Categoría: Entretenimiento

Agua. Este ha sido el eje conceptual del Festival Pleamar Inmersiva 2025, un encuentro ya clásico y fundamental en la agenda de las artes electrónicas, que ha incidido con decisión en la ampliación y divulgación de esta rama del arte. Allí convergen música, arte visual y tecnología, con fuerte énfasis en lo inmersivo y lo experimental. Bajo la curaduría de la experimentada Luciana Aldegani, la edición trabajó el agua como un núcleo envolvente, una experiencia sensorial que comenzó el 4 de junio y finaliza el próximo 14 de julio en el Palacio Libertad (exCCK).Audiota + Esteparia, en Pleamar 2025 @scavinophoto

Durante casi seis semanas un público amplio y curioso participó con todos los sentidos de las actividades en la sala inmersiva y en otra, de conferencias, donde hubo performances, instalaciones y disertaciones de artistas, músicos, expertos y protagonistas del cada vez más grande y diversificado mundo de las artes digitales y electrónicas.

“Creo que ha sido y es muy interesante incorporar artistas tanto en experiencias en vivo como en videoinstalaciones, bajo la consigna de establecer un eje temático, el del agua como un objeto de discusión, que puede tener diversos abordajes”, explica Aldegani curadora y pionera en este campo. “Los artistas hicieron una lectura muy interesante sobre esa idea”.https://161a6a55665ddb8ef70ce8cc14efe51e.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlLuciana Aldegani. Artista interdisciplinar, productora y gestora cultural. Foto: Ariel Grinberg

Pleamar nació en Mar del Plata de la mano de Aldegani y de Ernesto Romeo, compositor, tecladista, especialista en sintetizadores y fundador del grupo de música electrónica Klauss. En 2018 dictaron los primeros cursos sobre este universo conceptual, en 2019 ya recibieron el apoyo del Fondo Nacional de las Artes para la realización de la primera edición de la Beca Pleamar. Desde entonces organizaron ciclos en el Museo de Arte Contemporáneo MAR, trabajaron con el Complejo Histórico Manzana de las Luces, el Centro Cultural Kirchner y la Universidad Nacional de Tres de Febrero. También realizaron actividades en 2023 en Ciudad de Buenos Aires, específicamente en Artlab y en el Centro Cultural Recoleta. Hasta 2021, el festival estuvo más orientado al terreno del sonido, pero desde entonces, las artes visuales ganaron terreno y representación.

“El Festival en Mar del Plata está pensado desde una perspectiva ambientalista. Empezamos con el agua, volvemos al agua y después, hacemos esa metáfora líquida”, dice Aldegani, en referencia a la versión marplatense del ciclo que este año se realizará los días 22 y 23 de noviembre en el Museo MAR.Sebastián Feifert en Pleamar 2025 @scavinophoto

“Las temáticas empiezan a tomar situaciones de borde, orillas, surgen inquietudes que tienen que ver más con un escaneo de las geografías, desde el océano, pasando por la llanura hasta las sierras. Pleamar tiene un crecimiento que es orgánico y sustentable, que se hace lo que se va pudiendo con una pisada muy fuerte sobre la realidad, basada en la respuesta inmediata que los artistas nos dan”, explicita Fernando Molina, arquitecto, artista audiovisual y curador de artes visuales en Pleamar.

Las actividades del ciclo del exCCK tuvieron momentos muy valorados como las performances audiovisuales μruguay (Sebastián Seifert), Quintaesencia (Audiota + Esteparia), y Premonición (Sol del Río), que exploraron el agua como medio fluido, sensorial e hipnótico. O las participaciones de las curadoras Jazmín Adler y Agustina Rinaldi con sus exposiciones sobre las primeras obras por computadora hasta el desarrollo de entornos sensoriales inmersivos y el cruce entre arte, ciencia y tecnología, respectivamente.También fueron muy aplaudidas las de Molina, Hernán Caratozzolo, Ernesto Romeo y Lucas DM.Fernando Molina. Es arquitecto UB, artista audiovisual y egresado de la Diplomatura en Música Expandida en la Universidad Nacional de San Martín.

La charla que dio Molina estuvo vinculada al concepto de lo inmersivo. Tomó la cuestión paradójica de la fascinación que genera esta experiencia. “Antes de nacer ya estamos en un ambiente inmersivo, nos engendramos en un útero, en algo que nos cobija, toda nuestra vida se desarrolla en situaciones inmersivas, nuestra realidad tridimensional tiene piso, techo, laterales. Entonces, ¿qué es lo que nos fascina tanto de ir una sala a estar inmersos cuando en la vida ya lo estamos? Es la intencionalidad, la fantasía del artista volcado sobre esas seis caras del cubo que nos contienen y que en realidad son antiguas como la vida misma”.

Fue entonces que Molina se refirió a esa sensación que tuvieron quienes habitaron lugares como la Cueva de Lascaux, Francia, hace 12.000 años: “Esa civilización primitiva que estaba encerrada en la Cueva empieza a reproducir en las paredes y en los techos, la realidad de lo que veía, los animales, la casa, la búsqueda del alimento”. El arquitecto y artista audiovisual concluye: «Me pregunto por qué nos fascina una situación así, que es nada más y nada menos que la mirada del artista que define al espacio inmersivo y la vivencia que vamos a tener ahí adentro como una forma un poco contradictoria y paradójica de este nuevo paradigma de las artes».Sol del Río en Pleamar 2025 @scavinophoto

Aldegani camina por la sala inmersiva del segundo piso del exCCK, mientras Seifert desarrolla su trabajo impactante que expresaba un estar en la naturaleza y que fue muy elogiado por el público. Poco después, la curadora reflexiona acerca del cruce de estas expresiones con el entorno del mundo en todas sus variantes: “Me parece interesante la política que se imprime en la selección de dispositivos, en los componentes a los que los artistas tienen acceso y en todas las decisiones y las diferencias que surgen de ser artista en Latinoamérica y en Europa.

