Categoría: Entretenimiento

Cuando el doctor José Penna miró los patios que circundan el Hospital Muñiz, pensó que algún día todas esas plantas, de crecimiento incipiente, brindarían oxígeno, sombra y templanza a los pacientes internados en los pabellones. Más de un siglo después, las plantas crecieron y se multiplicaron, incorporando nuevas especies, a las que ahora se suman, además, todas las que amorosamente dibujó el artista chileno Hernán Pitto Bellocchio en las paredes del vacunatorio de este centro de salud, especializado en enfermedades infecciosas agudas.Vacunatorio vegetal, del artista chileno Hernán Pitto Bellocchio en el Hospital Muñiz. Foto: Guillermo Rodríguez Adami.

El proyecto “Vacunatorio Vegetal. Estética y salud en el ecosistema hospitalario”, desarrollado bajo el impulso de la 5ta. edición de Bienalsur, es el corolario de una investigación interdisciplinaria que el artista desarrolló junto a Teresa Politi y Gabriel Noel, médica cardióloga del Hospital Argerich y antropólogo dedicado a la ingeniería biomédica, respectivamente. “Empecé preguntando a Tere cuál era el tipo de arte que existía en los hospitales públicos en CABA. Me interesaba pensar cuál era la importancia del sentido estético para la salud”, cuenta el artista.

A partir de entonces los tres emprendieron una serie de exploraciones. “Cuando al principio Hernán mencionaba esta idea del derecho a la belleza como parte del derecho a la salud, a mí me generaba mucho dolor, porque pensaba que, faltando tantas cosas básicas en el hospital, no podíamos ponernos a pensar en estas cosas”, dice Politi.https://48e8b60a343d0cdf0ead877909b218eb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Arte dentro de los hospitales

Pero las preguntas que su compañero le traía acerca del arte dentro de los hospitales le permitió, sin embargo, desnaturalizar una escena a la que, de urgencia en urgencia, nunca había prestado atención.Vacunatorio vegetal, del artista chileno Hernán Pitto Bellocchio en el Hospital Muñiz. Foto: Guillermo Rodríguez Adami.

“Solemos pensar que el sentido estético consiste en un mero adorno, o en todo caso un agregado que viene después de satisfacer las necesidades básicas y elementales. Pero no es así –explica Noel–. Las primeras cuestiones humanas de las que tenemos noticia tienen sentido estético. La belleza –agrega el antropólogo– es parte integral del derecho a la salud, concebido de forma amplia”.

Las exploraciones, entonces, comenzaron a tomar forma de trabajo de campo: Pitto Bellocchio, Politti y Noel recorrían distintos hospitales pensando en el impacto positivo de la belleza para la salud (ya se trate de la posibilidad de contemplar arte, naturaleza, o el simple hecho de ingresar a una sala de atención limpia y ordenada, en lugar de en pleno caos). También, en la desigualdad reinante, que hace que quienes pueden, elijan atenderse en instituciones privadas solo “porque las paredes son más blancas”.Vacunatorio vegetal, del artista chileno Hernán Pitto Bellocchio en el Hospital Muñiz. Foto: Guillermo Rodríguez Adami.

Así conocieron espacios, profesionales, pacientes, e historias de vida. Antes de llegar al Muñiz, visitaron el Garraham, el Argerich y el Rawson. Pero cuando entraron al hospital de la calle Uspallata, sintieron que ahí había espacio para experimentar algo, aunque no supieran bien qué.

“Lo primero que nos llamó la atención fue su entorno verde, uno de los objetivos principales de su fundador. Penna estableció por escrito una suerte de trazado botánico, concebido desde la función médica que podía tener esa vegetación”, cuenta el artista desde su casa taller en Barracas, donde las plantas también son omnipresentes.

En su trayectoria, desplegada entre Buenos Aires y Milán, el mundo vegetal aparece siempre y de diversos modos. De hecho, Pitto Bellocchio ya había sido seleccionado para participar de una edición anterior de Bienalsur, con un proyecto que ponía el ojo sobre los árboles nativos de diversas ciudades latinoamericanas, y los patios de sus respectivas casas gubernamentales.https://www.instagram.com/reel/DSVaL66EYgc/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fbienalsur-interviene-hospital-muniz-proyecto-une-arte-naturaleza-salud_0_p1cW2FtVVc.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1033.7999999523163%2C%22ls%22%3A179.19999998807907%2C%22le%22%3A681.0999999642372%7D

Así, en diálogo con el personal del hospital, sobre todo con Tuti Maglio, analista de relaciones institucionales del hospital y espíritu de todos los proyectos culturales que tienen lugar en sus espacios, las iniciativas del colectivo interdisciplinario fueron cobrando forma.

“El entorno del Muñiz es un parque, recuerda un poco La Montaña Mágica de Thomas Mann, novela en la que la gente se va a curar a la montaña no solo por el aire, sino por el contacto con la belleza”, dice el artista. Su verdor volvió a encender en él la llama botánica de su creatividad. Junto a sus colaboradores, charlaron con todas las personas con las que pudieron, dentro de la institución.

El apoyo de Bienalsur les permitió terminar de dar forma a la idea y llevarla a cabo. La bienal incubada por Aníbal Jozami y Diana Wechsler desde la Universidad Nacional Tres de Febrero pone especial énfasis, desde sus inicios, en expandir las fronteras del arte contemporáneo más allá de los espacios habituales de circulación. Para Bienalsur, la intervención de Bellocchio en el Muñiz significó la primera vez que presentó una muestra en un hospital público.Vacunatorio vegetal, del artista chileno Hernán Pitto Bellocchio en el Hospital Muñiz. Foto: Guillermo Rodríguez Adami.

Ser respetuosos de ese espacio

Una vez que se acordó lugar, comenzó el diálogo con los trabajadores. “No queríamos hacer nada que resultase invasivo, queríamos ser respetuosos de ese espacio”, cuentan. Bellocchio comenzó a salir a los parques aledaños, a dibujar todas esas especies que ahora toman los muros del vacunatorio, acariciando los ojos de quienes llegan a atenderse y quienes pasan innumerables horas atendiendo, poniendo el cuerpo en el cuidado de niños y adultos.

Cada pared es una composición integrada por múltiples ejemplares de esas especies, habitantes de los tres parques próximos a la zona del hospital (el Parque España, el Ameghino y el Patricios), frente a los que Bellocchio pasó horas, durante días, copiando al detalle. “El tiempo largo equivale a un diálogo con la planta que se está dibujando”, dice.Vacunatorio vegetal, del artista chileno Hernán Pitto Bellocchio en el Hospital Muñiz. Foto: Guillermo Rodríguez Adami.

Cada dibujo es una sumatoria de tiempos: por eso hay tipas peladas y tupidas, entre otras sutiles diferencias que dan cuenta de los meses que el artista dedicó, pacientemente, a sus apuntes del natural.

