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  • Fernando O’Connor presenta en Córdoba una serie inédita sobre la condición humana

    Fernando O’Connor presenta en Córdoba una serie inédita sobre la condición humana

    El artista Fernando O’Connor vuelve a exponer en la ciudad de Córdoba con su serie La Fábula Humana, una muestra que reúne diez óleos sobre lienzo de gran formato más unas veinticinco obras de pequeño formato sobre papel, en las salas del Paseo del Buen Pastor.“La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.“La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.

    Después de su retrospectiva de medio término en el Museo Provincial Emilio Caraffa en 2017, O’Connor regresa a la provincia de Córdoba con una muestra integrada exclusivamente por obras recientes. Lejos de cualquier gesto retrospectivo, la exposición condensa una etapa de trabajo intensa y concentrada, en la que la pintura vuelve a funcionar como un espacio de pensamiento sobre la condición humana, sus quiebres y sus zonas de incertidumbre.

    “Cuando expuse en el Caraffa había sido una suerte de retrospectiva de medio término, y esta vez la idea era llevar todo obra nueva, no trabajar sobre obra pasada. Así que todo lo que presenté es reciente”, explica el artista a Clarín.https://0259c48fe3a3608a369ddad44c48c6e8.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Diálogo productivo

    El proyecto demandó más de un año de trabajo y terminó articulando dos núcleos que, sin haber sido pensados originalmente como una sola serie, encontraron un diálogo productivo dentro del espacio expositivo al concentrarse alrededor del cuerpo humano en la tradición pictórica.“La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.“La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.

    “Una de las series era sobre figuras en sillas. Eran creadores apoltronados sobre su propia creación, arquitectos y diseñadores sentados en sillas icónicas. Eso me generaba una serie de metáforas que valía la pena explorar: son todas personas en estado de quietud”, cuenta O’Connor (1966, Ciudad de Buenos Aires). Esa serie dialoga, muro a muro, con otra más dinámica y perturbadora: cuerpos en movimiento, figuras que caminan en cuatro patas, que tropiezan o que caen.

    “Hay una obra que se llama ‘La caída’, donde una figura tropieza con la alfombra y se rompe un brazo. Es un poco más narrativa, pero me interesaba ese contrapunto: quietud y movimiento, estabilidad y pérdida de equilibrio”, señala.

    Ambas series comparten elementos formales -el piso, la alfombra, la frontalidad- que refuerzan la tensión conceptual entre una humanidad inmóvil y otra en proceso de degradación.

    El texto de sala, firmado por Adolfo Sequeira, exdirector del Museo Caraffa, introduce la idea de un posible proceso “descivilizatorio”, una lectura que el artista reconoce como central. “Adolfo me dijo algo que me pareció muy certero: que veía en el trabajo una forma de expresar cierta deshumanización de la figura humana, una pérdida de humanidad en la condición contemporánea”, afirma. Esa idea se traduce visualmente en cuerpos que abandonan la verticalidad, que retroceden hacia una animalidad incierta o que simplemente colapsan.

    Desde el punto de vista iconográfico, las obras oscilan entre lo figurativo y lo simbólico. En algunos casos, el punto de partida es documental: fotografías de figuras históricas como Mies van der Rohe asociadas a sus diseños de sillas. En otros, las imágenes emergen sin referencias externas claras. “La otra serie son seres absolutamente internos, casi fantasmas míos. A veces no necesito referencia documental: cierro los ojos y veo la imagen, y desde ahí armo la escena”, explica.

    “La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.“La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.
    Bocetos y trabajos preparatorios
    Un aspecto singular de la muestra es la decisión de exhibir los bocetos y trabajos preparatorios, que acompañan y amplifican la lectura del cuerpo principal de la obra. Algo poco habitual en la práctica de O’Connor: “Yo en general no suelo mostrar el trabajo previo, y en mi caso hay muchísimo trabajo previo. Pero cuando (el pintor) Roger Mantegani vino a mi taller y vio mis carpetas me dijo: ‘Estás loco si no mostrás esto’”, recuerda. Lejos de funcionar como material accesorio, esos dibujos revelan caminos alternativos, decisiones descartadas y variaciones posteriores a las pinturas principales.

    “La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.“La fábula humana”, de Fernando O’Connor llegará a Buenos Aires en abril cuando se presente en un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces. Foto: gentileza.
    El título “La fábula humana” surge del texto curatorial, pero condensa una inquietud persistente en la obra del artista. “Yo estaba empantanado con dudas y tenía miles de títulos posibles. Cuando leí esa frase dije: listo, este título dice todo lo que tiene que decir”, señala. Detrás de esa elección late una sensación de perplejidad frente al presente, una incomodidad que atraviesa tanto las escenas de quietud como las de caída.

    La muestra tiene además una dimensión íntima y biográfica. Está dedicada al hermano del artista, fallecido poco antes de que surgiera la invitación a exponer en Córdoba. “Fue como si me hubieran tirado a una balsa en el océano. Entré de nuevo en la pintura como una necesidad. Sentía que no tenía nada que perder pintando”, confiesa. Esa experiencia de pérdida resuena en muchas de las obras, no como relato explícito, sino como una atmósfera de fragilidad persistente.

    La fábula humana se presenta en las salas del Paseo del Buen Pastor, un complejo cultural emplazado en un antiguo edificio de fines del siglo XIX. La exposición puede visitarse con entrada libre y gratuita hasta el 22 de febrero de 2026 mientras que, en abril próximo, esta misma llegará a la ciudad de Buenos Aires, a un nuevo espacio del barrio de Barracas llamado Espacio Paces.

    Sobre la firma
    Mercedes Ezquiaga
    Mercedes Ezquiaga
    Periodista especializada en arte argentino y latinoamericano.

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    Fuente: Clarín.com

  • El Met de Nueva York inaugura la mayor muestra de Rafael jamás organizada en Estados Unidos

    El Met de Nueva York inaugura la mayor muestra de Rafael jamás organizada en Estados Unidos

    El Museo Metropolitano de Arte (Met) de Nueva York se prepara para recibir Rafael: Poesía Sublime, la mayor exposición dedicada a la trayectoria completa del genio renacentista italiano jamás organizada en Estados Unidos que se inaugurará el próximo 29 de marzo.El director del Met, Max Hollein, y la curadora Carmen Bambach anunciaron que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se prepara para recibir Rafael: Poesía Sublime, la mayor exposición dedicada a la trayectoria completa del genio renacentista italiano. Foto: METEl director del Met, Max Hollein, y la curadora Carmen Bambach anunciaron que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se prepara para recibir Rafael: Poesía Sublime, la mayor exposición dedicada a la trayectoria completa del genio renacentista italiano. Foto: MET

    «Nunca antes ha habido una gran exposición de Rafael, una retrospectiva de gran escala, en Estados Unidos. La muestra reúne 237 piezas, entre importantes pinturas, dibujos sobresalientes, tapices, grabados y artes decorativas. Todas ellas procedentes de las principales colecciones públicas y privadas para ser compartidas con el público», anotó a la prensa el director del Met, Max Hollein.

