Pre apertura de arteba. Embudo de tránsito para llegar a Costa Salguero y conocer las propuestas de las galerías internacionales que se reparten entre la Sección Principal de la Feria, el sector Utopías y la Zona de Diálogo Internacional. Hay que sortear un tumulto de gente.

Hasta el domingo habrá mucho por ver, pero el primer día es decisivo pues varias de las piezas exhibidas en los stands no estarán los días siguientes una vez vendidas.

En el área principal de la Feria, hablamos con Isabel Aninat, dueña de Aninat Galería de Santiago de Chile. En su stand ocupan un lugar destacado las obras de la reconocida cantautora Mon Laferte, tan famosa que hasta tiene ya un documental propio en Netflix. Nos dice la galerista que “ella es tan talentosa que es poeta, pintora, cantante, compositora y hasta crea su propio vestuario para sus conciertos”. La obra de Laferte ya tiene interesados, nos comenta con cierto misterio.Bellas obras de Antonio Berni en Galería Del Paseo. Foto: Mariana Nedelcu.

También en este sector de la Feria nos encontramos con varias galerías uruguayas como De las Misiones, con sedes en José Ignacio, Menorca y Miami; Del Paseo y Sur –con bellas obras de Antonio Berni– localizadas en Punta del Este; un stand minimalista de Piero Atchugarry Gallery, cuya circulación artística tiene dos puntos fuertes en Miami en Pueblo Garzón (como W Galería) y Manantiales del vecino país.

También Tomás Redrado Art, con un stand destacadísimo apenas se ingresa a la Sección Principal y que vendió muy bien en el primer día de pre apertura, tiene una circulación entre Miami y José Ignacio, con la novedad de que próximamente inaugurará sede en Buenos Aires.

Y la última internacional es Intemperie, que trasiega entre Buenos Aires y Londres. Es que a la hora de abrir mercado son varias las galerías que empiezan a apostar por destinos simultáneos para la promoción de sus artistas.

Entre la utopía y el diálogo

Seguimos nuestro recorrido por la Sección Utopía, el sector joven de la Feria orientado a las producciones artísticas más recientes. En esta área de arteba siempre encontramos galerías, espacios gestionados por artistas y también organizaciones con o sin fines de lucro. Por ejemplo, el espacio de AMIA, que cada año sorprende con la selección que lleva Elio Kapszuk, director de arte de la entidad.La artista y diseñadora de modas Jessica Trosman junto a sus obras con el galerista Tomás Redrado en el espacio Tomás Redrado Art, durante la inauguración de la feria arte Arteba en Buenos Aires el 27 agosto 2025. Foto: Mariana Nedelcu.

Este año la selección de las galerías y organizaciones participantes fue realizada por un equipo curatorial independiente que integraron el artista Juan José Cambre y el curador y también artista Santiago Villanueva, que acompañan a los proyectos elegidos.

Un renglón especial merece Utopía, ya que en las últimas ediciones de arteba se observa un público coleccionista más joven que busca comprar obras de artistas de su generación.Zona de Diálogo Internacional. Foto: Mariana Nedelcu.

En esta ocasión las galerías seleccionadas son Espacio218, de Santiago de Chile; Segismundo, de Guatemala; Salón Comunal, de Bogotá, Colombia; Sorondo Projects, de Barcelona y Relaciones Públicas, de Ciudad de México.

Y dejamos para el cierre de nuestro recorrido la Zona de Diálogo Internacional, que procura fomentar colaboraciones entre galerías locales y la escena artística internacional. Además, las obras en estos stands no suelen exhibirse en Buenos Aires. Está comisariada por Aimé Iglesias Lukin, directora y curadora jefe de la Americas Society, de Nueva York.

La sección está estructurada en dos espacios diferentes. En el primero hay cuatro participantes internacionales: la Galería Joselyn Wolff, de París. En el stand, su directora Inés Huergo –que integró el Comité de Selección de la Sección Principal de arteba 2025– nos contó sobre los dos artistas que expone: uno argentino, el reconocido Diego Bianchi, y el otro alemán, Franz Erhard Walther.La Galería Joselyn Wolff, de París expone al argentino Diego Bianchi y al alemán Franz Erhard Walther. Foto: Clarín.

Bianchi ha tenido exposiciones en el Malba y el Moderno. Su obra ha circulado en exhibiciones y bienales en España, Países Bajos, Turquía, Estados Unidos y sigue la lista. Walther es un escultor consagrado de obras sobre tela, con muestras muy relevantes en museos como el Reina Sofía. Nos dice Huergo que la representación de Bianchi por Joselyn Wolff se debe a que “estuvo en residencia diez meses en París y trabajamos con Diego hace diez años”. Walther empezó “con el minimalismo sobre tela para ser activado con el cuerpo humano y hay mucho trabajo suyo en relación con la arquitectura. Por la relación de la obra con el cuerpo es que pusimos a ambos en diálogo”.

De inmediato nos detuvimos en Galería Carmen Araujo, de Caracas, Venezuela, que presenta obras de Magdalena Fernández, María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo (Dávila & Portillo). El dúo trabaja sobre todo textiles y la primera artista crea estructuras espaciales.Galería Vermelho, de San Pablo, Brasil, tiene obras del argentino Nicolás Robbio y del brasileño Leandro Lima. Foto: Mariana Nadelcu.

Galería Vermelho, de San Pablo, Brasil, tiene obras del argentino Nicolás Robbio y del brasileño Leandro Lima. Hablamos con Juan Eyheremendy, quien nos mostró una obra de Lima, hiper minimalista: una maceta vacía que proyecta una planta en la pared, y otra obra de mayor porte que está sobre el lateral del stand. El rango de precios de las piezas exhibidas va de los 4000 a los 15000 dólares.Galería Vermelho, de San Pablo, Brasil, tiene obras del argentino Nicolás Robbio y del brasileño Leandro Lima. Foto: Clarín.

Un regreso diez años después

Finalmente nos detuvimos en Galería Dot51 (en el stand figura como Dot FiftyOne Gallery), de Miami. La galería regresa a arteba luego de una década y trajo obras de fotógrafos reconocidos como el suizo residente en Argentina, Gian Paolo Minelli; el argentino Jorge Miño y la rusa residente en Estados Unidos, Anastasia Samoylova.

Los trabajos de Minelli se han destacado en exposiciones individuales y colectivas de Italia, Inglaterra, Colombia, Estados Unidos, Suiza y Paraguay, entre otros. En Buenos Aires ha sido mentor en La Boca y Barracas dentro del Programa Barrios Creativos.Galería Vermelho, de San Pablo, Brasil, tiene obras del argentino Nicolás Robbio y del brasileño Leandro Lima. Foto: Mariana Nedelcu

Miño presenta una selección de obras para mostrarse simultáneamente con su exposición “La Cuarta Pared” en el Moderno. Sus trabajos deconstruyen y reconstruyen su percepción del mundo a través de la arquitectura urbana, tanto material como humana, reflejando ya sea la innovación o la decadencia social.

Samoylova cruza la práctica artística con la fotografía de observación. Ha exhibido en forma reciente en el MET de Nueva York y en la Saatchi Gallery, de Londres. Su trabajo se integra a las colecciones del MoMA y del MET, de Nueva York; del Pérez Art Museum, de Miami; del High Museum of Art, de Atlanta, y del Museo de Fotografía Contemporánea en Chicago.Galería Carmen Araujo, de Caracas, Venezuela, presenta obras de Magdalena Fernández, María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo (Dávila & Portillo). Foto: Clarín.

La presencia de estas galerías y sus artistas suma valor a arteba, que completa esta sección con un ciclo de charlas sobre los desafíos, tensiones y posibilidades del arte contemporáneo argentino y latinoamericano en el nuevo marco global. El ciclo de conversaciones “Nuevas cartografías para el arte latinoamericano” fue curado también por Aimé Iglesias Lukin.

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Sobre la firma

Susana Reinoso

seccioncultura@clarin.comBio comp

Fuente: Clarín.com

Con una propuesta colaborativa, federal y accesible, la Feria Affair regresa este año con más fuerza y presencia que nunca. Desde mañana y hasta el domingo, el microcentro porteño se convertirá en un epicentro de arte contemporáneo con la tercera edición de este evento que reúne a 30 galerías –entre residentes e invitadas– en las históricas Galerías Larreta.

En un contexto económico desafiante, Affair renueva su apuesta por atraer a nuevos públicos y coleccionistas, con obras de artistas consagrados y emergentes, a precios que buscan romper con la idea de que el arte es solo para unos pocos.