Los ejemplares específicos de tilos, sauces, gomeros y plátanos, copiados en los parques, conviven en los muros con los jazmines, helechos arborescentes, potus y pasifloras, entre otras especies elegidas por los trabajadores del vacunatorio.

“Dibujar la planta que cada uno de ellos me pedía fue un modo de hacerlos parte del proyecto. Me gusta ahora volver a la pared y decirles aquí está tu planta” cuenta el artista. Contra las paredes blancas, las nervaduras azules de sus dibujos permanecerán vibrantes, inspirando vitalidad y resiliencia a quienes lo necesite.

Vacunatorio vegetal, en el Hospital Muñiz (Uspallata 2272).

---

Sobre la firma

Julia Villaro

Periodista especializada en artes visuales.seccioncultura@clarin.comBio completahttps://48e8b60a343d0cdf0ead877909b218eb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

---

Mirá también

Bienalsur 2025: seis artistas argentinos exploran la relación entre lo humano y la naturaleza en Roma, Nápoles y Milán

Arte, emoción y resistencia: el impacto humano de Bienalsur 2025 en Roma

Bienalsur: todas las ideas que caben en una tolva

Newsletter Clarín

Recibí en tu email todas las noticias, coberturas, historias y análisis de la mano de nuestros periodistas especializadosQUIERO RECIBIRLO

---

Tags relacionados

• Bienalsur
• Arte contemporáneo
• Naturaleza

---

Comentarios

---

Te puede interesar

• Oración de Año Nuevo 2026: cómo es y a qué hora se debe hacer
• Ríos, lagunas, arroyos y piscinas: 15 balnearios en medio del campo para una escapada de verano
• En auto a la Costa: ¿dónde es más barato cargar nafta y dónde conviene evitarlo?
• Qué es Rakuten TV: cómo funciona, cómo ver TV de España gratis desde Argentina
• Luz María Peña, psicóloga: “La batería social se agota y te pide estar a solas”
• Horóscopo de hoy, sábado 27 de diciembre: las predicciones para la salud, el amor y el dinero

---

Selección Clarín

• En auto a la Costa: ¿dónde es más barato cargar nafta y dónde conviene evitarlo?
• Ríos, lagunas, arroyos y piscinas: 15 balnearios en medio del campo para una escapada de verano
• El gurú de la terapia opuesta al psicoanálisis se define: «Somos taxistas, vamos donde nos dice el cliente»

---

Últimas noticias

• Del ring a la fortuna: el legado millonario que Ricky Hatton dejó para sus hijos
• A los 60 la piel cambia: “Hay cuidados clave en esta etapa”, advierte la dermatóloga María Garayar
• El romántico cumpleaños de Nico Occhiato en Nueva York junto a Flor Jazmín: todas las fotos
• Quiniela de Córdoba: resultado del sorteo de la Primera de hoy, sábado 27 de diciembre
• Quiniela de la Provincia: resultado del sorteo de la Primera de hoy, sábado 27 de diciembre

https://48e8b60a343d0cdf0ead877909b218eb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlhttps://48e8b60a343d0cdf0ead877909b218eb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

---

Lo más leído por suscriptores

• 1Quiénes son los senadores peronistas que apoyaron con su voto al primer Presupuesto de la era Milei
• 2Virginia MessiCómo viven hoy los protagonistas de la increíble triple fuga del penal de General Alvear, que el país siguió por TV
• 3Punta del Este: murió un motociclista tras un violento choque contra una camioneta conducida por una argentina
• 4Todas las fotos del casamiento de Kevin Zenón: los compañeros de Boca que asistieron y dos invitados sorpresa con el Paraná de fondo
• 5Roxana BadaloniComenzó el éxodo de argentinos a las playas de Chile, con una advertencia sobre la seguridad de los turistas

https://48e8b60a343d0cdf0ead877909b218eb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlhttps://48e8b60a343d0cdf0ead877909b218eb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

---

Videos destacados

• La escena de Arnold Schwarzenegger en el bar como el T-800 en The Terminator 2
• Francesc Miralles, experto en desarrollo personal
• Enrique Sanz, experto en cosmética natural

https://48e8b60a343d0cdf0ead877909b218eb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlSuscribite a Clarín

• Beneficios
• Ingresar

Descarga la app de Clarín

• Google Play
• App Store

Editor Responsable: Ricardo Kirschbaum

Registro de Propiedad Intelectual: 4347221

Edición Nº: 10859, 27 de diciembre de 2025

Piedras 1743 / Tacuarí 1846. CP: 1140. C.A.B.A, Argentina

Propietario Arte Gráfico Editorial Argentino Sociedad Anónima © 1996-2025 Clarín.com – Clarín Digital – Todos los derechos reservados.Información fiscalSecciones

• Últimas noticias
• Política
• Economía
• Sociedad
• Deportes
• Espectáculos
• Opinión
• Cultura
• Rural
• Mapa del sitio

Servicios

• Clima
• Horóscopo
• Loterías y Quinielas
• Divisas

Juegos Clarín

• Claringrilla
• Sudoku
• Lexi Reto
• Los 8 Errores
• Test de Actualidad
• Más juegos

Newsletters

• 7 Minutos
• Humor político
• La intimidad del poder
• Más newsletters

Grupo Clarín

• Grupo Clarín
• Noticias Clarín
• TN
• El Trece TV
• Mitre
• La 100
• Ciudad
• Cienradios
• TyCSports
• La Voz del Interior
• VíaPaís
• Rumbos

Clarín Digital

• Diario Olé
• Gran DT
• Argenprop
• Empleos
• Guía Clarín
• Clasificados
• Receptoria online
• Colecciones Clarín
• Elle
• Kenja

Publicidad

• Anúnciese con nosotros

Contáctenos

• Contacte a la Redacción
• Atención al Cliente
• Ayuda
• Archivo

Edición impresaLeé el diario de hoy

• Términos y Condiciones
• Política de protección de datos personales
• Normas de confidencialidad y privacidad
• Defensa de las y los consumidores: para reclamos ingrese aquí

Fuente: Clarín.com

El Patronato del Museo Guggenheim, ubicado en Bilbao (España), decidió tras dos años de reflexión, paralizar el proyecto de expansión del centro a la comarca de Busturialdea-Urdaibai, que acoge la única Reserva de la Biosfera de la zona.Una vista desde un dron muestra a personas caminando junto al Museo Guggenheim, junto al río Nervión y el puente de La Salve, en Bilbao, España, el 19 de mayo de 2025. REUTERS/Guillermo Martínez

El órgano de gobierno del museo, en el que están representados la Fundación Solomon R. Guggenheim o el Gobierno regional del País Vasco, entre otras administraciones e instituciones, decidió en su reunión de fin de año no seguir adelante con un proyecto cuyo planteamiento inicial se remonta a 2008 y que, pasados los años, fue reactivado con la idea de construir dos nuevas sedes del Guggenheim en los pueblos de Gernika y Murueta, este último ubicado en plena reserva natural.

