Categoría: Entretenimiento

El Palacio Libertad prepara para este domingo 14 de diciembre su cierre de año con una fiesta en la explanada del edificio donde habrá propuestas gastronómicas, presentaciones de la Orquesta de la Fuerza Aérea Argentina, del DJ Barby Aguirre y la interpretación de la Misa Criolla a cargo del guitarrista de folklore Zamba Quipildor con la participación de el Chaqueño Palavecino y Sandra Mihanovich, entre otros. Dentro, en las oficinas de la secretaría de Cultura que encabeza Leonardo Cifelli, se ultiman los proyectos que impulsarán en 2026, año en el que se conmemorará el 40° aniversario de la muerte de Jorge Luis Borges, se le dará un nuevo impulso a premios y reconocimientos a artistas y se dará luz verde a la licitación que, esperan, por fin termine las obras de restauración del Palais de Glace.El secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli, en la inauguración de arteba 2025 en Buenos Aires. Foto: Mariana Nedelcu.

En el último piso del expalacio de Correos, donde en poco tiempo más estará en pleno funcionamiento un restaurante, Cifelli compartió una charla distendida con la prensa donde repasó los principales proyectos que tiene en su escritorio, todos con aprobación de la secretaria General de la Presidencia, Karina Milei, de quien depende en la práctica, con quien comparte salidas al teatro y a quien le rinde cuentas una vez al mes.

Licitación del Palais de Glace

Cerrado desde diciembre de 2017 para obras de restauración el Palais de Glace, espacio de exposiciones que a principios del siglo XX supo albergar dentro una pista de hielo, se convirtió en un elefante blanco que ni Mauricio Macri ni Alberto Fernández consiguieron destrabar. Cifelli adelantó que entre fines de enero y principios de febrero se publicará la licitación para concluir con las obras del Palais, hoy restaurado en un 15%. Estiman que completar la obra tendrá un costo de 10 millones de dólares. Una vez adjudicada calculan que en 8 meses estará listo para se reapertura; un cálculo optimista estima su reapertura a a fin del 2026.https://fea218f44f5241284aeeda7455a28a3e.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlObra de refacción suspendida en el Palais Glace Recoleta. Foto Juano Tesone.

Se llamará a concurso para Directores de museos nacionales

Excepto el Museo Nacional de Bellas Artes, dirigido por Andrés Duprat, el resto de los espacios que administra la Nación funcionan con directores cuyos cargos están vencidos y fueron prorrogados. En febrero la secretaría de Cultura prometió que abrirá, en una primera etapa, el concurso para el cargo de Director de cinco museos nacionales: Museo Histórico Nacional, Museo Nacional del Cabildo de Buenos Aires y de la Revolución de Mayo, Museo Casa de Yrurtia, Museo Casa Ricardo Rojas y el Museo Regional de Pintura “José A. Terry”.

En 2025, y teniendo en cuenta que aún no concluyó el año, ya visitaron los museos nacionales 3 millones de personas.

Confirmada la presencia de Cultural en la Feria del Libro de Buenos Aires

Luego de un primer año en el que la Secretaría de Cultura se retiró de la participación de la Feria del Libro de Buenos Aires y un segundo año donde estuvo presente, pero el secretario fue abucheado mientras brindaba su discurso durante el acto de apertura, Cifelli confirmó que estarán presentes en el predio de la Rural en abril próximo. Tendrán un stand compartido con la Biblioteca Nacional, montarán una sala inmersiva, llevarán el camión escenario de Tecnópolis y extenderán las actividades a la Plaza Seca del Palacio Libertad, donde se programarán actividades en conjunto con Perú, país invitado a participar en 2026. Además, ya avisaron que duplicarán los fondos, 1500 millones de pesos a 3 mil millones que se le otorgan a la Comisión Nacional de Bibliotecas Populares cada año para la adquisición de libros.Escritores e integrantes del sector cultural sostienen carteles con la imagen de Osvaldo Bayer durante inauguración 49 Feria Internacional Libro tras el discurso secretario Cultura Javier Milei Leonardo Cifelli que despertó abucheos. EFE/ Juan Ignacio Roncoroni.

Se reactivan las distinciones a Personalidad Emérita de la Cultura

Aunque ya se entregaron algunas en los dos años de gobierno de Javier Milei, Cifelli tiene previsto darle mayor impulso a esta distinción que otorga la misma secretaría de Cultura para personalidades de seis categorías: Fotografía, Arte, Música, Danza, Actuación y Artista Popular. A cada personalidad distinguida le corresponde un premio de $1.500.000. El fotógrafo Aldo Sessa será uno de los distinguidos el próximo año.

Orden en los Premios Nacionales

Cifelli prometió que el próximo año se pondrán al día con la entrega de los Premios Nacionales. En 2024, por desorden administrativo, no se otorgaron los correspondientes a 2023, que recién se dieron este año. En 2026 prometen distinguir a las personalidades que fueron sobresalientes en 2024 y en 2025.

40° aniversario de la muerte de Jorge Luis Borges

Desde el Gobierno se trabaja en una agenda especial de actividades que comenzará en el verano en los museos, donde habrá recitado de poemas del autor de El Aleph. Leonor Benedetto es la primera actriz confirmada que le pondrá la voz a los textos.Jorge Luis Borges. Archivo La Razón.

Ticketera para todos los espacios nacionales

El secretario de Cultura también prometió para el 2026 la licitación para instalar ticketeras en museos y teatros nacionales. Precisó, en ese sentido, que se encuentran en proceso de armado del pliego para lanzar la compulsa. Una ticketera unificada de Nación les permitirá tener un mayor control del dinero que perciban por entradas. En ese sentido, ratificó que los grandes museos nacionales pasarán a cobrar entrada, con un precio preferencial para residentes argentinos. En la actualidad el Museo Nacional de Bellas Artes posee dos totems digitales, administrador por la Asociación Amigos del Museo de Bellas Artes, donde se invita a los visitantes a pagar un bono contribución no obligatorio.

Licitación para obras en el Museo del Traje

Cerrado en 2024, la casona que ocupaba el Museo del Traje en San Telmo quedó tapiada a la espera de nuevos rumbos. Su colección se guarda en el Museo Histórico Nacional, mientras algunas piezas se exhiben hoy en una de las salas del Palacio Libertad. En 2026 Cifelli prometió lanzar una licitación para realizar tareas dentro del inmueble, sin alterar sus áreas patrimoniales, para convertirla en un espacio que mezcle música con teatro.

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Sobre la firma

Belén Papa Orfano

Editora de la sección Último MomentoBio completa

Fuente: Clarín.com

La obra del escritor argentino Jorge Luis Borges volverá a las librerías de Iberoamérica el 22 de enero de la mano de la editorial Alfaguara, como antesala de la celebración del 40 aniversario de su fallecimiento el 14 de junio de 2026, anunció el sello literario.Jorge Luis Borges. Archivo La Razón.

En un comunicado, la editorial informó que comenzará a publicar la obra del escritor argentino ese día, simultáneamente en España y Latinoamérica, con el lanzamiento de sus cuentos, ensayos y poesía completa.

Después del primer lanzamiento, en junio de 2026 se publicarán El Aleph, El informe de Brodie y El tango, además de un volumen de conferencias inéditas.https://3404c2712c6deb66177989e7ea6c631d.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Y en noviembre llegarán al sello Ficciones, Historia universal de la infamia, El oro de los tigres y Curso de literatura inglesa y norteamericana.

Todos al mismo tiempo

Todos los títulos se publicarán simultáneamente en Alfaguara en Latinoamérica, con la salvedad de Argentina, donde sus libros seguirán apareciendo en el sello Sudamericana.

La relevancia de Borges, la riqueza literaria de su obra y su influencia en otros autores trasciende los límites de su tiempo.

Su obra será relanzada en todos los formatos y se organizarán a lo largo del año distintas actividades e iniciativas para celebrar a uno de los escritores contemporáneos más grandes e influyentes de la literatura universal, anuncia Alfaguara.https://www.instagram.com/reel/DRfXiZtjQxg/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fobra-completa-borges-volvera-librerias-iberoamerica-22-enero_0_owH6pTloOs.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2191.2999999821186%2C%22ls%22%3A279.39999997615814%2C%22le%22%3A912.1999999880791%7D

Los cuentos de Jorge Luis Borges constituyen uno de los capítulos fundamentales de la literatura del siglo XX porque son una forma de exploración intelectual y estética en la que conviven el rigor de la construcción y la invención metafísica, la erudición y el enigma, el pensamiento y la fábula.

Cuentos

Este volumen reúne, en orden cronológico, todos los libros de sus cuentos, trazando el mapa completo de una obra que redefinió las fronteras entre la filosofía y la ficción.

Los nueve libros reunidos en este volumen, Inquisiciones, El tamaño de mi esperanza, El idioma de los argentinos, Evaristo Carriego, Discusión, Historia de la eternidad, Otras inquisiciones, Siete noches y Nueve ensayos dantescos, recorren la trayectoria de Borges como ensayista que convierte la crítica en una forma de creación y la erudición en arte.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El Premio Cervantes 2025, el escritor mexicano Gonzalo Celorio, aseguró que «sin la lengua española no existiría México» ya que fue «la lengua de la independencia», a la vez que subrayó que no le parece «pertinente» la solicitud de perdón a España por la conquista por generar «una polarización improcedente e inútil».Fotografía de Gonzalo Celorio, durante una entrevista con EFE, en Guadalajara (México). EFE/ Francisco Guasco

«No me parece pertinente la solicitud de perdón a España. Se ha generado una polarización totalmente improcedente e inútil. Me parece que somos tan españoles como originarios de México. Creo que no se puede eliminar una parte de nuestra propia identidad«, afirmó en una entrevista en la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara.

Celorio, de 77 años, comentaba así las tensiones bilaterales generadas por la petición de perdón de la presidenta de México, Claudia Sheinbaum, a España por los abusos cometidos durante la conquista y colonización que duró del siglo XVI al XIX.https://e54c04d018caaddfc54d992f6b230b1d.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

La lengua de la independencia

«Al final del periodo vierreinal en México, la verdad es que había muy pocos hispanohablantes, y esto es significativo. De manera que siempre he sostenido la tesis de que la lengua española más que la lengua de la conquista es la lengua de la independencia«, agregó Celorio, nieto de migrantes españoles, sobre la ruptura con España en 1821.

«Por ello, sostengo que sin la lengua española no existiría México. Porque sin lengua común no habríamos tenido nacionalidad ante la gran diversidad de lenguas originarias en nuestro país», subrayó.

