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Categoría: Entretenimiento

  • La historia que no se enseña: recorridos por Madrid sobre esclavismo y comunidad negra

    Una niña cubana que fue entregada como ‘regalo’ a la duquesa de Alba y Juan Latino, que se convirtió en el siglo XVI en el primer catedrático negro de Europa, salen del ostracismo en los tours que Kwame Ondo organiza por la ciudad de Madrid para explorar la historia de la comunidad negra en la península ibérica.Paseo por la historia negra en Madrid. Descubre la historia negra de Madrid a través de sus monumentos. Foto: AirbnbPaseo por la historia negra en Madrid. Descubre la historia negra de Madrid a través de sus monumentos. Foto: Airbnb

    También rescata a los hermanos José Carlos de Borbón y Antonio Carlos de Borbón, pintor y arquitecto, respectivamente, y esclavos de Carlos III que vivían en la «Casa de los Negros» del Palacio Real, a través de recorridos de alrededor de dos horas.

    Estos paseos provocan aspavientos entre sus participantes, la mayoría estadounidenses afrodescendientes, cuando se les explica en la Plaza Mayor, engalanada ahora por Navidad, que allí se mercadeaba con esclavos o se llevaban a cabo ejecuciones públicas, muchas veces de mujeres negras acusadas de brujería por conocer las propiedades curativas de las plantas.https://2aab6c6f116a0dcb4e32e8801db5b2a7.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Un matrimonio estadounidense que recorrió Madrid junto a su hijo en una fría mañana de finales de diciembre no evitó un ‘oh, Lord’ cuando Ondo les mostró cómo funcionaba el garrote vil.

    Tampoco ocultó su sorpresa al ver el innegable parecido entre el símbolo del dólar y el de ‘sine iure’ –una ese atravesada por un clavo– con el que se marcaba a esclavos y que aparece grabado en una puerta lateral de la iglesia de San Ginés.

    «Es historia que está ahí», dijo Ondo, fundador de Afroiberica Tours, que ofrece dos visitas por la ciudad –una por el Madrid antiguo y otra por el moderno– para conocer a personas negras que «no aparecen en los libros de historia» o seguir los vestigios de cómo las sociedades occidentales, y las más poderosas familias y empresas, se han construido sobre el esclavismo.

    De Isabel II a Carlos III

    El paseo por el Madrid antiguo arranca en la plaza de Isabel II, «una de las mayores esclavistas de su época», y continúa frente al Palacio Real, donde se encontraba la «Casa de los Negros», una institución creada por Carlos III en la que vivían los esclavos que habían adoptado el apellido del monarca.https://www.instagram.com/reel/DOwdsRaEoqy/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fhistoria-ensena-recorridos-madrid-esclavismo-comunidad-negra_0_DvZv62799L.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A2339.2000000029802%2C%22ls%22%3A496.70000000298023%2C%22le%22%3A978.4000000059605%7D

    Los más ilustres fueron los hermanos José Carlos de Borbón (el «primer pintor español negro» expuesto en el Museo del Prado) y Antonio Carlos de Borbón («uno de los mejores arquitectos de Madrid»), además de Genaro de Borbón (cuidaba y entrenaba a los caballos de la realeza) y Francisco Manuel de Borbón, pieza clave en la construcción de los Jardines de Sabatini.

    Ninguno de ellos aparece en los libros de historia ni se enseña en las escuelas, aseveró Ondo, saltando de lugar en lugar (mencionó Sevilla como epicentro del comercio de esclavos o Barcelona porque la Sagrada Familia se sufragaba con el dinero de familias catalanas relacionadas con el esclavismo).

    De personaje en personaje (de Pablo Picasso, «uno de los muchos artistas europeos que copió masivamente arte africano», a Thomas Dumas, oficial francés negro que inspiró a su hijo para escribir ‘El conde de Montecristo’), Ondo fue hilvanando datos hasta llegar a la última parada: la puerta del Sol.

    Allí señaló la estatua de Carlos III, conocido como «el mejor alcalde de Madrid», aunque en los libros «se olvidan de contarnos algo: fue el mayor dueño de esclavos de su tiempo«.Retrato de Leocadia Pascual (4 diciembre, La Habana- ?, Madrid), pintado por la malagueña Fuensanta Aguilar entre 1888 y 1889. A la izquierda, fotografía de Leocadia Pascual de anciana. A la derecha, Leocadia anciana junto a su hijo Joaquín y su nieto Manolo. Fuensanta Aguilar.Retrato de Leocadia Pascual (4 diciembre, La Habana- ?, Madrid), pintado por la malagueña Fuensanta Aguilar entre 1888 y 1889. A la izquierda, fotografía de Leocadia Pascual de anciana. A la derecha, Leocadia anciana junto a su hijo Joaquín y su nieto Manolo. Fuensanta Aguilar.

    Buscar respuestas

    Ondo, nacido en Guinea Ecuatorial, pensó en hacer estos tours por Madrid, que arrancaron en 2021, cuando vivía en Barcelona y veía en los turistas afrodescendientes con los que trabajaba la «necesidad de sentirse representados y de formar parte del relato histórico».

    «Mucha gente viene buscando respuestas, porque uno sabe que la historia de la comunidad negra, de la gente negra, en el mundo, ha sido borrada o se pretende borrar, cuando es una cosa obvia y palpable», explicó Ondo. Lo mismo señaló la familia de California a la que guió por Madrid.Paseo por la historia negra en Madrid. Descubre la historia negra de Madrid a través de sus monumentos. Foto: AirbnbPaseo por la historia negra en Madrid. Descubre la historia negra de Madrid a través de sus monumentos. Foto: Airbnb

    «Pensé que sería interesante aprender más sobre la historia negra en España», contó la mujer sobre la idea de apuntarse al tour, después del cual se sintió triste.

    Su marido apostilló que «lo triste» es que, en Estados Unidos, el presidente Donald Trump y sus seguidores están «intentando destruir» la historia negra, mientras que el hijo de la pareja puso el foco en que le parece «inquietante» que los esclavos ayudaran a construir Madrid y a convertir España «en lo que es hoy».

    Sin embargo, «a los negros no se les compensa por eso», observó el joven.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • Jean Seberg, la musa trágica de la ‘nouvelle vague’ que el cine y varios libros vuelven a mirar

    “Todo lo que necesitas para hacer una película es una chica y una pistola» es una de las frases de Jean–Luc Godard al filmar Sin aliento y que ahora rescata otro gran director como Richard Linklater en el homenaje que rinde a uno de los artífices de la nouvelle vague. Justamente, su reciente película lleva ese título. Y si la pistola aparecerá en algún momento, la chica también: Jean Seberg.La actriz Jean Seberg en un fotograma de la película ‘À bout de souffle’. Archivo Clarín.La actriz Jean Seberg en un fotograma de la película ‘À bout de souffle’. Archivo Clarín.

    Ella tenía 23 años cuando llegó a París, convocada por Godard para esa obra que –por su método de filmación, el genio del director, la irreverencia y el clima de época– marcaría un momento revolucionario en el cine. El momento liderado por el propio Godard (hasta entonces crítico en la influyente revista Cahiers du Cinéma), Chabrol o Truffaut. Un momento que ahora, a través de múltiples guiños, es recreado con maestría por Linklater.

    Seberg se iba a convertir en una de las musas más reconocidas de la nouvelle vague, pero su vida tendría un final traumático. Además de sus múltiples complicaciones sentimentales, Seberg también fue precursora entre las artistas que apoyaban las causas por los derechos civiles y, todavía con la vigencia de la maquinaria macartista, sufrió el asedio de los servicios secretos de su país.https://e0f9343b5e5b1e778d3428067db86e54.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    En el rodaje de Sin aliento –aquel que no tenía guion conocido ni un plan diario de filmaciones– Godard le indica a su actriz que anhela que la imagen final sea “la toma más triste de la historia del cine”, comparable a Verano con Monika, de Ingmar Bergman. Lo que nunca imaginaría era cuán triste sería el final de la propia Seberg casi dos décadas más tarde: apareció muerta dentro de su auto en el verano del 79, en una callejuela de Paris.

    Vida, pasión y drama de Seberg fueron abordados en varios libros. Uno de ellos es la novela S. o la Esperanza de vida, publicada en la década pasada por su hijo, Alexandre Diego Gary, fruto del matrimonio con el también escritor (y diplomático) Romain Gary, dos veces ganador del premio Goncourt.Vida, pasión y drama de Jean Seberg fueron abordados en varios libros. Uno de ellos es la novela S. o la Esperanza de vida, publicada en la década pasada por su hijo, Alexandre Diego Gary.Vida, pasión y drama de Jean Seberg fueron abordados en varios libros. Uno de ellos es la novela S. o la Esperanza de vida, publicada en la década pasada por su hijo, Alexandre Diego Gary.

    “He intentado exorcizar todo eso, pero en realidad sufrí más de veinte años de depresión. Mi madre era inmensamente bella y de una generosidad sin límites”, relató Gary. A los 17 años sufrió el suicidio de su madre. Y quince meses después, el de su padre, un exmiembro de la resistencia francesa.

    Había sido justamente su padre Romain el primero en denunciar, al momento de la muerte de Jean, la persecución que ella sufrió por parte del FBI. “Espiaron, intimidaron, hostigaron y calumniaron a Jean durante una década, le destruyeron su confianza y le causaron brotes psicóticos”, dijo aquella vez, cuando pocos tomaron en cuenta su denuncia.

    Gary, quien estudió Literatura en la Sorbona y se especializó en la obra de Kundera, vive en Barcelona. “Mi historia es la de un superviviente, de alguien que consiguió aferrarse a la vida. Y con este libro, quería ayudar a las personas que pasaron por experiencias traumáticas similares y decirles que existe una luz al final del túnel», sostuvo.