Elixabete Etxanobe, diputada general de Vizcaya (la provincia en el que se encuentran tanto Bilbao como Gernika y Murueta); la consejera de Cultura del Gobierno vasco, Ibone Bengoetxea; y la directora del museo, Miren Arzalluz, fueron las encargadas de dar a conocer la decisión de los patronos al término de su reunión.https://9d7c7ef0804d69a6a12487373b3dc010.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Según explicaron en una comparecencia pública, la decisión, «difícil» pero «responsable», ha estado motivada por la acumulación de dificultades, incertidumbres jurídicas y limitaciones territoriales, urbanísticas y medioambientales en torno al proyecto.https://www.instagram.com/p/DSVpYNkioPq/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fpatronato-guggenheim-bilbao-decidio-ampliar-museo-reserva-natural_0_HhymL5UiUk.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1092.300000011921%2C%22ls%22%3A158.80000001192093%2C%22le%22%3A593.5%7D

Dos años de reflexión

«El camino para hacerlo realidad sería muy largo, complejo y sin todas las garantías que requiere un proyecto de esta envergadura», por lo que se ha concluido que «poner el fin al proyecto es la mejor decisión, la más responsable», dijo Etxanobe.

Según detalló, son varios los motivos que explican «la inviabilidad» del proyecto en un plazo de al menos diez años, que «se sumarían a los 17 transcurridos desde que se formulara la primera idea» en torno a él.

Etxanobe ha indicado que, desde el inicio, el Patronato fue consciente de las dificultades del proyecto, que debía desarrollarse «en un marco legal, medioambiental, urbanístico y social complejo», sometido a «estrictas limitaciones».

El Museo Guggenheim Bilbao fue inaugurado en 1997 y fue diseñado por el aclamado arquitecto canadiense-estadounidense Frank Gehry, que falleció recientemente a los 96 años.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El artista británico Banksy confirmó este lunes la autoría de dos murales idénticos aparecidos en Londres, en los que los protagonistas son dos niños con ropa invernal.

Ambos chicos, abrigados con botas de nieve, abrigos y gorros de lana, yacen sobre el suelo mientras uno de ellos señala con su dedo al cielo.

Uno de los murales ha sido pintado por el misterioso grafitero sobre unos garajes en Queen’s Mews, en el barrio de Bayswater, mientras que el segundo decora una pared del rascacielos Centre Point, en pleno centro de la capital del Reino Unido.https://6fcac0fcc0c6ac6a1bbabe6df69a8a6c.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

En declaraciones a la cadena BBC, el artista Daniel Lloyd-Morgan interpretó esta nueva obra de Bansky como una llamada de atención hacia la problemática de los chicos sin hogar.

«Todo el mundo lo está pasando bien, pero hay muchos niños que no lo están pasando bien en Navidad«, señaló Lloyd-Morgan, quien lamentó, no obstante, que la gente parece «ignorar» el mural.Una joven se saca una selfie con el nuevo mural de Banksy sobre unos garajes en Queen’s Mews, Foto: AP

«Es una zona concurrida. Es muy llamativo que la gente no se detenga. Pasan junto a personas sin hogar y no las ven tiradas en la calle. Es como si estuvieran observando las estrellas», como los niños del mural, argumentó.

Con suerte, estas nuevas obras de Banksy durarán más que la aparecida el pasado septiembre en la pared exterior del Tribunal Superior de Londres, que fue borrada por las autoridades muy poco después.Dos mujeres caminan junto al mural de Banksy que apareció en Centre Point. Foto: EFE

Aquel mural mostraba a un juez, con peluca y toga, golpeando con un mazo a una persona que sostenía una pancarta manchada de sangre, interpretada como crítica a la represión de la libertad de expresión.

El artista, cuya identidad se mantiene en secreto, es conocido por reivindicar mediante su arte callejero cuestiones sociales, políticas y medioambientales en distintas partes del mundo.

Fuente: Clarín.com

Philippe Collin, productor, historiador y escritor francés, presentó en Madrid su novela El barman del Ritz, un retrato de una sociedad rota en la Francia ocupada a través de la mirada de un barman que esconde su origen judío.El periodista Philippe Collin es el autor del libro El barman del Ritz (Galaxia Gutenberg). Foto: EFE.

Es 1940 en un pequeño rincón en el histórico hotel Ritz de la capital francesa. Detrás de la barra, Frank Meier, un barman en el punto más álgido de su carrera, va a servir a Collin (Brest, 1975) para adentrarse en una sociedad rota, en “un modelo reducido de la Francia ocupada”.

Collin dejó atrás por esta vez su célebre podcast, Face à l´’histoire, para buscar algo nuevo. Una “especie de proyecto artístico”, según relató el escritor antes de la presentación de su novela en Madrid junto con el periodista y escritor español Jesús Pérez Mantilla.https://12a69a0d7647a6b059dbc0335297448c.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

“Una reflexión de las ambigüedades de un barman que es a la vez especulador, colaborador y luchador de la resistencia” es lo que quiere generar a los lectores con su nueva novela.

De barman a barman

La historia se remonta al 2003, cuando Collin llega al bar del Ritz por primera vez. “Fue el barman que estaba allí en ese momento quien me empezó a hablar sobre Frank Meier y desde entonces ya me interesó su personaje”.

Sin embargo, hasta diez años después Collin no encontró el momento para empezar un proyecto que refleja su punto de vista sobre la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial. “Decidí mezclar mi vida con la suya, mi perspectiva con la suya” cuenta el escritor galo.

Tras su trabajo de documentación y redacción de la novela, Collin sigue sintiendo a Meier como parte de su vida. “Se ha convertido en una especie de amigo interior, un alter ego”, afirma hasta tal punto de que cuando llegó a Madrid se dijo para él: “Frank acaba de aterrizar en Madrid”.

A pesar de los años que les separan, Collin siente que han seguido caminos similares y por ello se pregunta: «¿Qué hubiera hecho yo en su situación? En el punto más alto de mi carrera y de pronto los alemanes ocupan París».https://www.instagram.com/p/DP8ktOXDHNL/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fbar-espejo-sociedad-rota-philippe-collin-presenta-barman-ritz_0_SGiDkeLk68.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1079%2C%22ls%22%3A148.69999999925494%2C%22le%22%3A581.3999999994412%7D

Meier es un personaje histórico “lleno de sombras”, lo cual Collin califica como perfecto para un escritor que a su vez puede “preguntarse sobre todo lo que se le pasa por la cabeza a este barman que es espectador de un pequeño teatro de máscaras”.