Por otro lado, el actual presidente de la Academia Mexicana de la Lengua celebró la «vigencia» y «energía» del español en la actualidad.

«Lo que más me sorprende es que ha mantenido su unidad, a pesar de las vastas extensiones donde se habla. En siglo XIX había la preocupación que le pasara lo mismo que al latín, y se fragmentara. Y ahora en América uno se puede atravesar 20 fronteras y que se mantenga la inteligibilidad. Es una lengua maravillosa y la veo en plenitud», destacó el autor de El metal y la escoria.

Sobre el premio Cervantes de 2025 con el que fue galardonado recientemente y que le será entregado en ceremonia formal en España el próximo año, declaró estar «apabullado».

Y mostró su orgullo por estar en «nómina» junto a los otros mexicanos que han obtenido el máximo galardón de la lengua en español como Octavio Paz, Fernando del Paso o Elena Poniatowska.

La palabra «palabra»

«Es el premio mayor de la lengua castellana y no se concede por una obra en particular, se determina en función de una trayectoria. Mi trayectoria está basada en la palabra «palabra». He sido fundamentalmente escritor, pero también he sido profesor, he sido funcionario dedicado a la promoción de la lectura, he sido editor y académico», enumeró el autor de Ese montón de espejos rotos, su libro más reciente.Fotografía de Gonzalo Celorio, durante una entrevista con EFE, en Guadalajara (México). EFE/ Francisco Guasco

Finalmente, celebró el hecho de estar en Guadalajara un año más, al resaltar que es «de los pocos ha asistido a todas las FIL en estos casi 40 años».

«La conocí cuando era una feria muy limitada. Casi como un mercado de saldos y se ponían los libros en montones con un letrero con el precio, como si fueran jitomates», aseveró.

«A lo largo de los años ha evolucionado de manera extraordinaria, porque tiene dos características que no suelen ir juntas, Por un lado, es una feria de profesionales, de carácter editorial y comercial, y por otra parte es una gran fiesta», concluyó.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín,com

A pocos metros de las pirámides de Giza, cerca de El Cairo, se inauguró a principios de este mes el Gran Museo Egipcio (GEM), después de veinte años de construcción, y se convirtió en uno de los hitos culturales del año. El museo arqueológico más grande del mundo, con vista directa a las pirámides, reúne cien mil piezas que abarcan siete milenios de historia y tiene como mayor atractivo el tesoro completo de la tumba de Tutankamón, exhibido en su totalidad por primera vez desde su hallazgo, en 1922. Allí están la célebre máscara de oro, el trono, joyas, cofres y hasta los carros del faraón más famoso del mundo.Estatuilla de un dios, probablemente Anubis. Gentileza Metropolitan Museum of Art.

El descubrimiento de la tumba mejor conservada del Valle de los Reyes, en Luxor, por parte del arqueólogo británico Howard Carter, en 1922, tuvo un impacto de alcance mundial. Según recordó más tarde el egiptólogo, en ese exacto momento, varios metros bajo las arenas del desierto, a la entrada de la tumba de Tutankamón, sostenía un fósforo titilante en la oscuridad. “Los detalles del interior de la habitación emergieron lentamente de las tinieblas. Por todas partes el brillo del oro. Por un momento quedé aturdido por la sorpresa. ‘¿Puede ver algo?’, me preguntaron ansiosamente. Todo lo que pude decir fue: ‘Sí, cosas maravillosas’”.

De la noche a la mañana, el faraón niño, que subió al trono a los 9 años y gobernó hasta su muerte a los 19, tuvo un impacto cultural inmediato: en los años 20, el “estilo del Nilo” se filtró en la moda, la joyería, el diseño, la literatura y la música. Se popularizaron vestidos con flores de loto, brazaletes de serpientes, delineadores de ojos y hasta canciones como la melodía de jazz “Old King Tut”. El cine, por su parte, inauguró una tradición de películas inspiradas en el misterio de las momias.https://90357094f4162c7bb6c1094700bbc35a.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlEstela del sirviente del templo de Amón Irtihareru adorando a Re-Harakhty y Atum. Gentileza Metropolitan Museum of Art.

Magnetismo de una antigua dinastía

Lejos de haber perdido atractivo, el magnetismo de esta antigua dinastía sigue intacto. Y pese a su demorada apertura, el Gran Museo Egipcio ya recibe miles de visitantes diarios, desde su inauguración el pasado 1 de noviembre. En sus 24 mil metros cuadrados de exhibición permanente se despliegan más de 100.000 objetos de la civilización faraónica.

El atrio principal, un espacio de diez mil metros cuadrados con vistas a las pirámides a través de su fachada transparente, da la bienvenida a los visitantes. En una sala de siete mil metros cuadrados se presenta por primera vez el ajuar funerario completo de Tutankamón, con más de 5.500 artefactos. Entre los imperdibles del museo también se encuentran la colosal estatua de Ramsés II, de 12 metros de altura, y las esculturas de Ptolomeo II y Arsinoe II.

Días antes de esta inauguración, el Museo Metropolitano de Nueva York (MET), presentó la muestra Divine Egypt, dedicada a explorar la poderosa imaginería de los dioses egipcios. Más de 200 obras, reunidas por primera vez, revelan cómo las divinidades de esta cultura se manifestaban a través de representaciones extraordinarias, no sólo en templos, santuarios y tumbas, sino también en objetos de devoción cotidiana.

La exposición –que abrió el 12 de octubre y seguirá hasta el 19 de enero de 2026– presenta desde estatuas monumentales hasta delicadas figurillas en oro, plata y fayenza (cerámica) azul, que representan a las principales deidades del antiguo Egipto, entre ellas el majestuoso Horus con cabeza de halcón, el peligroso Sakhmet con cabeza de león, el gran dios creador Ra y el sereno Osiris, momificado.

“Las formas en que se representaban a los antiguos dioses egipcios son muy diferentes a las de las religiones contemporáneas y resultan fascinantes para el público actual”, explicó la curadora Diana Craig Patch. La exhibición incluye además préstamos del Museo de Bellas Artes de Boston o el Louvre de París, junto a 140 piezas del propio Met.Gran Museo Egipcio. Foto: gentileza.

A lo largo de su historia, el sistema de creencias de Egipto aumentó hasta incluir más de 1.500 dioses con formas y rasgos superpuestos. De este modo, Hathor puede aparecer como una vaca, una mujer con un tocado de cuernos que protege un disco solar o una serpiente con cabeza humana. Otros dioses, como Ptah, mantuvieron formas constantes durante miles de años, según destacó el museo en un comunicado.

El recorrido por la exposición concluye con objetos relacionados a los rituales de la otra vida, una realidad compartida por todos los egipcios –ya sea faraones, sacerdotes o no pertenecientes a la realeza– con representaciones de Osiris, Isis, Neftis y Anubis, figuras clave en la transición al más allá.

Furor en Buenos Aires

Finalmente, el furor por el mundo egipcio llegó a Buenos Aires con la muestra Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en la Argentina, inaugurada en el Museo Nacional de Bellas Artes. El Pabellón de exposiciones temporarias alberga más de 180 piezas entre sarcófagos, papiros, amuletos, máscaras funerarias, calcos de esfinges, vasijas, piedras talladas y documentos históricos.Ciencia y fantasía. Egiptología y egiptofilia en la Argentina, en el Museo Nacional de Bellas Artes. Foto: Matías Iesari, gentileza MNBA.

“En la Argentina, es la primera vez que se reúnen piezas tan significativas del Antiguo Egipto, provenientes de más de veinte instituciones públicas y privadas, una selección que da cuenta de la riqueza de las colecciones egipcias de nuestro país e ilustra el interés que la antigua civilización ha generado en intelectuales, científicos, artistas y aficionados argentinos desde hace más de dos siglos”, dijo el director del Bellas Artes, Andrés Duprat.

Con curaduría de Sergio Baur y José Emilio Burucúa, la exhibición refleja la fascinación que la imaginería del Antiguo Egipto despertó en figuras como Dardo Rocha, Lucio V. Mansilla, Oliverio Girondo, Manuel Mujica Láinez o Jorge Luis Borges, entre otros, quienes incorporaron símbolos de esta civilización en sus creaciones.

En 1924, Carlos Gardel interpretó el foxtrot “Tut Ankh Amon”, luego del hallazgo de la tumba real, y Xul Solar diseñó sus cartas de tarot egipcio, pocos años después. En 1976, Federico Manuel Peralta Ramos presentó su instalación “Tumba de Tut Ank Amon”, donde una momia respondía preguntas del público, en una habitación recubierta de papel dorado. Más adelante, la banda Los Twist convirtió a Cleopatra en “la reina del twist” para toda una generación.

La muestra también incluye un ensayo fotográfico de Facundo de Zuviría sobre la arquitectura porteña inspirada en pirámides y obeliscos, además de obras de Eduardo Costa y Karina El Azem, que reinterpretan el legado egipcio desde lenguajes contemporáneos.

La muestra podrá visitarse en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta el 1° de marzo de 2026, de martes a viernes, de 11 a 19.30, y los sábados y domingos, de 10 a 19.30. Entrada libre y gratuita.

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Sobre la firma

Mercedes EzquiagaBio completa

Fuente: Clarín.com

Nos trae a San Pedro un documento histórico y pensamos que esta localidad acaso sea tal vez –y por varios motivos– un museo histórico a cielo abierto. Va la historia del descubrimiento más reciente. El 28 de noviembre de 1856, Domingo Faustino Sarmiento, en su rol de Jefe del Departamento de Escuelas, ha dirigido una carta –manuscrita, por supuesto, de caligrafía impecable, muy bien, diez, felicitado– al Juez de Paz de esta localidad. En la misiva, habla de los días de vacaciones escolares: 40 días de corrido desde el 21 de diciembre para las escuelas públicas de varones. La carta es inédita, hasta hace poco más de un mes nadie sabía de su existencia y fue encontrada por miembros del Museo Paleontológico «Fray Manuel de Torres» de San Pedro, 182 kilómetros al norte de la Ciudad de Buenos Aires.