    Gary también colaboró para una crónica gráfica que editó Gallimard en 2014. Allí se presentan fotografías y documentos. “Ella fue la estrella rebelde que luchó contra las servidumbres de la industria de Hollywood y que pagó un precio muy alto por su compromiso político”, señala esa obra con prólogo de Antoine de Baecque.

    Carlos Fuentes –quien mantuvo un romance con la actriz– la ubica en su libro Diana o la cazadora solitaria. Y también Jean Seberg es abordada en las novelas de Alain Absire (cuestionada por su hijo) y Garry McGee. En Jean Seberg, retrato francés, la biografía de Maurice Guichard, este la describe como “un símbolo de la liberación femenina”.

    Además, la actriz fue homenajeada en una película: Seberg, más allá del cine (2019), de Benedict Andrews, con Kristen Stewart como protagonista. Allí se repasan los años que estuvo en la mira del FBI: es la historia de cómo una red de intimidación y mentiras interesadas, armada por unas autoridades sin escrúpulos, puede destruir completamente a un artista.Carlos Fuentes –quien mantuvo un romance con la actriz Jean Seberg – la ubica en su libro Diana o la cazadora solitaria.Carlos Fuentes –quien mantuvo un romance con la actriz Jean Seberg – la ubica en su libro Diana o la cazadora solitaria.

    Para el papel de Seberg en Nouvelle Vague, el director Linklater contó con Zoey Deutch, actriz californiana. Para ella, ya había imaginado ese rol una década antes, cuando empezó a pensar en este proyecto. “Uno de los mayores regalos que tienes como actriz es poder vivir otras vidas. Yo personalmente jamás me habría cortado el pelo como Jean, pero cuando lo haces para otra, porque estás desarrollando su historia, encuentras el valor para hacerlo”, aseguró Deutch.

    “Vi Sin aliento más de 100 veces”, reconoce. Memorizó cada gesto y movimiento de Seberg, los hizo suyos. “Estudié francés durante más de un año y tenía que hablar el idioma con acento americano, como lo hacía Seberg”.

    Deutch también comentó: “Empatizo mucho con lo que vivió Jean Seberg rodando Sin aliento, porque cuando yo tenía 19 o 20 años también me sentía una impostora. Cuando una empieza, el del cine es un mundo nuevo e intenso; quieres confiar en alguien, y no creo que Jean pudiera. Acabó diciendo que respetaba y agradecía lo que la película hizo por ella, aunque creía que Godard estaba interesado en lo que ella representaba, no en quién era realmente. Seberg era una fuerza de la naturaleza, increíble, tenía mucho que dar al mundo… Fue una lástima que las cosas sucedieran así”.En Jean Seberg, retrato francés, la biografía de Maurice Guichard, este la describe como “un símbolo de la liberación femenina”.En Jean Seberg, retrato francés, la biografía de Maurice Guichard, este la describe como “un símbolo de la liberación femenina”.

    Seberg, vida y destino

    El debut de Seberg en el cine sucedió en 1957. El director Otto Preminger buscaba a una desconocida para interpretar a Juana de Arco en Santa Juana. Seberg, una chica de 19 años procedente de Marshalltown, Iowa, hija de un farmacéutico y una maestra, fue elegida por los estudios Columbia entre más de 15 mil aspirantes.

    Santa Juana fue un fracaso de crítica y público, pero Preminger volvió a apostar por Seberg y la eligió para interpretar a la hija de un playboy en Buenos días, tristeza. El libro de Françoise Sagan fue uno de los grandes éxitos editoriales de la posguerra. Mezcla de amoralidad y cinismo, el relato en primera persona de una joven burguesa escandalizó a los sectores más conservadores y sedujo a los adolescentes de todo el mundo.Esta imagen publicada por Netflix muestra a Zoey Deutch interpretando a Jean Seberg, en el centro, en una escena de «Nouvelle Vague». (Jean-Louis Fernandez/Netflix vía AP)Esta imagen publicada por Netflix muestra a Zoey Deutch interpretando a Jean Seberg, en el centro, en una escena de «Nouvelle Vague». (Jean-Louis Fernandez/Netflix vía AP)

    En la película de Preminger, Seberg es Cécile, la heroína literaria que exhibe los abismos existenciales del alma adolescente transgrediendo, sin aparente sentimiento de culpa, las normas por las que se rige el mundo de los adultos.

    La película resultó otro fiasco de la crítica, pero no en la opinión de Godard, que la consideró como “una de las mejores del año”. Y a Seberg, como la actriz ideal para el papel de Patricia Franchini en su film debut, Sin aliento, como coprotagonista de otro desconocido (hasta entonces): Jean-Paul Belmondo.

    Godard tenía el apoyo de Truffaut, quien escribió que “cuando Jean Seberg está en la pantalla, cosa que ocurre casi todo el tiempo, solo tenemos ojos para ella, gracias a ese encanto que se encuentra en el menor de sus gestos, por esa forma de sex appeal que no habíamos visto hasta ahora”.

    Seberg también arriesgaba al viajar a un terreno desconocido, con un director debutante. Pero se lanzó y aceptó lo que sería el lema de la nouvelle vague que le propuso Godard: “Si quieres hacer algo, simplemente te levantas y lo haces”.Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo en ‘À bout de souffle’. Archivo Clarín.Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo en ‘À bout de souffle’. Archivo Clarín.

    Para la crítica y profesora María Adell, que dedicó su tesis doctoral a Jean Seberg, la actriz trajo a Estados Unidos un “nuevo arquetipo cinematográfico, el de la mujer moderna”. Pero lo hizo “demasiado pronto”, cuando el mundo no estaba aún preparado para recibirla.

    Adell considera que en el Hollywood de los años 70 se hubieran entendido mucho mejor “su naturalidad, su modernidad y su economía de recursos expresivos” y hubiese podido tener una carrera “como las de Jane Fonda, Julie Christie o Faye Dunaway, de las que fue una notable antecesora”.

    “Yo la veo como una actriz en tránsito –explica Adell–, atrapada entre Hollywood y las vanguardias modernas europeas, entre el clasicismo y la modernidad, entre dos maneras distintas de ser actriz y de ser mujer. De ahí su fracaso. Y de ahí también que su carrera, un tanto errática y hasta cierto punto fallida, resulte hoy tan estimulante y tan digna de recuerdo”.

    Luego de Sin aliento –cuyo título original en francés es À bout de souffle– Godard continuó su carrera caótica, alternando momentos mediocres y hallazgos. Jean Seberg se insinuó como la actriz favorita para los realizadores de esa generación, pero su carrera se diluyó: alternó algunas obras de culto con películas comerciales de su último ciclo, como Aeropuerto.

    Rodó junto a grandes estrellas como Sean Connery, Clint Eastwood, Burt Lancaster, Dean Martin y Kirk Douglas, entre otros. Tuvo más éxito en Europa que en Hollywood. Rebelde y apasionada, Seberg no logró adaptarse a las servidumbres de los grandes estudios de la meca del cine. Su carrera como actriz estuvo llena de altibajos, al igual que su vida personal: estuvo casada en tres ocasiones. Primero con el director de cine François Moreuil (1958–1960), luego con Gary y finalmente con el director y actor Dennis Berry (1972–1979).

    “En el camino entre ser una chica de pueblo y una estrella de cine, ella acabó desviándose. Supongo que quería ser las dos cosas, pero nunca supo quién era”, dijo alguna vez Clint Eastwood: juntos filmaron La leyenda de la ciudad sin nombre.

    Como su personaje en Lilith (de Robert Rossen, 1964), una de sus más completas y difíciles actuaciones, en los últimos años de su vida Seberg transitó entre la depresión y la locura.

    Sospechas y un final dramático

    El 30 de agosto de 1979 salió de su departamento en París y no se la volvió a ver por varios días. Recién se encontró su cuerpo sin vida, envuelto en una manta, el 8 de setiembre en un auto en el barrio de Passy, en París. “Diego, mi hijo querido, perdóname. No podía vivir más. Compréndeme. Sé que puedes hacerlo y sabes que te quiero. Sé fuerte. Tu mamá que te quiere», decía la nota de suicidio. La autopsia reveló que los barbitúricos le causaron la muerte, pero también que había rastros de alcohol en su sangre.La actriz Jean Seberg en un fotograma de la película ‘Buenos días tristeza’. Archivo Clarín.La actriz Jean Seberg en un fotograma de la película ‘Buenos días tristeza’. Archivo Clarín.

    A los pocos días, Romain Gary, sin cuestionar que se tratara de un suicidio, le apuntó a los servicios secretos de Estados Unidos: Seberg llevaba una década en la mira de la unidad de infiltración y espionaje del FBI, el siniestro Cointelpro.

    Al principio se creyó que aquella denuncia era el delirio de un “viudo afligido” (aun cuando llevaban varios años separados). Pero investigaciones posteriores demostraron que Seberg fue objeto de escuchas telefónicas y de una campaña de desprestigio, con constantes rumores falsos sobre ella. Entre ellos, que tendría una hija negra (otro drama, una nena que murió dos días después de nacer…). Su vinculación con movimientos como los Panteras Negras la puso en la mira: enemigo público. Tras enterarse del trato despiadado que había recibido su hija, el padre de Jean dejó caer una frase dolorosa: “Yo siempre he tenido una bandera norteamericana en el patio de mi casa, pero no creo que vuelva a izarla nunca”.

    El expediente confidencial dedicado a Seberg y sus actividades “antiamericanas” se inició en la primavera de 1969. Al principio incluía sobre todo fotografías y recortes de prensa sobre la “sospechosa” relación entre la actriz y los Black Panthers, pero muy pronto se instalaron micrófonos en su residencia en Los Ángeles y empezaron a espiarse sus comunicaciones de manera sistemática.