Lo que distingue a Affair no es solo su curaduría descentralizada ni su espíritu inclusivo, sino también la manera en que cada espacio se presenta como una experiencia conjunta entre proyectos afines. Sin jerarquías ni zonas VIP, y con propuestas que van desde la cerámica a la fotografía, pasando por instalaciones, obra gráfica y cruces entre generaciones, la feria consolida su identidad como un ecosistema artístico vivo, diverso y abierto.

A continuación, todo lo que necesitás saber para entender por qué Affair se convirtió en una de las ferias más estimulantes del calendario cultural argentino en siete preguntas y respuestas.

¿Qué es Affair?

Affair es una feria de arte contemporáneo que apuesta por el formato colaborativo, la horizontalidad entre galerías y la inclusión de proyectos federales e internacionales. Nació en 2023 como una alternativa accesible a las ferias tradicionales, y en poco tiempo se consolidó como un punto de encuentro entre galerías emergentes, artistas consagrados y nuevos coleccionistas. Su tercera edición se realizará del 28 al 31 de agosto en las Galerías Larreta, en pleno microcentro porteño, con acceso por calles Florida y San Martín.La tercera edición de la Feria Affair reunirá a 30 galerías entre residentes e invitadas en Galerías Larreta. Foto: gentileza.

¿Cuándo y dónde se hace?

La tercera edición de Affair tendrá lugar entre el 28 y el 31 de agosto, adelantándose un día a la apertura de arteba. La sede vuelve a ser Galerías Larreta, un pasaje icónico del microcentro de Buenos Aires que combina arquitectura tradicional con espacios adaptados para exhibiciones. Esta ubicación central y accesible refuerza la apuesta de Affair por acercar el arte contemporáneo a públicos más amplios.

¿Qué tiene de especial esta edición?

Affair 2025 reúne a 30 galerías: 15 residentes que ya forman parte del núcleo organizador y 15 invitadas, seleccionadas directamente por las residentes, en base a afinidades artísticas, conceptuales o personales. Este modelo de curaduría distribuida genera vínculos auténticos y colaboraciones reales entre espacios. A diferencia de otras ferias con jerarquías marcadas, Affair promueve la igualdad entre proyectos: no hay zonas para grandes maestros o artistas emergentes, todos comparten el mismo plano.

La feria también apuesta por una fuerte impronta federal y una apertura internacional. Participarán galerías de todo el país –como Sasha Dávila (Córdoba), Crudo (Rosario), TokonOMa (CABA), Tierra (Córdoba/CABA), entre otras– junto a espacios del exterior, como Judas (Valparaíso, Chile) y Galería del Paseo (Punta del Este, Uruguay). Además, se consolidan dos propuestas exitosas: “Mi primer Affair”, un catálogo digital de obras accesibles para nuevos coleccionistas, e “Infancias”, un espacio con talleres y actividades para chicos.La tercera edición de la Feria Affair reunirá a 30 galerías entre residentes e invitadas en Galerías Larreta. Foto: gentileza.

¿Cuánto cuestan las obras?

Una de las claves de Affair es su intención de abrir el mercado a nuevos compradores. Según su presidenta, Oli Martínez, es posible adquirir una primera obra de arte con una inversión de entre 300 y 600 dólares, incluso pagaderos en pesos y con tarjeta. Algunas galerías, como Vasari o Sasha Dávila, también ofrecerán piezas de artistas con trayectorias consolidadas, con valores que pueden llegar a los 20 mil dólares.

La feria apunta a generar un nuevo coleccionismo, más accesible y diverso. En la edición pasada, con solo 17 galerías, se vendieron casi 120 obras. Este año, con el doble de participantes y una oferta artística más rica, las expectativas son altas incluso en un contexto económico desafiante.

¿Quiénes son las figuras clave detrás de la feria?

La curaduría de esta edición está a cargo de Florencia Battiti, quien plantea una feria sin jerarquías, con artistas consagrados y jóvenes compartiendo espacio sin distinciones. La producción general es de Verónica Santalla, y el diseño espacial fue concebido por Marina Christe y Heidi Jalkh. Carlos Gutiérrez, artista y montajista, fue convocado para trabajar el montaje desde la materialidad y los vínculos entre obras.

Este enfoque curatorial busca no solo mostrar obras, sino proyectos completos, donde se exhiban ideas, procesos y colaboraciones. Ejemplos notables son el espacio de Oficina de Proyectos, que reúne a Nicola Costantino con artistas como Marcos López y Nora Iniesta, o la propuesta de Crudo junto a Galería Rubbers, donde podrán convivir obras de Berni con artistas de media carrera como Nicole Mazza y Hernán Camoletto.La tercera edición de la Feria Affair reunirá a 30 galerías entre residentes e invitadas en Galerías Larreta. Foto: gentileza.

¿Qué tipo de arte se puede ver?

La diversidad de Affair es una de sus marcas distintivas. Habrá arte sonoro, cerámica, obra gráfica, instalaciones y fotografía, entre otras disciplinas. El cruce entre géneros, generaciones y territorios es deliberado. Se presentarán obras que van desde series históricas, como las cerámicas “ParDEs” de Nicola Costantino, hasta propuestas contemporáneas con enfoque feminista o disidente, como las de la galería chilena Judas.https://fb2248642aa4403a07daa576fd3529b0.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Los proyectos no son solo vitrinas de venta: muchos tienen el propósito de visibilizar artistas, provocar diálogo y cuestionar los modos tradicionales de exhibición. Es una feria que piensa el arte no como producto, sino como experiencia compartida.La tercera edición de la Feria Affair reunirá a 30 galerías entre residentes e invitadas en Galerías Larreta. Foto: gentileza.

¿Por qué importa Affair?

Porque ofrece una alternativa real y potente al modelo tradicional de ferias de arte. Porque se construye desde la colaboración, la horizontalidad y el acceso, en vez de la competencia y la exclusividad. Y porque abre el juego a nuevos públicos y coleccionistas en un mercado históricamente restringido.

En un país con un mercado de arte reducido, donde los dólares suelen estar más en el colchón que en circulación, Affair demuestra que es posible vender, conectar y crecer desde una mirada más abierta y colectiva. Es, en palabras de su curadora, un verdadero “ecosistema afectivo”.

Fuente: Clarín.com

“Fue largo, pueril, laberíntico, banal: inmejorable”. Eso dice, al terminar la charla, Patricio Zunini sobre sus respuestas. Tiene muchas capas de sentido. La primera y evidente es un chiste que emula los adjetivos que anotó Jorge Luis Borges para calificar poemas en un concurso en 1963. La segunda, es aunque no termina de hacerse cargo, tiene un hilo dorado que lo une al gran escritor argentino.

Y ahí hay que desenterrar con cuidado la gema que hace a la humorada. Es autor de no uno, si no dos libros sobre el autor de El Aleph. Una tercera es que, por una cosa o por otra, lo cierto es que le ha quedado impregnado cierto aire borgeano. No el más evidente, otro: el gracioso, neurótico, eficiente, iluminado, metódico.

A Zunini se lo puede definir con esas virtudes. Así trabaja. Como cuando fue editor del blog de Eterna Cadencia entre 2009 y 2016, o director de la Fundación Filba de 2010 a 2014, o gerente de producto de la red social de lectores Grandes Libros, o entrevistador curioso y exhaustivo de mucho más que un centenar de figuras de la literatura, o cronista de temas de cultura y educación en medios nacionales y extranjeros, o ahora, también, en su flamante rol en el Directorio del Fondo Nacional de las Artes (FNA), donde es el nuevo representante de la disciplina Letras, cargo ad honorem que va a ejercer por cuatro años.

Libros y autores

También pone en juego estas aptitudes cuando escribe libros, que son varios. Entre ellos: Fogwill. Una memoria coral (Mansalva, 2014), un compilado y curaduría de entrevistas a amigos, escritores, editores y diferentes personas del ambiente cultural, entre otros Alberto Laiseca, César Aira y María Moreno, que tuvieron relación con el autor de Los pichiciegos; Qué es un escritor. 100 preguntas sobre literatura argentina (Pánico el Pánico, 2018), donde recopila las respuestas de intelectuales y escritores como Ricardo Piglia, Beatriz Sarlo, Martín Kohan o Alberto Manguel; Román (IndieLibros, 2020), una crónica sobre las diferentes etapas de Riquelme; y Borges en la Biblioteca (Galerna, 2023), una exploración sobre el tiempo que pasó en la Miguel Cané y la Nacional.

La pequeña hipótesis, ahora, es que Borges le quedó un poco impregnado. Una prueba poco confirmable: Zunini comenta que su madre lo veía siempre cuando tomaba café en Galería del Este, entonces lo saludaba con sentimiento de vecina amigable, y que siempre le aseguró que él, de nueve años, también era parte del ritual. No puede dar fe, dice, pero le gusta el cuento.