Todo sucedió por casualidad. Una cadena de eventos fortuitos. Una tarde de fines de octubre, entre mates dulces, se hallaba José Luis Aguilar, director del Museo, haciendo tareas de digitalización de antiguos documentos del Juzgado de Paz cuando se topó con la epístola. Confiesa ahora a Clarín que quedó completamente movilizado: «Estaba solo, revisando las fojas de 1856. Lo primero que uno hace es mirar la fecha y la firma para ubicarse en contexto. ¡Cuando vi la firma de Sarmiento! Desde chiquito, cuando uno empieza a transitar la escuela primaria, te hablan de Sarmiento como el gran educador. Es algo que te moviliza de repente tener en la mano una carta de su puño y letra que estuvo guardada por 169 años».José Luis Aguilar, director del Museo Paleontológico de San Pedro con la carta de Sarmiento: Foto: Fernando de la Orden

¿Pero cómo llegó la carta hasta allí? El Museo dispone, en este momento, de una oficina que guarda un fondo documental que, a su manera, cuenta la historia reciente de la zona. Carpetas y más carpetas con escritos datados entre 1832 y 1969. Y que llegaron hasta el Museo, en parte, por la buena voluntad e iniciativa de sus miembros, que conforman el Grupo Conservacionista de Fósiles de San Pedro.https://5b4e076b54cbcd8069dfb8ceb12c340a.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Es así: como el actual juzgado, institución a la que pertenecen los documentos, no tiene sede propia, sino que alquila oficinas donde y como puede, se pidió el resguardo de estos materiales a la Suprema Corte de Justicia de la Provincia de Buenos Aires. Pero alguien temió que si esos papeles no quedaban en las inmediaciones de San Pedro su destino final podía ser aciago (sino el peor). Entonces se tejieron otras alianzas. En 2020 se firmó un convenio conjunto entre la Suprema Corte de Justicia provincial (que es el organismo con la potestad para entregar los archivos), el Municipio de San Pedro y el Museo Paleontológico, que finalmente se hizo cargo de este acervo, la mayor colección de documentación escrita de la ciudad.La carta de puño y letra de Sarmiento datada el 28 de noviembre de 1856. Foto: Fernando de la Orden

El Museo destinó un espacio a tal fin y ahí están, en este preciso momento, los documentos en cuestión. Dos bibliotecas gigantes, de madera maciza, albergan carpetas de cartón, expedientes a todas luces, con viejos papeles, atados en fardos y separados año por año. La idea es digitalizar uno a uno los documentos que revistan carácter histórico para San Pedro y, por lo tanto, para la Argentina.

Y en esas andaba José Luis Aguilar, en medio de sesiones de escaneo digital, cuando se topó, caramba, con una carta de Sarmiento, fechada el 28 de noviembre de 1856, destinada «Al Sr. Juez de Paz y Presidente de la Municipalidad de San Pedro». Que decía: «Pongo en conocimiento a Ud. para que se sirva transmitirlo a quien corresponda, que las próximas vacaciones de las escuelas públicas de varones, deberán ser de cuarenta días consecutivos, contados desde el 21 de diciembre próximo hasta fin de enero del año entrante«. Firma: Domingo Faustino Sarmiento.

Amarillenta y todo, la carta –el papel, la tinta– se conserva en perfecto estado. Se hallaba dentro de un expediente junto a otra donde se informaba que el sanjuanino había sido nombrado Jefe del Departamento de Escuelas el 7 de junio de ese mismo año. En este sentido, se deduce que el documento es una de las primeras medidas generales de Sarmiento en ese cargo.Museo Paleontológico de San Pedro. Foto: Fernando de la Orden/ Enviado especial

Para Aguilar, se trata de «un fragmento de la historia educativa argentina», si se tiene en cuenta que el autor de esta reliquia es uno de los próceres más relevantes del país, presidente de la Nación entre 1868 y 1874, el impulsor en 1884 de la Ley 1420 de Educación Común –gratuita, laica y obligatoria–, el fundador de unos 600 establecimientos escolares, el escritor, el político, el educador, el Padre del Aula, a quien se celebra cada 11 de Septiembre. «El personaje tiene una carga histórica indiscutible. Fue presidente de la Nación, entre otras cosas. Encontrar una pieza inédita en nuestro archivo, que es un archivo local, nos llena de satisfacción porque sabemos que es algo que va a exceder la frontera de San Pedro. Son los pequeños aportes culturales que un museo chico como el nuestro puede hacer a la historia nacional», considera Aguilar.

San Pedro, por caso, atesora documentos vinculados a la Organización Nacional, a la época fundacional de la localidad, pero también a la del norte de la provincia, de cuando comenzaron a conformarse los partidos bonaerenses. «A veces aparecen cosas que tienen un peso propio, que exceden al pueblo», aporta Aguilar. «Cuando tenemos documentos de gran importancia, se van separando. Primero se hace la digitalización, como cualquier documento; pasa a la carpeta correspondiente al año en cuestión. Pero después el documento original va a una carpeta individual», detalla. Y si es de relevancia social, también se difunde. Por ejemplo, encontraron un listado con los nombres de los trabajadores rurales de hace un siglo y se movilizó todo San Pedro al encontrarse con apellidos que aún hoy transitan sus calles: eran sus antepasados.

Por el momento, no está planeado exhibir la carta original de forma abierta y permanente en una sala del Museo, porque eso requeriría tareas especiales de conservación del papel y de la tinta. Para los curiosos, la misiva está disponible en el Museo Paleontológico. Basta con acercarse y pedir verla. La carta, de todos modos, ya está digitalizada en alta definición. De hecho, el Museo Casa Rosada requirió una copia digital para incluir en el apartado Colecciones Sarmientinas.Fondo documental del Juzgado de Paz de San Pedro, de los años 1832 a 1969. Foto: Fernando de la Orden

Un pasado con futuro prometedor

Todo hace pensar que, a medida que avance la digitalización de estos documentos, habrá nuevos hallazgos de relevancia histórica. Es que ahí mismo, mientras manipula los antiguos papeles, Aguilar muestra misivas firmadas ni más ni menos que por el General Lucio Mansilla, aquel que comandó las tropas argentinas en la Batalla de la Vuelta de Obligado en 1845, un combate clave contra la invasión anglofrancesa en el río Paraná, que se rememora cada 20 de Noviembre como el Día de la Soberanía Nacional.

Y no es la primera vez que se encuentran documentos históricos en San Pedro firmados por Mansilla. En 2012, se hallaron 40 cartas inéditas, algunas firmadas por Juan Manuel de Rosas, otras por Mansilla, que daban detalles de la logística previa y posterior del combate por la soberanía nacional. El sitio histórico de Vuelta de Obligado se encuentra a apenas 19 kilómetros de San Pedro. De modo que toda esta zona está impregnada de un halo histórico, como si fuera un museo histórico a cielo abierto.Documentos históricos con la firma de Lucio Mansilla. Foto: Fernando de la Orden

En las cartas de Mansilla que este aficionado a la paleontología muestra a la pasada –en rigor Aguilar es técnico químico–, nos encontramos con el requerimiento de puño y letra de Mansilla de víveres, objetos y materiales. Cómo no sentir que hay una parte de la Historia Argentina en estos papeles que ahora nos muestran. Es como un manual escolar de Historia hecho realidad en este punto geográfico del país.

Es que todo San Pedro y sus alrededores parecen erigirse como un sitio histórico de relevancia en muchísimos sentidos para estas latitudes. Porque a los hallazgos del devenir de la civilización nacional se suman otros de mucha mayor antigüedad: restos fósiles de hasta dos millones de años. Excavar en esta zona es asumir el desafío de encontrarse con fósiles que narran tiempos inmemoriales no ya de la Argentina sino del planeta Tierra.

El Museo Paleontológico se fundó hace 22 años con ese espíritu: conservar y narrar lo que ha incumbido a esta zona. Fue así que se formó un Grupo Conservacionista de Fósiles que participa de excavaciones para recuperar restos de la fauna que habitó esta zona y que en 2003 ha podido fundar un Museo Paleontológico en una vieja casona de fines del siglo XIX frente al Palacio Municipal de San Pedro. Y tiene sus hitos: la colección, distribuida en ocho salas, contiene piezas de alto valor paleontológico. Conserva, verbigracia, los restos de los que serían los caballos más antiguos descubiertos hasta el momento en Sudamérica o los restos de una manada de perezosos gigantes, una especie única en el país. Apenas otro pedacito de la Historia.

*El Museo Paleontológico “Fray Manuel de Torres” recibe visitas en Carlos Pellegrini 145, San Pedro. Info en gcfosiles@gmail.com.

PC

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Sobre la firma

Paula Conde

Editora de Revista Ñpconde@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Desde Roma y Nápoles

¿Qué es la naturaleza? ¿Cómo nos relacionamos con ella? La escena contemporánea del arte está diciendo e interpretando mucho sobre el entorno paisajístico, el cambio climático, la explotación de los recursos naturales, el papel de la humanidad, el caos selvático, entre otros territorios tensos. Nunca se trata de una escena aislada, la película incluye también el diálogo con el humano, el impacto mutuo y la posibilidad de reparación de la convivencia entre unos y otros.

De la mano de Bienalsur 2025, la bienal de arte, cultura y pensamiento contemporáneo que cruza el sur global (dirigida por Aníbal Jozami), seis artistas argentinos han estado exponiendo en Italia sus trabajos con gran convocatoria. En Milán, Roma y Nápoles, sus obras –más las de otros artistas europeos y sudamericanos–, han estado recorridas por un concepto que analiza la relación entre el cuerpo humano y el no humano, en el contexto de la naturaleza hoy. También interactúan con animales, minerales y vegetales, por ejemplo: todos son protagonistas de un proceso histórico milenario del planeta.

Esa idea de caos estético, y finalmente armonizado, se ve, por ejemplo, en el trabajo de Matías Ercole, el joven artista que expone –en el Palacio Braschi donde se encuentra el Museo de Roma– una pintura de grandes dimensiones en un cielorraso que invita a acostarse sobre unos almohadones para apreciarla mejor. Se trata de “Vieron caer el sol”, una obra que se refiere a cómo va a ser todo cuando el sol ya no esté en el cielo, porque se habrá terminado la humanidad, tal como lo expresó el artista y dentro del capítulo “Invocaciones”, curado por la italiana Benedetta Casini y la argentina Diana Wechsler, directora artística de Bienalsur. “Es una idea sin sentido porque, ¿quiénes son esos que están viendo que el sol se cayó?”, pregunta el autor.https://79ae35017c28b91dd97bf3d4e76d7499.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlAsí se aprecia mejor la obra de Ercole.