–Entonces, ¿cómo se posiciona el artista electrónico latinoamericano en este contexto?Luciana Aldegani, curadora de Pleamar 2025. Foto: Ariel Grinberg

–El arte electrónico se tiñe de situaciones que son decisiones del artista, pero que también son coyunturales. El acceso a determinadas tecnologías hace que se desarrollen más o menos artistas digitales que en otros lugares. Y todo eso hace que la escena latinoamericana, la nuestra, tenga un empuje muy fuerte porque estamos todo el tiempo trabajando en la carencia, inventando lo que falta y eso entrena la creatividad de una forma explosiva, hay mucho alambre y mucha soldadura, mientras que en la escena europea todo es impecable, perfecto, pulcro.

–Esa «carencia» necesariamente hace una diferencia, ¿no?

–Nuestra escena es prolífica, poderosa en lo conceptual de sus obras, en sus recorridos. Tengo la oportunidad de hablar con muchos artistas que cambian la visión del mundo y eso es fabuloso. Ellos están muy en sus creaciones y resolviendo la carencia, la falta. A veces, esa negativa que presenta la realidad tiene detrás un sí gigante que fortalece los aspectos conceptuales de la obra, porque ese artista para llegar a ese elemento tecnológico que necesita, tiene que pasar por otros talleres, otros estudios y eso fortalece la comunidad de artistas.

Fuente: Clarín.com

A buena hora, a los 92 años, Alberto Churba tendrá su primera muestra retrospectiva. El creador, cuyo apellido se volvió sinónimo indiscutido de la vanguardia del diseño argentino y latinoamericano, será el gran protagonista de la exposición Alberto Churba, Diseño Infinito. Inaugura el viernes 11 de julio, y hasta el 12 de octubre se podrá ver en el Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD).

La exhibición producida por Satsch Gallery, bajo la curaduría de Sandra T. Hillar y Wustavo Quiroga, cuenta además con la participación del mismísimo autor en la selección y autentificación de las piezas, lo mismo en el diseño expositivo del espacio.https://787a86e9e7563e9d603faa556f56ffc5.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Valga el dato que retoma el antecedente de Churba. 30 años de diseño, la publicación editada en 2008, donde recapituló su trabajo entre las décadas del 60 y 80.

Y tiene como propósito salir del imperativo industrial y funcionalista que se suele proponer desde el norte global, para en cambio, leer la labor del diseñador desde su origen latinoamericano, en línea con las obras de otros referentes de la región, como Lina Bo Bardi, Gego u Oscar Niemeyer.Retrato de Alberto Churba. Foto: Satsch Gallery gentileza.

Una dinastía de diseño

A su vez, la muestra postula revalorizar a Churba como el iniciador del grupo familiar venerado en tanto dinastía de diseño. Entre otros, le siguieron sus sobrinos León, arquitecto, quien por más de tres décadas estuvo a cargo del estudio Gris Dimensión y Graciela que tiene su propia casa de alfombras.

A ellos que se añaden sus sobrinos nietos; Martín, factótum de la marca de indumentaria Tramando, ahora abocado al arte textil; Federico, diseñador de mobiliario al frente de la firma homónima; y Leticia, quien hizo lo propio con los accesorios de Perfectos Dragones, para enfocarse luego en la cerámica.

Formado en la educación pública, primero en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, luego en la Prilidiano Pueyrredón y en la Cárcova después, además Churba se atrevió al metier de la danza, hasta que incursionó en el terreno del diseño y allí se quedó para siempre.Alberto Churba, Cristales u´nicos Querandi de la Coleccio´n Satsch Gallery. Foto: Satsch Gallery gentileza.

Desarrolló muebles, objetos decorativos, cristales, además de alfombras y textiles para la casa. Algunas de sus piezas emblemáticas forman parte de las colecciones del MoMA de Nueva York, el Victoria and Albert Museum de Londres y el Smithsonian Institution de Washington D.C., entre otros.

Pionero en interiorismo no solo en Argentina sino también en Sudamérica, el hito fundacional de su trayectoria fue, sin dudas, la apertura Estudio CH, cuando todavía no había cumplido treinta años.

El local que parecía una caja de cristal de cinco metros por diez, en la esquina de Cabildo y Juramento del barrio de Belgrano, hizo furor desde su inauguración en 1960. En ese sitio no solo montó vidrieras que el tiempo volvió indelebles, además se realizaron exposiciones y happenings. Fomentó una convivencia inédita entre las piezas de diseño utilitarias y las obras de arte, en sintonía con otros espacios ineludibles para la generación dorada de los jóvenes del 60: el Museo de Arte Moderno y el Instituto Di Tella.

En CH tuvo la osadía de vender objetos nunca antes vistos en Buenos Aires, traídos tanto de Estados Unidos e Italia, como de lugares remotos, Finlandia, Japón e India. También hizo lo propio con una vasta selección de artesanías.Alberto Churba, Alfombra de la Coleccio´n Satsch Gallery. Foto: Satsch Gallery gentileza.

