Categoría: Entretenimiento

“La nena que salta en la foto de tapa soy yo. Mi papá me llevó a una publicidad de los zapatos Sandy y Scarpino. Lo recuerdo por haber compartido con él ese lindo momento y ese ‘minuto de fama’. La de la contratapa también soy yo, con el corte de pelo que me hacían de chica, a lo Carlitos Balá. Así que ambas imágenes representan, como el libro, parte de mi infancia”.

Habla Mónica Breitman (69), psicóloga, autora del libro ¿Qué hacían los niños cuando no existía la tecnología?

La obra es una edición de autor, de tapa dura, preciosa, en la que jugar es lo importante como en toda infancia, aunque dado el imperio de las pantallas, haga tanta falta subrayarlo.

El trabajo, ilustrado por Cecilia Gerpe, trata de cómo Breitman y tantos jugamos a las bolitas, los palitos chinos, el elástico, el poliladron, la generala, el veo veo, la rayuela, el tutti frutti, el pisa pisuela… y sigue la lista.Tapa. El valor del libro es 19.990 pesos.

Muchos son juegos clásicos que, como tales, se renuevan. Otros viven, sobre todo, en los recuerdos (al menos hasta que uno lee este trabajo). Pero todos tienen la capacidad de llevar a los lectores a momentos de aventuras, descubrimientos, desafíos y alegrías, sin celular a la vista.

Ojo: ¿Qué hacían los niños cuando no existía la tecnología? no es un compendio dedicado a la nostalgia. Al contrario. La idea es animar a chicos e incluso a los adultos a seguir jugando.

No es todo. Breitman cuenta que, en principio, hizo el libro para regalar, pero sus hijas le dieron una idea mejor.Contratapa. Mónica Breitman, de chiquita. Gentileza Mónica Breitman.

¿Qué hacían los niños cuando no existía la tecnología? vale 19.990 pesos y lo recaudado se destina a la Fundación Cherry Breitman para personas con discapacidad, donde Mónica busca continuar el legado de su mamá, multipremiada por su trabajo en ese ámbito.

El libro se puede pedir a través del Instagram de la fundación: @cherrybreitman_fundacion

Del audio a la cursiva

“Hace años que no me dedico a trabajar como psicóloga porque decidí dirigir una empresa familiar y jamás se me había ocurrido escribir un libro”, dice Breitman a Clarín Cultura.

Pero hace poco más de un año la idea apareció mientras ella caminaba por la playa. “Lo que te voy a decir puede sonar contradictorio con lo que escribí. Pero tomé mi celular y empecé a grabar ideas para el libro mientras paseaba”, señala.

“Al llegar a Buenos Aires, de vuelta de las vacaciones, transcribí todo con letra cursiva en un Cuaderno Arte de los antiguos, a la vieja usanza. Primero puse la dedicatoria y el prólogo, donde está lo que siento y la razón por la que me decidí a publicar”.

“Cuando yo era chica y ya habiendo radio y televisión pero con horario restringido, nuestros juegos y diversión tenían mucho más que ver con la interacción humana. Hoy soy abuela de dieciseis nietos y veo cómo la tecnología actúa como ‘chupete’ para los niños”, escribió Breitman en el prólogo.

“Lamento cómo se pierden momentos preciosos de interacción, de intercambio de cariño, conocimientos y experiencias”, agregó.Ilustración. De Cecilia Gerpe. Gentileza:Mónica Breitman

Aprender a vivir

-¿Cómo fue la escritura?

Breitman: -Empecé primero con los títulos de todos los juegos que me acordaba que jugaba. Hice una descripción de cada juego y un breve comentario sobre su valor pedagógico. Por ejemplo, si jugás a la maestra, te sirve para aprender las letras, los números, etcétera. Si jugás a las cartas, te sirve para aprender sumar y organizar estrategias. Y si hacés alguna actividad de tipo deportiva, como saltar la soga, es útil a nivel motriz.

–Contás cómo jugabas cada juego y qué otras posibilidades había, pero también dejaste un espacio en blanco para que complete el lector. ¿Por qué?

-A mí no se me pueden ocurrir todos los juegos del mundo, al margen de una cuestión técnica que tiene que ver con la extensión del libro. Así que me pareció bueno que cada papá, mamá, abuelo, abuela pueda sumar sus experiencias y dejárselo a modo de diario a sus nietos o a sus hijos.

-¿Dirías que es un libro para grandes?

-Está dirigido a chicos y adultos. Cada uno lo va a leer desde su lugar. A mí me pasa eso, por ejemplo, con El Principito: lo releo y siempre encuentro algo nuevo. Las ilustraciones sí están pensadas para chicos.

-Es un tema de estudio y de debate, pero ¿cómo evaluás la influencia de la tecnología en los chicos?

-Es realmente preocupante ver la cantidad de problemas de ansiedad, generados, sobre todo, por la inmediatez. Los chicos quieren todo ya. Les cuesta mucho esperar, desarrollar tolerancia a la frustración. Pero insisto en que no reniego de la tecnología, yo la uso. Sí busco rescatar lo que nos está quitando y vale la pena, y ayudar a entender lo importante que es dosificarla.

–Juegos de chiquita, fotos y apuntes en cursiva. ¿Cómo fue “viajar” a la infancia para escribir?

-Entre lo más emotivo estuvo elegir las fotos de la tapa y la contratapa porque tuve que ir al cajón donde las guardaban mis padres, que ya no están en este plano pero siguen conmigo. Busqué las fotos de lo que yo recordaba como momentos de gran felicidad. Así que te diría que fue también muy gratificante. También son gratificantes muchos mensajes que recibo por el libro. Me emocionó alguien que me dijo: “Se ve que tuviste una infancia muy feliz”. Es así. Mi infancia fue muy feliz y lo quiero rescatar. Con el libro me divertí. ¡Hasta me permití hacerme un poco la filósofa!

“Los palitos chinos son como la vida misma (…) De eso se trata la vida, de mover con delicadeza distintas piezas, esperando que ese movimiento implique un bien mayor”, escribió, por ejemplo.

Lo mismo podría decirse de su libro.

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Sobre la firma

Judith Savloff

Editorajsavloff@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

El regreso a España desde Francia de la Dama de Elche, hace ahora 85 años, no fue una devolución incondicional, sino un intercambio de obras de arte gestionado por el régimen del dictador Francisco Franco y el gobierno colaboracionista francés de Vichy durante la Segunda Guerra Mundial.La Dama de Elche en el Museo Arqueológico Nacional. EFE/Archivo

España entregó un retrato de Velázquez, una obra de El Greco, un tapiz de Goya y otras piezas, a cambio de la Dama de Elche, una de las obras escultóricas más célebres del mundo, datada entre los siglos V-IV a.C., clave para entender la cultura ibérica. Francia también devolvió un cuadro de Murillo y tesoros visigodos.