Ercole realizó la obra en un taller romano con marouflage, técnica antigua para retirar frescos de los muros para trasladarlos sobre la tela y reubicarlos en museos, por ejemplo. El artista pegó sobre los dos paneles utilizados el papel ya pintado mientras reflexionaba sobre la representación de la naturaleza salvaje de las Américas por parte de los pintores europeos del siglo XIX. “La obra también tiene una idea de futuro, de posibilidad de un lugar y un paisaje nuevo, que quizá involucra estos cruces. Como una nueva manera de mirar que involucre al sur global, especialmente. Ahí hay un sol negro, que cae, como un personaje que tiene caras, ojos. Claramente no hay figura humana”.

Para Ercole, los humanos son los que están mirando, tal como los espectadores que llegan a la sala a ver la obra puesta en el techo. “Es apocalíptico, pero esta idea de que hay alguien que vio caer el sol, tiene algo romántico”, subraya pensativo.

Gestos atrapados

Atardece en Roma, uno camina unos pocos metros, cruza apenas Piazza Navona y se encuentra con la brillante obra de la artista argentina Florencia Caiazza, que se proyecta en una pantalla de video en la vidriera de la embajada de España, otro sitio de exposición de Bienalsur. El video “Sin título” forma parte de una serie llamada Los movimientos de los sentidos. En la imagen en movimiento hay una cabeza esculpida y dos manos que la recorren de modo detallado y sensual. Y el título convocante de la muestra general es “Mi mortalidad debería conmoverte”, una línea del poema “Conversación con una piedra” de la poeta polaca Wislawa Szymborska, también curada por Casini.Florencia Caiazza, “Sin título” Los movimientos de los sentidos. En la embajada de España, Roma, Bienalsur 2025.

Ya en Buenos Aires, Caiazza comenta: “Toda mi práctica artística está vinculada a un hacer en el taller y un contacto directo con los materiales. Esta obra surgió a partir de un acercamiento a la cerámica. En ese momento sentí la arcilla como un material que existe para ser tocado, para disfrutar el sentido del tacto y resensibilizarlo. Exploré ese contacto primario con la arcilla en una serie de piezas, utilizando mis manos como única herramienta. En medio de esa investigación táctil y material en mi taller, nació mi hija. Observándola -en sus primeros meses- conocer el mundo desde el tacto me hizo profundizar el trabajo, me trajo una conciencia acerca de la necesidad de contacto que tenemos como seres humanos”.El video forma parte de la muestra: “Mi mortalidad debería conmoverte”, en la embajada de España, Roma, Bienalsur 2025.

El video subyuga, el público le dedica un tiempo importante a observar y disfrutar la escena en loop. La caricia sobre la cabeza de la estatua es infinita, el placer que provoca ver esta experiencia sensorial, también.

Misterio rumano

En la misma muestra colectiva muchos preguntan acerca de una fotografía que guarda una historia acorde al misterio que encierra. Es una piedra grande en una cocina que fue recreada por el artista Juan Gugger. Y reproduce las llamadas Trovants, un conjunto de piedras que se encuentran en Costesti, Rumania. “Es un proyecto que comencé en confinamiento. En el marco específico de una temporalidad y una percepción del espacio que aparentemente hemos perdido nuevamente en cuanto se acabaron las restricciones. La mortalidad era una experiencia intensamente presente y ubicua”.La piedra de Juan Gugger. Bienalsur. Roma

Gugger estuvo en una residencia en el país de Europa del Este. Allí supo de estas rocas, las vio y comprobó que “están vivas”. Crecen y se reproducen, solamente en este sitio desde hace seis millones de años. Son formas de vida inorgánica, hasta pueden desplazarse lentamente. “A pesar de que las trovants fueron descubiertas hace décadas, su proceso de crecimiento aún no ha sido explicado. Tampoco ha sido aclarado porqué existen solo en esta localidad”. Allí se creó el Muzeul Trovantilor, visitado por miles de personas cada año, y fue declarado patrimonio de la humanidad por la UNESCO en 2004.Piedra viva y en cama. Juan Gugger Bienalsur Roma

“Me interesó, en principio, el extraño estatus entre objeto y ser viviente que se encarna en estas piedras. También creo que brinda cierta tranquilidad el pensar en cosas que nos sobreviven ampliamente, que siguen existiendo y desarrollándose cuando ya no existimos”, explica Gugger. Para recrearlas trabaja con un método de capas, utiliza polvo de rocas volcánicas y usa modelos algorítmicos en software de ensayo de componentes. “Mi objetivo era desarrollar una serie de piezas que persigan la lógica escultórica de las Trovants. Crear una piedra capa por capa es contener tiempo de trabajo, proceso, pensamiento y de evolución de la propia ley formal de cada pieza”.

Sonidos imaginados

A unos minutos del centro romano se desarrolla la muestra Invocaciones. Un sonido en el fondo del oído, en el Auditorium – Parco della Musica Ennio Morricone. Allí, dentro de un conjunto de instalaciones, se destaca con decisión el trabajo de Lihuel González. Benedetta Casini es la curadora de la exhibición,Decir casi lo mismo, de Lihuel González. Roma. Bienalsur 2025.

Una pantalla de video partida vincula a dos personas que hacen una mímica muy convincente. A la izquierda, un director de orquesta marca el ritmo y el orden en la aparición de cada instrumento. Del otro lado, una mujer baila prestando atención a los movimientos. Algo fundamental para terminar de entender el armado de esta escena en dos movimientos: todo transcurre en total silencio y se titula “Decir casi lo mismo”. Casini explica que toda esta muestra se compone de obras que “evocan sonidos, por lo que no son obras sonoras en el sentido estricto del término, sino obras cuyo origen es el sonido. Se invita al espectador a hacer un esfuerzo imaginativo y traducir dentro de sí mismo el sonido que evoca la imagen”El director de orquesta.

Con esa idea trabajó Lihuel González: “Me encanta ir a escuchar orquestas. En esos conciertos me quedo completamente hipnotizada por las y los directores y sus movimientos me parecen magia. Son como una danza en código, que hace que todo lo sonoro suceda. Así es como comencé a pensar que podría pasar si le propusiera a un director de orquesta dirigir una sinfonía para filmar sus movimientos y luego que ese código mágico le diera vida a otra forma de expresión. Así conocí a Carlos, el director de orquesta. Él eligió la sinfonía que quería dirigir y compuso esos movimientos para la cámara. Luego Verónica, la bailarina, sin saber, ni escuchar lo que Carlos estaba dirigiendo, compuso una danza a través de los movimientos de la batuta”.La bailarina.

Mientras tanto, en Buenos Aires, Lihuel acaba de inaugurar una muestra en Fundación Cazadores. Con los artistas Nacho Urrein, Paula Bruno, Oliverio Duhalde realizó una performance y juntos proyectaron un mediometraje donde se evidencia su trabajo con tecnologías flamantes, protagonizada por Alex una directora de arte escénico generada por IA.

Cuerpos de distintas épocas y territorios

La exposición en Fabbrica del Vapore dentro de Invocaciones. Devenir animal propone el abandono de la perspectiva humana y un simultáneo deslizamiento hacia un proceso de mutación e hibridación con otras especies animales. Allí, en la ciudad de Milán, expuso Carla Grunauer curada por Casini. “Vengo desarrollando hace bastante tiempo los bordes de figuraciones humanas, anatomías humanas en conexión con otro tipo de formas que tienen distintas consecuencias, a veces, del mundo animal, otras del mundo botánico, también del mundo de la imaginería mecánica.La obra de Carla Grunauer en la Fabbrica del Vapore, Milán. Bienalsur 2025.

“Es una obra que llama a todos los efectos y es una representación muy animal de un cuerpo completamente abierto, como si pudiéramos ver la estructura interna y cómo, a su vez, sostiene en la mano un grupo de seres, que pareciera que los está olfateando: hay un acto animal en el relato: la figura que sostiene en la mano se va transformando por aquello mismo que sostiene u observa”, explica Grunauer.La obra de Carla Grunauer en la Fabbrica del Vapore. Milán. Bienalsur 2025.

“Yo trabajo con estos cuerpos que están todo el tiempo transformándose y hibridándose en estos ensambles, como si fuera un collage y generan nuevas funcionalidades, ideas acerca de pequeñas acciones motoras, y que tiene que ver con el campo de la fantasía”, detalla la artista que, hoy 4 de diciembre inaugura El metal que sueña, una muestra en Gilda Lavia Galleria, de Roma.Pablo da Padula, Biensalsur en Nápoles. Museo de Anatomía (MUSA), del Sistema Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles.

En la otra punta del país, en Nápoles, se puede ver Anatomía de las cualidades, título del ensayo curatorial que atraviesa disciplinas y tiempos diversos, en las que Pablo La Padula interviene las colecciones del siglo XVIII y XIX del Museo de Anatomía del Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles, fundada en el año 1224. La propuesta de Bienalsur fue curada por Diana Wechsler.

“El concepto de la obra intenta poner en valor y resaltar la dimensión de la cualidad humana dentro de un marco de una ciencia de las cantidades, de las matemáticas, y de un modelo mecánico de ser humano”, dice el artista.Pablo da Padula, Biensalsur en Nápoles. Museo de Anatomía (MUSA), del Sistema Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles, nacido en el año 1224.

Este es un escenario que se va revelando ideal para diferentes representaciones y es el ámbito preciso para que un biólogo artista, que interroga la naturaleza, retrate las esencias de huesos vivos, pieles y almas. El museo va contando la historia de la humanidad a partir del momento en el que las civilizaciones iban decidiendo qué hacer con los muertos, en particular cómo preservarlos. Y allí, coronando el perímetro se encuentra la instalación que el artista y biólogo argentino Pablo La Padula ha elaborado. “Me facilitaron velas de iglesias para hacer estos trabajos de imprimación, de registros del cuerpo como el del autorretrato. Ese que está en la vitrina horizontal es mi propio cuerpo impreso sobre humo en placas de vidrio”, detalla el artista. A pesar de estar rodeados de restos humanos, la imagen inquieta y convoca a observarla largamente.Pablo da Padula, Biensalsur en Nápoles. Museo de Anatomía (MUSA), del Sistema Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles, nacido en el año 1224.

Además, el artista realizó una serie de dibujos en papel, láminas que no están colgadas, sino dispuestas en una mesa para ver, tocar y dar vuelta. Allí hay retratos de manos, brazos y caras que corresponden a alumnos universitarios, profesores, docentes y no docentes de la facultad que pasan sus días estudiando con libros físicos en este museo que se volvió un recinto del arte de lo inesperado y de las preguntas existenciales.Pablo La Padula, Bienalsur 2025.