Con esas acciones, se adelantó, aunque de manera más sofisticada, al presente signado por el comercio global para acceder a objetos de culturas lejanas, y al mismo tiempo al sostenido interés actual por los saberes ancestrales, tanto en la escena del mobiliario y sobre todo en la de la indumentaria.

Señalan los curadores que la muestra en el MNAD es el resultado del pormenorizado seguimiento al que sumaron a otros coleccionistas. Bien podría decirse fanáticos de Churba, quienes aportaron a la exhaustiva investigación y a la puesta en valor de las piezas. En definitiva, Hillar y Quiroga se comprometieron al aunar esos intereses que hasta ahora habían estado atomizados.

Y por fuera de la solemnidad que puede imprimir decir que este es un homenaje a uno de los padres del diseño argentino, por el contrario, se presenta como una exposición celebratoria de su vigencia creativa.Alberto Churba, Sillon Cinta de la Coleccio´n Satsch Gallery. Foto: Satsch Gallery gentileza.

Cinco ejes temáticos

Compuesta por cinco ejes temáticos comprenderá obras del período entre los años 60 y 80, a las que, en tanto epílogo, se suman las pinturas digitales que el autor realizó ya entrado el siglo XXI. Y aunque estas últimas fueron creadas mediante Photoshop, al estar impresas con sumo detalle en alta calidad en Roma, pueden ser contempladas como piezas únicas.

Se anticipa que el icónico sillón Cinta será el hit de la exposición, con tres versiones de este diseño. La pieza de estructura continua que unifica asiento, respaldo y apoyabrazos forma parte del Victoria & Albert Museum de Londres y del MoMA de Nueva York. De hecho, el año pasado fue parte de la exhibición Crafting Modernity: Design in Latin America, 1940–1980 que se hizo en el museo estadounidense.

La misma expectativa ya generan los cristales soplados que estarán dispuestos en la sala revestida con espejos, que otrora funcionó como el salón de baile del palacio de la familia Errázuriz Alvear, donde hoy está el MNAD.Alberto Churba, Cristales Manzanas de la Coleccio´n Satsch Gallery. Foto: Satsch Gallery gentileza.

Piezas que se remontan a la producción de 1972 en alianza con la Cristalería Querandí, y en trabajo conjunto con artesanos. Un sistema de colores primarios a los que el autor añadió el blanco opalino y el negro, para generar diversas gamas, superposiciones y transparencias. Objetos que dialogan con la tradición escandinava que Churba admiró y vendió en CH.

Este núcleo de obra promete estallido de colores, en definitiva, tal cual lo explica en su libro, es, justamente, en el color donde encontró su burbuja protectora. Al mismo tiempo, seguramente, será el escenario de deleite para las capturas fotográficas de los instagramers.

Alfombras y otros textiles

También se podrán contemplar alrededor de veinte alfombras producidas por la firma Dándolo y Primi. Confeccionadas en telar manual, con 160 mil nudos por metro cuadrado y realizadas en tiempos de hasta tres meses por cada una ¿Los motivos? Transpolan procedimientos propios de la pintura óptica y el arte geométrico al diseño textil. ¿Cómo? Provocando variaciones en la altura de pelo, la paleta de tonos, y al incorporar degradés y modulaciones.Alberto Churba, Alfombra de la Coleccio´n Satsch Gallery. Foto: Satsch Gallery gentileza.

Se verá además una amplia gama de sus diseños textiles. Es que, así como, desde adolescente, estuvo vinculado a las telas cuando las ordenaba y combina en la empresa de su familia, ese interés retornó con creces en la asociación que hizo con la fábrica Alpargatas. Esas producciones que podían ser usadas para tapizar un sillón o como lonas de playa, fueron comercializadas a un valor accesible en contraste con sus habituales obras destinadas a consumos de alto poder adquisitivo.

De hecho, esa colaboración ejemplifica cómo Churba logró democratizar el diseño de autor de cara al público masivo. Luego, en los años 80, revisitó los textiles en un trabajo para la empresa suiza Nef-Nelo. Desarrolló piezas que se vendieron en Japón, Europa y Estados Unidos.

Y si Infinito es el nombre de la tela que inició la colección para Alpargatas, no en vano ese término está incorporado en el título de la exposición. Ya que una vez más Churba se mostrará inagotable, al salirse de los bordes de las disciplinas que encara, lo mismo al trascender la función de los objetos que diseña, pero por, sobre todo, al emprender una nueva conquista. En esta ocasión la hará en el museo, para la memoria afectiva de sus coetáneos y como un rayo novedoso para los diseñadores futuros.

Alberto Churba, Diseño Infinito, en el Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902) del 11 de julio al 12 de octubre, se puede visitar de miércoles a domingos, de 13 a 19 con entrada libre y gratuita.

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Sobre la firma

María Eugenia MaurelloBio completa

Fuente: Clarín.com

El escritor español Miguel de Unamuno (1864–1936), en una carta inédita hasta ahora, datada el 7 de diciembre de 1936 –tres semanas antes de su muerte–, confesó al novelista Henry Miller (1891–1980) su temor a ser asesinado porque existía una orden de acabar con él si trataba de huir de su arresto domiciliario.