Más empírico, es que tuvo que seguir escarbando en la figura del autor después del primer libro. Y eligió el amor como tema para el segundo. Así que días atrás presentó, en la Casa Victoria Ocampo en el barrio porteño de Palermo Chico, su última obsesión.

Borges enamorado es una memoria tan repleta de información como de originalidad en su recorte. La contratapa la escribe Guillermo Saccomanno, que entre otras cosas dice: “Si un sentido tiene la investigación de Patricio Zunini es el de iluminar un lado de Borges íntimamente conectado con su escritura. Con rigor y obsesión, entra en una zona escasamente conocida de Borges y se suma con valor propio a su vasta bibliografía».

En seis capítulos y 180 páginas, el libro recorre todos esos vínculos, entre lo casto y lo apasionado, desde Concepción Guerrero hasta María Kodama, pasando por Estela Canto y más.La presentación de «Borges enamorado», de Patricio Zunini fue a sala llena. Foto: Fernando de la Orden.

La presentación fue a sala llena. Había amigos, familia, colegas y público interesado. “Dos personas muy queridas”, así los definió Zunini, charlaron con el autor y dijeron sus impresiones sobre Borges enamorado. “Tiene muchas anécdotas, pero no es sólo documental. Plantea una hipótesis sobre el amor. Desde el título resulta un desafío: pensar en un Borges no como lector, profesor o escritor, sino tomado por esa pasión”, empezó el psicoanalista Luciano Luterau. Después, la crítica y columnista Flavia Pittella dijo que el libro “saca a Borges del mármol y lo muestra como un ser humano”.

Una sola palabra

Para cerrar el encuentro, Pitella invitó a Zunini a jugar un ping pong de preguntas, en donde la respuesta debía limitarse a una sola palabra. Con formalidad, Zunini intentó seguir las reglas, pero terminó excediendo la restricción con humor. Antes, para las fotos de este reportaje, había bromeado avisando que venía de la peluquería.

En el brindis final, entre otros comentarios graciosos, dijo: “Nunca dejé de ser ese niño hippie” y señaló las zapatillas que hacían contraste con su corbata, que se puso, pero sentía muy formal. “No es una idea mía, sino que se constata con la cantidad de publicaciones que salen sobre el tema: la literatura de Borges tiene muchísimas puertas de entrada. Eso es algo que me interesa mucho sobre él, comenta después, ya en rol de entrevistado.

–¿Qué te llama de la figura de Borges, que lo abordaste ya dos veces?

–Tanto Borges en la Biblioteca como Borges enamorado son dos propuestas mías, en las que abordo temas que son muy pocos visitados en su vida. Fue 18 años director de la Biblioteca Nacional y había algunos artículos y ensayos, pero no un libro sobre eso. Y sabemos que Borges ha tenido una vida amorosa trágica, y ha habido libros y hasta una novela magistral de Aníbal Jarkowski, pero me pareció que compilarlas en una sola trama le podía dar otro matiz a la figura borgeana.

–Borges, pero también Riquelme y Fogwill. Reincidís en el trabajo biográfico. ¿Qué te interesa del género?

–Con respecto a las biografías, es un género que me encanta. Hay un libro de Michael Holroyd, Cómo se escribe una vida, en el que dice esto, que me parece fascinante: darle un orden y un sentido al caos. Creo que es la tarea más grande que puede hacer un narrador. Agradezco que pongas a mis libros en ese género, pero yo no sé si son biografías estrictamente. Con Fogwill, lo que pensé fue una memoria colectiva. Y con Borges, tomé dos cuestiones puntuales, que son sus años en bibliotecas, y ahora sus amores trágicos. En ese sentido, me parece que hay otras biografías más completas. Yo, a esta altura, me di cuenta que ya no persigo más la universalidad. Estoy tratando de escribir como de ladrillo en ladrillo.Patricio Zunini estuvo acompañado por el psicoanalista Luciano Luterau y la columnista Flavia Pittella. Foto: Fernando de la Orden.

–¿Cómo elegís a las figuras sobre las que escribís?

–Son personas que me convocan a contar una historia. Fogwill es una historia en sí mismo, es tan inabarcable como lo es Borges. Estábamos todo el tiempo hablando de él y me encantó hacer ese libro en el que pude hilar esas voces y anécdotas. Riquelme, claro, pedía un pulso deportivo. El fútbol es narración. Nació con la radio. O con El Gráfico. El fútbol no es la tele, es sobre vínculos. Contar esa singularidad fue apasionante. Y sobre Borges, creo que todas las personas que leen y escriben en algún momento quieren contar qué les pasó con Borges. Con sus libros, con esa figura, con alguna entrevista que leyeron, alguna anécdota que los relaciona. Borges es una usina de relatos y creo que todos en algún punto lo queremos hacer.

–¿Vas a seguir contando a Borges, entonces?

–Sí. Hice estos dos libros sobre Borges para Galerna y les quiero dar uno más: la biografía de Kodama, que me parece que es como el “Borges In The Afterlife”, que nos cuenta un poco como sigue. Mi hipótesis es que Borges sigue siendo tan importante hoy, por supuesto por haber sido Borges, pero sobre todo por la forma en la que ella se consagró a cuidar su obra. Y quiero ver si eso se sostiene.

–¿Hay otras figuras para biografiar en tu horizonte?

–Con respecto a próximos libros de biografías, tengo un proyecto sobre Daniel Divinsky. Hicimos varias entrevistas porque estábamos pensando en hacer su libro de memorias, con una estructura de diálogo. Pero ahora, con su muerte, eso tiene que cambiar, así que estoy pensando cómo sigue, que nueva forma va a tomar.

Patricio Zunini básico

• Nació en Buenos Aires, en 1974. Es Profesor, periodista y promotor cultural.

• Fue editor del blog de Eterna Cadencia entre 2009 y 2016, y director de la Fundación Filba entre 2010 y 2014.

Patricio Zunini, nuevo director letras del FNA. Foto: Fernando de la Orden.

• Escribe regularmente sobre temas de cultura, educación y literatura en Infobae. Ha colaborado con medios nacionales –Revista Ñ, Perfil, Página/12, etc.–, y del extranjero –El Mercurio (Chile), La Segunda (Chile), El Universal (México)–; además fue columnista de literatura en Radio del Plata y Radio Cultura.

• Tiene media docena de libros publicados, entre ellos Fogwill. Una memoria coral (Mansalva, 2014) y Qué es un escritor. 100 preguntas sobre literatura argentina (Pánico el Pánico, 2018).

Borges enamorado, de Patricio Zunini (Galerna).

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Sobre la firma

Daniela Pasik

Especial para ClarínBio completa

Fuente: Clarín.com

Pese a que estuvo en la recta final para convertirse en director del Instituto Nacional Sanmartiniano, hoy con rango de museo, el joven postulante Alberto Consuegra Sanfiel, licenciado en historia y magister en historia contemporánea por la Universidad de La Habana, Cuba, no consiguió el sillón para el que sonaba su nombre. ¿Quizá el antecedente cubano le jugó en contra? No pudimos saberlo.Federico Fischbarg es historiador y gestor cultural y fue nombrado al frente del Instituto Nacional Sanmartiniano.

Lo cierto es que en la Secretaría de Cultura de la Nación, a cargo de Leonardo Cifeli, y en la Dirección Nacional de Museos, a cargo de María Paula Zingoni, ya le dieron la bienvenida a Federico Ezequiel Fischbarg, quien aquilata tanta experiencia en el rubro masónico, como en el asesoramiento de exposiciones nacionales e internacionales, y en la defensa de organismos de derechos humanos, según hemos podido colegir de lo publicado en sus redes sociales.

En su experiencia más reciente y hasta su aceptación del nuevo cargo público fue responsable del Archivo de la Gran Logia de la Argentina de Libres y Aceptados Masones (recordemos que el Libertador José de San Martín fue masón) y asesoró en la renovación del Museo Masónico que pertenece a esa Logia.

También tuvo responsabilidades en el plan institucional para el desarrollo del Museo Armenio, a instancias de la Fundación Memoria del Genocidio Armenio. Su derrotero lo llevó a intervenir en el diseño de la exhibición de Mamá Antula y la Santa Casa de Ejercicios, de las Hijas del Divino Salvador.

Director Nacional de Museos

Hasta donde pudimos saber, Fischbarg también fue director Nacional de Museos en la gestión del exsecretario de Cultura Pablo Avelluto entre 2017 y 2019; y también asesoró a la municipalidad de Lomas de Zamora hasta 2014, en tiempos del hoy imputado por enriquecimiento ilícito y lavado de activos Martín Insaurralde.