La tercera parte de su expo son dibujos geométricos hechos con humo y fuego sobre placas de vidrio. “El vidrio es el material por antonomasia que se usa en medicina, es acético y transparente. Y estas pequeñas figuras de geometría con los que la anatomía moderna se construye, surgen de descomponer el cuerpo humano en figuras geométricas, círculo, cubo, triángulo, etcétera», explica el artista. Ellas aparecen mimetizadas entre frascos de formol y esqueletos de todas las edades y procedencias. “Intentan de alguna forma, velar esa vitrina gigantesca de patologías humanas y correr la mirada del espectador desde la dimensión literal y brutalmente patológica y llevarlo a un sentido de lo misterioso, de lo incierto, de lo utópico, si se quiere, a partir de cubrirlos con un velo a través del arte y de la estética”, concluye La Padula.

En este país de presencia histórica a cada paso y de paisajes paradisiácos vuelve la inquietud inicial con una pregunta distinta: ¿Siempre existió la naturaleza? Hay consenso de que es un concepto de la modernidad y que la tecnología surgida en esta era se basa esencialmente en el deseo de dominarla, es decir, someter y extraerle ganancia al medio ambiente. ¿Pero lo logra?

En el mundo pospandémico y el del cambio climático, este modo de modernización es problemático. Y la forma en que nos relacionamos con la naturaleza –de modo extractivista y agresivo– no ayuda a pensar un futuro posible. De todos modos, hoy estas obras nos hablan de la posibilidad de recomponer el vínculo de repararlo. Y eso ya es mucho,

---

Sobre la firma

Hector Pavon

Editor general adjunto de la Revista Ñhpavon@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Desde Roma y Nápoles

¿Qué es la naturaleza? ¿Cómo nos relacionamos con ella? La escena contemporánea del arte está diciendo e interpretando mucho sobre el entorno paisajístico, el cambio climático, la explotación de los recursos naturales, el papel de la humanidad, el caos selvático, entre otros territorios tensos. Nunca se trata de una escena aislada, la película incluye también el diálogo con el humano, el impacto mutuo y la posibilidad de reparación de la convivencia entre unos y otros.

De la mano de Bienalsur 2025, la bienal de arte, cultura y pensamiento contemporáneo que cruza el sur global (dirigida por Aníbal Jozami), seis artistas argentinos han estado exponiendo en Italia sus trabajos con gran convocatoria. En Milán, Roma y Nápoles, sus obras –más las de otros artistas europeos y sudamericanos–, han estado recorridas por un concepto que analiza la relación entre el cuerpo humano y el no humano, en el contexto de la naturaleza hoy. También interactúan con animales, minerales y vegetales, por ejemplo: todos son protagonistas de un proceso histórico milenario del planeta.

Esa idea de caos estético, y finalmente armonizado, se ve, por ejemplo, en el trabajo de Matías Ercole, el joven artista que expone –en el Palacio Braschi donde se encuentra el Museo de Roma– una pintura de grandes dimensiones en un cielorraso que invita a acostarse sobre unos almohadones para apreciarla mejor. Se trata de “Vieron caer el sol”, una obra que se refiere a cómo va a ser todo cuando el sol ya no esté en el cielo, porque se habrá terminado la humanidad, tal como lo expresó el artista y dentro del capítulo “Invocaciones”, curado por la italiana Benedetta Casini y la argentina Diana Wechsler, directora artística de Bienalsur. “Es una idea sin sentido porque, ¿quiénes son esos que están viendo que el sol se cayó?”, pregunta el autor.https://88daa2a3c7dd3161a0316e370cf6b14d.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlAsí se aprecia mejor la obra de Ercole.

Ercole realizó la obra en un taller romano con marouflage, técnica antigua para retirar frescos de los muros para trasladarlos sobre la tela y reubicarlos en museos, por ejemplo. El artista pegó sobre los dos paneles utilizados el papel ya pintado mientras reflexionaba sobre la representación de la naturaleza salvaje de las Américas por parte de los pintores europeos del siglo XIX. “La obra también tiene una idea de futuro, de posibilidad de un lugar y un paisaje nuevo, que quizá involucra estos cruces. Como una nueva manera de mirar que involucre al sur global, especialmente. Ahí hay un sol negro, que cae, como un personaje que tiene caras, ojos. Claramente no hay figura humana”.

Para Ercole, los humanos son los que están mirando, tal como los espectadores que llegan a la sala a ver la obra puesta en el techo. “Es apocalíptico, pero esta idea de que hay alguien que vio caer el sol, tiene algo romántico”, subraya pensativo.

Gestos atrapados

Atardece en Roma, uno camina unos pocos metros, cruza apenas Piazza Navona y se encuentra con la brillante obra de la artista argentina Florencia Caiazza, que se proyecta en una pantalla de video en la vidriera de la embajada de España, otro sitio de exposición de Bienalsur. El video “Sin título” forma parte de una serie llamada Los movimientos de los sentidos. En la imagen en movimiento hay una cabeza esculpida y dos manos que la recorren de modo detallado y sensual. Y el título convocante de la muestra general es “Mi mortalidad debería conmoverte”, una línea del poema “Conversación con una piedra” de la poeta polaca Wislawa Szymborska, también curada por Casini.Florencia Caiazza, “Sin título” Los movimientos de los sentidos. En la embajada de España, Roma, Bienalsur 2025.

Ya en Buenos Aires, Caiazza comenta: “Toda mi práctica artística está vinculada a un hacer en el taller y un contacto directo con los materiales. Esta obra surgió a partir de un acercamiento a la cerámica. En ese momento sentí la arcilla como un material que existe para ser tocado, para disfrutar el sentido del tacto y resensibilizarlo. Exploré ese contacto primario con la arcilla en una serie de piezas, utilizando mis manos como única herramienta. En medio de esa investigación táctil y material en mi taller, nació mi hija. Observándola -en sus primeros meses- conocer el mundo desde el tacto me hizo profundizar el trabajo, me trajo una conciencia acerca de la necesidad de contacto que tenemos como seres humanos”.El video forma parte de la muestra: “Mi mortalidad debería conmoverte”, en la embajada de España, Roma, Bienalsur 2025.

El video subyuga, el público le dedica un tiempo importante a observar y disfrutar la escena en loop. La caricia sobre la cabeza de la estatua es infinita, el placer que provoca ver esta experiencia sensorial, también.

Misterio rumano

En la misma muestra colectiva muchos preguntan acerca de una fotografía que guarda una historia acorde al misterio que encierra. Es una piedra grande en una cocina que fue recreada por el artista Juan Gugger. Y reproduce las llamadas Trovants, un conjunto de piedras que se encuentran en Costesti, Rumania. “Es un proyecto que comencé en confinamiento. En el marco específico de una temporalidad y una percepción del espacio que aparentemente hemos perdido nuevamente en cuanto se acabaron las restricciones. La mortalidad era una experiencia intensamente presente y ubicua”.La piedra de Juan Gugger. Bienalsur. Roma

Gugger estuvo en una residencia en el país de Europa del Este. Allí supo de estas rocas, las vio y comprobó que “están vivas”. Crecen y se reproducen, solamente en este sitio desde hace seis millones de años. Son formas de vida inorgánica, hasta pueden desplazarse lentamente. “A pesar de que las trovants fueron descubiertas hace décadas, su proceso de crecimiento aún no ha sido explicado. Tampoco ha sido aclarado porqué existen solo en esta localidad”. Allí se creó el Muzeul Trovantilor, visitado por miles de personas cada año, y fue declarado patrimonio de la humanidad por la UNESCO en 2004.

“Me interesó, en principio, el extraño estatus entre objeto y ser viviente que se encarna en estas piedras. También creo que brinda cierta tranquilidad el pensar en cosas que nos sobreviven ampliamente, que siguen existiendo y desarrollándose cuando ya no existimos”, explica Gugger. Para recrearlas trabaja con un método de capas, utiliza polvo de rocas volcánicas y usa modelos algorítmicos en software de ensayo de componentes. “Mi objetivo era desarrollar una serie de piezas que persigan la lógica escultórica de las Trovants. Crear una piedra capa por capa es contener tiempo de trabajo, proceso, pensamiento y de evolución de la propia ley formal de cada pieza”.

Sonidos imaginados

A unos minutos del centro romano se desarrolla la muestra Invocaciones. Un sonido en el fondo del oído, en el Auditorium – Parco della Musica Ennio Morricone. Allí, dentro de un conjunto de instalaciones, se destaca con decisión el trabajo de Lihuel González. Benedetta Casini es la curadora de la exhibición,Decir casi lo mismo, de Lihuel González. Roma. Bienalsur 2025.

Una pantalla de video partida vincula a dos personas que hacen una mímica muy convincente. A la izquierda, un director de orquesta marca el ritmo y el orden en la aparición de cada instrumento. Del otro lado, una mujer baila prestando atención a los movimientos. Algo fundamental para terminar de entender el armado de esta escena en dos movimientos: todo transcurre en total silencio y se titula “Decir casi lo mismo”. Casini explica que toda esta muestra se compone de obras que “evocan sonidos, por lo que no son obras sonoras en el sentido estricto del término, sino obras cuyo origen es el sonido. Se invita al espectador a hacer un esfuerzo imaginativo y traducir dentro de sí mismo el sonido que evoca la imagen”El director de orquesta.

Con esa idea trabajó Lihuel González: “Me encanta ir a escuchar orquestas. En esos conciertos me quedo completamente hipnotizada por las y los directores y sus movimientos me parecen magia. Son como una danza en código, que hace que todo lo sonoro suceda. Así es como comencé a pensar que podría pasar si le propusiera a un director de orquesta dirigir una sinfonía para filmar sus movimientos y luego que ese código mágico le diera vida a otra forma de expresión. Así conocí a Carlos, el director de orquesta. Él eligió la sinfonía que quería dirigir y compuso esos movimientos para la cámara. Luego Verónica, la bailarina, sin saber, ni escuchar lo que Carlos estaba dirigiendo, compuso una danza a través de los movimientos de la batuta”.La bailarina.

Mientras tanto, en Buenos Aires, Lihuel acaba de inaugurar una muestra en Fundación Cazadores. Con los artistas Nacho Urrein, Paula Bruno, Oliverio Duhalde realizó una performance y juntos proyectaron un mediometraje donde se evidencia su trabajo con tecnologías flamantes, protagonizada por Alex una directora de arte escénico generada por IA.