La Casa–Museo Unamuno en la ciudad de Salamanca, de cuya histórica universidad fue rector, difundió un importante depósito efectuado en la institución por el investigador Carlos Sá Mayoral y en el que se incluye una carta que Miguel de Unamuno trató de enviar al escritor Henry Miller a finales de 1936.https://eaf652f983e390e8a6e97df1c080e376.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

La carta fue escrita el 7 de diciembre de 1936 por Unamuno en respuesta a otra (hoy en paradero desconocido) que Miller le envió con anterioridad, lo que evidencia una desconocida relación epistolar entre ambos literatos.

Famoso enfrentamiento

En el texto, Unamuno se lamenta de su situación desde que el 12 de octubre anterior, durante la celebración del denominado Día de la Raza en el paraninfo de la Universidad de Salamanca, censurase la actitud de las élites franquistas y falangistas, dando lugar a su famoso enfrentamiento con el general Millán Astray, uno de los militares más cercanos a Franco.

«Sá Mayoral ha publicado varios trabajos como ‘Miguel de Unamuno: ¿muerte natural o crimen de Estado?’ e involucra por primera vez al dictador Francisco Franco directamente en la persecución y muerte del escritor«, indicó la Casa–Museo.Retrato del escritor y catedrático Miguel de Unamuno, rector de la Universidad de Salamanca. EFE

Unamuno incluso llega a denunciar en la misiva la existencia de una orden de asesinarle si trata de huir, describe la terrible situación que se vivía en la España dominada por los sublevados contra la República en julio de 1936 (lo que provocó una guerra civil hasta 1939) y pide a Miller que cuente todo esto a quien quiera escucharle en París, especialmente entre los exiliados españoles.

«Tiene aún más valor histórico la epístola pues, tras ser secuestrada por el Servicio de Información Militar (SIM), el jefe de ese organismo, coronel Salvador Múgica, elevó un informe al general Franco advirtiendo del deseo de Unamuno de huir al extranjero, fechado tan sólo once días antes de la muerte del escritor», indica la Casa–Museo Unamuno.

Persecución y muerte de Unamuno

La aparición de esta misiva es una continuación de las aportaciones anteriores a los escritos de Sá Mayoral, realizadas por el cineasta Manuel Menchón y el catedrático de la Universidad de Salamanca y escritor Luis García Jambrina (La doble muerte de Unamuno), relativas también al final de la vida de Unamuno, uno de los escritores más prestigiosos de la literatura española.Unamuno fue retirado de la Universidad de Salamanca al día siguiente de su encuentro con Millán Astray.

La carta se une a otros dos documentos hallados recientemente con motivo del proceso de documentación que se desarrolla en torno a la exposición sobre los vínculos del que fue rector de la Universidad de Salamanca y la ciencia, que prepara la Unidad de Cultura Científica y de la Innovación de la Universidad de Salamanca para el próximo año, entre ellos, una nota manuscrita del novelista británico H.G. Wells a Unamuno.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Dos grandes pasiones, escribir y volar, guiaron la vida de Antoine de Saint-Exupéry, autor de El Principito. Su mensaje «humanista» sigue «de actualidad» en el 125 aniversario de su nacimiento, que se cumple este domingo, aunque él, según su familia, vería con disgusto la semejanza entre el mundo de hoy y los años treinta del siglo pasado.

Estaría muy triste porque vería que hemos vuelto casi a su época, con los mismos problemas. No hemos avanzado mucho y creo que estaría muy triste de verlo», explica Olivier d’Agay, sobrino nieto de Saint-Exupéry, quien falleció en 1944 mientras pilotaba un avión aliado en la Segunda Guerra Mundial.https://8ce4b573f50ec949718297e3b9147773.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

D’Agay, director de la sucesión de Saint-Exupéry, cree también que el sentimiento de su tío abuelo sería agridulce al constatar el «éxito increíble» de su Principito del Asteroide B-612, que con sus 640 versiones es el libro más traducido del mundo a excepción de la Biblia.

El fervor por su pequeña novela le sorprendería, aventura su sobrino nieto, ya que aunque escribía «para hablarle a la humanidad», era alguien «muy modesto».

«Estaría muy contento de ver que no trabajó para nada», resume.El Principito, de Antoine de Saint-Exupéry. Archivo Clarín.

Si bien cada 29 de junio se celebra el Día internacional de El Principito, los sucesores de Saint-Exupéry no han planeado nada concreto para este 125 cumpleaños.

Vienen de celebrar el 80 aniversario de la publicación de ese icónico relato en inglés (la edición original), el próximo año será su equivalente de la edición francesa y, en 2024, también conmemoraron los 80 años de la desaparición del piloto y escritor.

Pero tampoco hacen falta efemérides para que el escritor esté presente en todo el mundo, ya sea en museos –como el que abrirá en noviembre en la localidad suiza de Soleure con más de 10.000 libros, discos, cintas y documentos de El Principito de la Fundación Jean-Marc Probst–, en el cine, con cintas como Saint-Ex (2024), o en teatros, como en el musical barcelonés de El principito.

La misión de acercar a los hombres

Saint-Exupéry nació en Lyon, en el seno de una familia de la antigua nobleza, y con tan solo cuatro años perdió a su padre, Jean, un exoficial de caballería que hizo después carrera en la compañía aseguradora de su padre.

Le enseñó a leer su madre, Marie de Saint-Exupéry, quien también lo introdujo desde muy pequeño en la literatura contándole junto a sus cuatro hermanos cuentos e historias de santos antes de dormir.