    Belmondo, a esa altura una superestrella del cine, fue uno de quienes acompañó la ceremonia del final en el cementerio de Montparnasse. Hoy, allí, se ven flores, un olivo y una fotografía en blanco y negro de la actriz sonriente, con un sombrero, sacada de una de las escenas de Sin aliento.

    Libros y películas nos vuelven a iluminar esa figura frágil y al mismo tiempo poderosa que guardó su eterna belleza juvenil.

    Sobre la firma

    Luis VinkerLuis Vinker

    Secretario de Redacción. Editor Jefe.lvinker@agea.com.arBio completa

    Fuente: Clarín.com

  • Rodrigo Moura, director del Malba: “Los 25 años del museo traen una relevancia y una visibilidad muy novedosas”

    Rodrigo Moura, director del Malba: “Los 25 años del museo traen una relevancia y una visibilidad muy novedosas”

    Mediodía en el Malba, bajo un sol tremendo. Vinimos a dialogar con el director artístico del Museo, Rodrigo Moura, sobre la programación de 2026, que exhibe, a las claras, una expansión del Museo fundado por Eduardo Costantini a partir de la adquisición de la Colección Daros, con la que celebrará por todo lo alto los 25 años de existencia del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.

    Un cuarto siglo de vida no es poco en un país que, en un sube y baja sin fin, desinvierte en el sector artístico y cultural o dilapida los recursos del Estado. Nunca un término medio.

    Sin duda, la noticia más celebrada a fines de 2025 fue la incorporación de la Colección Daros Latinoamérica por parte de Eduardo Costantini, fundador del Malba. Son 1.233 obras de 117 artistas de la región, producidas entre 1950 y 2010, y forman parte de una meta mayor que se ha propuesto Costantini: al cumplir 25 años, el Malba duplicará su superficie. Tendrá un anexo bajo la Plaza República de Perú (antiguo sueño del fundador), adyacente al edificio del Museo, que comenzará a concretarse este año, con el anuncio que se hará en septiembre, mes del cumpleaños 25 del Museo.https://38cd33976f9d16ccdff06487071555cf.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Al cumplir 25 años, el Malba duplicará su superficie. Tendrá un anexo bajo la Plaza República de Perú, adyacente al edificio del museo.

    Con ocho mil metros cuadrados aproximados de superficie expositiva, el Museo crecerá en exhibiciones de su colección permanente y en exposiciones temporarias, pero también ampliará su oferta a otras artes, más allá de las visuales. Por caso, las artes performáticas. Pero el nuevo guion curatorial está aún en debate, del mismo modo que los detalles del nuevo edificio. Por ahora, nos dicen, no hay nada construido. Solo está el proyecto.

    Sobre la nueva etapa del Malba y la programación de este año hablamos con el director artístico del Malba en el restaurante del Museo, bajo unos chorritos de agua que caían como bruma refrescante alrededor de los comensales.

    Una marca que crece

    La expansión estratégica del Malba está en marcha, lo que implica hablar de su consolidación regional, no solo como una marca del arte contemporáneo, en sus diversas materialidades, sino también del arte moderno.

    El año nuevo arranca con cifras muy alentadoras: más de 400 mil personas visitaron el Museo, y el mayor porcentaje de visitantes se detuvo en la muestra permanente Tercer ojo. Colección Costantini en Malba, que será sustituida por la Colección Aniversario desde el 1° de mayo de este año.https://www.instagram.com/p/DTfzbMykTop/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Frodrigo-moura-director-malba-25-anos-museo-traen-relevancia-visibilidad-novedosas_0_ZSY3cJDxlz.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A1205.5999999996275%2C%22ls%22%3A120.59999999962747%2C%22le%22%3A531.0999999996275%7D

    Pero antes, en febrero, llegará al Museo una expo de la notable artista colombiana Olga de Amaral, a cargo de María Amalia García, curadora en jefe del Malba, y Marie Perennés, que curó la gran muestra retrospectiva que la artista tuvo en la Fundación Cartier, en París, en 2024. Las obras que se expondrán en Buenos Aires –producidas entre 1960 y 2000– proceden de colecciones públicas y privadas de Bogotá, Medellín y Nueva York.

    –¿Cómo será el desafío de montar una nueva exhibición con obras de la colección permanente del Museo, sumando piezas de la Colección Daros?

    –Asumimos este desafío con felicidad y con calma. Lo vamos a hacer en dos partes, como hablamos con Eduardo Costantini. La primera parte ya está en curso: hay un plan que se recuesta en una nueva narrativa de Colección que se propone para la Sala 2, en el primer piso del Malba. Históricamente, en los últimos años, venimos presentando la Colección Malba Costantini, entendida como una unidad consolidada, bajo exposiciones temáticas de larga duración. Con Eduardo trabajamos una visión nueva, que es la de traer una muestra de la Colección que sea más permanente, que sería mirar lo que identificamos como seis núcleos formativos de la Colección y desarrollarlos en seis espacios, donde se propone un recorrido cronológico del arte latinoamericano, desde principios del siglo XX hasta los años 60 y 70. En este diseño ya veníamos trabajando.

    –¿Qué le suma la Colección Daros a esa nueva narrativa?

    –La Colección Daros empieza donde un poco Malba termina. No es que Malba no tenga obras contemporáneas, porque sigue coleccionando obras del siglo XXI, pero sí hay un momento, que son los años 50, 60 y 70, que es la formación de lo contemporáneo, en la que la inversión coleccionista de Malba tiene muchas obras buenas y Daros también. De modo que se crea un espesor, una densidad de este período que se da con la consolidación de las dos colecciones: Malba-Costantini y Daros. Ahí sí Daros tiene mucha obra de los años 80 y 90 y los primeros diez años del siglo XXI. O sea que el desafío continúa, porque la Colección Daros llega hasta cierto punto y hay que seguir actualizándose. No obstante, llena muchos vacíos de la Colección Malba.

    –Conceptualmente, ¿cómo definirías la programación de este año, en la que se observa más arte popular y una conexión con la naturaleza?

    –Lo que hay este año es un ecosistema de exposiciones, una correlación entre exhibiciones por ser tan importante por el aniversario del Museo. Los 25 años traen una relevancia y una visibilidad muy novedosa que apunta al futuro, más que celebrar el pasado. Por eso hay un ecosistema que se complementa. Por ejemplo, la exposición de Abel Rodríguez (Mogaje Guihu), El árbol de la vida y la abundancia, desde el 19 de junio, que es un artista fundamental y que nunca tuvo una exposición individual en la Argentina. Esa muestra estará curada por Adriano Pedrosa (curador jefe de la última Bienal de Arte de Venecia) y Leandro Muniz. Cuando supe que el Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP) estaba con ese proyecto, con Adriano Pedrosa nos pusimos a trabajar para traerlo. Es un artista con mucho protagonismo en este reconocimiento actual del arte indígena. Va a ser la primera exposición individual de un artista de los pueblos originarios en el Malba. Pero también habrá otros artistas muy consolidados en la programación, como Dan Flavin (desde el 12 de junio), un artista minimalista muy relevante, con la curaduría de Jessica Morgan y Min Sun Jeon, que surge de una alianza con la Dia Art Foundation.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.

    Dos muestras clave

    Las dos exposiciones clave serán las llamadas Colección Aniversario: la permanente, que inaugura el 1° de mayo en la Sala 2 del Nivel 1, y la temporaria, que será abierta el 18 de septiembre, cuando se celebre el cumpleaños del Museo. Ambas estarán curadas por De Moura y el equipo curatorial del Malba.

    La exposición permanente reunirá más de 250 obras, con acento en las que van de 1900 a 1970. Organizada en seis núcleos, estos corresponden a seis campos formativos de la Colección, que incluyen las vanguardias latinoamericanas de las décadas de 1910 y 1920; las fuentes no europeas de los modernismos regionales; el arte social de los años 30 y 40; el surrealismo y la crisis de la razón del arte de 1940; las vanguardias constructivas de los años 50 en América del Sur; y las nuevas figuraciones a partir de los años 60.

    Los seis núcleos son de carácter cronológico y se articulan a partir de obras esenciales: «La canción del pueblo», «Abaporu: antes y después», «Pan y Trabajo», «Mito y Magia», «Creación e Invención» y «La gran tentación».

    Con el escenario conceptual de los paisajes poscoloniales y las vanguardias regionales en América Latina, habrá obras que nunca se vieron antes en nuestro país, como las más recientemente adquiridas por la Colección Daros Latinoamérica, de artistas muy relevantes como Cildo Meireles, Doris Salcedo, Carlos Cruz-Diez, Víctor Grippo, Luis Benedit, Santiago Yahuarcani, Claudia Alarcón, Belkis Ayón y Sandra Gamarra.

    El 18 de septiembre, la expo permanente tendrá una versión temporaria que será montada en la Sala 5 del Nivel 2 del Museo y tendrá producciones creadas desde 1970 en adelante.

    La cronología de exposiciones continuará con Mi corazón es un imán, de Fernanda Laguna, desde el 13 de marzo, y surge de un acuerdo entre el Malba y el Museo Centro Reina Sofía de Madrid.

    Paralelamente, en Malba Puertos, se abrirá el 28 de marzo, en la Sala del Lago, la exhibición temporaria Metamorfo. Dualidad y transformación en la Colección Malba-Costantini, que investiga a fondo el modo en que los artistas han hecho visibles la naturaleza del cambio y la transformación. Curada por Alejandra Aguado, incluirá piezas de Jorge de la Vega, León Ferrari, Juan Pablo Renzi, Juan Batlle Planas, Juana Butler, Emilia Gutiérrez, Luchita Hurtado, Edgardo Giménez, Rogelio Polesello, Ana Mendieta y Valerie Brathwaite, entre otros.