Los solo 55 asientos del bar del Ritz lo hacen “un espacio cosmopolita, intelectual, sofisticado, de ambiente festivo” en el que la vida parece transcurrir con normalidad mientras en el mundo exterior “se mueren de hambre y de frío, y se tortura a la Resistencia”.

Collin quiere con su novela mostrar esos dos mundos que habitan París durante los cuatro años de ocupación y, al mismo tiempo, hacer reflexionar a los lectores sobre “cómo nos vemos envueltos en un mundo de lujo y no vemos la vida real”.

De 1940 a la Francia actual

Collin se remonta a 1940 para invitar a sus lectores a reflexionar sobre los fallos que no deberían repetirse. Utiliza así a su protagonista, Frank, “que reflexiona sobre su mundo interior, lo que puede servir a los lectores para que hagan ellos lo mismo”.

Hoy Francia no es la Francia de 1940 pero “siempre hay riesgo cuando el país está fraccionado” relata Collin, quien ve a su país natal dividido en dos o incluso tres sectores con posiciones muy fuertes.

Tras terminar su gira en Madrid, Collin vuelve a París y cuenta que se embarcará en una nueva novela de carácter histórico con pinceladas ficticias, también basada en la capital francesa pero de la que no revela más por el momento.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Margarita Paksa ingresó en el pelotón de artistas pioneros. Pionera en el uso de materiales industriales, en el arte conceptualista, pionera entre las mujeres que se acercaron a la vanguardia de los 60. Ahora Malba dedica su última muestra del año a revisar 20 años de carrera de la artista con la recientemente inaugurada Ideas correspondientes, 1964–1984 donde reunió gracias a la colaboración de sus hijos 60 piezas gráficas, objetos, instalaciones y documentación de proyectos.Margarita Paksa. Ideas correspondientes 1964–1984 se puede vistar en el Malba. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Prensa Malba.

“Es una muestra que, como dice el título, mira el aspecto más experimental, más conceptual y más pionero entre el año 64 y el 84 de su producción, años muy fértiles donde todo el arte argentino ve muchas transformaciones con nuevos medios, las ideas de desmaterialización, trabajar el espacio, el circuito de arte, el sistema”, sostiene Rodrigo Moura, director artístico de Malba.

“Margarita, para mí, ocupa un espacio central en estas discusiones, no solo en Argentina también a nivel global”, subraya.https://646d3f1a6f24bbff55494d9b1a4f2eb8.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Paksa, que murió en 2020 a los 88 años, era hija de inmigrantes del extinto Imperio austrohúngaro. Desde la escuela primaria destacó por su talento como dibujante, sin embargo, sus búsquedas artísticas la llevarían por otros caminos. Nancy Rojas, a cargo de la curaduría de la muestra, sostiene que ya desde sus comienzos Paksa rompió con los cánones.Margarita Paksa. Ideas correspondientes 1964–1984 se puede vistar en el Malba. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Prensa Malba.

Lo que ella estaba pensando

“Su primera muestra, justo en 1964, se llamó Hierros en la piel y dice mucho de lo que ella estaba pensando en ese momento: el trabajo con la incorporación de materiales como hierro y ensamblados que daban cuenta de una experimentación en términos informalistas”, recuerda.Margarita Paksa. Ideas correspondientes 1964–1984 se puede vistar en el Malba. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Prensa Malba.

El tiempo que habitó la artista fue clave para las distintas aristas que tocó la carrera de Paksa. Fue el del surgimiento de los happenings, el conceptualismo, el Instituto Di Tella, el tiempo de las teorías de comunicación que circulaban a nivel mainstream, de los materiales industriales, caros y baratos, aplicados a las esculturas y objetos, de las dictaduras y de las inserción de la mujer en la vida política.

El neón de colores primarios y secundarios con la frase «El arte ha muerto, viva el arte», realizado por primera vez en 1979 y que ahora da la bienvenida a la exhibición, condensa muchas de las aristas antes apuntadas.

La exhibición recreó tres ambientaciones de Paksa y una cuarta, parte de una obra de videoarte, que los hijos de la artista acaban de donar al Malba. La muestra abre con una de estas, Identidad en dos situaciones, dos totems rectangulares similares a lámparas de luz blanca ubicados de forma tal que quedan separados por un vidrio creando dos ambientes.Margarita Paksa. Foto: gentileza Prensa Malba.

“El pasaje del objeto hacia la ambientación tiene que ver con la necesidad de los artistas de expandirse en el espacio y de poner en diálogo dos formas, en este caso, la presencia de un vidrio y la situación que se da especular entre estas dos formas. Ella está trabajando con dos prismas iguales y lo que le interesa es que se produzca un efecto, que los espectadores puedan crear ese efecto a través de la mirada”, apunta Rojas.

Acero, caños, acrílico, plástico, luces y neón son algunos de los materiales con los que innovó la artista y que se repiten en las obras escogidas.

El cubo de acrílico transparente, otra de las obras insignia de Paksa, es uno de sus trabajos que condensan de forma muy sintética sus exploraciones. “Es un material que le permite trabajar esa ambigüedad entre el adentro y el fuera a partir de encerrar este vacío”, apunta la curadora. “Ella –añade– tiene una noción que es mínimo soporte, máxima de idea”.

Otro de los tópicos abordados por Rojas fue la incorporación de la palabra en términos políticos, representado aquí por sus dibujos cartográficos, con un claro alineamiento a los movimientos de izquierda locales y latinoamericanos. Los artistas, repone Rojas, estaban completamente convencidos de que el rol del arte en la sociedad era muy importante. De esta época son dos series presentadas en Malba.

Por un lado, «Una situación fuera de foco», tintas exhibidas en el marco de Homenaje al Vietnam en la galería Van Riel en 1968, que refieren a la guerrilla uruguaya Tupamaros. Ubica las palabras Violencia y Justicia dentro de un círculo que imita la mirilla de un fusil, donde el mensaje se enuncia de forma transparente, pero puede también ser profundamente ambiguo.Margarita Paksa. Ideas correspondientes 1964–1984 se puede vistar en el Malba. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Prensa Malba.

La segunda de las series de esta época es Diagramas de batalla, dibujos de mapas y calles que se conciben como una representación visual de la lucha armada. Paksa marca en los mapas los lugares claves de algunas acciones guerrilleras, como el ataque al batallón de Monte Chingolo a cargo del ERP en diciembre de 1975.

Enunciados políticos explícitos

Ya en la última sala, titulada «Arte, comunicación y vida», los enunciados políticos explícitos son dejados de lado por la artista para volcarse a una sutil sensualidad. En «Relaxing Eggs Paksa» está pensando en la masificación del arte – realiza más de 400 – al realizar estos pequeños objetos de color con el objetivo de que ingresen a la vida cotidiana y brinden placer. «Comunicaciones», en tanto, es una pieza exhibida en Experiencias 68 en el Instituto Di Tella y que se reconstruyó para Malba.Margarita Paksa. Ideas correspondientes 1964–1984 se puede vistar en el Malba. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Prensa Malba.