    Entre las obras, según el experto, habrá desde obras maestras procedentes del Vaticano, de la National Gallery de Londres y de la National Gallery of Art de Washington, del Louvre, del Prado o del British Museum, entre otras famosas pinacotecas, hasta trabajos que raras veces han sido exhibidos en público.

    «Es una exposición que revelará mucho sobre Rafael, pero que también será un retrato imponente de su personalidad artística y su mente innovadora», adelantó Hollein.

    La perseverancia del Met

    La encargada de conseguir las más de 200 obras fue la curadora del Met, Carmen Bambach, quien explicó que lo consiguió gracias a su «perseverancia» y que se tuvo que reunir con algunos coleccionistas cinco veces para que cedieran sus piezas a esta muestra del Met que se exhibirá hasta el 28 de junio.

    «Rafael ha llegado a ser uno de los mayores ‘influencers’ de todos los tiempos. Fue idolatrado de forma constante y casi continua desde aproximadamente 1510 hasta la década de 1850, como un pintor de perfección suprema y un modelo a seguir para la educación de los artistas», explicó Bambach a la prensa en una conferencia en el Met.

    Bambach apunta que Rafael: Poesía Sublime «ofrecerá una mirada inmersiva a la meteórica y fenomenalmente productiva carrera del artista».

    «Mi objetivo es dar una mirada por encima del hombro del artista para comprender la intimidad de su proceso creativo», explicó la comisaria chilena.El director del Met, Max Hollein, y la curadora Carmen Bambach anunciaron que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se prepara para recibir Rafael: Poesía Sublime, la mayor exposición dedicada a la trayectoria completa del genio renacentista italiano. Foto: METEl director del Met, Max Hollein, y la curadora Carmen Bambach anunciaron que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se prepara para recibir Rafael: Poesía Sublime, la mayor exposición dedicada a la trayectoria completa del genio renacentista italiano. Foto: MET

    Reunión del Retablo Colonna

    Unas de las joyas de la corona de la muestra será reunir todas las pinturas que formaban parte del conjunto original ‘Retablo Colonna’ (1503-1504), cuyo panel principal, ‘La Virgen con el Niño entronizados con santos’, se encuentra en el Met.

    «Este retablo estaba compuesto de múltiples partes y fue desensamblado en la década de 1660. Incluía la base o predella compuesta por varios paneles pequeños y, por primera vez, reuniremos todas las partes del retablo«, anotó Bambach, quien explicó que las otras piezas vendrán del Museo Isabella Stewart Gardner, en Boston, así como de la Dulwich Picture Gallery y la National Gallery, ambas en Londres.

    La comisaria también destacó tres tapices del Patrimonio Nacional de España por lo bien que están conservados, algo poco habitual, los cuales también formarán parte de la muestra.

    No es la primera vez que Bambach trae al Met a grandes maestros del Renacimiento, ya que se encargó de una exposición de Miguel Ángel en 2017, y otra de Leonardo da Vinci en 2003.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • Salman Rushdie: “La muerte lleva tiempo acompañándome, pero he aprendido a sobrellevarla”

    Salman Rushdie: “La muerte lleva tiempo acompañándome, pero he aprendido a sobrellevarla”

    Si hay algo que mucha gente se pregunta a menudo es cómo Salman Rushdie (Mumbai, 1947) logra tener siempre una sonrisa. Cuando en 1988 publicó Los versos satánicos, el entonces líder de Irán, el ayatolá Ruhollah Jomeini, emitió una fatua pidiendo su muerte. Durante nueve años permaneció escondido aunque, con el tiempo, entendió que no quería pasarse el resto de su vida sin tener contacto con los lectores. Excepto en ese periodo, nunca ha dejado de tenerlo. Ni siquiera después de que en el verano de 2022, durante una conferencia, lo apuñalaran de forma repetida.El escritor Salman Rushdie presentó en España su último libro, "Cuchillo: meditaciones tras un intento de asesinato" con el escritor español Javier Cercas en el Ateneo de Madrid. Foto: Cézaro De Luca.El escritor Salman Rushdie presentó en España su último libro, «Cuchillo: meditaciones tras un intento de asesinato» con el escritor español Javier Cercas en el Ateneo de Madrid. Foto: Cézaro De Luca.

    Tampoco ahora, que una de las mayores tormentas de nieve en décadas azota Estados Unidos. “He estado estos días en el festival de Sundance y me libré, pero llevo cuatro días intentando regresar a mi casa, en Nueva York, y me han cancelado muchos vuelos. Al fin, he llegado y puedo contestar todas las preguntas”, celebra por videollamada segundos antes de que La Vanguardia se disponga a entrevistarlo con motivo de la publicación del libro de relatos La penúltima hora (Random House). Por supuesto, no ha perdido su sonrisa en ningún momento.

    –¿Cómo sienta volver a la ficción?https://a591928832a43ed4c7e3322db2178b4f.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    –Aliviado. Mi vida se había vuelto últimamente demasiado no ficticia para mi gusto. Está bien volver al mundo de la imaginación porque yo siempre he sido un escritor de ficción.

    –Sus relatos tienen como trasfondo la muerte y el título de su libro juega con la idea de estar cerca del final. ¿Se siente así?

    –Sí, pero no por nuevas amenazas, sino, simplemente, porque ya soy un hombre mayor. Tengo 78 años y este año cumpliré 79, y la edad te hace pensar. De todos modos, pese a que el tema sea oscuro, trato de llevar al lector a un lugar lúdico. Me gusta que las historias tengan ese elemento de juego.

    –Nunca pierde el humor.

    –El humor es una de las cualidades más características de mi escritura y de mi forma de pensar. Viene a mí de manera natural. No fuerzo frases, me surgen solas. Oscurecer más mi vida no tendría ningún tipo de sentido.

    ¿Estos relatos sobre la muerte han surgido después del ataque?

    –Hay cinco relatos. Las tres historias largas se han escrito en este último año, así que sí. Pero las dos más cortas son más antiguas. La muerte lleva mucho tiempo acompañándome, pero la aprendes a sobrellevar.

    –En el relato que titula «Finado», el protagonista principal, Arthur, ve cómo el resto vive su muerte.

    –Es curioso porque nunca antes me había atrevido con un relato de fantasmas. Y sí, yo también he pensado cómo los míos vivirán mi muerte. Bueno, no ha hecho falta que me lo imagine, lo he vivido. Y lo que vi, cuando creían que me iba, es amor, mucho amor. Esa es una manera muy bonita de salir del escenario.

    –Arthur es un escritor que, ahora que está muerto, teme ser malinterpretado. ¿Comparte ese miedo?

    –No puedes controlar lo que sucede cuando te vas. Sí, en cambio, hacer lo mejor que puedes mientras estás aquí, y trato de hacerlo.