El Gobierno español de entonces lo publicitó como si fuera un rescate o una devolución, pero lo cierto es que fue un importante intercambio de piezas artísticas de gran valor, explicó la ayudante de museo del Departamento de Protohistoria y Colonizaciones del Museo Arqueológico Nacional (MAN), Esperanza Manso.

Servicio de recuperación artística

A principio de los años 40 del siglo XX, España crea un servicio de recuperación artística para localizar y recuperar todas las piezas que habían salido durante la Guerra Civil (1936-1939) y en los años anteriores, fruto de la desprotección de las obras españolas.La Dama de Elche en el Museo Arqueológico Nacional. EFE/Archivo

La negociación con Francia se plantea desde el primer momento como un intercambio de piezas. España elabora un gran listado con las obras que pretende recuperar; entre ellas la Dama de Elche y otras piezas de arte íbero que habían salido de España sin protección alguna.

Bien porque habían sido compradas por los arqueólogos franceses, como la Dama de Elche, por la que se pagaron unas 5.000 pesetas, precisa Manso, o bien porque los arqueólogos Pierre Petit y Arthur Engel se compraron los terrenos en los que estaban excavando, de modo que cualquier hallazgo era automáticamente de su propiedad.

Tras muchas negociaciones, España entregó a Francia el retrato de Mariana de Austria, de Velázquez; un Greco «a escoger» y una porción de la tienda de campaña de Francisco I de Francia cuando fue capturado por Carlos I de España en la batalla de Pavía (1525).

Finalmente, el Greco escogido fue un retrato del político Antonio Cánovas y, en vez de la mitad de la tienda de Francisco I, se envió el tapiz de ‘La riña en la venta nueva’ de Goya.

En octubre de 1940 llegó a España la ‘Inmaculada’ de Murillo, considerada «la imagen más perfecta de la Patrona de España» y una de las obras más reclamadas, además de unas 60 cajas con obras de arte que los republicanos españoles habían trasladado a Francia.

Por fin, en febrero de 1941, llegó a España la Dama de Elche y un buen número de piezas íberas y, en 1943, parte del Tesoro de Guarrazar, pero «no todo, aún quedan bastantes piezas del tesoro en Francia», precisa Manso.

44 años en Francia

La Dama había pasado 44 años en Francia, primero en el Museo del Louvre y, durante la II Guerra Mundial, en el Castillo de Montauban, donde fue enviada junto a otras piezas de gran valor desde el Louvre para protegerlas.

Cuando se cumplen 85 años de su regreso a España, la Dama se encuentra rodeada de diez esculturas íberas prestadas por el Museo del Louvre para la exposición Diálogos de escultura ibérica. El Museo del Louvre en el Museo Arqueológico Nacional, una muestra que podrá verse hasta el 10 de mayo.La Dama de Elche en el Museo Arqueológico Nacional. EFE/Archivo

Se trata de un conjunto de obras que estuvo expuesto en París hasta 1936 y ha permitido el «reencuentro» de parejas, conjuntos y series escultóricas del mundo ibérico peninsular de ambos museos.

«Son como las hermanas que faltaban de los monumentos que ya tenemos aquí en el Museo Arqueológico Nacional», explicó Manso.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Después de quince años, ocho novelas y 4,5 millones de ejemplares de vendidos, Juan Gómez-Jurado deja atrás el universo de ‘Reina Roja’ con Mentira, una novela de misterio y acción trepidante que transcurre en una remota aldea del norte de España y condensa «el espíritu» de un siglo XXI marcado por la polarización y la manipulación.El escritor Juan Gómez-Jurado. EFE

«La polarización siempre es interesada», afirmado el escritor (Madrid, 1977) en una entrevista a pocas horas del lanzamiento de la novela, que sale con una tirada inicial de 150.000 ejemplares y que llegará también en las próximas semanas a todos los territorios de habla española.

Mentira (Ediciones B) es un artefacto mutante que, en torno a un mismo personaje, una mujer llamada Eva Ramos que se define como «mentirosa profesional» y trabaja solucionando problemas no precisamente legales, transita por distintos subgéneros en cuatro partes diferenciadas.https://b486c69f7b06b43932cf889f4090269b.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Empieza como ‘thriller’ adrenalínico puro, después se transforma en una historia de supervivencia y, por último, en una trama detectivesca clásica estilo Agatha Christie, donde se trata de encontrar al culpable. Pero la más importante es la cuarta, que sobrevuela el conjunto, «una historia de descubrimiento» en la que la protagonista explica cómo aprendió las «siete normas de la naturaleza humana».

Manipulación de los sesgos

«Lo que hace Eva es comprender cómo funciona la manipulación de los sesgos de atención», señala el autor, que dice haber estudiado el tema en profundidad y su relación con las redes sociales. «La manipulación es más útil cuanto más variados sean los estímulos que utiliza», insiste.

«Si todo fuera ‘ragebait‘ (cebo de ira), te cabrearías mucho y tirarías el móvil por la ventana, pero si te alternan un gatito con una historia de un grupo social que desprecias y un vídeo de alguien cayéndose por unas escaleras de forma muy graciosa, estás recibiendo una recompensa artificial tan dañina como beberte tres latas de Coca-Cola«, explica.

«Nuestro cuerpo no está preparado para eso», sostiene, «si no estamos preparados para procesar el azúcar refinado con el que llevamos muchos siglos, imagínate una cosa que inventamos hace 18 años».

Sobre los planes del Gobierno español de limitar el acceso de los menores a las redes sociales, el autor recuerda que los hijos de los grandes magnates de Silicon Valley estudian en escuelas sin pantallas: «En el mundo que viene, la capacidad diferenciadora no va a ser saber utilizar un ordenador muy bien, sino ser capaz de tener una mente ordenada y que no se deje atrapar por la dopamina del ‘scroll’ infinito».

En la trama de Mentira no hay redes sociales. En buena parte de ella, la que transcurre en una aldea ficticia de montaña ubicada en Somiedo (en la región de Asturias), ni siquiera hay cobertura de telefonía móvil. Lo que sí hay son rencillas, disputas y bandos y el propósito de descubrir el origen de esa fractura.

Vocación comercial

Gómez-Jurado se define como un autor con vocación comercial, que quiere divertir al lector pero también hacerle pensar y plantearle retos. «Los libros te tienen que interpelar, tienen que ser divertidos, interesantes y hablarte a ti», señala. «Y tienes que generarle al lector la sensación de que lo que sucede es absolutamente único e inevitable».El escritor Juan Gómez-Jurado. EFE/ Borja Sanchez-trillo

Sus modelos son más Gillian Flynn o Joyce Carol Oates que Ken Follett o Ágatha Christie. Para escribir Mentira dice haber dinamitado todo posible esquema previo. «La experiencia te da músculo pero no un mapa», asegura.

Se apoya en un narrador no confiable que miente desde la primera frase y hasta la última línea no se descubre por qué. El libro está lleno de trampas, incluidas las numerosas referencias de cine clásico que menciona.

En las citas que introduce al comienzo de cada una de las partes del libro mezcla frases de Bad Bunny, Aristóteles o la cantante española María Ostiz. «Mi cabeza funciona así, no existe la figura de autoridad», sostiene.

