por el mundo y nunca paró, tenía que sentarse a escribir de puño y letra, con el papel que encontrara por ahí, y luego resolver el envío por correo.Mercedes Sosa y Araceli Matus su nieta. Archivo Clarín.

A veces la carta estaba escrita en el mismo dorso del sobre. A veces, Mercedes, como cualquier otra persona, ni siquiera sabía cuándo llegaría ese cariño, o ese pedido, o esas muestras de vida, al destinatario. Antes, en vez de construir un perfil estético en algún feed de una red social, la personalidad de alguien se podía palpar en su escritura.

Y eso es un poco el primer impacto de estas correspondencias inéditas, ahora hechas libro en Pájaro azul (cartas desde el exilio). Encontrarse con una cantante que todo su pueblo conoce, pero desde un lugar casi desconocido.

Resulta que algún día de 2016 cayó Hugo Otero a la Fundación Mercedes Sosa. Entre sus manos, después iban a saber todos, tenía un tesoro. Había guardado toda la correspondencia que Mercedes le mandó en sus años de vínculo. Araceli Matus, nieta de la cantora, tardó un tiempo en decidir qué hacer con ese material inédito.

Al principio hasta le dio algo de pudor leerlo. Luego se preguntó si su abuela estaría de acuerdo. Con el tiempo se fue animando y ordenó esa carpeta azul del pasado.

En carne viva

No lo podía creer: ahí estaba su abuela desde un costado totalmente casero, en carne viva desde el exilio, pero también en todo su esplendor. Así nació Pájaro azul (cartas desde el exilio), la primera autobiografía inesperada de Mercedes Sosa.

En la nota de las editoras, se aclara un punto importante: no es la Mercedes cantora ni la figura pública consagrada, sino una mujer que escribe antes de dormir, en un avión o en su “escritorio color burguesía”, y que le habla a Hugo desde el miedo, la soledad, el cansancio, el humor y el deseo.

Carta a carta, Mercedes va construyendo una autobiografía fragmentaria que es también el retrato sensible de una época: aparecen lecturas, músicas, ciudades, afectos, escenas del exilio y referencias a acontecimientos históricos que atraviesan su vida cotidiana.

El 25 de octubre de 1980, Mercedes le escribió a Hugo desde Madrid. Hacía más de un año que estaba exiliada. Tanto se habló de su dolor ante la ausencia de la patria.

Y acá está ella desarrollando un poco más, en primera persona: “Como vos lo dijistes, la lejanía de la patria es dura, pero la cercanía la veo más obscura que nunca, las distintas voces de la derecha están más fuertes, eso se refleja en las revistas de Argentina, lástima, veo que el hecho cultural no existe casi o si existe es clandestino, lo lamento por mí, por nosotros, por nuestro país, ¿qué hijos tan cultos y tan importantes dio en todos los tiempos? Mi consuelo es que subterráneamente estén formándose los que mañana, limpia la mente de tanto fascismo, existirán y soñarán con una Argentina sin lágrimas”.

Con las “s” finales

Esta cita también sirve para apreciar un gesto –uno de varios– que su nieta Araceli (una de las editoras y responsables de este proyecto) tomó a la hora de la transcripción. Eso de dejarle a Mercedes los verbos con las “s” finales. Porque una voz también son sus vicios, que a veces terminan siendo sus vanguardias.Mercedes Sosa y Araceli Matus su nieta. Archivo Clarín.

Pájaro azul contiene más de cien cartas, la mayoría fechadas entre 1978 y 1981. Es decir, en el período en que Mercedes comenzó a ser perseguida de manera más brutal por la dictadura cívico-militar y su posterior exilio.

Además de sentir el pulso cotidiano de una mujer angustiada, las cartas también ofrecen su propio universo cultural casi sin querer. Cuando Mercedes escribía, mencionaba artistas, citaba canciones y poemas, y describía lugares. Toda una clase muy personal de historia del arte popular. Algunas tenían que ver con su carrera (canciones que iban a sus discos, artistas con los que grababa) y otras, no.

Para darle un marco ensayístico general, la edición del libro cuenta con un sistema de citas al pie que aclara la información básica de cada referencia cultural. Y es una locura incontenible porque van de Marx y la política de contención de Venezuela a, por supuesto, Atahualpa Yupanqui, Piazzolla y Milton Nascimento.

Además de leer a Mercedes desde un lugar cotidiano, y también cultural, uno puede encontrar en este libro una historia de amor. Son tiempos duros para ser elegantes con esa búsqueda. Y no está mal pensar a Mercedes enamorada, al menos desde un intercambio idílico y corresponsal. Como una acción epistolar de amor y sostén. Hasta quizás le haya dicho a Hugo “pájaro azul” por el cuento de Rubén Darío, nadie lo sabe.Araceli, su padre Fabián Matus y Mercedes Sosa. Archivo Clarín.

Ella, en un momento, le dice a Hugo: “De repente siento que las amistades tienen que ser, no unas hermosas cartas, sino las tremendas verdades de nosotros”.

Ella hablaba de cuestiones existenciales como los sueños, los destinos posibles, y también, por supuesto, ella estaba hablando del amor. Pensaba en un pájaro azul mientras escribía, y cantaba, desde el amor.

Pájaro azul (cartas desde el exilio), de Mercedes Sosa (Paripé Books).

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Fuente: Clarín.com