Paksa fue pionera en incorporar la ingeniería del sonido a las obras para concebir esta instalación compuesta por un gran arenero y dos tocadiscos donde se escuchan su voz recitando textos y las respiraciones de una pareja durante una relación sexual (los criados a base de la televisión de los 90 recordarán las imágenes repetidas hasta el hartazgo en programas de bloopers de Federico Klemm que al tropezar con el arenero comienza a deslizarse sobre la arena y a arrojarla hacia los costados).

La instalación fue activada en aquel entonces, algo que no era frecuente, mediante una pareja que se acostaba sobre la arena para dejar su huella y reflexionar así sobre la comunicación corporal, los gestos y las emociones.Margarita Paksa. Ideas correspondientes 1964–1984 se puede vistar en el Malba. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Prensa Malba.

Por último, se exhibe el registro de la performance «Tiempo de descuento», de 1978, que fue adquirida por el Malba, en la que un hombre corre en el lugar en un gesto que le sirve a la artista para realizar una crítica sutil a la dictadura militar y la idea de un progreso propuesto que no lleva a ningún lado.

La exhibición se completa con la publicación de un catálogo de este periodo considerado suavemente fértil en la carrera de la artista.

Margarita Paksa. Ideas correspondientes 1964–1984 se puede vistar en el Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415) hasta el 16 de febrero de 2026, de jueves a lunes de 12 a 20 y miércoles de 11 a 20.

---

Sobre la firma

Belén Papa Orfano

Editora de la sección Último MomentoBio com

Fuente: Clarín.com

Un comprador anónimo ha pagado esta semana 18.000 euros por ‘La filiación’, un grabado de Francisco de Goya que la casa de subastas que lo ha vendido afirma fue un regalo del rey emérito de España, Juan Carlos I, al dictador comunista rumano Nicolae Ceaușescu alrededor de 1979 o 1980.Grabado ‘La Filiación-Capricho nº 57’, de Francisco de Goya.

La obra, perteneciente a la serie de los caprichos del pintor español, fue confiscada por el Estado rumano tras la ejecución de Ceasescu el 25 de diciembre de 1989 durante la revolución que puso fin a la dictadura comunista, aunque fue luego devuelto a uno de sus herederos, que es quien lo ha sacado ahora a la venta.

«El hecho de que fuera un regalo oficial del rey de España generó mucho interés local. Pero también es cierto que Goya despierta interés internacional y su precio internacional es más alto, porque también el poder adquisitivo es más alto», dijo Anca Bejan, portavoz de la casa de subastas A10 by Artmark, que ha organizado la venta.

Comprador anónimo

La pieza salió a subasta con un precio inicial de 7.500 euros y alcanzó rápidamente los 18.000 que ofreció un comprador anónimo que hizo la puja en línea.

«Por lo que sabemos, estos lotes forman parte de los objetos que eran queridos por la familia Ceaușescu, porque decoraban su casa y no acabaron en el Museo de Historia», indicó la portavoz

La casa de subastas ha informado de que ‘La Filiación-Capricho nº 57’ fue un regalo personal recibido por Nicolae Ceausescu del entonces rey de España, Juan Carlos, alrededor de 1979-80.

El grabado está bajo la protección del Fondo Nacional de Patrimonio Cultural Móvil, lo que implicaría que está sujeta a determinadas condiciones para poder ser sacada de Rumanía.

Bejan confirmó que el actual propietario es uno de los herederos cuyo nombre no puede revelar y aseguró que el proceso es plenamente legal.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Monet inmersivo, la exposición que abrió sus puertas en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), propone “entrar” en los cuadros más célebres del padre del impresionismo, mediante un despliegue de proyecciones en 180 grados de sus óleos más emblemáticos, que cobran vida fuera de los marcos, transformando cada superficie de la sala en un lienzo vibrante y dinámico.La exposición Monet inmersivo puede visitarse en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. Foto: gentileza.

Los tulipanes, nomeolvides, jacintos y pensamientos en primavera; las rosas, begonias, amarantos y los célebres nenúfares en verano; las flores que inspiraron al pintor francés Claude Monet desde el paisaje de su hogar en Giverny –“la naturaleza plasmada en el instante irrepetible de su revelación”– son el corazón de esta muestra en la que es posible apreciar las pinceladas de Monet hasta en su más mínimo detalle; esas pinceladas rápidas que crean la sensación de un instante que cambia constantemente.

El acceso a la exposición –por la calle Viamonte– recibe al espectador con una escalera adornada con flores de distintos colores que invita a descender hacia la sala principal, donde comienza el recorrido. Allí, la selfie point inevitable propone posarse sobre una réplica a escala real del famoso puente del jardín de Giverny, la casa de campo donde Monet pasó más de 40 años y donde pintó sus icónicos Nenúfares

Un sendero de doce estaciones

Luego de atravesar el puente de estilo japonés, el recorrido propone un sendero de doce “estaciones” que permite conocer los orígenes y desarrollos del movimiento y a sus principales representantes, a través de textos y réplicas de pinturas exhibidas en caballetes.

Durante la visita, una actriz vestida como Camille Monet recorre las salas encarnando a quien fue esposa y musa del pintor, protagonista de obras como “Mujer con sombrilla”, actualmente conservada en la National Gallery of Art de Washington.

Monet pintaba al aire libre, en busca de capturar un instante fugaz de luz y color. La naturaleza y sus transformaciones impredecibles son, justamente, uno de los ejes centrales del impresionismo, y por eso otros maestros del movimiento, como Renoir, Manet, Pissarro o Degas, también son homenajeados en esta muestra.https://www.instagram.com/p/DRvDJ8ND7Di/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Funiverso-claude-monet-version-inmersiva-desembarca-teatro-colon_

La experiencia se completa con decorados inspirados en los cuadros del artista para tomar fotografías, cascos de realidad virtual y mesas de dibujo pensadas para experimentar con las célebres creaciones de Monet.

El punto máximo del recorrido se despliega hacia el final, en la sala inmersiva, equipada con 45 proyectores: tres espacios interconectados donde las imágenes de las obras más famosas de Monet se expanden, serpentean y se coreografían sobre las paredes, acompañadas por música envolvente y frases del artista que aparecen proyectadas: “No sé si es el arte el que alimenta la vida o la vida la que alimenta el arte”, se lee en una de las pantallas monumentales.

En 1883, Monet (1840–1926) abandonó París para mudarse a Giverny, en la región de Normandía, y transformó una propiedad descuidada en una verdadera obra maestra floral. Despejó la tierra, labró el suelo y convocó a jardineros experimentados para sacar el máximo provecho del paisaje, un entorno que se convertiría en su principal laboratorio pictórico, donde comparaba los cambios de luz y color según las horas del día.