Si la primera trilogía de ‘Reina Roja’ tuvo su adaptación a serie, y la plataforma Prime Video ya ha anunciado que habrá película de la cuarta novela, Todo arde, Gómez-Jurado ha confirmado que ya está trabajando en una adaptación audiovisual de Mentira. «No puedo decir más».

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

Darío Lopérfido, un gestor trascendente de la cultura desde su juventud hasta sus cargos en la función pública, murió este viernes a los 61 años en Madrid.

Enfrentaba hoy una esclerósis lateral amiotrófica (ELA) después de ser diagnosticado hace poco más de un año.

Fue un político argentino y trabajó como secretario de Cultura y Medios de Comunicación de la Nación durante la presidencia de Fernando de la Rúa, director artístico del Teatro Colón, presidente de Ópera Latinoamérica y secretario y ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires durante el gobierno de Horacio Rodríguez Larreta.https://2d02f9b9d517e3935757ef9357471625.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

En 2025, Lopérfido grabó un programa de cinco episodios en los que entrevistó a al escritor Martín Caparrós que vive en Madrid y también tiene ELA; Cayetana Álvarez de Toledo, diputada española por el Partido Popular; Sergio Ramírez, el gran escritor nicaragüense, Premio Cervantes y ex vicepresidente de su país; Leopoldo López, líder opositor venezolano y activista por los derechos humanos, y sin poder todavía regresar a su país; y Yunior García, dramaturgo y disidente cubano, exiliado tras su participación en las protestas sociales de la isla.

«Siempre estoy interesado por el mundo de las ideas y por la defensa de la libertad», decía Lopérfido a Clarín desde Madrid.

Nació en Villa Urquiza y fue hijo de Ángel Lopérfido, obrero gráfico y delegado gremial en el periódico La Razón, quien fuera despedido del periódico al comienzo del Proceso. A los 16 años la situación lo obligó a dejar el secundario para pasar a trabajar en una agencia publicitaria como cadete. Años después pudo recibirse de abogado en la Universidad de Palermo.

Desde muy joven fue un apasionado por la actividad cultural. Dirigió el Centro Cultural Ricardo Rojas entre 1992 y 1999, fue Subsecretario de Extensión Cultural de la Ciudad de Buenos Aires, columnista en radio Mitre y en Radio La Red.Darío Loperfido, ex Secretario de Cultura en su programa entrevistando a Martín Caparrós.

Fue nombrado secretario de Cultura de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires por el jefe de Gobierno Fernando de la Rúa entre 1997 y 1999 y subsecretario de Acción Cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en el año 1996. Militó con Hernán Lombardi en el llamado «Grupo Sushi», que fue una de las usinas que nutrió al presidente Fernando de la Rúa.

Fue entonces que el presidente radical lo nombró secretario de Cultura y Comunicación de la Nación (con rango de ministro), luego secretario de Cultura y Medios de Comunicación.

En 1999 escribió junto a Alejandro Félix Capato el libro Derechos Culturales en el Mercosur; y Legislación Cultural en la Ciudad de Buenos Aires junto al mismo coautor. En febrero de 2015 fue designado director general y artístico de Teatro Colón por el Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires de entonces, Mauricio Macri, a quien respaldó en su candidatura presidencial de 2015.

En diciembre de 2015 fue designado ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires por Horacio Rodríguez Larreta y en julio fue elegido presidente de Ópera Latinoamérica. En julio de 2016, luego de manifestaciones y escraches de parte de militantes de derechos humanos y de trabajadores de la cultura, renunció al ministerio de Cultura porque le fue “agotador encarar simultáneamente tres tareas de semejante relevancia”

También protagonizó polémicas. En enero de 2016 en una entrevista con los periodistas Edi Zunino y Luis Majul, declaró que en la Argentina no hubo 30.000 desaparecidos durante la dictadura y que «se arregló ese número en una mesa cerrada» para «conseguir subsidios». Obviamente estalló un debate en diferentes sectores políticos y culturales. Por estas declaraciones, algunos personajes de la cultura y referentes de los Derechos Humanos se agruparon para solicitar su renuncia.

Finalmente renunció como ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y, a continuación, organismos de derechos humanos exigieron su renuncia al Teatro Colón. El 8 de febrero de 2017 decidió renunciar para trabajar en un organismo en Berlín.

Fuente: Clarín.com

Camino a la inauguración, se conocieron detalles de la 61ª Bienal Internacional de Arte de Venecia, la primera designada para ser dirigida por una mujer africana, aunque Koyo Kouoh falleció en 2025, justo un año antes de la apertura. Su propuesta curatorial, In Minor Keys (En claves menores), se mantuvo a través de un equipo de cinco personas que llevará sus ideas de intensa potencia poética, sus motivos y los artistas seleccionados a diferentes espacios de Venecia, entre el 9 de mayo y el 22 de noviembre.

Nacida en Camerún en 1967, Koyo Kouoh revaluó en su propuesta de toda la Bienal las relaciones humanas desde su casa. Si Occidente se ha extraviado, desde África llega el susurro que devuelve la autenticidad: una revelación que acerca a la Tierra, al cuerpo y los sentidos. La humildad y la intuición toman protagonismo.Siddhartha Mitter, Rasha Salti, Marie Hélène Pereira, Gabe Beckhurst Feijoo y Rory Tsapayi, durante kla presentación de la Bienal de Venecia 2026.

El trabajo se continúa a través de un equipo curatorial formado por la historiadora Gabe Beckhurst Feijoo, la curadora de Dakar Marie Hélène Pereira y la escritora canadiense Rasha Salti como asesores, el periodista Siddhartha Mitter y el investigador Rory Tsapayi.https://acc2a69021d5a7704252b3e925717b44.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Trabajaron el último año en poner en escena los trabajos 111 participantes invitados, entre ellos 105 artistas individuales y colectivos, y 6 organizaciones lideradas por artistas de diferentes geografías –hay varios latinoamericanos, ningún argentino– y claras referencias a la literatura de Toni Morrison (Beloved, 1987) y los Cien años de soledad (1967) de Gabriel García Márquez.Bienal de Venecia 2026

“Es una exposición impregnada de espíritu, de una sacralidad que devuelve a la persona, al ser humano, al centro de las cosas, redescubriendo el sentido de estar en el mundo al recuperar el sentido de la proporción con respecto a todos los elementos terrenales y al volver a mirar al cielo”, comentó Pietrangelo Buttafuoco, presidente de la Bienal de Venecia.