    El 17 de julio será la presentación de la muestra de Vivian Suter, quien desde 1982 ha vivido en Guatemala y que desde los años 80 ha creado sus obras en el paisaje de una antigua plantación de café. Sus trabajos se han presentado desde la Documenta 14, en Kassel, hasta el Palais de Tokyo, entre otros espacios de gran relevancia.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.

    Seguimos conversando con Rodrigo de Moura.

    –Hay muchas colaboraciones del Malba con instituciones de Brasil. Pero el 18 de septiembre, como parte de la Semana de la Alta Costura Argentina (SAC), que preside Elina Costantini, se inaugurará Viva Frida, organizada por el Museo Frida Kahlo de México, con curaduría de Cirse Henestrosa. ¿Cómo surgió esa exposición?

    –Es una exposición por el tema. Esa muestra es por la presencia muy fuerte de Frida en la Colección del Malba y es un proyecto que dirige Elina Costantini en el marco de la Semana de la Alta Costura en colaboración con el Museo Casa Azul, en la Ciudad de México. Tiene un acervo muy impresionante de objetos y vestimentas de Frida. Por el conocimiento que nuestro público tiene sobre Frida Kahlo, nos pareció importante hacer una exposición de todo este material en colaboración con Casa Azul. Y la relación con la Semana de Alta Costura se da precisamente por el material, que es la moda.

    Por el conocimiento que nuestro público tiene sobre Frida Kahlo, nos pareció importante hacer una exposición de todo este material en colaboración con Casa Azul.Rodrigo MouraDirector artístico del Malba

    –¿Se van a expandir los acuerdos del Malba con otros museos?

    –Malba viene trabajando en colaboración hace tiempo con otras instituciones. Por ejemplo, en el Museo de Arte Moderno de Houston se está presentando la muestra de Gyula Kosice. Desde mi gestión, hemos tenido la muestra del pop brasileño, muy exitosa en público. Vamos a hacer ahora la primera colaboración formal con el MASP en la muestra de Abel Rodríguez (artista que representa sobre todo el paisaje amazónico). Trabajaremos este año con el Reina Sofía. Con Dia Art Foundation es importante nuestro acuerdo por el trabajo que ellos realizan con los artistas y el coleccionismo. Es parte de mi trabajo que Malba siga ocupando un espacio importante en la red museológica a nivel internacional.

    –Con la muestra que llevaron a Qatar, ¿hay algún plan de continuar con itinerancias en otros lugares?

    –Tuve el privilegio de estar en Qatar con Teresa Bulgheroni y Marita García, que fueron las líderes de estos proyectos, y fue una experiencia muy exitosa.

    ¿Y qué le dejó Qatar al Malba y al arte argentino?

    –El conocimiento, el modo operativo en que Qatar trabaja con países invitados. Malba tuvo un momento de alta visibilidad. Para nosotros, ahora, lo importante en el período 2026-2027 es tener la Colección consolidada en Buenos Aires. No hay proyectos de itinerancia por el momento, por eso decreté una moratoria de préstamos de obras para que nosotros, los curadores y el público puedan acceder a todas las obras y tenerlas en exposición en la muestra permanente de la Colección. De modo que van a tener que venir a Buenos Aires los que quieran ver la Colección del Malba.

    –¿Cómo será la narrativa de la nueva muestra de la Colección, dividida en una expo permanente y otra temporaria?

    –Será cronológica. La temporaria coincide con el aniversario del Museo y tiene una visión más contemporánea, y la otra es más hacia los 60. Lo que se incorpora es una visión discursiva más cronológica del desarrollo del arte latinoamericano entre principios del siglo XX y los años 70. Ahí estarán las vanguardias latinoamericanas y su relación con Europa, sobre todo en el Río de la Plata, pasando por una visión más regional del arte moderno a partir de los 20, como la antropofagia en Brasil, con centralidad de «Abaporu», pero también el descubrimiento de las fuentes precolombinas con Torres García, por ejemplo. Es casi un ensayo global del arte latinoamericano de los 20 y los 30. En tercer lugar, tendremos arte social, con Berni, Portinari, los mexicanos muralistas en ese proceso de formación de la visualidad. En los 40 tenemos los artistas surrealistas y la crisis de la razón, y ahí Malba tiene adquisiciones muy importantes. El quinto núcleo es la abstracción geométrica, con mucha obra de Malba, pero también de la Colección Daros, y el recorrido termina con la idea de la nueva figuración, el nuevo realismo y la reverberación del pop, con artistas en la diáspora.

    –¿Qué balance arroja Malba Puertos en su diálogo con Malba?

    –Bueno, las cifras de público son muy buenas. Más de 270 mil personas visitaron Malba Puertos. Y el 80% es público que por primera vez va a un museo y que ni siquiera había venido al Malba. Es un público muy nuevo, fresco y distinto al que viene al Malba. Siempre hay sinergia entre Malba y Puertos, pero los públicos son distintos.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.

    –Luego de haber estado en instituciones internacionales relevantes como curador, ¿qué te incorpora Malba como director artístico?

    –(Se ríe). Qué buena pregunta. Pienso que la posición de director. Fui director artístico en Inhotim, Belo Horizonte, pero no por mucho tiempo. Tengo más posibilidades de actuar en decisiones estratégicas en diálogo con Eduardo Costantini, que es muy presente, y con los equipos del Museo. Siempre estamos pensando en expandir la imagen del Museo. Ya con la Colección Daros me da la posibilidad de pensar nuevos proyectos.

    Más de 270 mil personas visitaron Malba Puertos. Y el 80% es público que por primera vez va a un museo y que ni siquiera había venido al Malba.Rodrigo MouraDirector artístico del Malba

    La Colección Malba-Costantini acumula, a partir de la nueva adquisición, más de 3.000 obras sobresalientes. Es un universo de una riqueza artística impresionante, con obras de Tarsila do Amaral, Frida Kahlo, Leonora Carrington, Remedios Varo, Wilfredo Lam, Joaquín Torres García, Cándido Portinari y Antonio Berni, y sigue la lista de nombres destacados.

    El proyecto de ampliación del Museo, bajo la Plaza República del Perú, permitirá –según información del propio Malba– inaugurar un nuevo programa integral de diseño y arte textil.

    Rodrigo Moura básico

    • Nació en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil, en 1975.
    • Se desempeñó de 2019 a 2025 como Curador Jefe de El Museo de Barrio de Nueva York. Anteriormente, fue curador adjunto en el Museu de Arte de São Paulo, MASP, entre 2016 y 2019.

    En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.En un diálogo con Clarín, el director del Malba, Rodrigo Moura, detalló los planes del museo para este año. Foto: Maxi Failla.

    • Durante doce años, entre 2004 y 2016, trabajó en el Instituto Inhotim, museo al aire libre y jardín botánico que cuenta con una de las mayores colecciones de arte contemporáneo en todo Brasil, ubicado en Brumadinho, Estado de Minas Gerais. Allí se desempeñó como curador adjunto y más tarde como Director Artístico.
    • Entre 2001 y 2006 fue curador en el Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, Brasil.
    • Rodrigo Moura también ha realizado curadurías de forma independiente, ha participado como miembro de jurado de importantes premios y se ha desempeñado como editor y periodista especializado.

    Sobre la firma

    Susana ReinosoSusana Reinoso

    seccioncultura@clarin.comBio completa

    Fuente: Clarín.com

  • De la novela a la serie: Jane Austen, Isabel Allende y Margaret Atwood, las ficciones que llegan en 2026

    De la novela a la serie: Jane Austen, Isabel Allende y Margaret Atwood, las ficciones que llegan en 2026

    En 2026 habrá un desembarco de series sobre adaptaciones literarias, como East of Eden (John Steinbeck), Los testamentos (Margaret Atwood), Orgullo y Prejuicio (Jane Austen), La casa de los espíritus (Isabel Allende) o Bridgerton (Julia Quinn).De la novela a la serie: Jane Austen, Isabel Allende, Margaret Atwood, las ficciones que llegan en 2026De la novela a la serie: Jane Austen, Isabel Allende, Margaret Atwood, las ficciones que llegan en 2026

    East of Eden (Netflix)

    Una miniserie de siete episodios que adapta uno de los grandes clásicos de la literatura estadounidense, de John Steinbeck, que ya cuenta con varias adaptaciones, entre ellas la popular película de Elia Kazan de 1955, protagonizada por James Dean y Jilie Harris.

    Ahora el proyecto está producido por la nieta del director, Elia Kazan, y protagonizada por Florence Pugh, lo que promete una visión femenina de la historia.https://3b13c941f71e5b5f46d6cf7a804129cd.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Los testamentos (Disney+, abril)

    En abril llegará esta secuela de El cuento de la criada, que adapta la novela de Margaret Atwood de 2019 –ganadora del premio Booker– y que se desarrolla en la teocracia distópica de Gilead.Margaret Atwood posa con su libro «The Testaments» durante la sesión fotográfica de los autores finalistas del Premio Booker de Ficción 2019 en el Southbank Centre de Londres, el 13 de octubre de 2019. (Foto de Tolga AKMEN / AFP)Margaret Atwood posa con su libro «The Testaments» durante la sesión fotográfica de los autores finalistas del Premio Booker de Ficción 2019 en el Southbank Centre de Londres, el 13 de octubre de 2019. (Foto de Tolga AKMEN / AFP)

    Una serie que cuenta con Ann Dowd, Chase Infiniti, Lucy Halliday o Rowan Blanchard, sobre el paso a la madurez en la que una nueva generación de mujeres jóvenes se enfrenta al sombrío futuro que les espera.