    –En Los versos satánicos, uno de sus personajes decía: “Conocer a un escritor es, por lo general, sentirse decepcionado”.

    –Hay un refrán que dice que mejor no conozcas a las personas que admiras. No sé si la gente se decepciona o no cuando me conoce. Espero que no pero, igual que Arthur, e imagino que muchos otros escritores, es un temor compartido.

    –El legado está muy presente en este último libro.

    –Si eres escritor, esperas dejar una estantería llena de libros interesantes. Creo tener la suerte de estar en esa posición. También me lo he trabajado. Este es mi libro número 23 y mi estantería es buena y robusta.El escritor Salman Rushdie, que presenta en España su último libro, 'Cuchillo: meditaciones tras un intento de asesinato', en el Ateneo de Madrid. EFE/ JJ GuillénEl escritor Salman Rushdie, que presenta en España su último libro, ‘Cuchillo: meditaciones tras un intento de asesinato’, en el Ateneo de Madrid. EFE/ JJ Guillén

    –En «Oklahoma», el cuarto relato, escribe: “Estados Unidos se ha perdido en su propia historia”.

    –Ahora mismo, hay un proyecto de borrar parte de la historia de EE.UU., la que habla de los ciudadanos originarios del país y los esclavos. Es preocupante este ataque a la memoria colectiva del país. Si te saltas estas partes, es imposible entender Estados Unidos. Pero a Trump ya le va bien que no nos entiendan. La ceguera se impone.

    –¿Y tiene miedo?

    –¿Quién no?

    –Regresando a «Oklahoma»… Se inspiró para este texto en el manuscrito de América (El desaparecido), una novela inacabada de Kafka, quien, por cierto, nunca visitó Estados Unidos. Se supone que allí su personaje encontraría la felicidad. ¿Tiene usted algún lugar idealizado?

    –Oklahoma es el lugar al que nunca llegas pero esperas llegar. Y eso nos pasa a todos los humanos y hace que estemos inacabados. Y está bien así. Más que un lugar idealizado, yo lo veo como un sueño por cumplir. Siempre tiene que haber uno. ¿El mío? Ser mejor escritor de lo que soy. Espero lograrlo.

    –¿Seguirá entonces escribiendo?

    –¡Claro! ¿Cómo dejarlo? De hecho, ya he empezado a escribir algo, pero quiero ir despacio. He escrito tres libros en tres años y es demasiado para mí. A partir de ahora no quiero ponerme fechas ni límites. Las normas ahora las pongo yo.

    –Muchos lectores y escritores más jóvenes agradecerán que siga con su obra. ¿Hubo algún momento en su carrera en el que fue consciente de que se había convertido en un referente?

    –Sí, aunque no recuerdo el momento exacto. Es raro que hablen de ti en la universidad y en las escuelas. Por supuesto, satisfactorio, pero raro. Siempre que mi trabajo les resulte útil, yo no puedo más que celebrarlo.

    –A menudo escribe sobre países que le han marcado. Esta vez, no ha sido diferente. La India, Reino Unido, Estados Unidos…

    –Es bonito, ¿no? Surge así, no fue un plan. Es como una presentación de los mundos sobre los que me he pasado la vida escribiendo. Si hay alguien que no haya leído ninguno de mis libros, este es un buen comienzo porque te da una idea de todo.

    –Dos de sus protagonistas son muy particulares. Senior ha tenido una vida plena y ahora ansía la muerte. Su compañero, Junior, ha tenido una vida mediocre, pero aún la valora intensamente. ¿Es usted más cercano a alguna postura?

    –Los escritores muchas veces nos vemos reflejados en lo que escribimos. Podría ser una mezcla, pero siento que tengo muchas diferencias con ambos. Ellos representan dos mitades de una misma persona. Hacía tiempo que quería escribir sobre ellos. Hace años me inspiré en dos señores que conocí en Chennai, en la India. Tenían un humor horroroso, pero eso los convertía en seres bastante graciosos. Eran muy cascarrabias aunque, también, súper entretenidos. Por fin he encontrado un relato para ellos.

    –En este primer relato, habla de calamidades nacionales, que prefiere dejar en un segundo plano.

    –La historia grande se suele comer las muertes pequeñas, pero yo trato de hacer al revés, que estas sean protagonistas. Al fin y al cabo, son las que más nos afectan como individuos.Salman Rushdie en Berlin en 2024. (Foto: Tobias SCHWARZ / AFP)Salman Rushdie en Berlin en 2024. (Foto: Tobias SCHWARZ / AFP)

    El don como maldición

    La muerte no es lo único que ronda en el trasfondo de los relatos del nuevo libro de Salman Rushdie, La penúltima hora (Random House). El don como maldición también está muy presente para muchos de sus protagonistas.

    “El arte, a veces, más que salvar, devasta”, opina uno de ellos. El autor reconoce que la escritura le ha dado algún que otro problema en su vida, teniendo en cuenta las múltiples amenazas de muerte que ha recibido a lo largo de los años.

    “Aún así, considero que soy muy afortunado de tener esta habilidad, pues desde muy joven quise ser escritor y he podido cumplir mi sueño”. No es el único que tuvo, pues hubo una vez en la que también se imaginó siendo un actor. “Pero dejé atrás esta idea porque no soy idiota y sé que no hubiera salido bien. Me conformo con algunos cameos que he hecho y estoy abierto a propuestas”.

    Sobre la firma

    Lara Gómez Ruiz

    La VanguardiaBio completa

    Fuente: Clarín.com

  • El sable del Libertador: dos increíbles robos y una cápsula de vidrio blindado que lo protege ahora

    Con extrema facilidad, dos veces fue robado del Museo Histórico Nacional el sable corvo de José de San Martín, en Buenos Aires, en la década del 60: 1963 y 1965. Ahora que, por decreto presidencial de Javier Milei, el 7 de febrero, regresa a uno de los lugares donde antes también estuvo, el Regimiento de Granaderos a Caballo que lleva el nombre del Libertador, vuelven a recordarse no solo detalles de ambos hechos, sino también otros robos ocurridos en el mismo museo en tiempos recientes, como el robo del reloj de Manuel Belgrano (2007) (aún sin aparecer y bajo alerta de Interpol) y el de una colección de monedas (2020) –recuperada parcialmente– que fue traída al país por orden de Bernardino Rivadavia y Manuel Belgrano.El sable corvo de San Martín se expone en el Museo Histórico Nacional. Foto Cecilia ProfeticoEl sable corvo de San Martín se expone en el Museo Histórico Nacional. Foto Cecilia Profetico

    También se recuerda el robo de la espada de Bolívar, en Colombia, que se dice fue inspirado por lo ocurrido en Argentina con el sable de San Martín. “Bolívar no ha muerto. Su espada rompe las telarañas del museo y se lanza a los combates del presente”, decía una nota del M19 colombiano el 14 de enero de 1974, dejada en la casa-museo, ubicada en el centro de Bogotá, que fue su residencia en la capital colombiana.