Habiendo trabajado en el desarrollo de varios proyectos de exhibición tanto en lo público como en lo privado, en los últimos años se ha especializado en el registro y documentación de bienes culturales y en el desarrollo de planes integrales para la gestión del patrimonio cultural.

Su hoja profesional señala que también trabajó para el Gobierno de la Ciudad en algún tramo de su vasto trasiego. Su labor lo llevó también a suscribir colaboraciones con distintos museos nacionales, como el Histórico Nacional, y con museos en el exterior.

En sus redes sociales, en tanto, el flamante funcionario ha hecho público en los últimos años su apoyo a la ley del aborto legal, a las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, y al colectivo LGTBIQ+, lo que marca un sorprendente avance del Gobierno nacional en materia de aceptación de las minorías, por lo menos en el ámbito de la cultura que, objetivamente, debe contener a la diversidad.

¿Qué pasará con los organismos culturales?

El jueves último, en una sesión maratónica, el Senado de la Nación volteó el decreto 345/25 del presidente Javier Milei, cuyo mentor fue el ministro de Desregulación y Transformación del Estado, Federico Sturzenegger.

El decreto de Milei, publicado en mayo de este año (¡notable celeridad del Senado para desactivarlo!), definía en esencia la reconversión de varios organismos en “unidades organizativas”, los que habían funcionado con gestiones independientes de la Secretaría de Cultura de la Nación.

En primer lugar la norma que fue desactivada dispuso la fusión del Instituto Nacional Yrigoyeniano, creado por ley 26.040, y del Instituto Nacional de Investigaciones Históricas Juan Manuel de Rosa, cuya vigencia fue dada por la ley 25.529, en una sola “unidad organizativa dedicada a la investigación, promoción y difusión de personalidades históricas destacadas y próceres nacionales”.

Bajo la misma poda quedó el Instituto Nacional del Teatro, otra unidad organizativa, para el que se creó “un Consejo Asesor ad honorem, integrado por un representante del quehacer teatral por cada una de las regiones culturales argentinas, el que asesorará con carácter no vinculante”.

En la misma norma rechazada por la Cámara alta la semana última, perdió autonomía la Comisión Nacional Protectora de Bibliotecas Populares, que pasó a ser otra unidad de la Secretaría de Cultura, creándose “la Junta Representativa de Bibliotecas Populares, cuyos miembros actuarán con carácter ad honorem asesorando a la Comisión Nacional Protectora” para canalizar las solicitudes de las bibliotecas del país”.

Razones económicas

Otro órgano que perdió independencia por el decreto presidencial fue la Comisión Nacional de Monumentos, Lugares y de Bienes Históricos, que se convirtió en una suerte de anexo de la Secretaría de Cultura, y que la semana pasada, según anticipamos en Clarín, completó su Consejo Asesor. En todos los casos, esa mutación obedeció exclusivamente a razones económicas, porque permitió concentrar la gestión de recursos en la Secretaría de Cultura de la Nación.

Consolidado el rechazo del decreto 345/25 por ambas Cámaras del Congreso, resta saber si el Poder Ejecutivo insistirá en su legitimación a través de la Justicia, en virtud de que las medidas dispuestas en la norma ya se ejecutaron o están en vías de ser ejecutadas.

Como suele pasar en la Argentina, cuando la política es incapaz de encontrar consensos y no brinda soluciones a los temas que son propios de su ámbito, el 345/25 podría terminar en el embudo que conduce a la Corte Suprema de Justicia de la Nación. A menos que el gobierno lo tenga por desestimado y vuelva a fojas cero.

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Sobre la firma

Susana Reinoso

seccioncultura@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín,com

Expo Arte Pilar 2025 en Recoleta: más de 60 artistas exponen a beneficio de los Hogares del Pilar

Del 23 al 24 de agosto tendrá lugar la segunda edición de Expo Arte Pilar, que reunirá obras de más de 60 artistas en distintas disciplinas. Foto: gentileza.Mercedes
Ezquiaga

La segunda edición de la muestra se realizará del 23 al 24 de agosto en los salones de la Basílica del Pilar.Las piezas tendrán precios accesibles para favorecer la venta y la ayuda a hogares de niñas y madres con hijos.El evento contará además con música en vivo, degustaciones y actividades culturales.

Los salones parroquiales de la Basílica Nuestra Señora del Pilar, en el corazón de Recoleta, se transformarán el próximo fin de semana en una feria de arte con fines solidarios: del 23 al 24 de agosto tendrá lugar la segunda edición de Expo Arte Pilar, que reunirá obras de más de 60 artistas en distintas disciplinas, con el objetivo de colaborar con los Hogares del Pilar. La inauguración oficial tendrá lugar hoy viernes a las 18.30, con la presencia de varios de los artistas.

El evento –con entrada libre y gratuita– ocupará varios de los salones históricos de la basílica, que habitualmente se utilizan para actividades parroquiales, y que en esta ocasión se abrirán especialmente para albergar obras de pintura contemporánea, fotografía, arte clásico y arte sacro. Una instalación de la artista Josefina Fernández unirá los distintos espacios, guiando a los visitantes en un recorrido pensado para invitar a la circulación y el encuentro.https://33913409e91ec1b4d749c9d852ff9ac3.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

“Queríamos que no fuera solamente una feria de venta de obras, sino una experiencia completa, donde la gente pudiera recorrer, descubrir, conversar con artistas y, al mismo tiempo, colaborar con quienes más lo necesitan”, explicó a Clarín Cecilia Tagle, una de las organizadoras del evento.

Entre los participantes figuran nombres como Milo Lockett, Bartolomé Baccarezza, Jorge Tabbush, Melita Arteta, Luz Iriarte, Jorman Gutiérrez, Carlos Barbieri, Henrique Liberal Cardoso y Gaby Grobo, entre más de 60 creadores de de diferentes trayectorias y estilos. En total, se exhibirán unas 90 obras, ya que varios artistas decidieron sumar más de una pieza.Del 23 al 24 de agosto tendrá lugar la segunda edición de Expo Arte Pilar, que reunirá obras de más de 60 artistas en distintas disciplinas. Foto: gentileza.

Muy generosos

“Todos los artistas fueron muy generosos. Se acercaron con entusiasmo y donaron obras magníficas que estarán a precios accesibles, porque la idea es que se vendan y puedan colaborar con los hogares”, contó Tagle.

El rango de precios oscila entre 100.000 y 1.200.000 pesos y todo lo recaudado se destinará a los Hogares del Pilar –uno de niñas y adolescentes, y otro para madres con hijos–, para la cobertura de gastos cotidianos como alimentos, servicios y útiles escolares. Además, se recibirán donaciones de pañales, alimentos y la posibilidad de apadrinar a alguna de las adolescentes para que puedan terminar sus estudios.

“Lo que buscamos no es sólo recaudar fondos, sino también dar un mensaje. Cada artista entrega en su obra un pedacito de su alma, y ese gesto se convierte en ayuda concreta para quienes más lo necesitan”, subrayó Tagle.Del 23 al 24 de agosto tendrá lugar la segunda edición de Expo Arte Pilar, que reunirá obras de más de 60 artistas en distintas disciplinas. Foto: gentileza.

El escenario elegido para desplegar esta feria de arte, la Basílica del Pilar, está ubicada frente a la plaza homónima y es uno de los templos más antiguos y emblemáticos de la ciudad de Buenos Aires. Sus salones parroquiales, que suelen alojar reuniones de grupos comunitarios, cursos de preparación matrimonial o catequesis, abrirán sus puertas al público general con esta feria.

En el centro del espacio, un patio colonial con aljibe, iluminado con faroles de época, funcionará como punto de encuentro y allí se ofrecerán degustaciones durante el fin de semana. Alrededor de este patio, se encuentra el acceso a las diferentes salas expositivas, que albergarán las obras a la venta.

Obras para elegir

Se podrán ver, por ejemplo, las pinturas y retratos pop de Henrique Libreral Cardoso, en honor a los íconos musicales y cinematográficos de todos los tiempos; los óleos de pastizales, árboles y naturaleza de Sofía Pereyra; las pinturas de Caro Campana realizadas con pigmentos naturales extraídos de la naturaleza como cúrcuma, espirulina o hibiscus, así como también las tintas realizadas sobre papel de arroz de Barbara Morea, entre muchas otras creaciones.Del 23 al 24 de agosto tendrá lugar la segunda edición de Expo Arte Pilar, que reunirá obras de más de 60 artistas en distintas disciplinas. Foto: gentileza.