Más tarde descubriría a novelistas como Dostoievski o la poesía de Baudelaire, así como el teatro.Los originales de «El principito» serán parte de una gran exposición que realiza el Museo de las Artes Decorativas de París. / Foto: AFP

Sus primeras tentativas literarias fueron pequeños poemas que escribió estando aún en el colegio, pero su amor por la literatura discurrirá en paralelo a su otra gran pasión: la aviación.

Su bautismo en los cielos, a pesar de no tener el permiso de su madre, le llegaría con tan solo 12 años, al acompañar al piloto Gabriel Wroblewki en una avioneta durante las vacaciones de verano.

Ya en el servicio militar se haría oficialmente piloto y después empezó a transportar correo en los inicios de la aviación comercial. Con base en Buenos Aires, se encargó de organizar las líneas de América del Sur de la compañía francesa transatlántica Aéropostale.

«Era una aventura completamente increíble y la gente podía morir transportando el correo. Era también algo fuera de lo ordinario porque ¿valía la pena verdaderamente asumir tantos riesgos? Sí, para ellos era muy importante. Para él era muy importante porque tenía en el alma la misión de acercar a los hombres, de crear vínculos transportando ese correo», explica D’Agay.

Accidentes graves

Como piloto sobrevivió a varios accidentes graves, pero en paralelo tampoco dejó de escribir. Ganó el prestigioso premio Femina por Vuelo nocturno en 1930 y fue en esa década cuando más se dedicó a la escritura, incluido al periodismo, hasta la Segunda Guerra Mundial, en la que sirvió como piloto.Antoine de Saint Exupéry, aviador y escritor, autor de El Principito (1900-1944)

Con la ocupación nazi de Francia se instaló en Nueva York y fue allí donde se publicó por primera vez El Principito, el 6 de abril de 1943, de la mano de la editorial Reynal & Hitchcock.

Es una obra «mágica», define su sobrino nieto, que muestra bien por qué Saint-Exupéry es un clásico: es un libro «humanista» que resulta aún «muy moderno» porque en él encontramos «muchos de los problemas que seguimos teniendo hoy», como las guerras, el totalitarismo y el combate por la protección del planeta.El Principito se publicó por primera vez en inglés y francés en Estados Unidos por Reynal & Hitchcock en abril de 1943 . / EFE

Saint-Exupéry desapareció sobre el mar el 31 de julio de 1944, cerca de Marsella, mientras pilotaba un Lightning P-38 en una misión de reconocimiento. Se recuperó su brazalete y partes de la nave y, según la familia, la hipótesis más probable es que fuera abatido por los alemanes.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El escritor mexicano Jorge Volpi (Ciudad de México, 1968) se adentra en el terreno de la ópera de cámara con Tristana, una versión contemporánea de la novela de Benito Pérez Galdós y del filme dirigido por Luis Buñuel, que se ofrece en el festival «Ópera a quemarropa» de Madrid.

Con música de Miguel Huertas y dirección de Ricardo Campelo, la ópera de Volpi traslada a los personajes de la novela de Galdós (publicada en 1892) a pleno siglo XXI y explora, en palabras del autor, «la búsqueda de la libertad» y la vigencia de la lucha femenina contra el patriarcado.https://e31c074770e34a9a37a01035801abbab.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Volpi, en una entrevista, explica que desde el inicio tuvo claro que quería dialogar no solo con Galdós, sino también con la película de Buñuel.

Tristana presenta la relación de una joven huérfana con su tutor anciano y un artista conservador que no entiende sus ansias de libertad.

Una de las mayores sorpresas en este proceso fue descubrir que el texto original tiene una resonancia actual porque «muchas de las situaciones que están ahí presentes, que tienen que ver con relaciones tóxicas, con violencia de género, podían adquirir un matiz contemporáneo”, apunta Volpi.

Universo musical

En esta versión, el universo musical es clave: Don Lope (el tutor) se convierte en un profesor de canto que ejerce una influencia dominante sobre su alumna, de donde “viene esta versión nueva de Tristana”, resume el autor.Jorge Volpi. Foto: archivo Clarín.

El proceso de adaptación implicó retos para equilibrar el respeto por el texto original con la necesidad de actualizarlo por lo que mantiene “muchos de los diálogos originales, simplemente adaptándolos al presente”, continúa.

Además, la ópera se inclina más hacia la versión de Buñuel, con un final «más cercano» a la película que a la novela, que es «por la época muchísimo más conservadora» aunque con un «matiz de ambigüedad», indica.

La Tristana del siglo XXI

Volpi considera que situar la acción en la actualidad refuerza la potencia de la historia porque “justamente estos temas que ya estaban presentes en la época de Galdós adquieren todavía más vigencia y actualidad en esta traslación temporal”.

Además, la obra resalta el cuerpo femenino como campo de batalla: Tristana es «una figura que después de sufrir múltiples violencias siempre está, tanto en la novela como en la película y acá, en busca de su libertad individual”, subraya.El escritor mexicano Jorge Volpi habla durante una entrevista con EFE, el 29 de noviembre de 2022. EFE/ Francisco Guasco

“Por lo tanto es un acto de resistencia que Buñuel vio muy bien y por eso permitió un final más esperanzador para ella, y es el mismo estilo de final que decidimos tener nosotros”, señala.