    En 2022, el presidente Gustavo Petro (exmiembro del M-19, grupo que la robó en 1974) ordenó que la llevaran a su acto de asunción en el Palacio de Nariño. Réplicas de alta precisión de la espada de Bolívar han sido entregadas a la Argentina, en años anteriores, como símbolo de la unidad bolivariana y sanmartiniana

    Una cápsula de vidrio blindado

    El Museo Histórico Nacional tiene por sede la antigua Mansión Lezama, en la calle Defensa, en el barrio de San Telmo. Se cree que ese terreno es el sitio exacto donde Pedro de Mendoza realizó la primera fundación de Buenos Aires, en 1536.

    Hoy, el arma permanece en la llamada “Sala del Sable de San Martín”, dentro de una cápsula de vidrio blindado, resistente a impactos de gran potencia, con sensores de movimiento y vibración y la custodia permanente de dos granaderos.

    Cualquier intento de tocar o mover la vitrina sin aviso activará una alarma inmediata conectada con las fuerzas federales. Las medidas de seguridad se activaron por orden de la anterior presidenta Cristina Fernández cuando decidió que volviera al museo, tras muchos años en el Regimiento de Granaderos.El sable corvo de San Martín se expone en el Museo Histórico Nacional. Foto: Andres D'EliaEl sable corvo de San Martín se expone en el Museo Histórico Nacional. Foto: Andres D’Elia

    La empuñadura es de ébano, su largo total es de 95 centímetros, tiene una curvatura de aproximadamente 12 grados y fue forjado en el Lejano Oriente. El sable lo compró San Martín en los primeros años de 1800, en Londres, poco antes de regresar a Buenos Aires, y lo acompañó en numerosas batallas.

    Hasta ese entonces no era un arma usada por los ejércitos libertadores en América. Sus características permitían mejores movimientos, un mayor daño físico al enemigo y psicológico, pues al usarlo en combate producía un silbido agudo y prolongado. Al morir San Martín en su exilio en Francia, pidió que se lo entregaran a Juan Manuel de Rosas, en un hecho controvertido. Desde entonces Rosas lo usó y se lo llevó a su exilio en Inglaterra. Al morir este, sus herederos lo devolvieron a la Argentina.

    Tanto San Martín como Rosas le dedicaron un exhaustivo cuidado al arma. Crónicas de la época señalan que el sable solo podía ser tocado por pocos elegidos. “El sable que me ha acompañado en toda la guerra de la Independencia de la América del Sud”, dice de él en su testamento San Martín. Mantener el brillo de la “prenda de honor” se convirtió en una obsesión de Rosas durante su exilio, acción que realizaba personalmente.

    Robar el sable corvo

    El 12 de agosto de 1963, cuatro jóvenes, pertenecientes al Comando “Juventud Peronista”, una organización hasta entonces prácticamente desconocida, robaron el sable del Museo Histórico Nacional. Como en la mayoría de los casos, la ausencia de medidas de seguridad posibilitó el hecho. Un sereno fue reducido, la vitrina que guardaba el sable, rota, y el arma, robada. En el lugar dejaron un panfleto que exigía el regreso de Perón al país.https://www.instagram.com/p/C4lVDgcuw4E/embed/captioned/?cr=1&v=14&wp=858&rd=https%3A%2F%2Fwww.clarin.com&rp=%2Fcultura%2Fsable-libertador-increibles-robos-capsula-vidrio-blindado-protege-ahora_

    Una de las reliquias históricas más significativas del país estuvo escondida, entre otros lugares, en el falso fondo de un piano, en armarios, bajo la cama y enterrada bajo tierra hasta que, ante una impiadosa persecución, apenas 16 días después, el 28 de agosto, negociaron la entrega.

    El sable, envuelto en una frazada, fue devuelto con algunos daños y marcas producidas por la humedad. Un pequeño pedazo del cuero y metal de la vaina fue cortado por los ejecutores como muestra de que el robo había sido real y exitoso y enviado a Madrid, donde lo recibió Perón.

    En agosto de 1965, dos días después del aniversario de la muerte de San Martín, otros miembros de la Juventud Peronista volvieron a robar el arma en un hecho casi idéntico: redujeron a los cuidadores y rompieron la vitrina.

    También dejaron un panfleto en el que pedían, además del regreso de Perón, la ruptura con el FMI, aumento de salarios y mejores condiciones para los trabajadores y libertad para los presos políticos, entre los que se encontraban algunos ejecutores del primer robo. Al salir del museo fueron descubiertos. Mientras huían, se enfrentaron a los tiros con la policía. Pudieron escapar.

    Tocar la hoja del arma, hecha en acero de Damasco, se convirtió en un ritual como parte del juramento de lealtad a la Patria y a Perón durante el año que el sable estuvo desaparecido en este segundo robo. Fue devuelto en junio de 1966. En la hoja tenía grabada una frase, “PV (Perón Vuelve)”, que desapareció, removida por restauradores. Se dice que el mismo Perón ordenó que lo devolvieran.El sable corvo de San Martín se expone en el Museo Histórico Nacional. Foto: Andres D'Elia.El sable corvo de San Martín se expone en el Museo Histórico Nacional. Foto: Andres D’Elia.

    En 1967, la custodia del sable corvo fue dada al Regimiento de Granaderos a Caballo General San Martín hasta 2015, cuando volvió al Museo Histórico Nacional. En este 2026 volverá al Regimiento de Granaderos.

    Varios libros recogen ambos hechos, entre ellos El sable del General, escrito por Osvaldo Agosto, el cerebro detrás del robo en 1963; Sable. El arma de San Martín, de varios autores (Colección del Museo Histórico Nacional), y el thriller peronista El Sable, de Rodolfo Piovera.

    El traslado de reliquias históricas, incluidas las armas, de un lugar a otro suele ser más común de lo que se piensa. Suelen hacerse por simbolismo político, protocolos de seguridad o estrategias de conservación. El robo, también, aunque en estos casos interviene la voracidad de ladrones de guantes blancos sin afiliaciones políticas.

    Sobre la firma

    Claribel Terré MorellBio completa

    Fuente: Clarín.com

  • ‘Goya, cazador de tendencias’: la muestra que explora la moda retratada por el pintor

    La exposición Goya, cazador de tendencias, inaugurada en la ciudad española de Zaragoza, dirige la mirada a la moda de la alta sociedad y las clases populares del siglo XVIII y XIX retratada por el pintor en sus obras.Vista de uno de los trajes que pueden verse en la muestra 'Goya, cazador de tendencias', que se podrá visitar hasta el 24 de mayo en el IAACCEl de Zaragoza. EFE/Toni GalánVista de uno de los trajes que pueden verse en la muestra ‘Goya, cazador de tendencias’, que se podrá visitar hasta el 24 de mayo en el IAACCEl de Zaragoza. EFE/Toni Galán

    La muestra forma parte de una de las iniciativas de la celebración en 2028 del bicentenario de la muerte de Francisco de Goya (1746-1828) y busca reflejar, de forma resumida, cómo la moda sirvió para interpretar aquel tiempo y sus personajes.