    Bridgerton – Temporada 4 (Netflix, 29 de enero)

    La cuarta temporada de la saga de los Bridgerton, basada en la obra de la escritora Julia Quinn, se estrenará en dos partes –el 19 de enero y el 26 de febrero– y el protagonista será el bohemio segundo hijo de la familia, Benedict (Luke Thompson), que se resiste a sentar la cabeza, hasta que conoce a una cautivadora Dama Plateada en un baile de máscaras, interpretada por Yerin Ha.Claudia Jessie y Luke Thompson llegan al estreno de la segunda parte de la tercera temporada de «Bridgerton» en Londres, Reino Unido, el 12 de junio de 2024. REUTERS/Isabel InfantesClaudia Jessie y Luke Thompson llegan al estreno de la segunda parte de la tercera temporada de «Bridgerton» en Londres, Reino Unido, el 12 de junio de 2024. REUTERS/Isabel Infantes

    La casa de los espíritus (Prime Video)

    Una de las novelas más conocidas de Isabel Allende, que ya saltó al cine en 1993 con Jeremy Irons y Meryl Streep, llega ahora a la pequeña pantalla con una miniserie de ocho episodios, grabada enteramente en Chile y en la que se ha implicado mucho la autora.Presentación en Santiago de Chile de la serie "La casa de los espíritus". Sentada, la escritora Isabel Allende. De pie, de izquierda a derecha, los showrunners Francisca Alegría, Andrés Wood y Fernanda Urrejola. Foto: Prime VideoPresentación en Santiago de Chile de la serie «La casa de los espíritus». Sentada, la escritora Isabel Allende. De pie, de izquierda a derecha, los showrunners Francisca Alegría, Andrés Wood y Fernanda Urrejola. Foto: Prime Video

    Dolores Fonzi, Alfonso Herrera, Nicole Wallace, Juan Pablo Raba y Fernanda Castillo encabezan el reparto.

    Imperfect Women (Apple TV, 18 de marzo)

    Basada en la novela homónima de Araminta Hall, este thriller de ocho episodios está protagonizado por Elisabeth Moss; Kerry Washington y Kate Mara y explora un crimen que destroza la vida de tres mujeres unidas por una amistad de décadas.

    El 18 de marzo llegarán los dos primeros episodios y luego llegará uno cada miércoles hasta el 29 de abril.

    Orgullo y Prejuicio (Netflix)

    Netflix ha confirmado la producción de una nueva serie limitada de seis episodios basada en la icónica novela Orgullo y Prejuicio de Jane Austen, según informó Deadline. Este proyecto contará con un elenco de renombre encabezado por Emma Corrin, quien interpretará a Elizabeth Bennet, Jack Lowden como el enigmático Mr. Darcy y Olivia Colman en el papel de la excéntrica Mrs. Bennet. La filmación está programada para llevarse a cabo en el Reino Unido entre finales de 2025 y comienzos de 2026.Emma Corrin interpretará a Elizabeth Bennet. EFE/EPA/NINA PROMMEREmma Corrin interpretará a Elizabeth Bennet. EFE/EPA/NINA PROMMER

    La serie, que promete ser una adaptación fiel y clásica de la obra literaria, está escrita por Dolly Alderton, conocida por su trabajo en Everything I Know About Love, y dirigida por Euros Lyn, quien previamente dirigió la exitosa serie Heartstopper.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • Nuevas críticas a la RAE, ahora Pérez Reverte dice que está tomada por “los talibanes del todo vale”

    Nuevas críticas a la RAE, ahora Pérez Reverte dice que está tomada por “los talibanes del todo vale”

    El escritor y académico Arturo Pérez Reverte criticó duramente que la Real Academia Española (RAE) esté dominada por «los talibanes del todo vale», y que haya renunciado a su tradicional lema de «limpia, fija y da esplendor» para someterse a la banalización de los medios de comunicación y redes sociales.Arturo Pérez-Reverte durante la presentación de su nueva novela sobre el capitán Alatriste, 'Misión en París', en Madrid. Foto: EFE | Rodrigo Jiménez.Arturo Pérez-Reverte durante la presentación de su nueva novela sobre el capitán Alatriste, ‘Misión en París’, en Madrid. Foto: EFE | Rodrigo Jiménez.

    «Todo vale y cualquier cateto audaz puede imponerse, si persevera, a Cervantes, Galdós o García Márquez», ha señalado el escritor en un artículo publicado en el diario El Mundo en el que deja entrever una división en la RAE entre escritores, «solventes» y «marginados», y lingüistas.

    Pérez-Reverte lamenta que la Academia se haya replegado «hacia posiciones más descriptivas que normativas» por «miedo a parecer elitistas, conservadores o excluyentes» y acusa a la dirección de la RAE, encabezada por Santiago Muñoz Machado, de dejar en manos de esos lingüistas la toma de decisiones

    El núcleo de lingüistas al que la actual dirección confía las decisiones maneja con naturalidad y sin apenas control, como justificación normativa, titulares periodísticos redactados con descuido o usos masivos en redes sociales, aunque estos contradigan principios sintácticos, semánticos o estilísticos largamente asentados», afirma.

    Registro «cada vez más vulgar»

    A su juicio, la RAE maneja un registro «cada vez más vulgar», con un efecto «devastador» para el idioma. También critica «una evidente falta de liderazgo cultural frente a la avalancha de anglicismos, tecnicismos innecesarios y empobrecimiento léxico», y el hecho de que guarde silencio y no ejerza su autoridad con respecto al lenguaje inclusivo para evitar «irritar al poder político».

    «La RAE suele reaccionar tarde y mal, y rara vez lidera el debate», afirma.Arturo Pérez-Reverte durante la presentación de su nueva novela sobre el capitán Alatriste, 'Misión en París', en Madrid. Foto: EFE | Rodrigo Jiménez.Arturo Pérez-Reverte durante la presentación de su nueva novela sobre el capitán Alatriste, ‘Misión en París’, en Madrid. Foto: EFE | Rodrigo Jiménez.

    Salvación económica

    Pérez Reverte, académico de la RAE desde hace 23 años, reconoce a Muñoz Machado sus logros en el ámbito panhispánico y de «salvación económica de una RAE asfixiada por el expresidente Mariano Rajoy», pero al mismo tiempo lamenta que bajo su mandato «se ha roto el vínculo histórico, el respeto mutuo, el equilibrio» entre «creación literaria y técnica lingüística» y los debates lingüísticos han «desaparecido de los plenos».

    En este sentido su crítica se alinea con la efectuada el pasado 9 de octubre por el director del Instituto Cervantes, Luis García Montero, cuando durante un desayuno informativo dijo echar de menos la época en que la RAE estaba en manos de «grandes filólogos y grandes hombres de la cultura» y no de «un catedrático de Derecho Administrativo experto en llevar negocios».

    En aquel momento, Pérez Reverte acusó al Ministerio de Exteriores, de quien depende el Cervantes, de querer «meter mano» y «colonizar» la RAE para «ponerla a su servicio y contaminarla», a través del «mediocre y paniguado» García Montero.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • Carlos Núñez Cortes, de Les Luthiers: “Nos unían profundamente dos cosas: la música y el humor”

    Carlos Núñez Cortes, de Les Luthiers: “Nos unían profundamente dos cosas: la música y el humor”

    “A mí me obligaban un poco a rizar el rizo y adornar la anécdota, amplificarla, hacerla casi inverosímil”. Quien habla es Carlos Núñez Cortes, que a sus 83 años sostiene en actos aquel lugar común que afirma que la juventud es un estado de la mente. En su caso esto es un hecho. Con la misma calidez, toca el piano ubicado en el living de su casa y le muestra al fotógrafo de Clarín parte de su colección de más de cuatro mil caracoles, otra de sus grandes pasiones. Su casa está rodeada de piezas de memorabilia Luthier. De hecho, él es el principal archivista del grupo, siempre dispuesto a colaborar con quien esté interesado en indagar en su historia.Entrevista a Carlos Núñez Cortés de Les Luthiers en su casa San Isidro. Foto: Juano Tesone.Entrevista a Carlos Núñez Cortés de Les Luthiers en su casa San Isidro. Foto: Juano Tesone.

    Mientras toma un café y come un budín casero delicioso que preparó su esposa, repasa anécdotas de más de 50 años como integrante de Les Luthiers, el mítico grupo artístico-musical que forjó un estilo único del cual decidió alejarse en 2017 al cumplir aquella contundente cifra. Muchas de ellas se incluyen en su libro de reciente aparición Es que me pasaron muchas cosas en la vida (Libros del Kultrum). Desde la famosa “La percha”, que puede verse en YouTube, hasta el fanatismo de su padre por River Plate o su pasión por los caracoles.

    –¿Cómo fue trasladar estas anécdotas al papel?https://2eb84fd65f6ba614c248b4ae17d53cef.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    –Te confieso algo: nunca estudié escritura ni fui a un taller literario ni nada. En ese sentido, soy medio caradura porque me largué a escribir algo sin haber estudiado antes. Sé lo que es hacer una cosa bien, como por ejemplo tocar el piano. Me pasé toda mi vida estudiando el piano un par de horas por día, siempre. Entonces es obvio que ahora me animo a cualquier cosa. Me ponen una partitura y… ahora estoy estudiando la “Fantasía-Impromptu” de Chopin que es dificilísimo. Tenés que volar por el teclado. Y me da tanto placer. Con la escritura no me pasó eso. Me entrené con mis libros anteriores: Los juegos de Mastropiero, donde hago una investigación filológica donde trato de explicar los juegos de palabras que usábamos. Después me quedó como el gustito. Qué lindo es esto de escribir, dije. Y pensé: ¿Ahora qué voy a hacer? Pensé que la gente siempre nos preguntaba cómo se nos ocurrían las cosas que hacíamos y así decidí narrar nuestra mecánica de la creación. Así nació Memorias de un Luthier. Me llevó mucho tiempo porque como cumplíamos 50 años decidí narrar el nacimiento de 50 obras. Después, como siempre fui un culo inquieto, hice muchas cosas. Cada vez que me bajaba del escenario me iba a todos lados: tuve contacto con las civilizaciones más extrañas. Me gustaba subir montañas, andar a caballo, meterme en la selva a buscar mariposas, bucear, buscar caracoles marinos. Me subía a los árboles a grabar el canto de los pájaros. Entonces dije: ahí está el tercer libro, con el que me despido. Ya tengo 83 pirulos.