Aunque su carrera ha estado marcada por la novela y el ensayo, Volpi siente una profunda conexión con la ópera, una de sus «grandes pasiones», y ya había escrito el libreto de Cuatro Corridos, estrenada en San Diego (EE.UU.) en 2013 y nominada a un Grammy Latino.

En esta ocasión, la ópera entronca con los temas que traviesan toda su obra literaria: las relaciones de poder «a veces de poder político, a veces de poder en las relaciones personales», algo que Tristana «revela también de manera muy clara”. La ópera Tristana se presentará luego por España.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Charles Darwin, al postular la teoría de la selección natural, inauguró un rotundo cambio de paradigma en la forma de comprender la naturaleza que continúa siendo un mapa de ruta en la actualidad para nuevos descubrimientos. Pese a lo trascendental de su trabajo, él juzgaba con moderación sus propios méritos. Por lo menos, así lo decía en su autobiografía, publicada por Alquimia ediciones bajo el título Un observador persistente: “Con habilidades tan modestas como las mías, es verdaderamente sorprendente que haya logrado influir en gran medida en las creencias de los hombres de ciencia en algunos puntos importantes”.https://www.instagram.com/p/DKK9hCOOiu1/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fdarwin-intimo-revelan-pasajes-censurados-religion-autobiografia_0_tZ9BCdnqGt.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2024.199999988079%2C%22ls%22%3A204.0999999642372%2C%22le%22%3A855%7D

A partir de la propuesta de un editor alemán, Darwin escribió sus memorias entre mayo y agosto de 1876. “He considerado que el intento podría entretenerme, al igual que, posiblemente, interesar a mis hijos y a los hijos de ellos”, comenta en las primeras páginas, antes de agregar con tintes de humor: “He intentado escribir la siguiente narración sobre mí como si yo fuese un difunto, quien desde otro mundo contempla su propia vida. No me ha parecido complicado, pues me queda muy poca vida”. Darwin, en efecto, falleció seis años después, en 1882.https://22cdec848285b5fd62306b38a222ad0e.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

El texto fue publicado por primera vez de forma póstuma bajo la edición de su hijo Francis, quien retiró, a pedido de su madre, pasajes en los que Darwin expresaba sus opiniones sobre Dios y el cristianismo.

Darwin, quien alguna vez había considerado dedicarse al sacerdocio, justifica su agnosticismo con argumentos que su esposa pensaba que podían ser hirientes para sus amigos más religiosos. Nora Barlow, nieta de Darwin y también científica, publicó una versión en la que restauró las partes omitidas.

Personas que influyeron en él

Darwin traza los hitos que contribuyeron al desarrollo de su quehacer científico y recuerda a las personas que influyeron en él. A su padre, el médico Erasmus Darwin, le dedica varias páginas afectuosas, a pesar de que, en un principio, objetó con firmeza la participación de su hijo en la expedición que resultaría la más definitoria de su futura carrera: el viaje en el HMS Beagle comandado por el capitán Fitz Roy.

Según se describe a sí mismo, Darwin era un joven derrochador y muy afecto a la cacería. Y, aunque no se destacaba particularmente en lo académico, su curiosidad por el mundo natural estaba presente desde la infancia, lo que le permitió ganarse el aprecio de sus profesores de Cambridge. Especialmente de John Stevens Henslow, quien fue el que lo invitó a sumarse a la expedición de Fitz Roy. “Tras hacer memoria, infiero que debió haber habido algo en mí, algo superior en comparación al resto de los jóvenes”, desliza con humildad.Esta fotografía de 1878, proporcionada por la Colección Granger, muestra al naturalista inglés Charles Darwin. (Foto AP/Colección Granger, archivo)

Con el capitán del Beagle, mantuvo una relación algo tensa desde el principio. A tono con algunas creencias de la época, Fitz Roy creía que se podía juzgar el carácter de las personas a partir de su fisonomía y la nariz de Darwin no le ofrecía confianza.

Superado ese obstáculo inicial, con el tiempo entablaron un vínculo cercano, aunque por momentos tormentoso, marcado por el “temple desafortunado”, según Darwin, del capitán. Uno de sus desacuerdos fue por la alabanza de la esclavitud de Fitz Roy, algo que repugnaba al científico. El comandante, por su parte, le manifestó a Darwin su indignación con El origen de las especies.

El viaje en el HMS Beagle marcó un antes y un después, un enamoramiento definitivo con el mundo científico que se impuso ante cualquier otra fuente de placer. Con algo de nostalgia, Darwin lamenta haber perdido hacia el final de su vida el gusto que tenía en su juventud por la poesía y las artes. Esa, dice, es una de sus muchas falencias, junto a la imprecisión de su memoria, sus dificultades para expresarse de forma clara y concisa o su incapacidad para los razonamientos puramente abstractos.

Sin embargo, se reconoce algunas virtudes. El amor a la ciencia, la paciencia al realizar largas reflexiones, la persistencia para la observación y recolección de datos, una porción justa de imaginación y sentido común son los ingredientes que, se permite intuir, han signado su éxito.

El mundo doméstico

La autobiografía, aunque no abunda en los detalles íntimos, deja entreabierta la puerta de su mundo doméstico como hijo, hermano, esposo y padre. Hacia el final, Darwin permite que la obra hable por su vida. Mientras comenta en orden cronológico todas sus publicaciones, recuerda las derivas de sus intereses y expone sus procesos de trabajo.Un retrato del científico británico Charles Darwin, expuesto en su casa en Downe Village, Kent, Reino Unido. EFE/Andy Rain

Ya anciano, reafirmaba una vocación que supo regalarle un antídoto contra las enfermedades que lo agobiaban en sus últimos días: “Mi entretenimiento principal y única dedicación a lo largo de mi vida ha sido el trabajo científico; y la emoción que obtengo de tal labor me hace olvidar, o disipa un poco, mi diario malestar”.