Entre las anécdotas que surgen en torno a esta feria se destaca la de Mirna, una joven que vivió en uno de los hogares y que hace dos años se animó a mostrar sus primeros cuadros en una feria on line solidaria. Una compradora quedó tan impactada que la animó a estudiar arte. Hoy, convertida en estudiante de Bellas Artes, Mirna presentará su obra en Expo Arte Pilar. “Para nosotros es una muestra concreta de lo que significa este proyecto. Que una adolescente descubra su vocación gracias a una oportunidad así es lo que nos da fuerzas para seguir”, relató Tagle.

La inauguración de hoy viernes incluirá una ceremonia con palabras de las autoridades, un brindis y música a cargo de una violinista invitada. Durante el fin de semana también se sumarán actividades culturales, como el domingo que desde las 13.30 se presentará un grupo de folclore. La feria permanecerá abierta el sábado 23 y el domingo 24 de agosto, de 11 a 20, con entrada gratuita, en Junín 1898 (Recoleta).Del 23 al 24 de agosto tendrá lugar la segunda edición de Expo Arte Pilar, que reunirá obras de más de 60 artistas en distintas disciplinas. Foto: gentileza.

“Nos emociona que los artistas se tomen el tiempo de donar sus obras y participar en persona. Queremos que el público pueda acercarse, conversar con ellos, llevarse una obra y al mismo tiempo colaborar con los hogares”, concluyó Tagle.

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Mercedes EzquiagaBio completa

Fuente: Clarín.com

La escritora y traductora argentina Esther Cross fue oficialmente incorporada a la Academia Argentina de Letras (AAL). El acto oficial se realizó anoche en el salón del Palacio Errázuriz. “Ingresé a la Academia a fines de 2023 pero hoy es mi ingreso formal en la Academia. Esto quiere decir que estoy participando en reuniones y en actividades de la Academia desde hace más de un año”, dijo Cross a Clarín momentos previos a su honorable distinción.

Junto a la homenajeada, estuvieron en la misma mesa los académicos: Rafael Felipe Oteriño (presidente de la AAL), Santiago Kovadloff (vicepresidente), Pablo Cavallero, Eduardo Álvarez Tuñón, Antonio Requeni, Alicia María Zorrilla, Santiago Sylvester, Jorge Fernández Díaz, Hugo Beccacece, Pablo de Santis, Hilda Albano, Javier Roberto González, Leonor Acuña, Oscar Conde, Alejandro Parini, Sofía Carrizo Rueda, Ángela Pradelli, Andreina Adelstein y Jaime Correas.https://6cacaa91a66ec0a06ce95ee76cbaa8bd.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

A continuación, el presidente de la Academia Argentina de Letras, Rafael Felipe Oteriño, pronunció el discurso de apertura del acto en homenaje a Esther Cross: “De los tradicionales veinticuatro sillones académicos, Cross fue asignada con el sillón número siete, que se encuentra bajo el patrocinio de Fray Mamerto Esquiú, el obispo argentino nacido en Catamarca, reconocido por su defensa de la constitución de 1853 y por su labor pastoral y social”, señaló la máxima autoridad de la Academia Argentina de Letras.

Desde la Fundación de la Academia, en 1931, ese sillón fue ocupado sucesivamente por Monseñor Gustavo Franceschi, Leónidas de Vedia, Monseñor Octavio Derisi, y Norma Beatriz Carricaburo.

Figura relevante de la cultura

“La asunción académica pone de relieve uno de los actos más trascendentes de nuestra vida institucional. Es la coronación de un proceso que comienza con la propuesta de ingreso de una figura relevante de la cultura argentina firmada por cuatro académicos y que en uno de los correspondientes análisis y deliberaciones es votada por el pleno”, leyó Oteriño.Esther Cross ya integra oficialmente la Academia Argentina de Letras. Foto: Emmanuel Fernández.

“El nuevo miembro reviste dicha condición desde su aprobación pero el hecho culminante de su integración se cumple en este acto, con los elogios de quien lo presenta en este caso, del académico y también narrador Pablo de Santis, seguido de la entrega de los atributos, medallas, insignia y diploma”.

Para elegir al nuevo miembro, la Academia Argentina de Letras examina variados antecedentes: “Su trayectoria, sus cualidades personales, sus obras, y la necesidad de la propia de la institución de incorporar en un cuidado equilibrio, a intelectuales provenientes de las letras y de la lengua. Así, con su colaboración, continuar cumpliendo los estudios lingüísticos y literarios, conservar y acrecentar el idioma español a la luz de las formas vivas de la cultura, velar por el uso correcto de lengua sin descuidar el factor de la diversidad en la unidad y estimular los múltiples aspectos de la creación literaria”, remarcó Oteriño.

“Narradora, ensayista, traductora, minuciosa en la construcción de sus historias, silenciosa en su temperamento pero fogosa por la fuerza creativa de sus narraciones, Esther Cross es una de las voces más singulares de la literatura argentina”, reconoció el presidente de la Academia Argentina de Letras.

Una vida ligada a la literatura

Esther Cross nació en 1961, en Recoleta. Su padre era profesor de Literatura, por lo que pasó su infancia y juventud rodeada de libros y bibliotecas. Vivía a solo dos cuadras de la casa de Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo: a quienes contemplaba cuando era niña mientras caminaba por las calles de su barrio. Sobre Bioy Casares, editó un libro de entrevistas a los 27 años.Esther Cross ya integra oficialmente la Academia Argentina de Letras. Foto: Emmanuel Fernández.

Estudió Letras en la Universidad de Buenos Aires y se graduó como Licenciada en Psicología en la Universidad Católica Argentina (UCA). Cross se convirtió en una destacada escritora argentina y en también traductora, con una obra extensa como novelista. Entre sus grandes obras figuran: La inundación (1993), El banquete de la araña (1999), La señorita Porcel (2009) y La mujer que escribió Frankenstein (2013), entre otros.

Además, publicó numerosas antologías y libros de cuentos como Crónicas de alados y aprendices (1992), La divina proporción, y otros cuentos (1994), Kavanagh (2004) y La aventura sobrenatural. Historias reales de apariciones, literatura y ocultismo (2023), en coautoría con Betina González. Incursionó en el guion y en la dirección documental de cine.​

En su recorrido como notable escritora, recibió renombrados premios y distinciones en el campo de la cultura nacional e internacional. Entre ellos, el Premio de la revista Puro cuento (1987), el Premio Novela Fundación Fortabat 1992, por La inundación y la Beca Fulbright Fondo Nacional de las Artes 1998 (Cine). En 2001, obtuvo el tercer Premio Nacional de Literatura por su obra El banquete de la araña. También recibió la Beca Civitella Ranieri (2004) y en 2008, el Premio Internacional de Narrativa por La señorita Porcel, otorgado por Editorial siglo XXI de México.

Durante el acto, el escritor Pablo de Santis, también académico, ofreció el discurso de bienvenida a la nueva integrante. Primero recordó a Radiana (2007), y otros libros cuentos como La divina proporción o Kavanagh, y novelas como La inundación o El banquete de la araña. Pero “Hay otro libro inaugural en la vida literaria de Esther Cross: Crónica de alados y aprendices”, subrayó.

“Esther Cross entra a la literatura entusiasmada por crear una trama compleja y poblarla de venganzas, ardides ingeniosos y amores secretos. La biblioteca de uno de sus abuelos, donde abundaban los libros de arte, condujo a Esther a ambientar su trama en el mundo de la pintura. Volvería al arte, pero en un tono más cercano a la sátira, en El banquete de la araña”, completó de Santis.

Por último, las palabras de Esther Cross, la voz más esperada. Primero, agradeció a los miembros de la Academia, a sus padres, y recordó el reciente fallecimiento de la académica honoraria Élida Lois, y al escritor y crítico literario Luis Chitarroni, fallecido en 2023, quien fuera miembro de la Academia Argentina de Letras. Luego, disertó con su discurso “El peligro de contar una vida”.Tras disertar con su discurso “El peligro de contar una vida”, Esther Cross ya integra oficialmente la Academia Argentina de Letras. Foto: Emmanuel Fernández.

“Es un honor”

“Para mí, fue un honor, una alegría entrar en la Academia”, dijo Esther Cross, visiblemente emocionada, a este medio. “Además de la tarea en común y de lo que pueda aportar, es importante señalar que es la Academia de Letras y no solo de la Lengua, pero hay un trabajo en conjunto entre los escritores y lingüistas. Hay unos lingüistas maravillosos: Alicia Zorrilla, Leonor Acuña, Andreina Adelstein. Son todos buenísimos”, remarcó.