    –Al comienzo contás una historia con tu sobrina que dijo la frase que da título al libro. ¿Qué te ocurre con la infancia?

    –Es la formación del individuo. Si a un pibe no le haces escuchar una nota a lo largo de toda su infancia es imposible pedirle que alguna vez sea músico o intente sacarle notas a algún instrumento. Es como una alcancía que uno va llenando.

    –Otra historia interesante es la del Mundial 78, que contás que los habían contratado para los festejos de Argentina campeón

    –Nunca fui muy futbolero. En el libro cuento la historia con mi padre, fanático de River. Mis compañeros estaban que se morían, se derretían. Para mí era algo medio lejano. Igual me emocioné con el partido. Después salí corriendo a ensayar el repertorio de la noche que iba a ser en el Alvear Palace. Era una mesa larga donde estaban los once jugadores argentinos de un lado y los once holandeses del otro. ¡No sé qué hablaron, qué entendieron! El asunto fue que el programa lo amenizó Les Luthiers. Cuando terminó el concierto pensé: si mi viejo estuviera acá se desmaya. Entonces agarré un plato de la mesa y fui hasta donde estaban los argentinos y les pedí si me lo podrían firmar con un marcador. Me firmaron los once. Me acuerdo especialmente de la firma de Kempes. Le pedí si se lo podía dedicar a mi viejo. Puso: para Anselmo, con mucho cariño. A la madrugada se lo llevé. Lo quise mucho a mi viejo. No tuvo la posibilidad de ilustrarse. Era relojero. Laburó toda su vida y fue el principal sostén.

    Trazando un paralelismo con el fútbol. ¿Cuándo dejaste los escenarios te pasó como los futbolistas que se retiran, de sentir un vacío?

    –Cuando cumplimos cincuenta años y decidí bajarme del escenario sentí que corría peligro. Era como una persona que la acostumbrás a comer milanesas todos los días y, de pronto, se las sacás. Pensaba que podría tener problemas serios si no tenía que ir al teatro todas las noches. Lo único que no tengo, lo que más extraño, es tocar el piano arriba del escenario. Después mi vida actual sigue rodeada, aunque no tanto, de Les Luthiers. Colaboro con los chicos del podcast La hora de la nostalgia, que repasan nuestra historia. Sigo tocando el piano. Eso no me lo quita nadie. Y trabajo en el archivo de Les Luthiers que llevo desde 1965. ¡Tengo todo! Libretos, fotografías, todas las grabaciones. Las atesoro, las escucho, las sigo limpiando, clasificando. Siempre tuve esa cosa de archivista.

    –Ustedes hicieron durante un tiempo terapia grupal.

    –Sí, con el doctor Fernando Ulloa. Un profesional maravilloso. Estuvimos 17 años con él. Dentro de todo tuvimos la enorme suerte de que no había ningún loco de mierda en el grupo sino todo lo contrario. Todos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor. Nos estábamos cagando siempre de risa todos. Son elementos que unen más que la poxilina. Nos gustaba estar juntos. Nadie se quería cortar solo. No primaba el ego. Éramos exégetas de Mastropiero.

    –Pensaba el paralelismo con una banda de rock. El trabajo de la creación colectiva muchas veces se agota.

    –Claro. ¿Qué banda de rock duró 55 años? Y fijate que fuimos contemporáneos de los Beatles. Me acuerdo que moríamos. Temblábamos cuando nos poníamos a escuchar un nuevo disco. Cuando se separaron empezábamos a pensar: qué no nos pase esto a nosotros.

    odos habíamos hecho carreras universitarias, éramos bastante educados y nos unían profundamente dos cosas: una era la música y otra el humor.

    –En un podcast con Adrián Lakerman hablabas del tema del prestigio, algo que en el humor no se suele dar pero sí ocurrió en el caso de Les Luthiers. ¿Tal vez haya tenido que ver con lo innovador de la propuesta? ¿Encontraron referencias similares en otros países?

    –Marcos Mundstock una vez dijo que Les Luthiers no podría haber nacido en otro lugar que no fuera un coro universitario. Los primeros chistes empezaron en el medio del coro. La mujer de Gerardo Mazana, Malena, imprimía un diario, se llamaba L’aphonique, el afónico. Ahí se contaban nuestras novedades: que fulanito miraba a menganita, la contralto del coro. Que sultanito había desafinado. Y un día llegó Gerardo con una propuesta de armar algo. Éramos todos universitarios. Nos gustaba a todos la música. Todos teníamos sentido del humor. Y éramos jóvenes. ¡Teníamos un cohete en el culo! ¿Cómo no le voy a dar la razón a Marcos de que sólo ahí pudo haber nacido Les Luthiers?Entrevista a Carlos Núñez Cortés de Les Luthiers en su casa San Isidro. Foto: Juano Tesone.Entrevista a Carlos Núñez Cortés de Les Luthiers en su casa San Isidro. Foto: Juano Tesone.

    –¿Cómo ves el humor hoy en día?

    –Sobre la cancelación nos tocó a nosotros. Especialmente a mí me tocó dos o tres veces hacer algunas obras donde nos reíamos mucho de la mujer. Nos parecía un lugar inagotable del cual sacar chistes. Hacía, por ejemplo, la serenata tímida. Era un pusilánime que se moría de miedo de cantarle a una mujer. Después la intimidatoria, la astrológica y la última es una serenata donde he perdido todas las esperanzas y entonces hago lo que hace cualquier loco de mierda: transformo todo el amor en odio y me lanzo contra ella con una virulencia exagerada y la quiero matar. Una obra que hacíamos con muy buen éxito y todo el mundo se reía a carcajadas, sabía que estábamos jugando y que ninguna de esas cosas que estaba intentando hacer las haría. Ni en pedo. Lo que estaba haciendo era amplificar la realidad, amplificar el absurdo y elevar mis intenciones hasta un nivel que ya era enfermizo. Ahora están los fenómenos de cancelación en los cuales cada persona tiene todo el derecho de hacer de su vida lo que se le cante el culo. Todo eso es respetable. Hemos entendido finalmente y gracias a Dios que la gente puede elegir cómo vivir, cómo vestir, cómo caminar por la calle. Hay que respetar eso. No te podés reír ahora de un tipo que resbala en la calle y se pega un porrazo. Ese humor se ha terminado.

    –Nombramos a Gerardo Masana, Marcos Mundstock, también le ha tocado partir a Daniel Rabinovich. ¿Qué te viene a la mente de los Les Luthiers que ya no están?

    –Todos tuvieron su aporte. Yo aporté mucho al grupo en cuanto pianista. Era el mejor pianista. Ernesto Acher tocaba bastante bien el piano y nadie más. Los demás champurreaban un poquitito. Gerardo tocaba un poquito y ellos me tomaron a mí fundamentalmente porque yo era muy buen pianista. No tenía ni idea ni de mi sentido de humor, tenía una voz de tenor medio agudita no demasiado potente, ni siquiera era educada, como la voz de Marcos, que estudió canto y demás. El recuerdo que tengo es el que me hayan cobijado bajo su ala dos tipos como Marcos y Gerardo Masana que fueron los que empezaron toda esta movida. Gerardo con la música y Marcos con los textos. Enseguida me llamaron porque decían que era un elemento valioso que puede ayudarnos. Entonces yo les debo fundamentalmente a ellos dos, en especial el hecho de que me arreglaron la vida. En el momento en que uno está pensando que es casi un adolescente, como era yo, que voy a hacer, yo tenía ya un título universitario, ya era químico, trabajaba de químico, no me gustaba demasiado lo que hacía. De pronto encontrar esa vertiente, este espacio donde más que trabajar íbamos a jugar, me llenó de satisfacción, esperanza. Estoy en el lugar correcto. Un día tuve que renunciar a mi trabajo de químico para siempre y dedicarme a esto de hacer humor con la música y tocar el piano lo mejor posible. Agradezco al cielo haberme cruzado con Marcos y Gerardo y que nos hayamos hecho amigos. Porque en primer lugar fuimos amigos. Amigos y coreutas del coro de Ingeniería. Después, despacito, empezó toda esta aventura que nadie, absolutamente nadie, en esos momentos podría haber aventurado ni una milésima parte de lo que pasaría después. Estar en el Palacio Oviedo recibiendo el Premio Príncipe de Asturias de manos del Rey de España como contribución a la lengua española. ¿Qué más pretendo? ¿El Nobel? Me queda el Nobel, puede ser.Entrevista a Carlos Núñez Cortés de Les Luthiers en su casa San Isidro. Foto: Juano Tesone.Entrevista a Carlos Núñez Cortés de Les Luthiers en su casa San Isidro. Foto: Juano Tesone.

    Carlos Núñez Cortés básico

    • Nació en Buenos Aires, en 1942. Es concertista de piano, compositor y arreglador de música.
    • Licenciado en Química Biológica y estudioso de la fauna marina ha recorrido los mares del mundo investigando y coleccionando caracoles.
    • Es inventor de entretenimientos matemáticos y programador de juegos para ordenadores.
    • Pertenece al grupo Les Luthiers desde sus comienzos, donde, además de la actuación en el escenario, se ocupa de la composición musical y de la creación y construcción de instrumentos informales.