    Para ello, utilizan ropa de época original cedida por coleccionistas particulares y por el Museo de Zaragoza, y relacionan la moda con el pintor español. Se pueden contemplar piezas como chalecos, basquiñas o chaquetillas de hombre, mujer y niño, de finales del siglo XVIII y principios del XIX.https://fcd82e13a1698911f78f294520589669.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlVista de los trajes que pueden verse en la muestra ‘Goya, cazador de tendencias’, que se podrá visitar hasta el 24 de mayo en el IAACCEl de Zaragoza.Vista de los trajes que pueden verse en la muestra ‘Goya, cazador de tendencias’, que se podrá visitar hasta el 24 de mayo en el IAACCEl de Zaragoza.

    Cómo vestía la sociedad

    Ese recorrido en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos Pablo Serrano, disponible hasta el 24 de mayo, sirve de «repositorio de cómo vestían los distintos estamentos de la sociedad«, según su comisaria, Marian Rebolledo.

    La exposición presenta también a «‘influencers’ de la época» como representación de su tiempo: la duquesa de Osuna, la duquesa de Alba y la reina María Luisa de Parma.

    Permite visualizar con ello las distintas tendencias de la época: la moda a la francesa «más aparatosa», la moda a la inglesa «pensada para la vida en las zonas rurales» y la moda española que, según Rebolledo, estuvo caracterizada por prendas como faldas y mantillas.Vista de uno de los trajes que pueden verse en la muestra ‘Goya, cazador de tendencias’, que se podrá visitar hasta el 24 de mayo en el IAACCEl de Zaragoza. EFE/Toni GalánVista de uno de los trajes que pueden verse en la muestra ‘Goya, cazador de tendencias’, que se podrá visitar hasta el 24 de mayo en el IAACCEl de Zaragoza. EFE/Toni Galán

    El discurso expositivo se completa con un audiovisual titulado Goya en la pasarela, que «da vida» a la vestimenta a través de la inteligencia artificial y el modelado 3D.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • El retrato de George Washington que dio origen al billete de un dólar fue subastado por 3 millones

    Un retrato que muestra al expresidente de Estados Unidos George Washington (1789-1797), que es obra del popular retratista Gilbert Stuart y que inspiró el diseño del billete de un dólar, se subastó por 3 millones de dólares en la sede de la casa Christie’s en Nueva York superando tres veces los montos previstos.Una persona observa el retrato del expresidente de Estados Unidos George Washington (1789-1797) hecho por el artista Gilbert Stuart (1755-1828), este jueves Nueva York (Estados Unidos). EFE/ Ángel ColmenaresUna persona observa el retrato del expresidente de Estados Unidos George Washington (1789-1797) hecho por el artista Gilbert Stuart (1755-1828), este jueves Nueva York (Estados Unidos). EFE/ Ángel Colmenares

    La pintura al óleo, en la que el primer presidente del país viste una camisa de volantes y mira al pintor con semblante serio, superó el precio estimado (entre 500.000 y 1.000.000 de dólares) tras una puja encarnizada que acabó con aplausos y vítores por parte del público.

    La pieza había captado el interés de la prensa al ser uno de los más de cien retratos de Stuart que sirvieron como modelo para crear la imagen de Washington que aparece en el billete de un dólar.

    También revalorizó el cuadro el hecho de que el expresidente James Madison encargó la obra a Stuart en 1804, mientras ocupaba el cargo de secretario de Estado bajo la administración de Thomas Jefferson.

    Otras piezas históricas

    Este dato ha tenido «gran repercusión» y ha llamado la atención de nuevos compradores», según dijo Marta Willoughby, consultora especializada en Christie’s, que antes de la venta esperaba que el cuadro superara su precio estimado.

    Según la entidad, la emblemática pintura «refleja la reverencia y el respeto» que le dieron a Washington «aquellos que lo conocieron mejor», y sirve además como muestra del «virtuosismo» de Stuart, uno de los retratistas más relevantes de su época.

    Stuart, que a lo largo de su trayectoria pintó a los seis primeros presidentes de Estados Unidos, es mayormente conocido por «The Athenaeum Portrait», un retrato inacabado de George Washington datado de 1796.

    El cuadro subastado, propiedad hasta ahora de la Universidad Clarkson (Potsdam, Nueva York), se vendió junto a otras 43 obras en la subasta ‘America at 250’, que celebra los 250 años de la independencia de Estados Unidos con piezas relacionadas de una u otra forma con la historia del país.Dólar billete Foto:CanvaDólar billete Foto:Canva

    En total, la subasta recaudó 35,5 millones de dólares y vendió el 96 % de las piezas, según un comunicado de Christie’s.

    Más allá del retrato de George Washington, en la subasta destacó una copia del segundo borrador impreso de la Constitución de Estados Unidos que alcanzó los 7,3 millones de dólares, así como una copia de la Declaración de Independencia que se vendió por 5,6 millones.

    Con información de EFE.

    Fuente: Clarín.com

  • El escritor mexicano David Toscana ganó el Premio Alfaguara 2026

    El escritor mexicano David Toscana acaba de ganar el XXIX Premio Alfaguara de Novela con una historia titulada El ejército ciego. El galardón, uno de los más importantes en habla hispana, le entregará 175.000 dólares, una escultura de Martín Chirino y publicará el libro el 22 de marzo de manera simultánea en todo el territorio de habla hispana.El escritor mexicano David Toscana ganó el Premio Alfaguara 2026. Foto: captura.El escritor mexicano David Toscana ganó el Premio Alfaguara 2026. Foto: captura.

    Un jurado estuvo presidido por el escritor mexicano Jorge Volpi, Premio Alfaguara de novela en 2018 por Una novela criminal, y conformado además por la escritora argentina Agustina Bazterrica, la escritora mexicana Brenda Navarro, la scout y programadora cultural (Finestres, Cataluña), Camila Enrich , el periodista y director de Página Dos (RTVE), Óscar López, y la directora editorial de Alfaguara, Pilar Reyes (con voz pero sin voto).

    Esta convocatoria se ha caracterizado por su extraordinaria participación de autores y autoras. Se han recibido 1.140 manuscritos, de los cuales 524 han sido remitidos desde España, 171 de Argentina, 169 de México, 109 de Colombia, 62 de Estados Unidos, 49 de Chile, 34 de Perú y 22 de Uruguay.https://cd87c279e89f106366eccc3eb05f407d.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Sin embargo y pese a que más de 600 libros llegaron desde América Latina, los medios americanos fueron excluidos de la ronda de prensa con el autor ganador y solo pudieron hacer preguntas los periodistas que estaban esta tarde en Madrid.El escritor mexicano Jorge Volpi anuncia a David Toscana como ganador del Premio Alfaguara 2026. Foto: captura.El escritor mexicano Jorge Volpi anuncia a David Toscana como ganador del Premio Alfaguara 2026. Foto: captura.