“La tonalidad menor, en música, alude tanto a la estructura de una canción como a sus efectos emocionales. Es una idea rica, tan rica que rápidamente desborda su definición técnica y se desborda de metáforas. Invoca estados de ánimo, la melancolía, la llamada y respuesta, la morna, el segundo verso, el lamento, la alegoría, el susurro”, escribió Koyo Kouoh en su texto curatorial.Bienal de Venecia 2026

Más que en secciones temáticas convencionales, la exposición se desarrolla a través de “corrientes subyacentes”: Santuarios, Procesiones, Encanto, Descanso espiritual y físico, “universos” artísticos concebidos como islas o llaves, y Escuelas. Entre ellas la comunidad experimental de Copenhague blaxTARLINES KUMASI, la residencia artística Denniston Hill en Nueva York, y la sorprendente experiencia Lugar a dudas, que el artista Óscar Muñoz fundó en Cali, Colombia.

Espacios que priorizan la relación sobre la jerarquía. “Señala ecosistemas y redes clave construidos y mantenidos por artistas, que transmiten un claro sentido de localismo y transnacionalismo en simbiosis generativa», afirmó Marie Hélène Pereira, en la conferencia de prensa.Matías Duville en su estudio de Buenos Aires. (Foto: Mariana Nedelcu).

El Pabellón Argentino

Monitor Yin Yang, la obra en la que Matías Duville trabaja para el Pabellón Argentino, comparte la potencia poética de estas ideas. Con curaduría de Josefina Barcia, el artista fue seleccionado para representar al país después de una polémica por el aporte estatal al proyecto. Lejos del ruido, la monumental instalación cubrirá el suelo del espacio de 500 metros cuadrados con un “dibujo” de sal y carbón, elementos naturales que aprendió a moldear en su experimentación con los materiales.

«Elegí la sal porque es una reducción de océanos antiguos, además de lagunas y lagos, mientras que el carbón es la reducción de antiguos bosques en compresión, y lo interesante es que no solo el dibujo puede cambiar en el proceso sino que la narrativa puede ir modificándose; ambos salen del adn de los materiales», expresó Duville en diálogo con Clarín.Obra de Matías Duville.

Una iluminación específica y la ambientación sonora de Centolla Society –la banda que el artista comparte con su hermano Pablo– conecta a su trabajo con el tema de la Bienal, que Duville llama «bajar un cambio», ir a lo esencial. «El proyecto tiene muchos acercamientos a ese estado de ánimo, desde lo sonoro, desde la iluminación y el manejo de los materiales.»

Los paisajes de catástrofe que identifican al trabajo de Duville adquieren en este espacio una nueva significación. “Es muy difícil pensar toda esta cuestión planetaria, es difícil abarcar con palabras. Pero en realidad está ocurriendo en distintos puntos del planeta y seguramente de la galaxia. Entonces, en vez de relajarnos y seguir ese flow natural, incluso pensando que nosotros somos naturales y estamos haciendo mierda algo que era hermoso”.Bienal de Venecia 2026

Más para saber

La bienal de arte más prestigiosa y antigua también incluirá en su programa instalaciones al aire libre, performances centradas en el cuerpo como espacio de conocimiento y memoria, y una procesión de poetas en los Giardini, inspirada en su caravana poética de 1999 de Dakar a Tombuctú.

La artista viva de mayor edad de la exposición, Mmakgabo Mmapula Helen Sebidi, nació en 1943, mientras que la más joven, Mohammed Z. Rahman, en 1997. Otros artistas invitados a exponer en la muestra incluyen a Otobong Nkanga, Torkwase Dyson, Wangechi Mutu, Alvaro Barrington y Tuấn Andrew Nguyễn. El artista australiano Khaled Sabsabi, presentará su trabajo en el pabellón australiano luego de un turbulento proceso de selección, también está incluido en la muestra principal.

Esta edición no se entregarán los Leones de Oro a la Trayectoria, ya que Kouoh no tuvo la oportunidad de definirlos.

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Sobre la firma

March Mazzei

Editora de la Revista Ñ/ sección Culturammazzei@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Son cinco, viven a miles de kilómetros y coinciden en dos cosas: la primera, todos escriben narrativa breve. La segunda, todos quieren ganar la IX edición del Premio Ribera del Duero, del que son finalistas y que entregará el 19 de marzo en Madrid los 25 mil euros de recompensa y la publicación de su libro inédito por la prestigiosa editorial Páginas de Espuma. Ellos son la argentina Sofía Balbuena, el guatemalteco Rodrigo Fuentes, la mexicana Aura García-Junco, la española Margarita Leoz y la peruana Claudia Ulloa Donoso.La argentina Sofía Balbuena es finalista de la IX edición del Premio Ribera del Duero. Fotos: Laura C. Vela, gentileza.

Si es meritorio encontrarse en esa lista corta, esta edición tiene el agregado de que la convocatoria estuvo cerca de duplicar la precedente de 2024: los organizadores recibieron 1.929 manuscritos originales, un crecimiento de más del 73% respecto de la edición anterior, a la que llegaron 1.114 obras.

«Este incremento consolida al Premio Ribera del Duero como uno de los referentes internacionales del relato breve en español y confirma una tendencia de crecimiento sostenido año a año. La cifra de 2026 no solo supera ampliamente el récord anterior, sino que duplica el volumen de participación registrado hace apenas dos ediciones. De hecho, en su primera edición se recibieron 514 obras, y la convocatoria actual casi cuadruplica aquella cifra inicial», apuntaron los organizadores.

El premio es otorgado por la Denominación de Origen Ribera del Duero y Páginas de Espuma. Precisamente, desde la editorial señalaron que esta edición “reafirma su consolidación literaria y su innegable vocación internacional. El rotundo éxito de La vida por delante, de la argentina Magalí Etchebarne –obra ganadora de la pasada edición, con catorce reimpresiones–, sumado a la gran expectación generada, consagran este galardón como un hito indiscutible en el calendario de las letras de España y Latinoamérica”.

Aunque nació en Salto, provincia de Buenos Aires, Sofía Balbuena vive en Madrid. Desde allí, una mañana helada de 4º, dice a Clarín que su inclusión entre los finalistas del premio es «un motivo para festejar». Lo dice mientras toma mate y espía desde la cama el sol que entra al cuarto.La escritora Sofía Balbuena nació en la Argentina pero reside en España. Foto: gentileza.

Mientras se resiste a dejar la calidez de las sábanas, cuenta que este reconocimiento, que es en sí misma la lista corta del Ribera del Duero, la encuentra en un momento de su carrera literaria «más reflexivo, menos ansioso. Un tiempo en el que intento hacer más lo que quiero y menos lo que me proponen o lo que puedo».

Y sobre su libro titulado Personaje secundario, anticipa: «Como todo lo que escribo, se trata del infierno interior con el que a menudo vivimos las mujeres y que escondemos, callamos y reprimimos por vergüenza».

La argentina es además autora de la novela Sutura (Seix Barral) y de los ensayos Doce pasos hacia mí, Borracha menor y Gente sin paz (con Sabina Urraca y Daniel Saldaña París), además de haberse formado en Ciencia Política (UBA), en Creación Literaria (UPF), en Literatura Comparada (UAB) y en Escritura Creativa por la Universidad de Iowa. Y dice que siente que este momento que vive confirma «esa decisión de ir más lento, pensar más, tratar de aprender a hacer algo distinto con cada nuevo libro«.