La autobiografía, lejos de solamente servir de entretenimiento familiar, como lo había imaginado Darwin mientras dedicaba sus tardes a escribirla, es hoy un testimonio de época y un valioso documento para comprender el pensamiento de una de las mentes más brillantes y fundamentales para la ciencia contemporánea.

Un observador persistente, de Charles Darwin (Alquimia).

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Carola BrandarizBio completa

Fuente: Clarín.com

Países Bajos ha repatriado 119 artefactos saqueados del antiguo Reino de Benín (actual Nigeria), entre los que se encuentran figuras humanas y animales, placas, insignias reales y una campana, según informó el director de la Comisión Nacional de Museos y Monumentos (NCMM, en inglés) de Nigeria, Olugbile Holloway.

Los objetos, conocidos como los Bronces de Benín –una colección de más de mil placas de latón y otras esculturas metálicas– estaban conservados en su mayoría en el museo de la ciudad neerlandesa de Leiden y fueron saqueados a finales del siglo XIX por soldados británicos.

Holloway indicó en su cuenta de la red social Facebook que las piezas fueron entregadas en el palacio del oba de Benín, Ewuare II –el monarca tradicional del antiguo Reino de Benín, y una figura todavía sagrada y de gran relevancia en la cultura edo–.

Bendición simbólica

«La NCMM y una delegación de Países Bajos llevaron los bronces de Benín recientemente repatriados ante el oba de Benín para recibir su bendición simbólica y su aprobación para que sean almacenados de forma segura por la NCMM», señaló Holloway.Escultura de un leopardo, Reino de Benín, siglo XIX. Parte de la restitución de la Colección del Rijksmuseum. Foto: Rijksoverheid/ Gobierno Central de Países Bajos

Asimismo, destacó que esta entrega representa el mayor retorno físico de bronces de Benín desde que fueron expoliados por tropas británicas durante el saqueo y la quema del palacio real en 1897, en plena consolidación del dominio colonial británico en la región, tras lo cual fueron subastados en diversos países europeos.

Una devolución previa

El pasado febrero, el Gobierno neerlandés ya había devuelto 113 objetos de bronce, incluidos placas, colgantes y figuras.

Los bronces de Benín conforman un conjunto de esculturas y relieves metálicos que decoraban el palacio real del antiguo reino, situado en el sur de la actual Nigeria, y fueron creados a partir del siglo XIII por artesanos del pueblo edo.Parte de los Bronces de Benín saqueados por Inglaterra, ahora devueltos al país africano. (Agencia AP)

En 2022, Nigeria solicitó formalmente la devolución de cientos de estos objetos a museos de todo el mundo, ya que muchas de estas piezas han sido expuestas durante décadas en instituciones de Europa y Estados Unidos.

En Alemania, por ejemplo, se han contabilizado unas 1.100 piezas repartidas entre los fondos de una veintena de museos, mientras que el Museo Británico conserva unas novecientas.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

En los próximos años, Xul Solar estará en dos importantes espacios del arte europeo. Primero, en la Fundación Mapfre, esa pequeña gran sede del madrileño Paseo de Recoletos; y luego, en la Fundación Paul Klee, de Berna, Suiza. Ahora mismo integra la muestra “Latinoamericano”, de la Colecciòn Eduardo Costantini y el Malba, en Qatar, inaugurada en mayo por todo lo alto y que seguirá hasta mediados de julio. Y desde hace dos semanas, gigantografías del Tarot surrealista de Xul (toda obra de adivinación tiene un núcleo irracional) son admiradas en Hamburgo, en la expo «From the Cosmos to the Commons», un ambicioso proyecto sobre arte y ciencias espaciales que despliega visiones artísticas de la astronomía y la astrología.

Asimismo, esta muestra colectiva en Alemania, curada por Joanna Warsza, ha propiciado el pedido del Tarot de Xul por parte de The Morgan Library & Museum, en EE.UU. Esta biblioteca inolvidable, en el centro de Manhattan, pertenece a la fundación de esta banca y, junto a sus muestras temporales, tiene en exposición permanente de incunables y ejemplares exquisitos del propio J.P. Morgan. Expondrán la baraja completa: son 24 cartas, cada una de 9,5 x 5,8 cm, hechas con acuarela y tinta sobre cartulina en 1954.

Todo este calendario del gran simbolista argentino, inventor, lingüista y admirado por Jorge L. Borges, es el mismo “pangenio” a quien damos por sentado, siempre a tiro de visita para los porteños, tanto en su Museo, de la calle Laprida, como por estos meses en la expo de Malba Puertos.

La internacionalización de Xul Solar, en la que tuvieron un papel activo tanto Inés Katzenstein, en el MoMA, como Maricarmen Ramírez, del Museum of Fine Arts de Houston, en Texas, hizo que tres grandes museos estadounidenses tengan obra de Xul; los dos mencionados y el Metropolitan, de Nueva York. La coleccionista Estrellita Brodsky compró el Panajedrez (hay uno en el Museo de Xul y otro hoy expuesto en Escobar) y luego lo donó al Museo de Houston.