    El año pasado, el ganador fue Guillermo Saccomano con Arderá el viento, una oscura novela situada en un pueblo de la costa argentina que, según explicaba el autor, gira en torno al sexo, el dinero y el poder. Antes ganaron el Alfaguara autores como Sergio del Molino, Pilar Quintana, Guillermo Arriaga, Patricio Pron, Ray Loriga, Juan Gabriel Vásquez, Laura Restrepo, Tomás Eloy Martínez, Elena Poniatowska, Clara Sánchez o Manuel Vicent.

    David Toscana nació en Monterrey, México en 1961. Es autor de Estación Tula, Lontananza, Duelo por Miguel Pruneda, Santa María del Circo (considerada uno de los mejores libros del 2002 por Publisher’s Weekly y adaptada al cine y al teatro en Brasil); en Alfaguara ha publicado las novelas: Los puentes de Königsberg, El ejército iluminado (premio José María Arguedas, otorgado por Casa de las Américas), El último lector (premios Antonin Artaud y José Fuentes Mares), por estas dos últimas fue además dos veces finalista del Premio Rómulo Gallegos; y La ciudad que el diablo se llevó. Su obra se ha traducido a catorce idiomas. Formó parte del International Writers Program de la Universidad de Iowa y del Berliner Künstlerprogramm.

    Fuente: Clarín.com

  • PROA reúne obras de gran escala que salen de los depósitos al espacio público

    Obras que se apropian del espacio por su monumentalidad se exhiben en Fundación PROA bajo la curaduría de Francisco Lemus. El orden imposible del mundo reúne un conjunto de trabajos que se despliegan y apoderan de las salas como forma de resistencia: en tiempos de cambio, las grandes piezas de arte se aferran al territorio para permanecer.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.

    Las obras exhibidas forman parte en su mayoría de grandes colecciones privadas que muchas veces, por el tamaño de éstas, quedan en depósitos y pocas veces ven la luz. Entre los acervos más importantes que prestaron obra para esta exhibición figuran las colecciones Balaz, Oxenford y Cherñajovsky.

    “Muchas obras de gran formato están en los cajones de las colecciones, son todas obras que no están en las casas de los coleccionistas, pero que ellos van comprando y nos pareció que es un gran homenaje reconocerles ese gesto de colaboración con los con los artistas”, sostiene la directora de PROA, Adriana Rosenberg.https://31aa2dbe996dfbbe4aa4b9f86022ca1a.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

    Obras de depósitos

    Pero detrás de la idea de sacar a la luz obras de depósitos estaba también el pensamiento de Lemus, uno de los curadores más prolíficos de su generación.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.

    “Nuestra idea era pensar cómo el arte contemporáneo también es un laboratorio para pensar la cultura, para pensar el mundo y cómo el mundo actual, con tantas transformaciones políticas, sociales, económicas, implica un desafío al momento de generar una estabilidad o generar un orden. Y vimos cómo los artistas de diferentes generaciones, pero activos desde los últimos veinte años aproximadamente, están implicados en generar una poesía, generar una imagen sensible de esas transformaciones o de esa inestabilidad que nos brinda el mundo y nuestra vida cotidiana”, explica el curador.

    Las obras se agrupan a lo largo de cuatro salas con pocos hilos conductores en cada una de ellas, una operación adrede para darle la libertad al visitante a que proponga sus propias clasificaciones. Sin embargo, comparten algunos elementos como las instalaciones de Martín Legón, La fenomenología, y Any Moment Now… (Spring) de Valeska Soares donde el tiempo y el archivo son abordados no como algo pasado e inmutable, sino como un espacio en movimiento que habilita nuevas lecturas del pasado y del presente.

    En una segunda sala las obras seleccionadas por Lemus se pueden leer como una ocupación de la vía pública. El espacio se ordena a partir de la instalación de la brasileña Rivane Neuenschwander At a Certain Distance (Public Barriers), inspirada en las barreras urbanas que aparecen en la vía pública ya sea para impedir el paso a una propiedad privada o como protección ante una obra en construcción.

    Cada vez que se emplaza la obra adquiere un nuevo diseño modificando el andar de las personas o proponiendo recorridos por los espacios de exhibición. A Neuenschwander la rodean obras de Amalia Pica, Elena Dahn –una obra sin título con la que inició su serie de performances donde el látex se expande y cubre paredes a partir de los movimiento de su cuerpo– y Juane Odriozola.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.

    En tercer lugar, la joya de la corona: PROA trae a La Boca Teatro de la desaparición, el proyecto escultórico que Adrián Villar Rojas exhibió durante un año en el rooftop del Met Museum de Nueva York y que hoy es parte de la colección Balanz.

    Un año investigando

    El artista trabajó un año investigando las colecciones del museo, observando el origen de cada pieza patrimonial y reparando en aquellas que eran de difícil catalogación, tanto que a veces quedaban en el limbo de los inventarios. El Met confió en Villar Rojas y le permitió realizar calcos de algunas de esas obras para producir esculturas híbridas, mezclando cuerpos, fragmentos, utensilios y piezas de distintas épocas y culturas.

    “En la conversación con Adrián, –recordó Lemus– él me señaló fuertemente que el subtexto es cierta crítica institucional a este museo enciclopedista universal. Es por eso que se combinan obras con artefactos culturales de todos los orígenes, donde conviven también lo contemporáneo con el pasado”.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA. Foto: gentileza PROA.

    Por último, PROA y Lemus invitaron a Diego Bianchi para curar y diseñar la cuarta y última sala de la exhibición. El artista rompió con la idea de cubo blanco, incorporó paneles con pasadizos, rompió durlocks y hasta por momentos limitó el espacio de circulación. Creó una pequeña exhibición dentro de otra al invitar a distintos artistas a que sus trabajos dialoguen con los propios hasta caer en la falsa ilusión de que se trata de obras todas realizadas por el mismo Bianchi.

    Aquí la monumentalidad queda atrás y se exhiben objetos y esculturas de pequeño y medio tamaño, hechas con materiales urgentes y cotidianos, algunas con técnicas con casi un siglo de antigüedad, como el collage y el ready made, pero que siguen tan vigentes en la actualidad.

    El orden imposible del mundo se puede visitar en Fundación PROA (Av. Don Pedro de Mendoza 1929), de miércoles a domingo, de 12 a 19, hasta marzo 2026.