El libro más loco

La mexicana Aura García-Junco es finalista por su libro El fin del mundo (y otras utopías), al que define como «el libro más loco que he escrito». Por eso, se incrementan las razones para estar contenta de que haya llegado a la lista de finalistas: «Porque es uno de esos libros que requieren toda la todo el entusiasmo para mantenerte en ellos, sin sentir que estás haciendo simplemente un proyecto que te sobrepasa».La mexicana Aura García-Junco es finalista de la IX edición del Premio Ribera del Duero. Fotos: Claudia Olmos, entileza.

García-Junco nació en Ciudad de México y estudió Letras Clásicas. Fue seleccionada por la revista Granta como una de las 25 mejores narradoras jóvenes en español en 2021 y ya publicó Anticitera, artefacto dentado (2018), El día que aprendí que no sé amar (2021), Mar de piedra (2022) y Dios fulmine a la que escriba sobre mí (2023), entre otros libros.

Y dice a Clarín sobre los cuentos que ahora aspiran al Premio Ribera del Duero: «Casi todos son una exploración de la idea de lo utópico, pero desde un sentido muy amplio, no necesariamente positivo. Al mismo tiempo, intento que este sea un libro que tenga mucho humor, ya que me divertí muchísimo escribiéndolo y creo que eso se siente cuando se lee».

En unos minutos, Aura García-Junco entrará a un restaurante de la Colonia Roma, en la Ciudad de México, para comer con amigos, pero ahora agrega a Clarín que sus cuentos además exploran «las contradicciones humanas acerca de lo que creemos que es la mejor forma de vivir y las que traemos adentro y que nos permiten (o no nos permiten) existir en esa realidad aparentemente ideal».

En su caso, no hay contradicción alguna en este momento porque ella considera que el Premio Ribera del Duero «es el más importante de cuento en habla hispana y, por supuesto, que las posibilidades de llegar a finalista siempre son muy pequeñas», de manera que encontrarse en esa lista la llena «de emoción y de alegría».

Todos los récords

Después de una eternidad de lluvias y nieves, ha salido el sol en Pamplona y la escritora Margarita Leoz corrió a un parque llamado la Vuelta del Castillo, cerca de su casa, para dejarse tocar por la claridad y el cielo azul. En ese lugar, y pese al frío, anota algunas cosas que le dirá luego a Clarín. Entre ellas, que «ser finalista del Ribera del Duero, el galardón más prestigioso de narrativa breve en español, es ya de por sí un gran premio. Más aún en esta edición en la que se han batido todos los récords de participación».La española Margarita Leoz es finalista de la IX edición del Premio Ribera del Duero. Fotos: Javier Campos, gentileza.

También dirá que le gusta la diversidad de orígenes que expresa la lista corta: «Me gusta también que seamos todos de países distintos y que nuestros cuentos provengan de lugares tan dispares. Me parece muy enriquecedor».

Leoz es licenciada en Filología Francesa por la Universidad de Salamanca y en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Universidad de Barcelona. Publicó los poemarios El telar de Penélope y Caer, los libros de relatos Segunda residencia y Flores fuera de estación. También es autora de las novelas Punta Albatros y Lo que permanece. Al Premio Ribera del Duero presentó el libro de cuentos La raíz firme de las cosas.

Sobre esas cuatro historias largas, cuenta que tienen entre treinta y cuarenta páginas cada una, «una distancia que me permite desarrollar tramas más largas, incluso con vueltas al pasado, pero sin perder la tensión propia del relato breve».

También anticipa que las protagonistas de estos cuentos son mujeres «que dudan, madres que se cuestionan su maternidad, hijas asediadas por los recuerdos. Todas ellas viven en entornos que les resultan ajenos, desean tomar otros caminos, anhelan aferrarse a algo que las salve, buscan, en suma, ‘la raíz firme de las cosas’, aunque tal vez no exista o sea inalcanzable».

En 2025, Margarita Leoz publicó la novela de no ficción Lo que permanece, editada en Seix Barral hace justo un año. «Narraba la vivencia de la muerte de mi padre y la experiencia del duelo posterior. Después de ese texto tan íntimo, tan personal, necesité de una manera urgente regresar a la ficción por medio del género en el que quizás me siento más cómoda: el relato breve«, comparte. Algo parecido a lo que sucedió con el invierno y esa claridad que asoma ahora: «Toca salir a tomar el sol y esperar la promesa del buen tiempo, la llegada de la primavera», cierra.

Se resquebraja el mundo

«Son cuentos donde el llamado mundo razonable se va resquebrajando», anticipa sobre Agua en la boca, su autor, el guatemalteco Rodrigo Fuentes. Está contento, le cuenta a Clarín, y responde desde el sofá, recostado, panza arriba. El libro fue elegido por el jurado para aspirar al premio y el escritor agrega al respecto: «Nuevas fuerzas empiezan a gobernar las vidas de los personajes: el deseo, el miedo, los sueños, el lenguaje y sus piruetas. También hay un perro que fantasea mucho, y a quien se le hace agua la boca».El guatemalteco Rodrigo Fuentes es finalista de la IX edición del Premio Ribera del Duero. Fotos: gentileza Paginas de Espuma.

Rodrigo Fuentes es autor de la colección de cuentos Trucha panza arriba, publicada en varios países de América Latina y traducida al francés y al inglés, y de la novela de no ficción Mapa de otros mundos. Vive entre Providence y Guatemala.

Dice que la nominación a este premio «es una gran alegría» y que «la escritura de cuentos es donde más me divierto. Saber que otros se divirtieron leyéndolos me hace sentir que el juego es compartido. Y espero que le ayude al libro a llegar a más lectores».

Una realidad aterradora y absurda

Son tiempos de angustia en Perú y Claudia Ulloa Donoso recibe el reconocimiento a su libro El miedo terrible de ser un animal en ese contexto incierto: «Esta noticia llega mientras mi país atraviesa una crisis política y esta situación me llena de desasosiego y rabia. La realidad me resulta aterradora y absurda. Me refugio en la mirada de los niños de mi familia, me distraigo con ellos y sus juegos, observo sus gestos, escucho sus primeras palabras y así recupero un poco la fe y la esperanza en el futuro, a través del amor que siento por ellos», le dice a Clarín.La peruana Claudia Ulloa Donoso, es finalista de la IX edición del Premio Ribera del Duero. Fotos: Verónika Jorquera, gentileza.

La escritora nacida en Lima es autora de los libros de cuentos El pez que aprendió a caminar, Pajarito y Séptima madrugada, y de la novela Yo maté a un perro en Rumanía (2022), traducida a varios idiomas. Aunque vive en Trondheim, Noruega, está en este momento visitando a su familia en Lima, donde hace calor. De manera que, con el ronroneo de un ventilador como banda sonora, dice que esta noticia le llega justo cuando ha regresado al cuento después de su primera novela: «Estar entre los finalistas me da mucha alegría. Es un gran reconocimiento; por el prestigio del premio y por estar acompañada de gente tan talentosa. Realmente estoy muy contenta, y en estos tiempos tan oscuros, sentir alegría es algo que agradezco muchísimo«.