Panajedrez; uno de los tres juegos fue vendido a la coleccionista Estrellita Bordsky, quien lo donó al Museum of Fine Artes, de Houston. Panajedrez; uno de los tres juegos fue vendido a la coleccionista Estrellita Bordsky, quien lo donó al Museum of Fine Artes, de Houston.
Ahora llega el tiempo de Europa. Este periplo de los próximos años tuvo el ilustre mojón inicial de «Antes de América», la súper exposición de la Fundación March, en Madrid, curada por el argentino Rodrigo Gutiérrez Viñuales, profesor de la Universidad de Granada, que expuso tres obras americanistas.

Órgano de Xul, entre sus invenciones rompecabezas. Órgano de Xul, entre sus invenciones rompecabezas.
Cuenta Mariana Povarché, directora del Museo Xul Solar y galerista: “Desde hace tiempo, todos los años tenemos una o más invitaciones internacionales. Los curadores ven algo de Xul Solar en alguna muestra, visitan el Museo y al tiempo, nos llega la invitación”. Habla con una modestia que rara vez acompaña el orgullo por una colección. En Doha, durante la inauguración en el Museo Nacional de Qatar, Issa Al Shirawi, curador junto a María Amalia García, comentaba que, al conocer la obra de Xul en Buenos Aires, de inmediato propuso unirse al Pan Klub, y que espera dedicarle una antológica en ese espacio notable de la capital qatarí. Así, Xul Solar se va convirtiendo en el artista argentino favorito de los curadores internacionales.

La baraja de adivinación. En el Museo Xul Solar, Buenos Aires. Foto Maxi Failla La baraja de adivinación. En el Museo Xul Solar, Buenos Aires. Foto Maxi Failla
Cruce en Hamburgo
Hay una justicia secreta en el hecho de que Xul Solar finalmente se haya encontrado con el historiador de Arte alemán Aby Warburg (1866-1929), uno de los más importantes filósofos de Estética del siglo XX, a quien Alemania celebra recién desde hace apenas dos décadas. Warburg nació en Hamburgo y declinó heredar la dirección de la banca de su padre para dedicarse al estudio del arte. En su madurez, creó el Atlas Mnemosyne, una sinopsis y archivo visual transhistórico, en el que emparentó imágenes –artísticas pero también formas rupestres– hasta componer un repertorio de Pathosformeln, formas dramáticas que acompañan al hombre desde la prehistoria: en su Atlas, el brazo de una ninfa renacentista puede coincidir con el giro de una india Hopi de Nuevo México durante la Danza de la Serpiente.

Uno entre la veintena de paneles del extraordinario Atlas Mnemosyne, el proyecto inconcluso al que Aby Warburg dedicó su vida. En la reinaguración del MNBA, 2019.Uno entre la veintena de paneles del extraordinario Atlas Mnemosyne, el proyecto inconcluso al que Aby Warburg dedicó su vida. En la reinaguración del MNBA, 2019.
Podemos pensar que, por diversos caminos –Xul a través de la pintura y Warburg, de la crítica–, ambos persiguieron arcanos visuales, formas que la humanidad concibió a través de siglos, con independencia de los distingos étnicos, de geografía, ideología o identidad.

Xul llega a la sala Stadtpark de Hamburgo en una muestra colectiva, con artistas del mundo entero. En ese mismo programa, en su sede en el Planetario, historiadores y ensayistas debatirán sobre las representaciones del vértigo cósmico y el anhelo de conocimiento. El objeto de la muestra y del simposio es rastrear el impulso humano de buscar su lugar en el concierto del cielo, midiéndose con la escala sideral. a la luz de consideraciones políticas y de la mitología. La curadora Joanna Warsza se pregunta: ¿Qué relación hay entre un grano de arena y las voces espectrales que nos responden en la Inteligencia Artificial, la microbiota intestinal y las “tierras raras” que alimentan los celulares? La muestra incluye, claro, la astrología, la primera teoría sobre la psicología humana fundada en la observación de los planetas.

Coincidencias ancestrales de Warburg, en MNBA. Foto de Costanza Niscovolos.Coincidencias ancestrales de Warburg, en MNBA. Foto de Costanza Niscovolos.
El Tarot de Xul se basa en la baraja de los ocultistas franceses, del siglo XVII, enrarecida con ecos visuales de la mitología americana y también egipcia, caprichos y garabatos infantiles, invenciones surrealistas que recrean todo un sistema propio para anticipar el futuro. Se trata de 24 acuarelas sobre cartulina; es esta una técnica que no admite corrección.

Panlengua: el abecedario según el artista. Panlengua: el abecedario según el artista.
Otra feliz conjunción –¿planetaria?– es que ya están avanzadas las conversaciones para la muestra “Paul Klee invita a Xul Solar”, en Berna. La prehistoria de esta gira es reveladora. Cuando en Buenos Aires se hizo la muestra de Paul Klee, en 1999 y cuando Jorge Glusberg dirigía Museo de Bellas Artes, el entonces director de la Fundaciòn Klee puso como condición que las obras compartieran espacio con la obra de Xul Solar, debido a la afinidad sorprendente entre los dos. Así ocurrió. Ahora parte de ese team curatorial de Suiza llega para corresponder al convite.

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Matilde Sánchez
Matilde Sánchez
Prosecretaria de Redacción. Editora Jefa de la sección Cultura y revista Ñ.
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