Cuerpos de distintas épocas y territorios

La exposición en Fabbrica del Vapore dentro de Invocaciones. Devenir animal propone el abandono de la perspectiva humana y un simultáneo deslizamiento hacia un proceso de mutación e hibridación con otras especies animales. Allí, en la ciudad de Milán, expuso Carla Grunauer curada por Casini. “Vengo desarrollando hace bastante tiempo los bordes de figuraciones humanas, anatomías humanas en conexión con otro tipo de formas que tienen distintas consecuencias, a veces, del mundo animal, otras del mundo botánico, también del mundo de la imaginería mecánica.La obra de Carla Grunauer en la Fabbrica del Vapore, Milán. Bienalsur 2025.

“Es una obra que llama a todos los efectos y es una representación muy animal de un cuerpo completamente abierto, como si pudiéramos ver la estructura interna y cómo, a su vez, sostiene en la mano un grupo de seres, que pareciera que los está olfateando: hay un acto animal en el relato: la figura que sostiene en la mano se va transformando por aquello mismo que sostiene u observa”, explica Grunauer.La obra de Carla Grunauer en la Fabbrica del Vapore. Milán. Bienalsur 2025.

“Yo trabajo con estos cuerpos que están todo el tiempo transformándose y hibridándose en estos ensambles, como si fuera un collage y generan nuevas funcionalidades, ideas acerca de pequeñas acciones motoras, y que tiene que ver con el campo de la fantasía”, detalla la artista que, hoy 4 de diciembre inaugura El metal que sueña, una muestra en Gilda Lavia Galleria, de Roma.Pablo da Padula, Biensalsur en Nápoles. Museo de Anatomía (MUSA), del Sistema Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles.

En la otra punta del país, en Nápoles, se puede ver Anatomía de las cualidades, título del ensayo curatorial que atraviesa disciplinas y tiempos diversos, en las que Pablo La Padula interviene las colecciones del siglo XVIII y XIX del Museo de Anatomía del Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles, fundada en el año 1224. La propuesta de Bienalsur fue curada por Diana Wechsler.

“El concepto de la obra intenta poner en valor y resaltar la dimensión de la cualidad humana dentro de un marco de una ciencia de las cantidades, de las matemáticas, y de un modelo mecánico de ser humano”, dice el artista.Pablo da Padula, Biensalsur en Nápoles. Museo de Anatomía (MUSA), del Sistema Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles, nacido en el año 1224.

Este es un escenario que se va revelando ideal para diferentes representaciones y es el ámbito preciso para que un biólogo artista, que interroga la naturaleza, retrate las esencias de huesos vivos, pieles y almas. El museo va contando la historia de la humanidad a partir del momento en el que las civilizaciones iban decidiendo qué hacer con los muertos, en particular cómo preservarlos. Y allí, coronando el perímetro se encuentra la instalación que el artista y biólogo argentino Pablo La Padula ha elaborado. “Me facilitaron velas de iglesias para hacer estos trabajos de imprimación, de registros del cuerpo como el del autorretrato. Ese que está en la vitrina horizontal es mi propio cuerpo impreso sobre humo en placas de vidrio”, detalla el artista. A pesar de estar rodeados de restos humanos, la imagen inquieta y convoca a observarla largamente.Pablo da Padula, Biensalsur en Nápoles. Museo de Anatomía (MUSA), del Sistema Museale dell’università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli de Nápoles, nacido en el año 1224.

Además, el artista realizó una serie de dibujos en papel, láminas que no están colgadas, sino dispuestas en una mesa para ver, tocar y dar vuelta. Allí hay retratos de manos, brazos y caras que corresponden a alumnos universitarios, profesores, docentes y no docentes de la facultad que pasan sus días estudiando con libros físicos en este museo que se volvió un recinto del arte de lo inesperado y de las preguntas existenciales.Pablo La Padula, Bienalsur 2025.

La tercera parte de su expo son dibujos geométricos hechos con humo y fuego sobre placas de vidrio. “El vidrio es el material por antonomasia que se usa en medicina, es acético y transparente. Y estas pequeñas figuras de geometría con los que la anatomía moderna se construye, surgen de descomponer el cuerpo humano en figuras geométricas, círculo, cubo, triángulo, etcétera», explica el artista. Ellas aparecen mimetizadas entre frascos de formol y esqueletos de todas las edades y procedencias. “Intentan de alguna forma, velar esa vitrina gigantesca de patologías humanas y correr la mirada del espectador desde la dimensión literal y brutalmente patológica y llevarlo a un sentido de lo misterioso, de lo incierto, de lo utópico, si se quiere, a partir de cubrirlos con un velo a través del arte y de la estética”, concluye La Padula.

En este país de presencia histórica a cada paso y de paisajes paradisiácos vuelve la inquietud inicial con una pregunta distinta: ¿Siempre existió la naturaleza? Hay consenso de que es un concepto de la modernidad y que la tecnología surgida en esta era se basa esencialmente en el deseo de dominarla, es decir, someter y extraerle ganancia al medio ambiente. ¿Pero lo logra?

En el mundo pospandémico y el del cambio climático, este modo de modernización es problemático. Y la forma en que nos relacionamos con la naturaleza –de modo extractivista y agresivo– no ayuda a pensar un futuro posible. De todos modos, hoy estas obras nos hablan de la posibilidad de recomponer el vínculo de repararlo. Y eso ya es mucho,

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Sobre la firma

Hector Pavon

Editor general adjunto de la Revista Ñhpavon@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Abu Dhabi, uno de los siete emiratos que conforman Emiratos Árabes Unidos, posee el 90% del petróleo del país, lo que equivale a poco más del 5% de las reservas mundiales. Son números holgados que podrían tentar a cualquier gobernante a recostarse sobre las piletas de crudo y gas que yacen debajo del desierto. En 2007 las autoridades locales – un emir que equivale a un monarca – concibieron una hoja de ruta de desarrollo económico, el Plan Abu Dhabi 2030, cuyo principal objetivo es no depender del crudo como única fuente de ingresos. A grandes rasgos, es la razón por la cual a 6700 kilómetros de París existe un Museo Louvre Abu Dhabi y se construye una sede del Museo Guggenheim con fecha estimada de apertura para el próximo año.

El turismo es uno de los sectores económicos más grandes y de más rápido crecimiento del mundo. Para Abu Dhabi, la ampliación de la oferta turística incluyó la construcción de museos y galerías de arte. Legitimarse con golpes de efecto en el mundo artístico parece ser una política de marketing nacional en los países del mundo árabe. Ingresaron al circuito global revelándose como compradores de piezas claves – la familia real de Qatar, país vecino a Emiratos Árabes, compró en 2012 «Los jugadores de cartas» de Paul Cézanne– luego fueron por la construcción de museos, mientras organizan bienales de arte y se dice que en un yate en Arabia Saudita se guarda celosamente «Salvator Mundi» de Leonardo Da Vinci..

En 2007 el gobierno emiratí firmó con el gobierno francés un acuerdo por el cual se le permitía a Abu Dhabi utilizar el nombre Louvre durante 30 años (luego se extendió a 40) para la creación de un museo en ese emirato. En enero de 2008 se conoció, de boca de la entonces ministra de Cultura de Francia, Christine Albanel, que los galos recibirían 1.000 millones de euros por el uso de la marca mientras dure el acuerdo y por el préstamo de obras de los museos franceses para el Louvre Abu Dhabi. Mientras negociaban, el emirato ya le había encargado a Jean Nouvel la construcción del edificio, un arquitecto familiarizado con el mundo árabe que había ganado el premio Aga Khan en 1987 por su diseño para el Instituto del Mundo Árabe en París.

Un Louvre en Abu Dhabi

El Museo Louvre de Abu Dhabi se inauguró el 8 de noviembre de 2017 en la Isla de Saadiyat, un enclave cultural que hoy alberga dos museos, tiene pronto a inaugurar un tercero y espera en 2026 abrir las puertas del Guggenheim Abu Dhabi. Clarín recorrió el museo que en 2024 recibió 1.400.000 visitantes. La cifra todavía es muy lejana en comparación al Louvre de París, pero crece año tras año, a medida que el emirato se populariza en una carrera que todavía lo tiene bastante detrás de su vecino Dubai.https://www.instagram.com/reel/DQ6hbX-EYmJ/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fabu-dhabi-acelera-metamorfosis-cultural-louvre-futuro-guggenheim-isla-saadiyat_0_lPb0WVHdRQ.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2277%2C%22ls%22%3A227.40000000596046%2C%22le%22%3A770.5999999940395%7D

Nouvel debió diseñar su edificio teniendo en cuenta el principal problema de los países árabes: el calor. En este caso, no solo afecta a las personas sino a las condiciones de conservación de las obras. Ideó un edificio con una cúpula característica que emerge en el todavía en desarrollo skyline de la isla y que funciona como parasol de todo el edificio.

El domo está inspirado en una mashrabiya, un elemento típico de la arquitectura árabe que se caracteriza por ser una superficie enrejada por donde se filtra la luz. Según la hora, el momento del año y el clima se crean formas y reflejos sobre las paredes grises y blancas del museo y las piletas de agua ubicadas en los patios. A su vez, rinde homenaje a la sombra, de vital importancia para el mundo árabe, que refresca de manera natural los espacios y orienta a la qibla, la dirección a La Meca a la que rezan los musulmanes.El domo está inspirado en una mashrabiya, un elemento típico de la arquitectura árabe que se caracteriza por ser una superficie enrejada por donde se filtra la luz.

A diferencia de los tres principales museos franceses – Louvre, Orsay y Pompidou – que presentan sus colecciones de forma cronológica pero ocupándose cada uno de una época, el Louvre de Abu Dhabi plantea un único recorrido cronológico, que va desde las primeras civilizaciones, con un fuerte foco etnográfico en sus primeras salas, hasta arte moderno del siglo XX.

El museo carece de grandes hits si se lo compara con su madre nodriza. Al haber sido pensado para atraer turismo al emirato los curadores idearon un recorrido fluido entre las salas, a las que se les sumó paneles con dispositivos digitales. “La mediación está diseñada para estimular el deseo de comprender, en lugar de simplemente cumplir con la tarea de proporcionar conocimiento”, escribió el curador francés Jean Francois Charnier en el catálogo del museo.

Doce salas

Las obras y los objetos arqueológicos que se exhiben están presentados en 12 salas, cada una de las cuales presenta un período clave en la historia de la humanidad, desde el nacimiento de las primeras aldeas hasta el arte moderno del siglo XX. Las culturas y las civilizaciones se mezclan con el espíritu de mostrar cómo lugares tan distantes – De Egipto a China y de Irán a México, por nombrar algunos– pensaban de manera similar.Obras de Manet en el Museo Louvre Abu Dhabi.