Hasta el día de su muerte, el artista vivió allí junto a su familia. Diseñó un jardín acuático, instaló un puente japonés pintado de verde esmeralda y seleccionó plantas como bambúes, ginkgos biloba, arces, peonías, lirios y sauces llorones, además de los legendarios nenúfares que marcaron su obra tardía. En muchos de los detalles –como los puentes y las especies de plantas– dejó en evidencia su pasión por la estética japonesa.

La narración en la sala inmersiva incluye referencias a la pintura en plein air, facilitada por la aparición de los tubos de pintura portátiles que permitieron a los artistas llevar sus colores al exterior; a la teoría del color –según la cual los tonos no existen aislados, sino que cambian según la luz y los colores que los rodean– y a la ciudad de París y sus ferrocarriles como símbolos de la modernidad.La exposición Monet inmersivo puede visitarse en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. Foto: gentileza.

Bulevares, cafés y carruajes

La capital francesa con sus bulevares, cafés, tiendas y carruajes fueron “una fuente constante de inspiración para los impresionistas, que buscaban capturar la vida cotidiana tal como se vivía en cada instante», se lee en uno de los textos a lo largo del recorrido.

“Uno de los retos más significativos al transformar una pintura clásica en una experiencia inmersiva es encontrar un equilibrio entre la fidelidad histórica y la reinterpretación contemporánea”, explicó a Clarín el artista italiano Stefano Fomasi, de la compañía The Fake Factory, y curador de la exposición que ya convocó a millones de personas en distintas ciudades del mundo.

El curador señaló además que hubo una adaptación específica para las salas experimentales del Teatro Colón. “Cada espacio nos obliga a replantear la instalación y las videoproyecciones para crear una experiencia única. El Teatro Colón es un lugar prestigioso y estamos honrados de presentar nuestro trabajo en un sitio tan icónico”.

“El principal desafío es lograr que la tecnología pueda ampliar las obras del pasado sin sustituirlas”, añadió Fomasi. “La fugacidad que perseguía Monet –esa luz cambiante que se desliza sobre el agua, las sombras que respiran, el color que vibra sólo por un instante– encuentra en el lenguaje digital contemporáneo un nuevo territorio para manifestarse”.

La exposición Monet inmersivo puede visitarse del 15 de diciembre al 18 de febrero en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (ingreso por Viamonte), de lunes a domingos de 10 a 20.

---

Sobre la firma

Mercedes Ezquiaga

Periodista especializada en arte argentino y latinoamericano.Bio completa

Fuente: Clarín.com

Una gigante escena azul se asoma por el frente vidriado de la galería Casa Equis. Su contemplación tiene dos momentos: de lejos y de cerca. De lejos, la imagen parece fotográfica, lo primero que tiende a registrarse es su trama. Hay un camino, un grupo de personas y una luz que enceguece, que parece más potente que el sol mismo, y hacia ella van los personajes. De cerca, en cambio, se nota cómo la abstracción rellena el sólido acontecimiento, y un trazo bien gestual marca su narración: garabatos en lápiz, marcador y acrílico blanco se enredan, unos sobre otros, en esta tela teñida del color fresco que tiene la noche en verano.Cosas que vi y una que imaginé, exposición individual de Diego Beyro en Central Affair. Foto: Lucía Fellner, gentileza.

La obra es de Diego Beyró y forma parte de la muestra Cosas que vi y una que imaginé. Además de pintor, es quien fundó la sede mexicana de esta galería, que aquí se encuentra en el complejo porteño Affair y es dirigida por Josefina Hagelstrom.

Si se habla de pintura, el blanco muchas veces ya está en su génesis porque viene con el bastidor. El trabajo tienden a ser las sombras, pero, en esta tela azul, en cambio, la misión fue buscar la luz.https://07ab2d62e927baedecd56beddaada289.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Punto de partida visual

“Los miles de kilómetros recorridos a pie fueron el punto de partida visual”, dice Beyró, cuyo trabajo trató de traducir los recuerdos que capturó en sus travesías por el Camino de Santiago. Realizó esa peregrinación en cuatro oportunidades, la más larga, por cuarenta días. De una punta de España a la otra, entre Cádiz y la tumba de Santiago Mayor.https://www.instagram.com/p/DRhUTHNDedI/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fexperiencia-camino-santiago-inspira-nueva-muestra-diego-beyro_0_daAalfdFbW.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1892.8999999761581%2C%22ls%22%3A216.60000002384186%2C%22le%22%3A704.3000000715256%7D

Todas las rutas de esta popular caminata convergen en la tumba del apóstol, hipotéticamente ubicada en la catedral de Santiago de Compostela. El recorrido se volvió masivo, inspiró libros y películas como The Way, protagonizada por Martin Sheen, y hoy en día participan de él viajeros de todo el mundo más allá de un motivo religioso.

“Hay quienes van por razones culturales, deportivas, espirituales o simplemente de aventura. A mí me interesa la búsqueda de la luz, de ese último atardecer, ir hacia esa divinidad y hallar una revelación interior también a través del viaje, el movimiento y el registro de la experiencia”, narra Beyró.Cosas que vi y una que imaginé, exposición individual de Diego Beyro en Central Affair. Foto: gentileza.

Entre 15 y 30 kilómetros por día, con todo lo que necesitan encima de una ligera mochila, todo el año hay gente que camina estas rutas. Que a pie se detiene en sus rincones para fijar la mirada en la belleza del mundo. “Lo más lindo es ver cómo se hace de día en cámara lenta. Cuando haces algo así te conectas con el mirar, estás presente”.

Espiritualidad

En las paredes que contienen a esta pieza, hay otras. Hacia la derecha, tres de tamaño mediano: un plato plateado, brillante, con limón y sardinas; un comedor cálido como de casa de abuela, con sillones desordenados y grandes ventanales, que le recordó uno de los albergues del viaje con parada de descanso; o el fuego que irradia de un atardecer vasco salvaje. “La espiritualidad está en todo, en la forma de ver, en las cosas chicas”, dice.Cosas que vi y una que imaginé, exposición individual de Diego Beyro en Central Affair. Foto: Lucía Fellner, gentileza.

En la pared izquierda, otras doce obras más pequeñas: una esquina de Lisboa, la mirada de un canino que cruzó su camino, un pastel de nata que degustó o el cielo nublado de cuando cruzó el Río de Sangusín. Bosque, playa, lagos, ciudad, faros, en distintas instancias del día. “Me interesa la interacción de la luz en diversos escenarios, desde la claridad diurna hasta las luces artificiales de la noche”.

El dibujo y poner el cuerpo. “Las líneas reflejan el estar en el estado meditativo de repetición que puede ser el caminar todos los días. La línea es el registro del movimiento y del cuerpo”, apunta, y cuenta sobre la última puesta de sol, que es en Finisterre, donde la tierra termina y no se puede caminar más. “En el taller vuelvo a entrar en ese estado que es como un mantra. Llegar a la luz es estar en la búsqueda”.