    Es que me pasaron muchas cosas en la vida, de Carlos Núñez Cortes (Libros del Kultrum).

    Sobre la firma

    Pablo Díaz MarenghiBio completa

    Fuente: Clarín.com

  • La isla secreta donde tocaron los Stones y Bowie y que solo abre tres fines de semana al año

    La isla secreta donde tocaron los Stones y Bowie y que solo abre tres fines de semana al año

    La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres, un pequeño oasis creativo en pleno río Támesis en el que ahora se refugian una veintena de artistas y que antaño albergó conciertos de los Rolling Stones o David Bowie.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.

    De propiedad privada y con 120 habitantes, la isla –que debe su nombre a los tradicionales pasteles de anguila (Eel Pie, en inglés)– solo es accesible durante tres fines de semana al año: dos en verano y uno en la temporada navideña, cuando los artistas allí basados abren las puertas de sus talleres al público.

    Tras cruzar el puente que la une con el barrio suburbano de Twickenham, a 20 kilómetros de Londres, Eel Pie recibe al visitante con una hilera de casas pintorescas; una de ellas, de color azul, está custodiada por la escultura de un gallo y tiene un cono de helado en el tejado.https://8704417facb7c8dc29a887a57611d3bd.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Unos pasos más adelante, el paraje natural da paso al industrial a la llegada al astillero de la isla, en cuyo interior acoge dos armazones de barcos que se entremezclan con caballetes y puestos de arte improvisados.

    Detrás se encuentra la zona de los estudios, un conjunto de cobertizos de madera, chapa y ladrillo en el que los artistas de Eel Pie trabajan en sus creaciones, que abarcan disciplinas como la pintura, la escultura o la restauración.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.

    Un lugar único

    En uno de los estudios, la artista Nikki Clapp atiende a clientes y curiosos. Una mesa muestra varias de sus obras a la venta, desde figuras de arcilla, hasta macetas con forma de rostro.

    Esta exsupervisora de guiones de cine ha trabajado con directores como Steven Spielberg o Tim Burton; pero ahora, ya jubilada, pasa «entre cuatro y cinco días a la semana» en su taller de Eel Pie, según explica en una entrevista.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.

    Clapp lleva acudiendo a la isla desde hace 20 años, cuando se apuntó a las clases de escultura con arcilla de una artista canadiense en el mismo estudio que, después de la marcha de la profesora, heredó ella.

    A su juicio, Eel Pie Island es «un pequeño y único lugar secreto» de Londres donde casi siempre reina la paz, salvo en los fines de semana de puertas abiertas, que califica de «locos» desde que se han popularizado en redes sociales.

    «Es mi divertimento, son mis vacaciones. En vez de irme al extranjero a alguna isla, me voy a la mía en el Támesis«, sentencia Clapp.

    De los Rolling Stones a David Bowie

    Eel Pie también aspiró a ser una micronación y llegó a emitir su propio pasaporte. Hasta 1957, cuando no había puente, la única manera de llegar era cruzando el río en barca.

    «Bienvenidos a Eelpiland», dice ahora un cartel a la entrada del Museo de Eel Pie, situado en Twickenham y regentado por voluntarios como Wendy McMahon, de 80 años, que rememora sus visitas a la isla cuando era adolescente y detalla sus vestigios históricos.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.

    La construcción de un hotel en 1830 convirtió a Eel Pie en la ‘Riviera’ del Támesis, pero fue entre 1956 y 1970 cuando se volvió un destino para los amantes del jazz y del rock, como McMahon, atraídos por el boca-oreja y la mística del lugar.

    «Era como ir a otro país. Sentías que ibas a un lugar un poco prohibido, pero me daba igual porque iba por la música y sigue siendo así, sigo viniendo por la música», sostiene la voluntaria. Sus pendientes, en forma de guitarra, dan fe de ello.

    Una pared recoge los 1.400 conciertos albergados en el hotel de Eel Pie, donde se repite especialmente el nombre de los Rolling Stones. La banda de rock tocó en la isla en 24 ocasiones, incluyendo una pequeña residencia cada miércoles entre abril y septiembre de 1963.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.La isla de Eel Pie es uno de los secretos mejor guardados de Londres. Foto: redes sociales.

    En la interminable lista también resaltan otros artistas como Rod Stewart, Deep Purple o un joven David Bowie.

    En 1971 un incendió acabó con el hotel, para entonces reconvertido en una comuna ‘hippie’, pero la isla ha mantenido su legado a buen recaudo y sigue cobijando a las nuevas generaciones de artistas londinenses.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • ‘Disrupted Power’, la muestra de Banksy que cuestiona los sistemas de control

    ‘Disrupted Power’, la muestra de Banksy que cuestiona los sistemas de control

    El Moco Museum de Barcelona acoge una exposición de 25 obras del artista británico Banksy que, con el título Disrupted Power, explora cómo el control aparece en la vida cotidiana y la disrupción del poder, algunos de los temas más presentes en el imaginario del artista.El Moco Museum presenta la exposición ‘Banksy. Disrupted Power’, que reúne 25 obras, algunas de ellas recientes. EFE/Enric FontcubertaEl Moco Museum presenta la exposición ‘Banksy. Disrupted Power’, que reúne 25 obras, algunas de ellas recientes. EFE/Enric Fontcuberta

    En Disrupted Power, Banksy examina cómo el control se muestra en nuestra vida cotidiana y cómo se puede desmantelar mediante imágenes familiares y gestos, muchos de ellos cargados de ironía.

    Algunas obras gritan, otras susurran, pero todas cuestionan los sistemas en los que vivimos y enseñan las formas en que la resistencia toma forma.https://8ffbf64ee9177ec99c06715a0d004dad.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    En la presentación de la exposición, la responsable de exposiciones de los tres museos Moco, Birthe Fassen, ha explicado que Banksy «es increíble por las historias que explica y el imaginario que enseña», y es «muy culturalmente relevante en este momento».

    Entre las 25 piezas figuran una escultura, impresiones, pinturas o adaptaciones del metal, entre otras obras, que enseñan «la variedad de su colección» y también pueden dibujar un retrato de «los temas que usa en su obra», ha resaltado Fassen.

    Banksy, un artista que se mantiene en el anonimato, ha utilizado durante su trayectoria recursos similares, como pueden ser los ratones, los monos o las flores, representados en exhibiciones como ‘Agile’ (2022), ‘Monkey Detonator’ (2002) o una adaptación del mural que en 2005 hizo en Cisjordania (Palestina) titulado ‘Flower Thrower’, entre otras.

    Exhibidas por primera vez en un museo

    De las piezas escogidas para la muestra, dos de ellas se presentan por primera vez en un museo, ‘Madonna and Child’ (2024) y ‘Happy Choppers (Crude Oil)’ (2024), que «son muy icónicas por la manera de trabajar de Banksy», ha explicado Fassen, que también considera que ambas obras «tienen un mensaje muy importante».El Moco Museum presenta la exposición ‘Banksy. Disrupted Power’, que reúne 25 obras, algunas de ellas recientes. EFE/Enric FontcubertaEl Moco Museum presenta la exposición ‘Banksy. Disrupted Power’, que reúne 25 obras, algunas de ellas recientes. EFE/Enric Fontcuberta

    ‘Happy Choppers’, por un lado, es una pieza que forma parte de la manera de trabajar de Banksy conocida como ‘crude oils’, unas obras pensadas y creadas a partir de materiales que el artista encuentra en tiendas o mercados de segunda mano.

    La obra, que no es la primera con este título y representación, muestra helicópteros militares irrumpiendo en un paisaje otoñal, convirtiendo un escena pacífica en un escenario bélico.

    Por otro lado, ‘Madonna and Child’ es una reinterpretación de una figura sagrada, como la Virgen María, tratando de alimentar a su hijo, pero, en la versión de Banksy, la madre tiene un agujero oxidado como pezón.

    Esta imagen, que representa «la resiliencia», encuentra el «contraste entre la figura bíblica que conocemos y la relevancia cultural que tiene ahora la maternidad», ha explicado la directora de exposiciones del Moco Museum.

    Banksy, un artista versátil

    Más allá de los debuts, la muestra ejemplifica la gran versatilidad de Banksy y es una colección que «enseña una amplia gama de lo que crea el artista», resume Fassen.El Moco Museum presenta la exposición ‘Banksy. Disrupted Power’, que reúne 25 obras, algunas de ellas recientes. EFE/Enric FontcubertaEl Moco Museum presenta la exposición ‘Banksy. Disrupted Power’, que reúne 25 obras, algunas de ellas recientes. EFE/Enric Fontcuberta

    El Moco Museum cuenta en este sentido con algunas de las piezas de Banksy más célebres, como ‘Bullet Hole Dust’ (2006), una escultura que pretende reescribir la historia de David y Goliat, el gigante que en la historia original es vencido por un golpe de piedra en la cabeza, pero que en la obra muestra un agujero de bala.

    También estará presente ‘Girl with a Balloon (Gold)’ (2004), una de las obras más reconocidas y reinterpretadas, incluso por el mismo Banksy.

    La relación entre el Moco y Banksy

    Moco Museum fue uno de los primeros museos del mundo en exponer las obras de Banksy, consolidando uno de sus objetivos, «hacer que el arte sea accesible».

    «Estas piezas normalmente quedan ocultas en casa de coleccionistas o no son algo fácil de encontrar en cualquier parte. Queremos que la gente tenga la oportunidad de ver las obras y que estas generen conversación», ha declarado Fassen sobre la exposición en el Moco.