La mitad de su recorrido se compone de objetos arqueológicos, presentados por temáticas: las religiones universales, las prácticas funerarias, el intercambio entre civilizaciones, la vida cotidiana, las rutas comerciales, entre otros. A partir de la sala seis el relato salta a las artes visuales, con los primeros retablos religiosos bizantinos, textiles, esculturas, paneles de mármol hasta adentrarse de lleno en las artes plásticas.

El museo cuenta con una colección propia de pinturas, a la que se suma los préstamos de los museos franceses. En su acervo hay obras de Murillo, Camille Corot, Gustave Caillebote, Édouard Manet, Paul Gauguin, Paul Klee, una interesante colección de fotografías de mediados del siglo XIX, René Magritte, Piet Mondrian, Alexander Calder, Yves Klein, Wilfredo Lam y Joseph Albers.https://www.instagram.com/p/CUaRo_nJYIV/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fabu-dhabi-acelera-metamorfosis-cultural-louvre-futuro-guggenheim-isla-saadiyat_0_lPb0WVHdRQ.html#%7B%22ci%22%3A1%2C%22os%22%3A2281.4000000059605%2C%22ls%22%3A227.40000000596046%2C%22le%22%3A770.5999999940395%7D

El Louvre de Abu Dhabi aguarda para el próximo año la inauguración de su vecino, el Museo Guggenheim Abu Dhabi, el esperado monumento cultural diseñado por Frank Gehry en la isla de Saadiyat que ya entró en su etapa final, pudo constatar Clarín. Días atrás, Mohamed Khalifa Al Mubarak, presidente del Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dabi, reveló los primeros detalles de lo que se verá a partir del próximo año en el museo.

La colección del Guggenheim Abu Dhabi se centrará en obras desde la década de 1960 hasta la actualidad, con arte contemporáneo desde una perspectiva internacional en lugar de una perspectiva euroamericana. Exhibirá obras de Jackson Pollock, Mark Rothko, Andy Warhol y Jean–Michel Basquiat, presentadas junto a trabajos de artistas contemporáneos de Asia, África y el mundo árabe.

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Belén Papa Orfano

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Fuente: Clarín.com

Entre abril y septiembre de 1966 Borges viaja once veces a Mar del Plata. Lo hace cada quince días –a excepción de julio por motivos del receso invernal–. Parte en tren desde Constitución. Homero Guglielmini –un compañero suyo de los años de la revista Inicial (1923-1927)– va a esperarlo a la estación de la ciudad feliz. Una vez allí, los lunes, departe sobre Literatura Inglesa y Norteamericana en el Colegio Santa Cecilia, sede por entonces de la Universidad Católica.El escritor Jorge Luis Borges, en una imagen de archivo. EFE

Una multitud asiste a sus clases. Borges expone sobre Beowulf y los orígenes del inglés antiguo; sobre la fe cristiana de Thomas Moro y sobre la ceguera de John Milton; sobre el universo de Shakespeare y sobre las interrupciones abruptas en las obras de Chaucer.

Entre los asistentes también están los primeros graduados en Letras que tendrá la ciudad. Las clases fueron cuidadosamente grabadas y transcriptas. Debemos a Celia Pérez Mathiasen el resguardo de este acervo. Todo esto lo conocemos gracias a Mariela Blanco, editora del nuevo y excepcional volumen de clases de Borges e hija de Graciela Mazzanti, una de las entusiastas estudiantes que asistió a aquel curso.

Custodiadas durante años por sus primeras destinatarias, ahora salen a luz en una cuidada edición con notas de Germán Álvarez en el libro Borges en Mar del Plata. Curso de Literatura Inglesa y Norteamericana, de Jorge Luis Borges (Sudamericana).

Para Mariela Blanco, las clases VI y VII –de los días 27 de junio y 25 de julio de 1966, dedicadas al siglo XVIII y al origen del romanticismo–, están entre los aportes más originales de toda la serie. En una de ellas, hablando de Jonathan Swift y Los viajes de Gulliver, Borges se refiere a la paradoja de que uno de los fundadores del pesimismo, haya dado lugar también a un libro para niños.

Carácter oral

El carácter oral de sus clases, el hecho de que esté dado a la improvisación, nos ha obsequiado un Borges que también se refiere a los temas que pueblan su literatura. Temas como la mejora de originales a través de la traducción o la alteración de las citas; la aparición de la vergüenza en la historia de la humanidad o la pasión admirable por las enciclopedias y los diccionarios. Son esos solo algunos de los muchos temas laterales que en las digresiones del gran conferencista aparecen.

Leyendo el Curso de Literatura Inglesa y Norteamericana podemos darnos una idea más vasta de la literatura anglosajona. Pero también, podemos comprender finos detalles de la obra borgeana.

Comprender, por ejemplo, que “Axaxaxas” –aquella palabra que aparece en expresiones de algunos cuentos suyos (“axaxaxas (fluía) mlö (lunó)”, que se nombra en “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius” y en “La Biblioteca de Babel”)–, está tomado del esquema de las rimas A-X-A-X. Y que el objeto llamado “Aleph” puede no ser solo una esfera de cristal –a la manera de la burbuja que sostiene entre sus manos el Ciudadano Kane en la película de Orson Wells–, sino también algo semejante a la forma de un río.

Tal es de hecho otra de las fuentes del Aleph: “Alph” se llama al río sagrado que corre en el Palacio de Xanadú en “Kublai Khan”, el poema de Coleridge. El poema de Coleridge es importante. Marca una de las raíces que ligan a la literatura de Borges con los sueños.

Las clases de Borges transmiten la magia de la lectura. Pero también el asombro por lo que Borges ha leído, cómo lo ha leído y de qué modos lo evoca. Ahora que se ponen en duda cosas como la Historia o la Filosofía y hasta el porvenir de las Humanidades, se vuelve evidente la utilidad de la literatura: como un imperioso recreo que sustrae de su desaparición al pasado.

Vemos el universo, y lo contemplamos y lo estudiamos, porque en ello se pone en juego, más allá de todo credo, algo del sentido mismo de la existencia. Borges en sus clases se muestra fascinado no tanto por las posibilidades del conocimiento, sino por el asombro mismo que hay en el acto de conocer. En su método asociativo, todo cobra su forma finalmente. Para él, las épocas son un medio que la historia tiene para continuar su relato.

Un objeto en un gabinete de variedades, es tan solo un pretexto que una época tiene para manifestarse en otras. Y una página extraviada en un estante de la biblioteca, demuestra que un texto es un medio que un texto tiene para producir más textos. Pese a ser Borges alguien sumamente comprometido con las libertades individuales, su sentido de la historia no le impide practicar el estoicismo. Las especies son siempre más importantes que el individuo.

Para amplificar esto, Borges nos propone sus ejercicios de genealogía. Podemos pensar en Don Fausto de Estanislao del Campo. Y pensar luego en el Fausto de Goethe. Y pensar incluso en el Fausto de Marlow. Pero para Borges eso sería insuficiente. Porque el Fausto de Marlow guarda una evidente relación con Tamerlán de Marlow. Ambos, Fausto y Tamerlán, venden sus almas. Y terminan solitarios y locos.

¿Por qué Borges interrumpió sus clases? Para Mariela Blanco, una hipótesis plausible quizá sean los anónimos dirigidos al decano de la UCA, por haber contratado a un docente que no se declaraba católico.

En una clase del 23 de mayo de 1966, Borges describe el martirio de Thomas Moro, que un 6 de julio de 1535 fue llevado al cadalso por Enrique VIII por su antireformismo, acusado de alta traición por oponerse al segundo matrimonio del Rey –con Ana Bolena–. Esa postura no le impide a Borges, en una clase del 27 de junio del 66, parafrasear ironías de Edward Gibbon en contra del cristianismo.Jorge Luis Borges. Archivo Clarín.

Última clase en Mar del Plata

El 19 de septiembre de 1966 Borges dicta su última clase en Mar del Plata. Habla de Edgar Allan Poe y de Nathaniel Hawthorne, de los trascendentalistas y de los orígenes de la literatura norteamericana. Sin que lleguen a ser tema de sus clases, quedan Mark Twain, William Faulkner y la evolución de la novela norteamericana. Algunos de esos temas pueden reconstruirse a través de otros libros. Como Introducción a la Literatura Norteamericana (1967, Jorge Luis Borges junto a Esther Zemborain).

1966, el año de Revolver de los Beatles y de Aftermath de los Rolling Stone, es también el año de los viajes de Jorge Luis Borges a Mar del Plata. Mientras Syd Barrett y Roger Waters dan forma a la música psicodélica de Pink Floyd, Borges emprende un viaje al siglo XI, a un viejo mundo en que dos hermanos –el rey Harold y el conde Tostig– pelean por el destino de un reino.

Una noche, luego de que Harold le dé muerte a Tostig, se llevará a cabo la invasión de los Normandos. Y cambiará el destino de aquella isla para siempre. Es curioso: esto había sucedido en el año 1066. Novecientos años después en Mar del Plata, como conmemorando un aniversario secreto, Borges vuelve otra vez sobre el tema.

Borges en Mar del Plata. Curso de Literatura Inglesa y Norteamericana, de Jorge Luis Borges (Sudamericana).

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Juan MendozaBio completa

Fuente: Clarín.com

Podría ser una forma de decir. «Desde muy chica mi vida gira en torno a Jane Austen«, asegura la periodista Juana Libedinsky y, ciertamente, podría ser una exageración, esas maneras de subrayar la importancia de algo. Pero esta mañana, en un jardín que, pese a estar en el corazón del Bajo Belgrano, es un verdadero viaje en el tiempo, justo antes de vestirse como una dama de la Regencia en Inglaterra, Libedinsky es puntillosa con el sentido de esa frase: desde niña, casi al tiempo que aprendía a leer, descubrió a la autora de Orgullo y Prejuicio y nunca más la soltó. Por eso, la publicación de su nuevo libro Queremos tanto a Jane (Seix Barral) es la crónica de una pasión anunciada.La periodista Juana Libedinsky rodeada por parte de las colecciones construidas por sus padres a lo largo de la vida. Foto: Ariel Grinberg.

Clase ’73, Juana Libedinsky es una exponente perfecta de su generación. Cumple con los mandatos tradicionales con los que las chicas de los primeros 70 todavía fueron acunadas (estudio, familia y éxito profesional), pero también se permite reírse de ellos, como esas mismas chicas descubrieron que eran capaces de hacer. Por eso, aquellas lecturas que la transformaron de niña persistieron a pesar de que no eran ni prestigiosas ni esperables en una joven educada con refinamiento. Jane Austen siempre estuvo ahí.