Cosas que vi y una que imaginé, exposición individual de Diego Beyro puede visitarse de martes a viernes de 15 a 19 en Central Affair (Florida 971 / San Martín 954) hasta febrero 2026.

---

Sobre la firma

Nicole Giser

Periodista cultural.Bio completa

Fuente: Clarín.com

Antes de la cuarta ola feminista y los pañuelos verdes que cambiaron la vida de millones de mujeres. Antes de que el feminismo pasara a ser una palabra no estigmatizante. Antes del Ni una menos y de decenas de libros que miran el mundo desde la realidad de las mujeres, la psicóloga e intelectual Eva Giberti estuvo ahí. Licenciada en psicología por la Universidad de Buenos Aires, creadora de la primera Escuela para Padres de Argentina en el año 1957 y autora de libros hoy canónicos, falleció ayer a los 96 años.Eva Giberti, en un retrato de 2003. Foto: Diego Fernandez Otero.

Durante más de sesenta años, Giberti trabajó en todos los frentes en defensa de los derechos humanos, la infancia y la adolescencia y las mujeres. Fue académica y formadora de profesionales, fue analista y terapeuta y se comprometió con las políticas públicas como herramienta para la intervención efectiva.

Lejos de la idea de la familia como nido amoroso, Giberti entendió tempranamente que los lazos de sangre no están alejados de la violencia. En 1957, cuando tenía 28 años, creó la Escuela para Padres de Argentina, una institución privada que buscaba divulgar información y acompañamiento (en la época, la palabra era «consejos») desde la psicología a las mujeres que atravesaban la maternidad en los turbulentos años 60.https://6a37724b649000ee2c50827047ef98b8.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

«Creo que una de las cosas que lograba con los artículos que escribía era una nueva lectura de la familia; hice centenares de grupos para padres, padres y madres, armé un grupo para abuelas, pero ellas enseñaban la obediencia a los padres y yo estaba enseñando exactamente todo lo contrario: la capacidad del chico de preguntar y de oponerse al mismo tiempo«, recordó sobre esas clases, entrevistada en 2017

Tres tomos, treinta ediciones

La iniciativa, acompañada luego por tres volúmenes del libro homónimo que vendió 30 ediciones, se incorporó cinco años después a la Facultad de Medicina y extendió esas herramientas en el formato de cursos en el Hospital de Niños y luego en varias provincias. Solo la violencia de los años 70 fue capaz de aniquilar el proyecto, que terminó siendo clausurado en 1973, mientras Giberti era perseguida.

Recientemente, la idea de la Escuela para Padres fue releída como una acción feminista. Pero ella tenía otra idea: “En realidad para mí esto tiene otro ADN, que es mi resistencia al autoritarismo. Ese libro fue una lucha contra el paternalismo y el patriarcado, pero aún no le había puesto el rótulo de feminismo. Además, en esa época estaba en la práctica plena del psicoanálisis, que es netamente patriarcal; así que estuve entre las primeras revisionistas en cuanto a las relaciones de género. Éramos –y somos– mujeres formadas en el psicoanálisis pero que no podíamos digerir una cantidad de trabajos de Freud; entonces había que pasarlo por un cedazo, hacer una investigación sobre eso y decir hasta aquí lo seguimos, pero esto no. Masoquismo femenino, no. La conciencia moral de la mujer es inferior a la del varón, tampoco. Entonces lo que hicimos fue tomar la teoría y darla vuelta”.

En el ámbito académico, Giberti fue referencia, docente y formadora de varias generaciones de psicólogos, asistentes sociales y cientistas sociales. Comenzó como profesora adjunta de Niñez y Adolescencia en la Facultad de Psicología de la UBA en los años 1961 y 1962 y apenas dos años después fue convocada por la primera ministra de Israel, Golda Meir, para participar en diciembre de 1964 como expositora en Jerusalén en la conferencia “El rol de la mujer por la paz”.

Dictó clases en la Especialización de Posgrado en Violencia Familiar de la UBA, en la especialización en Psicología Forense en la UCES, codirigió la maestría en Ciencias de la Familia de la Unsam, y en los noventa fue docente en la cátedra «Las culturas de las violencias» de la UBA.

No solo en la Argentina fue pionera y referente. De 1993 a 1999 fue consultora para Unicef y vicepresidenta de la Comisión Permanente por la Vida de los Niños de América Latina y el Caribe. Fue invitada por el Ministerio de Educación de Bolivia y la Universidad de Bolivia para crear la Escuela para Padres en la región y participó como panelista en el 57º período de sesiones de la Comisión Jurídica y Social de la Mujer (CSW) de Naciones Unidas en la Ciudad de Nueva York, en 2013.Eva Giberti. Archivo Clarín.

Su presencia en los medios de comunicación fue permanente. Sabía explicar fácil lo que era complejo y confiaba en el poder del periodismo para educar. “Los medios de comunicación son de suma importancia porque pueden darle un empujón a esa víctima que está en su casa y recibe a diario insultos permanentes, es blanco de desvalorización por parte de su compañero –dijo en 2014–. Hay que entender que hay distintas formas de violencia. Cuando son víctimas o están siendo acosadas por novios, maridos o exmaridos, los medios de comunicación son el mejor enlace de la sociedad con las víctimas para llevar el mensaje de que no tienen que tolerar ninguna forma de violencia o insulto, e incluso que el que agrede diga delante de los hijos que no sirve para nada”.

En repetidas ocasiones, distintas gestiones la convocaron para participar con las herramientas del Estado en la protección de la infancia, la adolescencia y las mujeres. Entre 1985 y 1989 fue miembro del Consejo Asesor del Programa «Mujer y Desarrollo», de la Subsecretaría de Desarrollo Humano y Familia de la Nación. Desde 1997 fue asesora del «Foro por los derechos de las mujeres» y miembro del «Consejo de Presidencia de la Asamblea Permanente por los Derechos Humanos».

A fines del siglo pasado se transformó en «perito de parte» para Abuelas de Plaza de Mayo en varias causas contra represores del Estado, sobre daño psíquico de los niños nacidos en centros clandestinos de detención, víctimas de tortura en el propio vientre de sus madres.

Las víctimas contra las violencias

Fue además coordinadora del Registro Único de Aspirantes a Guarda de la Ciudad de Buenos Aires y de la Nación e integró el Consejo de los Derechos del Niño, la Niña y la Adolescencia. También creó el programa Las víctimas contra las violencias, que depende del Ministerio de Justicia y Derechos Humanos de la Nación, y creó la Oficina de Rescate y Acompañamiento a las Víctimas de Trata, en el año 2009.