Sobre El miedo terrible de ser un animal, Ulloa Donoso dice que «son historias donde aparecen animales. La relación entre los humanos y los animales, el lenguaje que compartimos con ellos y el comportamiento de los animales ante los humanos o sin ellos, en libertad y en su esencia, son temas que siempre me han llevado a escribir».

Y agrega: «El título, El miedo terrible de ser un animal, parte de un verso de César Vallejo, uno de los poetas peruanos que ha sido y sigue siendo central en mi vida y en lo que escribo».

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Débora Campos

Editora de la sección Culturadecampos@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Más de 170 dibujos y grabados de Lucian Freud (1922-2011), muchos de ellos nunca antes expuestos y presentados en diálogo con sus pinturas, revelan nuevas claves sobre el proceso creativo de uno de los pintores figurativos más importantes del siglo XX.La National Portrait Gallery de Londres presentó Lucian Freud: Drawing Into Painting. Foto: National Portrait Gallery

La National Portrait Gallery de Londres presentó Lucian Freud: Drawing Into Painting (Lucian Freud: del dibujo a la pintura), una amplia muestra que explora el papel central del dibujo en la obra de uno de los artistas contemporáneos más influyentes.

La exposición, que abre al público hasta el 4 de mayo, empieza con una joya inédita: una serie de coloridas y detalladas composiciones que el nieto de Sigmund Freud hizo entre los seis y los 11 años, antes de emigrar al Reino Unido desde Berlín con su familia judía en 1933.

Ya en Inglaterra, el adolescente, que por entonces apenas hablaba inglés, siguió dibujando para expresarse, al principio sobre todo animales, evidenciando ese ojo preciso e incisivo por el que se haría famoso después.

Atención forense al detalle

Según dijo la comisaria de la exposición, Sarah Howgate, lo que más le gustaba a Freud era «capturar lo que tenía delante. Prestaba una atención forense al detalle: desde un lunar en el cuello hasta cada hebra individual de una pestaña o del cabello», explicó.

Se convirtieron en modelos para sus retratos desde sus compañeros de internado a los vecinos -tanto pícaros callejeros como viejos aristócratas- que conoció cuando a finales de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) se instaló en el barrio londinense de Paddington.

Poco a poco, y tras pasar por varias escuelas de arte, del dibujo se fue adentrando en la pintura, primero también con ese trazo linear y, más adelante, con un estilo más suelto, influido por su amigo Francis Bacon.

«Bacon lo inspiró a abordar la pintura de una manera diferente. Ya no pintaba sentado, se ponía de pie. Estaba lleno de vigor. Y empezó a usar esos pinceles grandes y gruesos y a crear pinturas mucho más gestuales», indicó Howgate.

Procedimiento inusual

Aunque en algunas épocas el dibujo pasó a ser más «un telón de fondo, el andamiaje de la pintura», nunca dejó ese formato, y en su última etapa lo volvió a priorizar, a través del grabado y, en particular, el aguafuerte.La National Portrait Gallery de Londres presentó Lucian Freud: Drawing Into Painting. Foto: National Portrait Gallery

«Lo interesante de esta exposición es que, por primera vez, se puede ver esa ‘conversación’ entre las pinturas y los dibujos«, apuntó la comisaria.

«En su madurez, tendía a pintar primero y luego hacía el grabado del mismo tema, un procedimiento realmente inusual», añadió.

De acuerdo con Howgate, «llegaba a conocer al sujeto a través del retrato pintado y, luego, todos los detalles de la piel, sus pliegues… los traducía al aguafuerte».

La muestra londinense permite ver sus dibujos junto a las pinturas correspondientes, entre ellas algunas de las más emblemáticas, como ‘Sleeping by the Lion Carpet (1996), que retrata a una de sus modelos favoritas, Sue Tilley.

Ambicioso cuadro grupal

En el caso de ‘Large Interior, W11 (after Watteau)’ (1981–83), su ambicioso cuadro grupal inspirado en ‘Pierrot Content’ (c.1712) de Watteau -un préstamo del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid-, se presentan los dibujos que realizó de la obra ya terminada.

Del mismo modo, su grabado ‘After Constable’s Elm’ (2003) se expone junto a la pintura original del tronco de un olmo del pintor inglés John Constable (1776-1837).La National Portrait Gallery de Londres presentó Lucian Freud: Drawing Into Painting. Foto: National Portrait Gallery

Además de inmortalizar a sus dos esposas y múltiples amantes y a algunos de sus 14 hijos reconocidos, Lucian Freud firmó numerosos autorretratos.

Esos dibujos y pinturas de sí mismo permiten observar no solo su evolución física y de su trazo a lo largo de los años, sino también cómo cambió la percepción de su imagen a través del espejo.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El Carnaval de Jujuy en Buenos Aires desbordó el Palacio Libertad este domingo. Con la presencia de rondas y comparsas, la Plaza Seca, dentro del centro cultural, quedó superada y el público se extendió hacia el hall central, bailando alrededor de la Esfera Azul, la escultura suspendida de Le Parc. Se respiraba mucha alegría, quizá como antídoto contra el mal humor y el desánimo tan porteño.El Carnaval de Jujuy en Buenos Aires desbordó el Palacio Libertad este domingo. Foto: prensa Palacio Libertad gentileza.

El público hizo fila para ingresar al centro cultural pasado el mediodía. La convocatoria era a las 13.30 en la plaza fuera del Palacio y luego, adentro, en la Plaza Seca, donde actuaron varios artistas. Pero, adecuado a los tiempos del Norte argentino, todo comenzó pasadas las 14.

Fuentes de la Casa de Jujuy en Buenos Aires recordaron que este año, en la Quebrada de Humahuaca, hubo una explosión de color y fiesta, cuando 300 diablos bajaron de Uquía, a 2.858 metros sobre el nivel del mar, para el festejo del Carnaval.

Diablos alegres

Fiesta popular, de raíz indígena y criolla, estos diablos nada tienen que ver con el del catolicismo. Son alegres y llegan para acompañar a los pueblos de la Quebrada a celebrar los dones recibidos, la cosecha y alejar las penurias del año.

“El Carnaval de Jujuy es algo así como un sentimiento. Yo comparo a veces que, así como los católicos esperan la Navidad, en Jujuy se espera el Carnaval”, dice el reconocido artista Tomás Lipán, Premio Fondo de las Artes a la Trayectoria 2025.

Recién llegado a Buenos Aires junto con los músicos y los bailarines que participaron de la celebración, Lipán agrega: “El carnavalero de cualquier rincón de Jujuy, de la Quebrada, de la Puna, de las Yungas, tiene una preparación para el Carnaval. Hay comparseros, diablos, paisanas, que se preparan mucho antes para esta fiesta. En Purmamarca, donde yo me crié, mi papá preparaba la hacienda, las monturas, la caja, el erquencho, los ponchos, para recibir el Carnaval con devoción”.