    De este modo, la exposición Disrupted Power estará disponible un mínimo seis meses en el Moco de Barcelona, pero después se trasladará a alguno de los otros dos museos del grupo, situados en Londres y Amsterdam.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • La argentina Leila Guerriero ganó en España el Premio Cálamo por toda su obra

    La argentina Leila Guerriero ganó en España el Premio Cálamo por toda su obra

    «Leila Guerriero sabe ver la vida y sabe contarla», consideró el jurado del premio español Cálamo y la distinguió con el reconocimiento a la totalidad de su obra. Otros ganadores de esta edición, que celebra sus 25 años, fueron la gallega Lucía Solla Sobral por su impactante debut en narrativa con la novela Comerás flores; Empujar el sol, obra de Dioni Porta; y un premio especial, in memoriam, a Agustín Gómez Arcos, dramaturgo y novelista.Leila Guerriero al recibir el premio Pluma de Honor de la Academia Nacional de Periodismo. Foto: Maxi Failla.Leila Guerriero al recibir el premio Pluma de Honor de la Academia Nacional de Periodismo. Foto: Maxi Failla.

    El certamen es organizado por la Librería Cálamo de Zaragoza con el apoyo de otras instituciones culturales y sociales de esa ciudad y este año, además, celebra su 25 aniversario distinguiendo obras y trayectorias profesionales. Algunos de los patrocinadores son el Ayuntamiento de Zaragoza, la Universidad de Zaragoza, el Institut Français de Zaragoza y} el Teatro de la Estación, entre otros.

    El Premio Cálamo “Libro del Año 2025” fue elegido por votación de las personas lectoras y recayó en Comerás flores, de Lucía Solla Sobral, publicado por Libros del Asteroide. La organización definió la novela como “un descarnado y brillante alegato contra el amor romántico”, y destacó la “rara perfección dramática y estilística” de una primera obra que, auguraron, tendrá “un largo recorrido y un sinfín de lecturas”.https://0c386606ff79a98e84a0f7b4e65849c2.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Solla Sobral (Marín, 1989), que vive en Uviéu y coordina desde 2022 el Club de las Letras Salvajes, ya había sido reconocida con el Premio Ojo Crítico de Narrativa 2025 por esta misma obra, su primera novela.

    Otros premios que se entregan es el Premio Cálamo “Otra Mirada 2025”, que fue para Empujar el sol, de Dioni Porta, publicado por Pepitas Ed. y Los Aciertos; y un premio especial, in memoriam, fue para Agustín Gómez Arcos, dramaturgo y novelista cuya obra está recuperando Cabaret-Voltaire, después de permanecer silenciada durante décadas en el Estado español pese a su amplio reconocimiento en Francia.https://www.instagram.com/p/DTP9Vh5Ddwr/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fargentina-leila-guerriero-gano-espana-premio-calamo-toda-obra_0_lfJV46W7Bs.html#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A711.8999998569489%2C%22ls%22%3A114.69999980926514%2C%22le%22%3A231.5%7D

    Toda una trayectoria

    La argentina, por último, se quedó con el premio que distingue no un libro sino todos los libros: el Premio Cálamo Extraordinario 2025, que se otorga al conjunto de una trayectoria. «Leila Guerriero sabe ver la vida y sabe contarla. Puede ser una columna, también una exhaustiva crónica. Una pequeña, hermosa y en ocasiones extraña perla semanal que te toca muy adentro. O una extensa y densa narración que atrapa tu atención de manera inevitable. Cada una de sus obras, perfectos artilugios literarios, está construida con pasión, sapiencia y curiosidad«, indicaron sobre la cronista.

    Nacida en Junín, provincia de Buenos Aires, Leila Guerriero es una de las cronistas en habla hispana más relevantes desde hace décadas. Comenzó su carrera periodística en 1991, como redactora de la revista Página/30 y, desde entonces, sus artículos han aparecido en diversos medios de América Latina y Europa: La Nación y Rolling Stone, de Argentina; El País, de España; Piauí, de Brasil; Gatopardo, de México; L´Internazionale, de Italia; Granta, del Reino Unido, entre otros muchos.La periodista y escritora argentina Leila Guerriero en Gijón. EFE/Juan GonzálezLa periodista y escritora argentina Leila Guerriero en Gijón. EFE/Juan González

    Es autora de los libros Los suicidas del fin del mundo (Tusquets, Anagrama), Frutos extraños (Aguilar, Alfaguara), Plano americano (Ediciones Universidad Diego Portales, Anagrama); Una historia sencilla (Anagrama); Zona de obras (Círculo de Tiza, Anagrama); Opus Gelber (Anagrama); Teoría de la gravedad (Libros del Asteroide); La otra guerra (Anagrama); La llamada (Anagrama) y La dificultad del fantasma (Anagrama).

    Recibió los premios CEMEX-FNPI; González Ruano; Grand Prix Blue Metropolis; Manuel Vázquez Montalbán al periodismo Cultural y Político; Gutun Zuria a la trayectoria. En 2024, su libro La llamada recibió el Premio de la Cátedra Mujeres y Medios, de la Universidad Diego Portales, de Chile; el Premio Zenda de Narrativa, en España, y el Premio al Mejor Libro Extranjero de No Ficción (Prix du Meilleur Livre Étranger) en Francia.

    Es editora para América Latina de la revista mexicana Gatopardo. Su obra ha sido traducida al inglés, el francés, el alemán, el sueco, el portugués, el italiano, el danés, el polaco, el griego y el chino, entre otras lenguas.

    La gala de entrega de los XXV Premios Cálamo tendrá lugar el viernes 27 de febrero en el salón de actos de la Caja Rural de Aragón y luego se celebrará una cena-fiesta para homenajear a los ganadores.

    Fuente: Clarín.com

  • Jane Austen en primera persona: 73 cartas que muestran su genialidad cotidiana

    Jane Austen en primera persona: 73 cartas que muestran su genialidad cotidiana

    Las mujeres solteras son extremadamente propensas a la pobreza«, es una de las frases de Jane Austen en sus cartas, ahora traducidas por Amparo Llanos, fundadora del grupo de rock Dover, y publicadas con el título Afectuosamente tuya, Jane Austen (Renacimiento) con motivo del 250 aniversario, el pasado diciembre.Un ejemplar del libro 'Orgullo y Perjuicio" de Jane Austen. EPA Maurice McDonald/ARCHIVOUn ejemplar del libro ‘Orgullo y Perjuicio» de Jane Austen. EPA Maurice McDonald/ARCHIVO

    Esa frase de Austen es reflejo de la situación de la mujer en su época y esta selección de sus cartas refleja «lo genial que también fue en vivir su vida cotidiana» la autora de Orgullo y prejuicio, una autora «capaz de crear personajes vivos y de decir la verdad sobre lo que es el ser humano», ha dicho Amparo Llanos.

    «Su genialidad es rotunda y sin fisuras; y estas cartas demuestran que la genialidad viene de abajo a arriba, va de lo perecedero a lo divino; la genialidad es un don que cae a pocas personas pero es algo absolutamente humano, y eso es algo fascinante, como es fascinante la calidez con la que refleja la vida cotidiana, desde cómo cuenta lo que ha preparado para comer al vestido que se le ha estropeado», ha asegurado la traductora.https://6037a0b95c9258cc9a01e59ec2e2db24.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Genialidad

    Llanos está convencida de que si Austen hizo la obra que hizo fue porque su genio hubiera brotado aunque lo hubiera tenido aún más difícil de cómo ya lo tenían las mujeres a finales del XVIII y principios del XIX: «Incluso a la sociedad actual le cuesta muchísimo reconocer que la genialidad pueda ser encarnada por una mujer, y Jane Austen es un genio universal a la altura de Shakespeare y Cervantes».

    Solo en cinco años de su juventud Austen escribió «dos grandísimas novelas y una obra cumbre de la literatura universal», escribe Llanos en la introducción a esta edición en alusión a Orgullo y prejuicio, Sentido y sensibilidad y La abadía de Northanger.

    Si consiguió triunfar en su época y hacerlo en vida fue «porque no podía dejar de hacerlo, de grande que era su don y su talento«, ha añadido Llanos, quien ha asegurado que la escritora poseía «una inteligencia suprema, por lo que debió tener choques en la sociedad que vivía, a la que le sobraba su inteligencia».

    Fue una mujer feliz, «de buen talante, y jovial, y contaba muchas cosas a través de la ironía, como en sus novelas, y de vez en cuando con un poquito de mordacidad, aunque eso solo en sus cartas, nunca en las novelas; y hasta en sus últimas cartas, ya muy enferma, se nota su alegría de vivir».

    161 cartas conservadas

    La correspondencia de la autora de Sentido y sensibilidad y Emma arrancó el 10 de enero de 1796, cuando tenía veinte años, y terminó el 28 de mayo de 1817, dos meses antes de morir, con 41 años. De todas sus cartas se conservan solo 161, de las que Llanos ha seleccionado y traducido 73 para esta edición.Jane Austen. Archivo Clarín.Jane Austen. Archivo Clarín.

    Llanos confiesa un «respeto fervoroso» por la obra de Austen y que «en los momentos tenebrosos de la vida» se refugia y hasta se refocila en sus novelas y en sus cartas «como si fueran el mejor de los mundos posibles», y con ese entusiasmo ha abordado esta traducción.

    «Cuando traducía me levantaba de la mesa como imbuida por Jane Austen, como si ella estuviera hablando por mí; puede sonar ingenuo o incluso insolente, pero era así como lo sentía, como si estuviera dentro de ella, y cuando me iba a dormir soñaba con ella y con alguna de las frases que traducía, o sea que he estado más cerca de ella que nunca», ha concluido con humor.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com