“En cada una de las reuniones, las discusiones que en hay distintas comisiones. Hay una comisión de argentinismos en el que puedo participar y aprender de las charlas que hay entre las personas del Departamento de Investigaciones Lingüísticas, dirigido por Santiago Kalinowski: se discuten muchos temas con muchísima dedicación. Son temas que tienen que ver con la lengua, con las palabras y la relación de las palabras con los diccionarios«.

“¿En qué momento me encuentra este nombramiento? Este es un momento en que encuentro dedicada a traducir. En ese sentido, todas las reflexiones que tienen que ver con la traducción y las cuestiones que surgen al traducir están muy relacionadas con el trabajo de la Academia”, sentenció Cross.disertó con su discurso “El peligro de contar una vida”.

El acto finalizó con la honorable distinción a Esther Cross como miembro número de la Academia Argentina de Letras con una medalla y un diploma honorífico. Luego, dialogó, con los presentes. Familiares, allegados, académicos y autores celebraron este acontecimiento junto con la reconocida escritora y traductora argentina.

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Maxi KronenbergBio completa

Fuente: Clarín.com

La cita bienal, que atrae a artistas, curadores, directores de museos, galeristas, gestores culturales, prensa especializada y públicos de todos los continentes, la 61ª Bienal de Arte de Venecia, abrirá sus puertas el 9 de mayo del año próximo al público. Pero los países que tienen pabellones permanentes ya empezaron a calentar motores. En la Argentina, hoy se abrió el período de consultas para la presentación de proyectos, que estará abierto hasta el 1 de septiembre de este año.

El dato destacadísimo de la convocatoria este año es que el proyecto que sea elegido tendrá que procurarse su financiamiento. La Cancillería no pondrá un peso, ni un dólar, ni un euro. Es la primera vez que un envío no tendrá financiamiento público. En ediciones anteriores, con más apoyo económico o menos, al que se sumó un abultado aporte privado, el o la artista seleccionada pudo contar con una base financiera para comenzar a armar su propuesta.https://403ffb0d4a5ede5bed1194f3d18bacc2.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

En las bases lo dice claramente: “Los proyectos deberán contar con financiamiento propio y/o recurrir a fuentes privadas de financiamiento para realizar la obra a ser exhibida en el Pabellón Argentino en Venecia”.

Concurso abierto de anteproyectos

A través de la Dirección de Asuntos Culturales (DiCul), a cargo de la embajadora Alejandra Pecoraro, la Cancillería, que conduce Gerardo Werthein, junto a la Secretaría de Cultura de la Nación, a cargo de Leonardo Cifelli, y la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional, que maneja Diego Sucalesca, convocaron al concurso abierto de anteproyectos de artes visuales para seleccionar la obra que representará a nuestro país en el pabellón argentino.

La evaluación de los anteproyectos para seleccionar el envío argentino estará a cargo de un jurado que integran Amalia Amoedo, presidenta de la Fundación Ama Amoedo; Sergio Baur, presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes; Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes; Tulio Andreussi, presidente del Fondo Nacional de las Artes; Rodrigo Moura, director artístico del Malba; Adriana Rosenberg, presidenta de la Fundación PROA; y Eugenia Usellini, presidenta de la Fundación del Museo Castagnino.

Usellini es la cuota federal de un jurado situado en la Ciudad de Buenos Aires, con excepción de la Fundación Amoedo, que está en dos orillas: Buenos Aires y Montevideo.Pabellón argentino en la Bienal de Venecia 2024. Foto: © Matteo Losurdo.

Pabellón argentino en Venecia

El espacio, extraordinario exponente histórico, está ubicado en los Arsenales de Venecia, junto al otro megaespacio expositivo que son los Jardines. Nuestro país tiene el comodato de ese pabellón hasta el año 2033. Recordemos que fue en 2011 cuando nuestro país consiguió la cesión “onerosa” (pagó más de un millón de euros) para llevar sus envíos artísticos a la Bienal de Arte.

Fuentes inobjetables de Cancillería dijerorn a Clarin que el ministerio pondrá «unos 55mil dólares en pasajes, expensas, seguridad y limpieza y guardia del pabellón». Cabe señalar que, salvo los pasajes de artista y curador/a, la cifra cubre todo.el.tiempo que dura la exposición de mayo a noviembre.

La 61ª Bienal tendrá su preapertura para especialistas tres días antes de su inauguración para el público que, como dijimos, será el sábado 9 de mayo y se extenderá hasta el domingo 22 de noviembre del año próximo.

Este año, según la decisión tomada por las autoridades de la Bienal, se llevará adelante el proyecto de exhibición concebido por Koyo Kouoh bajo el lema curatorial In Minor Keys (En clave menor).

La curadora murió inesperadamente semanas antes de que se anunciara su propuesta y eso demoró el anuncio de lo que ocurriría el año próximo. Finalmente, con acuerdo de la familia y el equipo de trabajo de la fallecida curadora africana residente en Suiza, se decidió continuar con su proyecto, lo que también significa un homenaje a Koyo Kouoh.

Al respecto, en las bases y condiciones puede leerse que la Bienal de Venecia resolvió continuar con el proyecto de Kouoh con el propósito adicional de preservar, realzar y dar amplia difusión a sus ideas y a la labor que llevó adelante con tanta dedicación.

Una profunda visión argentina

El jurado valorará, según las bases y condiciones, aquellas propuestas que “resuman una profunda visión argentina y que dialoguen con los sustanciales lineamientos planteados por la curadora general. Los proyectos deberán contar con financiamiento propio y/o recurrir a fuentes privadas de financiamiento para realizar la obra a ser exhibida en el Pabellón Argentino en Venecia”, se detalla en las bases y condiciones.Bienal de Venecia, pabellón argentino. Foto: Diego Arraigada

En la edición 2022 de la Bienal, la obra de Luciana Lamothe, que se lució en el extraordinario pabellón argentino, tuvo una base financiada por la Cancillería y el mayor volumen de patrocinadores fue privado. Incluso, su galería Ruth Benzácar puso a la venta algunos trabajos pequeños de Luciana que se vendieron para sumar al financiamiento.

Resulta insólito, por así decirlo, que un envío que representa a un país no tenga un aporte estatal. Más allá de que Venecia es una vidriera global para el arte de enorme visibilidad, y teniendo en cuenta que el país trata de usar –en el buen sentido– el arte y la cultura como cabecera de playa para abrir mercados en el exterior, es llamativo que el Estado se desentienda por completo de financiar el envío, pero le imponga bases y “condiciones”.

En el pliego se previeron, entre los criterios de selección, el concepto curatorial, sus contenidos y la manera en que se relaciona con el tema propuesto por la curadora general Koyo Kouoh; la capacidad del artista y/o grupo de artistas de financiar la obra con presupuesto propio y/o financiamiento privado, de acuerdo con los criterios de factibilidad del montaje; la museografía de la propuesta y la forma en que se adaptaría al espacio del pabellón argentino, así como la sustentabilidad de los materiales a ser utilizados.Pabellón argentino en la Bienal de Venecia. Gentileza Cancillería

La elección del proyecto irá precedida de un informe del jurado, el cual establecerá un orden de mérito entre tres propuestas. Al respecto, y atento al carácter nacional del pabellón, el jurado deberá tener en cuenta que el comité organizador se reserva el derecho de rechazar cualquier proyecto presentado. El concurso está abierto a todas las personas físicas y/o jurídicas, de nacionalidad argentina, mayores de edad, con o sin residencia en el país.

Para participar de la convocatoria es necesario aceptar las bases y condiciones, que se pueden descargar en este sitio, que corresponde a la Cancillería, y completar el formulario de inscripción. Las consultas se reciben en el correo electrónico: argentinaenlabienal@gmail.com.

Y si aún se quisiera conocer más sobre la visión de Kouoh, he aquí un enlace para inspiración.

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Susana Reinoso

seccioncultura@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Detrás de esta mujer de muchísimo carácter y de rostro inmaculado, de sus retratos tan perfectos, coloridos y refinados, queda mucho por descubrir en la vida y obra de Tamara de Lempicka (1894-1980), considerada la “diva del Art Decó”. Una adelantada de la época.

Parte del misterio de esa vida singular puede recorrerse ahora en el Museo Judío que inauguró la muestra Tamara de Lempicka, en Libertad 769 (CABA), en colaboración de la embajada de Polonia en Buenos Aires. Además, durante la inauguración de la exposición se proyectó un documental inédito y por única vez sobre su vida y obra que exploran la trayectoria de esta notable artista, una mujer lucida y de libre pensamiento a través de su arte y de sus palabras, nada menos que en el año del Art Decó.