    Sobre la firma

    Belén Papa OrfanoBelén Papa Orfano

    Editora de la sección Último MomentoBio completa

    Fuente: Clarín.com

  • La Basílica de San Pedro cumple 400 años y lo celebrará recordando a sus magníficos artistas

    La Basílica de San Pedro fue consagrada hace cuatro siglos, el 18 de noviembre de 1626, por el papa Urbano VIII Barberini. Para conmemorar el cuarto centenario de la Dedicación de este lugar sagrado, símbolo del cristianismo, la Fundación Música per Roma dedica el ciclo Lecciones de Arte a la nueva basílica vaticana.La Basílica de San Pedro tiene obras de Bramante, Rafael, Antonio da Sangallo, Baldassarre Peruzzi, Miguel Ángel Buonarroti, Giacomo Della Porta, Domenico Fontana, Carlo Maderno y Gian Lorenzo Bernini. Foto: archivo Clarín.La Basílica de San Pedro tiene obras de Bramante, Rafael, Antonio da Sangallo, Baldassarre Peruzzi, Miguel Ángel Buonarroti, Giacomo Della Porta, Domenico Fontana, Carlo Maderno y Gian Lorenzo Bernini. Foto: archivo Clarín.

    El ciclo constará de cinco eventos, uno por mes, del 11 de enero al 31 de mayo, a las 11:00 en el Parco della Musica, Teatro Studio Borgna. El 400 aniversario de la Dedicación es un aniversario importante que también podría estar vinculado a la finalización de la construcción de la basílica de Constantino, que, según una tradición incierta, fue terminada en el año 326 por el papa Silvestre.

    Tras 1200 años, la antigua basílica mostraba signos de fragilidad estructural, por lo que ya a mediados del siglo XV, los sumos pontífices consideraron la construcción de una nueva iglesia.https://a2c147719dbe2e5938057c0702af4ce2.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.htmlImagen del fresco 'La Creación', realizado por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. (Foto: AP)Imagen del fresco ‘La Creación’, realizado por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. (Foto: AP)

    Una aventura artística

    El 18 de abril de 1506, el papa Julio II colocó la primera piedra del nuevo Templo Vaticano: así comenzó una aventura artística y espiritual sin precedentes, una empresa que duró más de un siglo y que condujo a la demolición progresiva de la basílica constantiniana y medieval.

    Ningún otro monumento en el mundo se ha beneficiado de las contribuciones de tantos arquitectos ilustres como la nueva Basílica de San Pedro: Bramante, Rafael, Antonio da Sangallo, Baldassarre Peruzzi, Miguel Ángel Buonarroti, Giacomo Della Porta, Domenico Fontana, Carlo Maderno y Gian Lorenzo Bernini.La Piedad, escultura renacentista atribuida a Miguel Ángel Buonarroti, creada entre los años 1499 y 1500. Foto: archivo Clarín.La Piedad, escultura renacentista atribuida a Miguel Ángel Buonarroti, creada entre los años 1499 y 1500. Foto: archivo Clarín.

    De hecho, el genio italiano Miguel Ángel Buonarroti vivió los últimos 17 años de su vida, es decir desde enero de 1547 hasta el 18 de febrero de 1564, en un cuarto de la Basílica de San Pedro, según certifica un documento del Archivo de la Fábrica de San Pedro.

    Una lista de gastos de 1557, donde aparece el pago por la llave de un arcón para una habitación a nombre del artista, es el documento que demuestra el alojamiento del genio renacentista dentro del Vaticano, declara María Cristina Carlo-Stella, jefa de la Fábrica de San Pedro (organismo encargado del mantenimiento del templo) al diario ‘La Repubblica’.

    Las cinco conferencias guiarán al público a través de los diferentes momentos de la historia del Templo Vaticano.

    La antigua Basílica del siglo IV, construida por el emperador Constantino, será ilustrada en la primera conferencia del profesor Paolo Liverani, catedrático de Topografía Antigua y miembro de la Accademia dei Lincei.El papa Alejandro VII, nacido Fabio Chigi, fue el papa reinante de 1655 a 1667. Uno de los monumentos más famosos de la Basílica de San Pedro, el Monumento al Papa Alejandro VII, fue obra del legendario artista Bernini. Foto: archivo Clarín.El papa Alejandro VII, nacido Fabio Chigi, fue el papa reinante de 1655 a 1667. Uno de los monumentos más famosos de la Basílica de San Pedro, el Monumento al Papa Alejandro VII, fue obra del legendario artista Bernini. Foto: archivo Clarín.

    El 8 de febrero, el profesor Pietro Zander, jefe de la sección de Necrópolis y Patrimonio Artístico de la Fabbrica di San Pietro, profundizará en la presencia de Bernini en San Pedro.

    El 22 de marzo, la directora de los Museos Vaticanos, Barbara Jatta, abordará el tema «Bernini en el Vaticano: un artista al servicio de los papas durante más de 50 años». El 19 de abril, la profesora Nicoletta Marconi revelará la historia tras bambalinas de la construcción de la Basílica durante el Barroco.

    El ciclo concluirá el 31 de mayo con una charla dedicada a las obras romanas de Bernini y Borromini.

    El arte al servicio de dios

    La Basílica de San Pedro es una de las iglesias más importantes de Roma, pero además ha hecho del arte un lenguaje de comunión con la espiritualidad. Edificada en el lugar en el que se cree que San Pedro fue asesinado y enterrado por el emperador Nerón, la edificación pone en diálogo los estilos arquitectónicos bizantinos y romanos. Al elemento arquitectónico se suman sus mosaicos de mármol, pinturas, tapices y columnas.La Confessio en la Basílica de San Pedroes un pequeño pero gran altar diseñado por Carlo Maderno entre los años 1615 y 1617. Foto: archivo Clarín.La Confessio en la Basílica de San Pedroes un pequeño pero gran altar diseñado por Carlo Maderno entre los años 1615 y 1617. Foto: archivo Clarín.

    Uno de los elementos inolvidables de la Basílica de San Pedro es la cúpula, diseñada por Miguel Ángel y terminada en 1590. Es una de las más grandes del mundo y puede verse desde muchos lugares de las regiones circundantes. Sostenida por cuatro grandes pilas que fueron ejecutadas según el diseño de Bramante antes de que Miguel Ángel se hiciera cargo de ellas, el interior fue pintado por artistas como Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y el propio Miguel Ángel.

    También se debe a Miguel Ángel la escultura renacentista La Piedad, esculpida entre los años 1499 y 1500 sobre un único bloque de mármol de Carrara. Fue una de las obras más tempranas y destacadas del artista y aunque creó muchas más piezas con el mismo tema, La Piedad fue la primera de este tipo.Baldacchino de Bernini en la Basílica de San Pedro, fue diseñada por Bernini y terminado en 1633. Foto: archivo Clarín.Baldacchino de Bernini en la Basílica de San Pedro, fue diseñada por Bernini y terminado en 1633. Foto: archivo Clarín.

    Otras piezas notables son el Altar Papal, en el centro de la Basílica, diseñado por Bernini para ser un ábside que contuviera otro elíptico mucho más pequeño, llamado «Altar de la Cátedra»; el Baldacchino de Bernini, una enorme estructura de bronce fue diseñada por Bernini y terminada en 1633 que está formado por cuatro columnas de 12 metros de altura cada una, adornadas con capiteles corintios. Está hecha de 700 kg de bronce y dorada en oro, que fue donada por el rey Enrique IV de Francia.