Estas iniciativas cambiaron de cuajo el tratamiento de las mujeres violadas que llegaban a la comisaría a hacer la denuncia: «La policía no la puede interrogar –explicaba Giberti en 2017–. Por eso nuestro trabajo es estar junto a la víctima hasta que terminen todos los procesos de revisión y así evitar que tenga más de un interrogatorio. El médico de guardia y el médico legista la entrevistan al mismo tiempo, con nuestra presencia. Y eso fue un logro que conseguimos con la jueza Carmen Argibay”.

La enumeración precedente es apenas una selección posible. Su trayectoria es abrumadora. Como autora, la lista de sus libros se cuenta por decenas. Con Florencio Escardó publicó en 1964 Hospitalismo (Eudeba); cuatro años después puso el foco en un tema universal, pero no por eso bien analizado: Los argentinos y el amor (Ed. Merlin). Además de los tres volúmenes Escuela para padres (Ed. Roberto Antonio) publicados de 1961 a 1972, fue autora de Adolescencia y educación sexual (Ed. Roberto Antonio), cuando la ESI no era ni un sueño posible; La adopción (Sudamericana); ¿Y por qué? se preguntan las mujeres (Fundación Alicia Moreau de Justo); Tiempos de mujer (Sudamericana) y, desde el diario Página/12, donde era columnista frecuente, Escuela para padres (los chicos del tercer milenio), 20 fascículos editados semanalmente por el diario del que participó desde su fundación.Eva Giberti. Archivo Clarín.

Recibió premios, reconocimientos y honores. Fue declarada ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires en 2003. En 2010, el periódico Miradas al Sur la entrevistó en un artículo que comenzaba diciendo: «Eva Giberti es, quizá, la mayor autoridad en adopción de hijos en la Argentina». La idea era precisa, aunque incompleta. Era además la mayor autoridad en infancia, en violencia infantil, en maternidad y psicoanálisis, en el acompañamiento a mujeres rescatadas de las garras de la trata y en perspectiva de género y psicología. Y en otras cosas más.

En 2013, cuando tenía 84 años, seguía trabajando como coordinadora del programa Las víctimas contra las violencias del Ministerio de Justicia y Derechos Humanos. Iba a la oficina y trabajaba a pocos metros de las operadoras de la línea 137, que en apenas dos meses había recibido 65.856 llamados por violencia familiar. “A esta edad tendría que estar tejiendo en mi casa, pero estoy acá porque creo que se pueden cambiar las cosas”, decía entonces, en una entrevista para el sitio Infojus. Esa convicción que la movió casi un siglo no estaba equivocada: Eva Giberti cambió millones de vidas.

---

Sobre la firma

Débora Campos

Editora de la sección Culturadecampos@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

El reconocido actor mexicano Gael García Bernal se aventuró al mundo de los audiolibros, al producir y narrar la historia de Gregorio Samsa, protagonista de la clásica novela de Franz Kafka La metamorfosis, un nuevo y distinto reto al de la actuación y el doblaje.Kafka y su traductora Milena. Foto: archivo Clarín.

En una entrevista, el actor dijo que la ficción sonora fue un escenario distinto donde pudo mostrar técnica teatral y vocal, riesgo artístico y mucha libertad y creatividad.

«No hay un viaje consciente de qué es lo que tengo que hacer distinto para una narración o para algo en audio, pero el medio sí te condiciona a ciertas cosas, de ahí nace la creatividad, de ahí nace el juego, de ahí nace esa parte natural de la actuación», explicó.https://3a14015cc6baa7fba797cc72885a2617.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

García Bernal no sólo prestó su voz, sino que La corriente del golfo, la productora que fundó junto a su amigo y también actor Diego Luna, se unió a la empresa Audible para crear el audiolibro La metamorfosis y la radionovela sobre Hilde Krüger, la historia real de una actriz alemana convertida en espía en el México de la década de los años 40 del siglo XX.

Jugar con los espacios sonoros

El actor comentó que la obra de Kafka posee una carga de dramaturgia en sí misma que les permitió jugar con los espacios sonoros, especialmente porque todo se narra desde la habitación del personaje principal.

El afamado intérprete tapatío confesó, además, que hasta antes de este proyecto leyó la novela una sola vez en su adolescencia, forzado por un programa escolar que intentaba fomentar los libros clásicos de la literatura. Ahora, a sus 47 años, el texto lo hizo reflexionar acerca del rechazo a la diferencia.

«El eje político (de la novela) está entre la exaltación del otro, del extranjero, de la otredad, de aquel que es distinto a mí y los que justamente están en contra de eso, y eso es una división política fundamental hoy en día, que es desde donde se están argumentando todas las cosas (en el mundo)», recalcó García Bernal.

Producir una radio novela como Hilde Krüger fue para el actor una forma de regresar a esa forma de comunicación tan primitiva como es la voz y la oralidad.

El actor de películas como Amores Perros y La mala educación se declaró asiduo consumidor de la radio, los podcast periodísticos y series documentales sonoras. De ahí surgió su interés por la historia de la espía cuya producción en audiovisual suponía una inversión grande, pero que logró resolver con la ficción sonora.

«Los seres humanos tenemos unas capacidades para poder leer los rostros y de ahí viene la lectura, o sea, de esa herramienta y la oralidad viene de eso también, es como una mezcla, como un sistema», explicó.

Es por esta capacidad tan primigenia de codificar y entender gestos que García Bernal consideró que la inteligencia artificial no podrá sustituir a quienes se dedican a la actuación.

Detrás de la máscara

«Los actores no vamos a ser reemplazados por la inteligencia artificial, jamás. Creo que no, porque lo que vemos es detrás de la máscara también. O sea, sabemos que es un juego, que no son las personas quienes son esos personajes, también vemos detrás», declaró.Fotografía de archivo fechada el 17 de septiembre de 2019 del actor mexicano Gael García Bernal en Ciudad de México (México). EFE/Mario Guzmán/ARCHIVO

La apuesta por producir ficción sonora no es sólo llegar a quienes nunca han entrado a la literatura, sino también para el público que quiere conocer las historias de otra manera, contó el actor y director.

«Las veces que he escuchado de libros sí he logrado conectar con lo que se está contando y han sido libros muy particulares también, o sea, que sean narraciones que puedo seguir, que no necesito voltear la página como para recordar quién era quién«, abundó.

García Bernal cree que existe un público que le interesan este tipo de productos creativos y que deben hacerse con calidad, aunque la desventaja es que la retroalimentación con quienes los consumen no llega de manera tan plausible como en el teatro, la televisión o el cine.

«Lo montamos de esta manera, la verdad es que es como un experimento. Ojalá agarre y funcione, me encantaría. Quizás la desventaja del audio es que es muy difícil saber (si a la gente le gustó o no) o sea, no existen los aplausos, pero tampoco los abucheos«, ironizó.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com