En esencia, dice Lipán, el carnaval jujeño es “alegrarse para matar todas las penas sufridas durante el año. Es para bailar, disfrutar, cantar y hay también enamoramientos, que son muy fuertes en esta festividad: copla va y copla viene”. Tan fuertemente arraigado está el Carnaval en Jujuy que la festividad ha dado origen a un género musical folclórico como el carnavalito.

El artista dice que el Carnaval se ha adaptado a los tiempos: “Hoy veía en un canal de TV la bajada de los diablos en Uquía. Es monumental, como lugareño yo no lo había vivido. Me pareció un espectáculo imponente. Esos mismos diablos, en Semana Santa, dentro de poco, son todos peregrinos a la Virgen de Punta Corral. Van todos a rezarle a la Mamita del Cerro”.El Carnaval de Jujuy en Buenos Aires desbordó el Palacio Libertad este domingo. Foto: prensa Palacio Libertad gentileza.

Lipán cierra el breve diálogo con Clarín con una copla: “Que le parece, señores, /se ha llegado el Carnaval/Ahora no hay que estar triste/Todo es cantar y bailar”.

La mención de Lipán a las distintas fiestas que se realizan para estas fechas en Jujuy es interesante, pues no es igual el Carnaval en Salinas Grandes que en la Quebrada, en la Puna o en las Yungas. En esta última, cuyo paisaje es más selvático que la belleza seca de las dos primeras, hay algo mucho más telúrico y menos ornamentado que en el bello “paisaje cultural y natural” que es la Quebrada, así declarada por la Unesco.

En la plaza ubicada frente al Palacio Libertad da comienzo la celebración a las 14. Hasta aquí han llegado el Ballet La Quiaca y Karallanta Jujuy, con el artista plástico Alejandro Condorí. La música la aportan, además de Lipán como estrella, los Waynas, Génesis Aymara y Tunay.

La presencia de la mujer en el Carnaval no es menor, pues el desentierro de los diablos sigue al jueves de comadres, que empieza ya en enero. Las mujeres de todos los pueblos saben que ese día es para dejarlo todo y celebrar. En realidad, la organización social fuertemente andina es también fuertemente matriarcal. Son las mujeres las que preparan “la vacuna del Carnaval”, una bebida alcohólica que se distribuye para aguantar los nueve días.El Carnaval de Jujuy en Buenos Aires desbordó el Palacio Libertad este domingo. Foto: prensa Palacio Libertad gentileza.

La Pachamama, siempre presente

La celebración coincide con la cosecha del maíz. Hay antecedentes precolombinos de este evento, como las antiguas fiestas de la cosecha, resignificadas luego por los colonizadores. En el antiguo festejo se “carnavaleaba” con los mejores atuendos: traje, rastra con monedas de plata, pañuelo al cuello, caballos ataviados. Y todavía subsiste un carnaval del campo y otro del pueblo. La celebración dura nueve días y empieza con el desentierro de Pujllay o Pujay, que en quechua significa juego.

El primer sábado del desentierro arranca la fiesta con los trajes de colores, bailes, papel picado, serpentina y talco que se espolvorea en las caras para que los diablos no reconozcan a los celebrantes.El Carnaval de Jujuy en Buenos Aires desbordó el Palacio Libertad este domingo. Foto: prensa Palacio Libertad gentileza.

“Todo comienza en los mojones. Cada comparsa da comienzo al desenfreno. Se adornan con maíz, frutos, se da vino a la Pachamama y los diablos recorren las calles incitando a la diversión con bombos, anatas, quenas y sikus”, tal como surge del libro compilado por Sandra Figoni Prado. El diablo vuelve a ser enterrado el último día de la celebración.

En el pensamiento andino, todas nuestras acciones repercuten en el cosmos y de allí nos son devueltas. De allí que en Carnaval haya muchas invitaciones, pues supone abundancia para quien da y para quien recibe esos convites.El Carnaval de Jujuy en Buenos Aires desbordó el Palacio Libertad este domingo. Foto: prensa Palacio Libertad gentileza.

Concluido el Carnaval, el pueblo jujeño se alista para la Semana Santa y, en agosto, para otra fiesta de origen indígena: la celebración de la Pachamama.

Algo de esa alegría norteña, tan enraizada en la tierra que produce y a la que se le agradece sus frutos, inundó el Palacio Libertad para poner a bailar a los porteños. Y, por una tarde, desterrar las penas y celebrar lo bueno que trae esta fiesta popular, que es un verdadero patrimonio inmaterial de los argentinos.

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Susana Reinoso

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Fuente: Clarín.com

El surrealista francés André Breton sostuvo que «el arte de Frida Kahlo (1907-1954) es una cinta alrededor de una bomba», una afirmación que «molesta» a la curadora mexicana Helena Chávez Mac Gregor, quien en su ensayo más reciente «desata ese listón» para analizar las «explosiones» de la pintora «feminista y antifascista» tan necesaria en estos tiempos de «supremacismo y eliminación de la otredad».Frida Kahlo. Archivo Clarín.

«Frida abre el umbral de la popular frase ‘lo personal es político’ al reflexionar sobre lo íntimo. Ese, además, fue el camino que tomaron las feministas desde 1950 al nombrar lo privado e impedir la normalización de muchas violencias», señaló la investigadora durante la Semana del Arte en la Ciudad de México, donde las pinturas de Kahlo se colaron en las muestras contemporáneas por su trascendencia.

Sin nombrar la palabra aborto o feminicidio, la artista ya estaba pintando en la década de 1930 «la primera representación» de estas acciones tan defendidas y repudiadas por el feminismo reciente en ‘Hospital Henry Ford’ y ‘Unos cuantos piquetitos’, dos de los diez autoretratos que analiza Chávez en su libro El listón y la bomba, publicado por Lumen.

«‘Unos cuantos piquetitos’ es la primera obra de arte sobre un feminicidio. Evidentemente, en el tiempo de Frida no se pensaba en ese concepto porque no existía en México (hasta su tipificación en 2012), pero en su brutalidad representa la primera imagen que tenemos de este archivo de feminicidio que vemos todos los días», subraya en un país en el que alrededor de diez mujeres son asesinadas al día.La curadora mexicana Helena Chávez Mac Gregor, autora del libro El listón y la bomba, publicado por Lumen en el que analiza la trayectoria de Frida Kahlo. Foto: gentileza.

«Madre» de las contemporáneas

A lo largo del texto, la académica explora cómo estas «explosiones» en el pincel de la creadora de ‘El sueño’ —la pieza subastada más cara realizada por una mujer— fueron indicios de los problemas que enfrenta la mujer contemporánea, atravesada por el juicio de la maternidad, la enfermedad, los estereotipos de la feminidad y la violencia machista.

«Frida es la madre de la mujer contemporánea mexicana», asegura, al nombrar a Mónica Mayer (1954), Magali Lara (1956) o a la joven Frieda Toranzo Jaeger (1988), artistas contagiadas por la «politización de lo íntimo» que encarna la exhabitante de la Casa Azul.