Cuando apenas había salido de la universidad, se transformó en la asistente de la socióloga Francis Korn en uno de sus trabajos sobre la Buenos Aires del Centenario. En esas jornadas de trabajo compartido, le contó a la académica de su pasión por la autora de Emma. Lo que sucedió fue que la propia Korn era tan apasionada por Austen como ella. Tiempo después, para cerrar una maestría en Sociología de la Cultura que cursó en la Universidad Nacional de San Martín, eligió a la británica como tema de su tesis. Sin dudas, una elección fuera de registro que sus docentes aceptaron con extrañeza

¿Quién más, entonces, que Juana Libedinsky para recorrer algunos de las muchas (pero muchas) celebraciones que están desarrollándose en el mundo entero para recordar que este año se cumplen 250 años del nacimiento de Jane Austen? Con ese objetivo, la periodista realizó una peregrinación entre bailes, congresos y conferencias de Londres a Bath, de Chawton a Winchester, y por supuesto en Nueva York, donde reside, y en Buenos Aires, donde nació y siempre regresa. El resultado se encuentra en este libro lleno de sorpresas para una fan que sabía, desde el inicio, que Jane Austen siempre tiene algo más para ofrecer.

–Hay decenas de actividades para celebrar el aniversario de Jane Austen, ¿con qué criterio elegiste los bailes, congresos y encuentros que narrás en el libro?

–Si bien hay muchos autores que me gustan mucho, Jane Austen es mi pasión y lo es desde súper chica. Pero, algo que cuento en el libro, para mí esta pasión siempre fue privada. Yo no conocía todo este universo comunitario, performativo, de fandom, y encontrarlo fue una gran revolución. Una de las ventajas de vivir en Nueva York es que es el epicentro de todo. Por eso, no me quiero hacer la que me tuve que matar para conseguir los materiales del libro, porque algunos simplemente estaban a la vuelta de mi casa. Hablando en serio, en Nueva York se estaban organizando toda una serie de conferencias de la rama local de la Jane Austen Society of North America, que proponía actividades dos o tres veces por semana, con conferencias de grandes eminencias o con la participación de un descendiente de Jane Austen o una tarotista que leía las cartas o te comunicaba, tipo médium, con algún espíritu que quedó bollando desde que lo mataron las tropas napoleónicas. Luego, había producciones de Broadway, de off-Broadway y del off-off-Broadway que organizaban lecturas dramatizadas de los guiones para buscar inversores. De manera que me sumergí en todo eso, llevé a toda mi familia, que no hizo ningún otro programa salvo acompañarme. Y otro tanto hice en Inglaterra, donde viven mi tía y mis primos y donde vamos bastante seguido para las vacaciones. Ahí me sumé a todo lo que se estaba haciendo: desde llorar ante la tumba de Jane Austen hasta descubrir un baile en la iglesia donde está enterrada. Y justo cuando me sentía tan genial, cómo consigo todas estas cosas, qué buena periodista debo ser, me di cuenta de que en la Argentina había todo esto y mucho más. Y eran cosas que también pasaban en Pakistán y en China y en todas partes. Ser parte de esta comunidad mundial fue una sensación de hermandad muy poderosa, sobre todo para alguien que trabaja de forma muy solitaria como yo

–El prejuicio podría llevar a suponer que esta comunidad está formada solo por señoras sin demasiadas ocupaciones. ¿Es así?

–En cada lugar siempre es una mezcla increíble. De lo que vi en Estados Unidos, en Reino Unido y acá, en la Argentina está más formado por fandom y mucho trabajo performativo de grupos a los que les gusta vestirse de época. Me invitaron a una conferencia en Brasil y otra en México, y allá tiene un carácter mucho más académico. De todas maneras, diría que una de las cosas llamativas es la buena onda que hay entre gente que viene de ámbitos totalmente distintos. Por ejemplo, en Estados Unidos, donde está la comunidad más grande (incluso más que en Inglaterra), en estas grandes conferencias, encontrás desde extraordinarios académicos de las instituciones más prestigiosas hasta gente que ni siquiera leyó los libros de Jane sino que vio alguna de las películas o una serie o sencillamente le gusta vestirse de época. Y entre todos hay una cohabitación muy pacífica, y eso es muy especial. El título de mi libro es Queremos tanto a Jane, que es un juego con el cuento de Cortázar «Queremos tanto a Glenda», en el que la fascinación por Glenda Jackson y la necesidad de apropiarse de ella termina en violencia. Acá, toda esta gente con la misma necesidad de apropiarse de Jane Austen logra conformar una cosa muy democrática y una gran hermandad. Eso me pareció único.

–De hecho, en el libro te preguntás si los lectores de Jane Austen son gente amorosa y cordial en sí misma o si es la lectura de la obra lo que los transforma. ¿Encontraste una respuesta?

–Como con tantas otras cosas con respecto a Jane Austen, creo que la respuesta es no sé. Y van a pasar 250 años más de gente tratando de encontrar la respuesta, pero me parece que la clave de todo esto es que de Jane Austen solamente quedaron seis novelas canónicas y ella se murió muy joven, a los 41 años; no se casó y la hermana quemó casi toda la correspondencia. Entonces, es un gran enigma y las ventajas de los grandes enigmas son que uno puede también proyectarse y verse reflejado como en un espejo. Por eso, en el fondo también es fácil encontrar un lugar propio en lo que se lee. Eso sin duda colabora.Vestida para la ocasión, Juana Libedinsky se probó un traje de época. Foto: Ariel Grinberg.

–Italo Calvino decía que un clásico es un libro que nunca termina de decir lo que tiene que decir. ¿Qué tiene para decir hoy Jane Austen a sus lectores jóvenes?

–Estas personas le ven distintas cosas. Hay quienes la ven, por ejemplo, en términos de marketing. Me estaban diciendo que es un muy buen producto para instagramers. También creo que parte de la magia que genera es que es muy fácil de traducir a situaciones muy distintas y contemporáneas. Por ejemplo, una de las adaptaciones más lindas que vi últimamente es una película titulada Fire Island, que traslada la historia de Orgullo y Prejuicio a un entorno gay en Fire Island, Nueva York. Muchos dicen que la traducción más fiel que se hizo es una serie que se llama Clueless, con Alicia Silverstone, que es una maravilla total y consiste en trasladar Emma a una escuela en Beverly Hills en los 90. Uno podría pensar que no hay nada entre un nivel y otro, pero siempre están estas cosas tan profundas del ser humano que tienen que ver con lo que decías de los clásicos. Diría que lo que Jane Austen tiene, a diferencia de otros clásicos, es que se puede leer con una enorme facilidad cada novela y se pueden tomar como una historia de amor o una comedia romántica y ya es irresistible. Después, si querés ir agregando otros niveles, podés encontrar la ironía, podés ver cuán buenos o cuán malos son en realidad los matrimonios que están representando, podés ver si en realidad no está dando una patada a la patriarquía…

–Establecés una conexión entre las novelas de Jane Austen y la comedia romántica tal como la conocemos hoy. ¿Es así?

–Sí, absolutamente. No es que ella haya inventado el género, pero sí lo transformó. Esto no lo digo yo, lo dicen críticos literarios. ¿De qué manera lo hizo? Lo transformó de tal manera que ahora es la comedia romántica que consumimos hoy. Por ejemplo, mis tres novelas preferidas son Orgullo y Prejuicio, donde el arco narrativo va de enemigos a amantes. Eso es lo mismo que encontrás desde El diario de Bridget Jones a la serie Crepúsculo, o 50 sombras de Grey. Otra de mis novelas es Emma, que va de amigos a amantes, que es lo que ves en Cuando Harry conoció a Sally, ahí está. Y mi favorita, por ahí porque soy señora madura y es la novela en la cual la protagonista tiene (horror de los horrores) 27 años y está ya casi desahuciada para el matrimonio, es Persuasión, que es la comedia de las segundas oportunidades, de gente un poco más grande buscando el amor.

–Hay un cambio importante en la valoración de la obra de Jane Austen. En ese marco, detectar, por ejemplo, el feminismo de sus novelas ¿tiene que ver con que eso está ahí o con que ahora pensamos en términos de feminismo y la leemos desde nuestro presente? O, en otros términos: ¿ya sabemos todo lo que podíamos saber sobre Jane Austen y su universo?

–Hay tantas lecturas, relecturas y nuevas lecturas que esta especie de misterio de fondo que hay me lleva a preguntar esto mismo a los críticos y a gente que está muy metida en el tema, y todos coinciden en que es como un pozo sin fondo. Porque podés no solo leer cosas distintas, sino que podés leer cosas totalmente contradictorias. Para darte una idea, una de las reglas de la comedia romántica es que la historia termine en casamiento. Pero una académica escandinava acaba de publicar un libro analizando los finales y explica que son ambiguos, si los mirás con cariño, o que directamente demuelen al matrimonio como institución del patriarcado, si querés meterte más en serio. Así es que están quienes dicen que Jane Austen hacía revoluciones adentro de una taza de té, y muchos que la leen como extraordinariamente conservadora, quienes la leen como protofeminista y de ideas muy radicales, y quienes ofrecen argumentos y contraargumentos. Para mí, fue lindísimo estar en todas estas reuniones tan masivas con gente tan democrática, desde un enorme especialista hasta alguien que solo había visto una película

Juana Libedinsky básico

• Nació en Buenos Aires en 1973.

• Es columnista de La Nación (Argentina) y corresponsal cultural en Nueva York de El País (Uruguay).

• Graduada de la Universidad de San Andrés, realizó maestrías en Sociología de la Cultura en la Universidad Nacional de San Martín y en Reportaje y Crítica Cultural en la Universidad de Nueva York.

El galán eterno: Mr. Darcy en cera, se consume al encender la llama, cuenta con un guiño Juana Libedinsky. Foto: Ariel Grinberg.

• Fue New York Observer Fellow en la Universidad de Nueva York y Wolfson Press Fellow en la Universidad de Cambridge.

• Es la autora de English Breakfast. El pensamiento británico hoy (2006) y Cuesta abajo (2024).

• Su trabajo fue publicado periódicamente en Vanity Fair y Condé Nast Traveler en España. Es profesora de la maestría en Periodismo Cultural de la Universidad San Pablo de Madrid.

Queremos tanto a Jane, de Juana Libedinsky (Seix Barral)

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Débora Campos

Editora de la sección Culturadecampos@clarin.com

Fuente: Clarín.com