    Son muchas otras las piezas canónicas ya que la Basílica de San Pedro está repleta de obras de arte de estilo renacentista y barroco. La iglesia consta también de muchos mosaicos y vidrieras, una de las cuales se encuentra sobre la Cátedra de San Pedro y representa a la paloma como Espíritu Santo. Aunque muchos artistas participaron en la creación de las obras de arte del interior de la Basílica, las obras de Bernini, Maderno y Michelango destacan entre el resto.

    Con información de Ansa.

    Fuente: Clarín.com

  • La trabajosa reducción del riesgo país

    La reducción del riesgo país es un proceso lento y no exento de sobresaltos en una economía que arrastra una historia de desequilibrios e incumplimientos. Corregir esta memoria requiere un largo tiempo de orden, solidez macroeconómica y respeto por las instituciones y los compromisos contraídos. El riesgo país es una medida utilizada internacionalmente para calificar la responsabilidad de un país en el cumplimiento de sus compromisos y en general en el respeto al Estado de Derecho. Es así, aunque ese índice se apoya en datos surgidos de los mercados financieros. Formalmente el riesgo país se mide por la diferencia entre la tasa de interés que debe pagar el gobierno del país en cuestión para colocar sus títulos públicos y el interés que pagan internacionalmente bonos considerados exentos de riesgo. Se expresa en “puntos básicos” que son centésimas de puntos porcentuales. Un 1,0% son 100 puntos básicos. El factor determinante es la mayor o menor confianza en que finalmente el gobierno emisor cumplirá con sus pagos. La duración remanente del título o sea la distancia de la fecha del pago influye en esa diferencia. En un corto plazo el factor determinante de la confianza es la disponibilidad suficiente de reservas de la moneda de pago. En el largo plazo la confianza se apoya más en la calidad y seriedad de las instituciones y en el respeto al Estado de Derecho y la propiedad. En el índice de riesgo país aceptado internacionalmente están combinados los plazos cortos y largos y ambas motivaciones.

    La fuerte reducción del riesgo lograda durante el primer año de la gestión de Javier Milei encontró un piso que ahora está costando perforar en los comienzos de su tercer año. El gobierno de Alberto Fernández terminó con un riesgo país de 2500 puntos básicos. Doce meses después, en enero de 2025 había descendido a 561. Se había logrado el equilibrio fiscal y la inmensa deuda arrastrada por el Banco Central parecía manejable. Sin embargo, la tendencia declinante se detuvo y a lo largo del año 2025 se observaron altibajos en ese índice. A partir de febrero de 2025 el mercado de cambios se hizo tendencialmente demandado y el Banco Central se vio necesitado de intervenir vendiendo reservas y enfrentando un gradual incremento de la tasa de interés para evitar un aumento del tipo de cambio. El gobierno privilegiaba la reducción de la inflación. Pero la pérdida de reservas no solo preocupaba al Fondo Monetario Internacional, sino también erosionaba la confianza. A principios de abril del pasado año el riesgo país había subido a 978 puntos básicos. Fue entonces que el Gobierno decidió levantar el cepo cambiario y dejar flotar la cotización del dólar dentro de una banda entre 1000 y 1400 pesos. Estos límites se moverían hacia abajo y hacia arriba, respectivamente, a un ritmo de 1% mensual. Milei se comprometió a mantener a rajatabla el equilibrio fiscal y por lo tanto a no emitir pesos con ese fin. A esto se agregaría la facilitación impositiva del uso de dólares de particulares, ahorrados y no declarados, en línea con lo que se dio en llamar la “dolarización endógena”. El riesgo país descendió a 700 puntos básicos y se mantuvo en ese entorno hasta agosto de 2025. Contra la expectativa del Gobierno de que el tipo de cambio tendiera al mínimo de la banda, ocurrió lo opuesto y nuevamente se frustró la acumulación de reservas. Por otro lado, un manejo criticable de la renovación de títulos y un fuerte aumento de la tasa de interés, provocaron un impacto recesivo y dieron lugar a la percepción de que sería inviable esa política y que se caminaba hacia una devaluación. El riesgo país aumentó alcanzando los 1200 puntos. El 7 de septiembre, el partido de gobierno, La Libertad Avanza, fue claramente derrotado en las elecciones legislativas de la provincia de Buenos Aires. La fortaleza política del gobierno nacional resultó muy afectada, El riesgo país trepó a 1456 puntos básicos. Fue entonces cuando el gobierno de los Estados Unidos comprometió su asistencia que tomó forma creíble y concreta en vísperas de las elecciones legislativas nacionales del 26 de octubre cuando el oficialismo triunfó con gran claridad y se desdibujó la hipótesis de un eventual retorno del peronismo-kirchnerismo al gobierno de la Nación. Con el respaldo estadunidense también se disipó la probabilidad de un default. Se encontró la oportunidad de una mayor flexibilización de la regla cambiaria. Los fuertes vencimientos de enero se han podido cubrir y el Banco Central ha acumulado un neto de más de 700 millones de dólares en lo que va de este año. El índice de riesgo país descendió a 550 puntos, para continuar oscilando en las últimas semanas alrededor de esa cifra, pero se resiste a disminuir. El riesgo de corto plazo ha pasado a perder significación, pero lo que dificulta reducir el riesgo argentino a niveles que no debieran ser más altos que los de Uruguay, Chile o Brasil son las percepciones de largo plazo. ¿Se puede borrar de la memoria la ovación al default de la Asamblea Legislativa? ¿Se puede asegurar que el actual gobernador de la provincia de Buenos Aires no alcance algún día el poder nacional para hacer, como él promete, todo lo opuesto a lo que haya hecho Milei? Otro factor de incertidumbre es que actualmente la conducción del Gobierno tiene un carácter más personal que institucional.

    También genera dudas sobre el futuro la dificultad de la aprobación legislativa de las reformas de fondo, tan necesarias para consolidar la situación fiscal y para lograr inversión, competitividad y crecimiento. La falta de una confianza más sólida debilita también el consumo. Es evidente que la Argentina real necesita tiempo y contundencia para consolidar la transformación. Es imprescindible que esta se base en instituciones más que en personas y que se sostenga por el tiempo suficiente para que la confianza surja de la memoria y no al revés. La confianza es un edificio cuya solidez depende de sus cimientos. En una sociedad organizada esa solidez debe tener un sustento cultural y una aceptación consciente y mayoritaria de las reglas que hacen compatible la democracia y la libertad con una economía ordenada. La resistencia del índice de riesgo país a reducirse nos está diciendo que la Argentina aún deberá mostrar pruebas más contundentes. Deberían tomar conciencia de esto los legisladores, los gobernadores, demás líderes políticos y los dirigentes sindicales. Esta gestión de gobierno ha entrado en la etapa de las reformas de fondo, cuya lectura y procesamiento no admite visiones sectoriales ni cortoplacistas.

    Fuente: La Nación