La gran artista polaca de raíces judías vivió su vida como pudo, escapándose de dos países en guerra. Y también como quiso entre el arte, el lujo, el glamour y la aristocracia: pasó de Polonia, su país natal, a París. Pero, ante el avance de la Revolución rusa y, sobre todo, el nazismo, debió cambiar de continente y se instaló en los Estados Unidos. Más tarde se fue a México, donde murió en 1980. Mucho antes se había casado con el hombre que había tenido hija, Kizette, también mantuvo relaciones con otras mujeres y volvió a apostar al amor en un hombre acaudalado que le había encargado un retrato para su amante.

Libertad de la mujer

Sin embargo, Lempicka siempre bregó por la libertad de la mujer, por la igualdad de derechos y por el lesbianismo, por los retratos y los desnudos que la consagran como una artista de vanguardia que atrapó a distintas generaciones durante más de cien años.Tamara de Lempicka, en el Museo Judío. Foto: gentileza.

Influenciada por el cubismo, sus obras fueron subastadas en millones de dólares en prestigiosas casas como Christie’s y Sotheby’s. Incluso, fue musa de celebrities de Hollywood como Barbra Streisand, Madonna y Jack Nicholson, entre otros, fanáticos de vida y de sus obras.

La muestra está organizada por el Museo Judío de Buenos Aires – Templo de Libertad, perteneciente a la Red de Fundación Judaica, junto a la Embajada de Polonia en Buenos Aires, quien aportó las réplicas de las obras de Lempicka para la exposición.

Las obras estarán exhibidas hasta el 9 de septiembre (habrá que ingresar mostrando el pasaporte o DNI previo al pago de un bono contribución) pero no habrá otra proyección del documental. “Es una muestra internacional muy grande. En 2024 estuvo en dos museos grandes en Estados Unidos: en el Museo de San Francisco y el de Houston. Ahora llega a Buenos Aires y a otros museos del mundo junto con el documental ‘La historia real de Tamara de Lempicka y el arte de sobrevivir’, de Julie Rubio. Es revelador”, asegura Tamara Kohn, directora del Museo Judío.

La muestra cuenta la reproducción de una veintena de las obras más emblemáticas de Tamara de Lempicka, en colaboración con la embajada de Polonia en Argentina. Son réplicas de los mejores retratos de la pintora polaca, ya que los originales se encuentran en poder de coleccionistas privados. La mayoría de los retratos exhibidos pertenecen a los años 20, teniendo al Art Decó como emblema.

Sobresale el legendario autorretrato de De Lempicka conduciendo una Bugatti verde (1929), antes de producirse el crack financiero de 1930, en el que se observa a una mujer moderna, independiente, segura de sí misma, alejada de los prejuicios por ser mujer y dueña de una impasible mirada, en tiempos en el que conducir automóviles de lujo eran exclusivos para hombres adinerados. Todo un síntoma de cómo se vivía en aquella época.Tamara de Lempicka, en el Museo Judío. Foto: gentileza.

“La chica de los guantes” (1930) es otro de los retratos famosos de de Lempicka: un cuadro inolvidable, con muchas réplicas por todas partes, en el que exhibe a una mujer portadora de un vestido color verde esmeralda, a tono con el color de ojos de la joven modelo, portadora de un sombrero blanco. Puro glamour hollywoodense en los años 30.

“Retrato de la Sra. Bush” (1929) es otro de los cuadros “made in de Lempicka” que lucen en el Museo Judío y pertenece a una colección privada. Se trata de un encargo que Rufus Busch, un poderoso empresario petrolero estadounidense y propietario de los rascacielos Bush Tower, en Nueva York, le hizo a Tamara sobre su prometida Joan Jeffrey, quien luce un espectacular vestido color rojo furioso. Detrás, se observan algunos los rascacielos de Manhattan, algo característico en varias de sus obras.

El cuadro sería un regalo de bodas. Con esta pintura, de Lempicka viajó por primera vez a los Estados Unidos. Tras el divorcio de los Bush, la obra quedó en el olvido por más de 60 años hasta que en 2004, Christie’s lo vendió en una subasta récord de 4.600.000 dólares.

Hay más de de Lempicka para disfrutar en el Museo Judío, como el retrato que le hizo a su hija Kizette con vestido rosa (1926), todo un símbolo maternal que la artista expresaba a su amada hija a través de sus pinturas. El original se encuentra en el Museo des Beaux-Arts de Nantes (Francia).Tamara de Lempicka, en el Museo Judío. Foto: gentileza.

También hay otro de “Adán y Eva” (1931), perteneciente a una colección privada. Para representar a Adán, la artista convocó a un policía que conoció en las calles de París. Mientras, una modelo profesional personificó a Eva. De Lempicka consideraba a este cuadro como uno de sus mayores logros. En alguna ocasión, la cantante estadounidense Barbra Streisand había comprado el cuadro original.

El documental

“Primero fue la muestra, nuestra idea, después descubrimos que hay un documental que cuenta la historia de vida de Tamara de Lempicka y de todo el proceso de arte. Nos pareció muy interesante”, reveló Alicja Tunk, agregada Cultural de la Embajada de Polonia.

La cinta, de una hora y media de duración, explora la vida y obra de Tamara de Lempicka como nunca se la vio, y exhibe aspectos poco conocidos de la inolvidable artista. Cuenta con contribuciones de la actriz estadounidense Anjelica Houston, narraciones de críticos del arte y de sus familiares directos al estilo hollywoodense.

Muchos de los datos e historias que se encontraban escondidas son motivos de ocultamiento sino de supervivencia, también de resiliencia como mujer y como artista. Según cuenta el documental, Tamara Rosalia Hurwitz (no Gurwik-Górsk ) nació en Varsovia (Polonia), en 1894 y no en 1898 como se creía. Su padre se llamaba Boris Gurwik-Górsk, un exitoso abogado judío de origen ruso, y su madre, Malwina Dekler, perteneciente a la aristocracia judeo-polaca.

Tamara se hizo famosa por retratar a la alta sociedad parisina al igual de las salidas nocturnas, las fiestas, orgias y la bisexualidad que comenzaba a experimentar forman parte de los mitos de esta gran artista.

Además de ocultar su nombre, también escondía su identidad judía, aspecto característico de la época ante el avance del antisemitismo y la persecución nazi que imperaba en el Viejo Continente, antes y durante la Segunda guerra Mundial (1939-1945). Este es uno de los principales motivos de la exposición en el Museo Judío.Tamara de Lempicka, en el Museo Judío. Foto: gentileza.

“Tamara tenía un antecedente de identidad judía oculta, con bautismos en la familia y con luchas con esa identidad judía compleja muy típica de principios del siglo XX: para poder ser parte del mundo y de la escena artística había que bautizarse y ser cristiano. Eso tiene que ver con esa identidad muy compleja: termina yéndose por la persecución del fascismo en Europa y termina siendo exiliada”, recuerda Kohn.

En 1929 se divorció de Tadeusz Lempicka, incluso, le borró el anillo de casado en uno de los retratos que le hizo y se exhibe en el Museo Judío. Ese mismo año, conoció al barón húngaro Raoul Kuffner, el principal coleccionista privado de su obra.

En 1939, poco antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, De Lempicka y el barón Kuffner se mudaron de París a los Estados Unidos, donde plasmó su mundo Art Decó europeo a la cultura americana, logrando un rotundo éxito al retratar a empresarios, aristócratas y estrellas de Hollywood. Hacia grandes fiestas en su casa en California, también se rodeaba con Salvador Dalí, Orson Welles, Greta Garbo y Rita Hayworth. Por su estilo de vida y por sus obras, la llamaban la “diva del Art Decó”.Tamara de Lempicka, en el Museo Judío. Foto: gentileza.

Sus exposiciones bajo este estilo provocaron un gran fervor en galerías y en museos en Los Ángeles, Houston y en Nueva York, logrando una profunda admiración por sus obras de gran impacto. Por eso, muchos de sus cuadros fueron subastados a precios récord para la época o vendidos a coleccionistas privados.

Tamara de Lempicka, en el Museo Judío (Libertad 769) de lunes a viernes de 10 a 18. Cerrado feriados nacionales y judíos. Hasta el 9 de septiembre.

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Maxi KronenbergBio completa

Fuente: Clarín.com

El fallecido cineasta español Luis Buñuel cobra vida y se inunda de “colores mexicanos” en una exposición con motivo del 125º aniversario de su nacimiento que abrió las puertas al público en el Instituto Cervantes de San Pablo.

La otra mirada: Buñuel en colores mexicanos es la muestra que reúne 18 obras de artistas mexicanos hechas con diferentes técnicas, como el óleo y el collage digital.

Cada lienzo intervenido representa una película de este influyente director con el fin de “rendir tributo desde la mexicanidad” a la obra de Buñuel quien, a pesar de haber nacido en España, es “naturalmente mexicano”, cuenta el director creativo de la muestra, Samuel Rodríguez Medina.Luis Buñuel. Archivo Clarín.

Surrealista puro

Antes de su paso por México, “Buñuel era un surrealista puro”, relata Medina. “Con la entrada a la realidad mexicana se reactiva su parte de Benito Pérez Galdós, la recuerda, la recupera” y comienza a reflejar en sus obras “el problema de la justicia social en México, y la hace surrealista”.

La referencia de Benito Pérez Galdós, exponente del realismo en la literatura española, se unió con “la calle mexicana”, lo que a la obra de Buñuel le sumó “intensidad”, “vitalidad” y “fuerza”, explica el responsable de la muestra.

Para el director artístico a cargo de idear la exposición, México es “eso” que está entre El Perro Andaluz (1929), la primera obra del cineasta creada junto a Salvador Dalí, que muestra un surrealismo explícito; y Los Olvidados (1950), que utiliza elementos oníricos para retratar la dura realidad de un grupo de jóvenes en los barrios marginales de la Ciudad de México.Personas organizan un cuadro de la exposición ‘Otra mirada: Buñuel en colores mexicanos’ previo a su inauguración, en el Instituto Cervantes en São Paulo (Brasil). EFE/ Isaac Fontana

Nacido en España, Buñuel se mudó a México en 1946 tras un breve paso por Estados Unidos, en donde tuvo un pasaje frustrado por la industria de Hollywood.

México, por su parte, vivía un período de esplendor en su industria cinematográfica, conocido como la ‘Época de Oro’ del cine mexicano. Allí se naturalizó y rodó gran parte de las películas que integran su trayectoria, como Nazarín (1959), El ángel exterminador (1962) o Simón del desierto (1965).

Destino, Francia

Entre los viajes en la vida del cineasta se encuentra Francia, país donde a muy temprana edad descubrió el surrealismo y que años más tarde le abrió las puertas cuando huía de la Guerra Civil Española.

Y, entre los cuadros que integran la exposición, inundados de colores y cargados de simbolismos como «las calles mexicanas», uno que refleja esa etapa europea se destaca entre los demás.La curadora de arte Marcela García habla durante la inauguración de la exposición ‘Otra mirada: Buñuel en colores mexicanos’, en el Instituto Cervantes en São Paulo (Brasil). EFE/ Isaac Fontana

Se trata de un óleo en rojo y negro de Séverine Serizy, el personaje principal de la Belle de Jour (1967), película que grabó en París y que narra la doble vida de una mujer aristocrática que se prostituye a espaldas de su marido.

Pintar a Séverine en colores oscuros y con el torso desnudo lleno de manos «desconocidas» que la tocan fue una decisión de la artista, Perla Mendoza, quien contó que intentó plasmar que es algo que hace «en la oscuridad», «a puertas cerradas” porque “lo que ella quiere o desea está en contraste con lo que debería de ser su vida”.

Tras haber sido expuesta en el Centro Buñuel Calanda, en Aragón, la comunidad natal de Buñuel, la muestra aterrizó en la ciudad de San Pablo, donde se quedará todo el mes de agosto.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Viajeras y librepensadoras, las escritoras suizas Ella Maillart (1903 – 1997) y Annemarie Schwarzenbach (1908 –1942) encarnaron la emancipación femenina en una primera mitad del siglo XX aún muy conservadora para tantas otras mujeres, y sus vidas, algo olvidadas en las últimas décadas, han sido reivindicadas este año por la ONU a través de su registro Memoria del Mundo.Annemarie Schwarzenbach en 1938 y Ella Maillart.

La Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) aceptó a solicitud de Suiza incluir los archivos de estas dos figuras en ese registro donde se incluyen importantes documentos de la historia de la humanidad, desde la Biblia de Gutenberg al Tratado de Tordesillas o el manuscrito de Cien años de soledad de Gabriel García Márquez, entre muchos otros.

A la Memoria del Mundo se unen ahora cartas, diarios, fotografías y otros muchos documentos de estas dos pioneras de los grandes viajes, a menudo solas, por lugares como África, la India, China o Persia, que se guardan en los Archivos Literarios Suizos de Berna, el museo Photo Elysée de Lausana y la Biblioteca de Ginebra.

Esta última institución, mostró a los medios algunas de las piezas más preciadas de estos archivos, guardadas bajo sistemas de vigilancia y en condiciones de temperatura y humedad que faciliten su conservación.

«Maillart y Schwarzenbach fueron dos mujeres inconformistas, que intentaron descubrir espacios de libertad, en una búsqueda existencial y espiritual a través del viaje», resumió durante la presentación de los archivos la conservadora de la biblioteca, Paule Hochuli.

Pasión por el deporte, el mar y las llanuras

En la colección de Ginebra se guardan desde el diploma que logró Maillart en los Juegos Olímpicos de París 1924, donde fue la única mujer que compitió en vela, a sus cartas con el espía británico Peter Fleming, hermano de Ian Fleming, el creador de James Bond, con quien viajó por la Manchuria entonces ocupada por los japoneses.https://www.instagram.com/reel/DM9mVinIKzY/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Funesco-rescata-olvido-aventuras-escritoras-suizas-adelantadas-tiempo_0_V6u1XFYNZ8.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2233%2C%22ls%22%3A248.70000000298023%2C%22le%22%3A1097.2999999970198%7D

La mayoría de los documentos de Schwarzenbach se conservan en Berna, pero en Ginebra hay archivados documentos que recuerdan el viaje que ella y Maillart hicieron en auto desde Ginebra hasta Kabul, un periplo en el que la segunda intentó, sin éxito, alejar a la primera de su adicción a drogas como la morfina.

«Fueron pioneras en el relato de viajes, con un espíritu independiente, autónomo, poco habitual en la época», subrayó la conservadora de la biblioteca, institución que en 2011 también logró que los archivos de uno de los ginebrinos más célebres, el filósofo Jean-Jacques Rousseau, llegaran a la lista de la Unesco.

Maillart comenzó su vida aventurera cuando de adolescente se interesó por los viajes a vela y junto a otra destacada mujer de la época, Hermine de Saussure, cruzaron en solitario el Mediterráneo entre Marsella y Atenas.

En los años 30 comenzará sus grandes viajes a Asia, continente que le fascinaba por sus grandes espacios abiertos como el mar, y atravesó a menudo sola lugares como el Cáucaso, el Turquestán chino o la India, donde pasó los años de la Segunda Guerra Mundial junto a gurús que le iniciaron en la espiritualidad hinduista.Ella Maillart (1903-1997). Archivo

Tras la contienda bélica adoptó una vida más sedentaria y contemplativa en su casa en los Alpes suizos, donde vivió hasta los 94 años, y en 1994, poco antes de fallecer, entregó ya una parte de sus cartas y documentos a la biblioteca ginebrina.

Una vida a toda velocidad

La vida de Schwarzenbach, más corta pero no menos intensa, estuvo marcada primero por el exceso en el bohemio y vanguardista Berlín de entreguerras, del que tuvo que escapar tras la llegada del nazismo, cuya ideología rechazó y condenó públicamente pese a las presiones de su familia para que lo aceptara.https://www.instagram.com/p/DIiUVkpoXAw/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Funesco-rescata-olvido-aventuras-escritoras-suizas-adelantadas-tiempo_0_V6u1XFYNZ8.html#%7B%22ci%22%3A1%2C%22os%22%3A2237.5%2C%22ls%22%3A248.70000000298023%2C%22le%22%3A1097.2999999970198%7D

De aspecto andrógino y abiertamente homosexual, tuvo múltiples amantes y admiradoras, aunque muchas de las cartas que intercambió con ellas fueron destruidas por su madre a su muerte.

Sola o junto a grandes amigos como Klaus Mann, hijo del escritor Thomas Mann que acabaría quitándose la vida, viajó a diferentes países de Europa, EE.UU., el Congo Belga, la Unión Soviética o Persia, ilustrando sobre todo con sus fotografías los devenires históricos de los años 30 y 40.

Incapaz de vencer a sus adicciones y a problemas psicológicos derivados, Schwarzenbach falleció en los Alpes suizos tras un accidente de bicicleta en el que se lesionó gravemente la cabeza.

Las dos mujeres dejaron crónicas periodísticas, fotográficas y libros en los que relataron sus viajes y la evolución de sus vidas, desde Oasis prohibido, en el que Maillart contó su experiencia en Asia Central, o Muerte en Persia, con las impresiones de Schwarzenbach sobre el país hoy llamado Irán.

La vida cruel, escrito por Maillart, relata el viaje que ambas compartieron entre Ginebra y la capital de Afganistán, a bordo de un Ford.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com