En el caso de Toranzo, agrega, la inspiración se transformó en una postura política «frente al genocidio en Gaza», pues mediante un enorme óleo convirtió las sandías de ‘Viva la vida’, de Kahlo, en un símbolo de resistencia al inscribir la frase «Viva Palestina».

«Toranzo tuvo la valentía de recrear esas sandías en la Bienal de Venecia en un momento de la historia marcado por el supremacismo casi fascista, en el que también es muy difícil decir: ‘viva la vida’», destaca sobre esta presentación inaugurada en 2024.

Por su lado, reconoce que El listón y la bomba es un intento de observar estos símbolos masificados a nivel global —como Kahlo o hasta Bad Bunny— que nos inspiran lo suficiente para «repensarnos» en este presente en el que «la vida nos la están quitando».

La captura de Frida

Pese a la relevancia de la obra de Frida Kahlo en el arte mexicano, considerada además Patrimonio Artístico de la Nación, Chávez lamenta que de sus aproximadamente 200 obras, «apenas cinco» le pertenezcan al Estado mexicano, ya que una gran parte «está en colecciones privadas».

«El arte se transforma en mercancía basada en pura especulación económica, lo que provoca que la obra desaparezca en los espacios de las élites, donde muchas veces el público no tiene acceso», admite.Fotografía cedida por Amazon MGM Studios de la artista mexicana Frida Kahlo posando en 1941 en Xochimilco (México). EFE/ Amazon Mgm Studios

Sin embargo, la filósofa de 47 años defiende la permanencia en el tiempo de la pintora más reconocida de México, ya que en la era digital —marcada por la «falsa perfección» de la inteligencia artificial— serán las «imperfecciones» creadas por Kahlo y por este tipo de artistas las que nos recuerden la huella creativa de lo humano.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El verano no solo trae la posibilidad de tomar vacaciones o hacer una escapada, sino que también permite combinar descanso con experiencias culturales fuera del circuito tradicional. Desde museos inmersos en paisajes naturales hasta programas de arte público en la costa atlántica, distintas instituciones del país proponen muestras y recorridos para quienes buscan algo más que relax. A continuación, cinco paradas recomendadas en algunos de los destinos turísticos más elegidos en Argentina, ideales para descubrir arte mientras se viaja.El MAR (Museo de Arte Contemporáneo de la provincia de Buenos Aires) mantiene abiertas varias exhibiciones con entrada libre y gratuita. Foto: gentileza.

1. Museo MAR, Mar del Plata

El MAR (Museo de Arte Contemporáneo de la provincia de Buenos Aires) es ya un ícono de la ciudad Mar del Plata, en parte por su monumental lobo marino de alfajores creado por Marta Minujín para la explanada. Para quienes visiten la costa durante febrero, el museo mantiene abiertas varias exhibiciones con entrada libre y gratuita. En la sala 1 se presenta Que parte de quien de Eduardo Basualdo: el espacio, inmenso, iluminado por una única fuente de luz ubicada en el suelo, va cambiando la percepción del espectador en su apreciación de las obras dispuestas en la sala, como por ejemplo un dibujo de dimensiones monumentales que ocupa casi toda la superficie de una de las paredes laterales.

En la sala 2 se puede ver una muestra colectiva de Bienalsur y, en la sala 3, Tramas II, que cruza patrimonio histórico del Museo Pettoruti con obras contemporáneas, trazando diálogos entre distintas épocas del arte bonaerense. En Av. Félix U. Camet y López de Gomara, Mar del Plata.

2. Museo James Turrell, Salta

En medio de los Valles Calchaquíes, a más de 2.300 metros de altura, el Museo James Turrell —parte de la Hess Art Collection— sigue siendo uno de los destinos culturales más singulares del país. Allí, nueve obras del artista estadounidense exploran la luz como materia pura, desafiando la percepción y sumergiendo al visitante en un estado de contemplación radical. No hay cuadros colgados en las paredes, esculturas que se alzan desde el piso ni móviles suspendidos del cielo raso. Aquí el espacio se vuelve experiencia sensorial, con piezas que dialogan con el cielo abierto, la oscuridad y el paisaje salteño. Durante siglos, los artistas han pintado la luz para dar forma y profundidad a sus composiciones pero Turrell dio un paso más: la hizo su lienzo y pincel.

El museo se integra a la arquitectura circular de la bodega Colomé, rodeada de viñedos y de un entorno natural imponente, accesible sólo tras un largo viaje a través de caminos serpenteantes. Ruta Provincial 54 Km 20, Salta.Pinamar luce su amplio patrimonio de esculturas públicas —más de 80 piezas distribuidas entre bosque, playa y traza urbana— y el lanzamiento de Pinamar Contemporáneo, el nuevo programa de arte público. Foto: gentileza.

3. Paseo de Esculturas Pinamar

Pinamar atraviesa un momento de renovación cultural con su amplio patrimonio de esculturas públicas —más de 80 piezas distribuidas entre bosque, playa y traza urbana— y con el lanzamiento de Pinamar Contemporáneo, el nuevo programa de arte público bajo la dirección artística de Andrés Duprat y curaduría de José Roca. Pensado para activarse a fines de 2026, el proyecto incorporará obras de artistas como Leandro Erlich, Matías Duville, Tania Candiani y María Elvira Escallón.

Mientras tanto, el Paseo de Esculturas permite a los veraneantes hacer un recorrido a cielo abierto por piezas históricas y contemporáneas integradas al paisaje costero, que marcan un arco temporal de 120 años de historia y que incluye desde “La cautiva” (1905) de Lucio Correa Morales -la obra más antigua- hasta producciones recientes y site-specific de Donjo León, Ximena Ibáñez y Federico Cantini. Algunas de ellas evocan la fauna, el mar o las mitologías propias de un espacio cercano al mar.La provincia de Córdoba ofrece una programación variada durante toda la temporada veraniega, con múltiples exposiciones vigentes hasta el 1 de marzo. Foto: gentileza.

4. Circuito de Museos Provinciales, Córdoba

La provincia de Córdoba ofrece una programación variada durante toda la temporada veraniega, con múltiples exposiciones vigentes hasta el 1 de marzo. En el Museo Emilio Caraffa (Av. Poeta Lugones 411, Córdoba Capital) destaca la muestra colectiva Luz y tiempo en Córdoba, un recorrido patrimonial que narra la transformación del paisaje local, desde distintas épocas y miradas.

En el Museo Evita – Palacio Ferreyra (Av. Hipólito Yrigoyen 511) se presenta Perseguir un rastro de Majo Caporaletti, una serie de pinturas surgidas de un viaje al desierto de Atacama, donde el paisaje no se registra como imagen sino como experiencia emocional.Con más de cien años de historia, el Viejo Hotel Ostende se consolidó como un faro cultural veraniego. Foto: Diego Medina, gentileza.

5. Viejo Hotel Ostende

Con más de cien años de historia, el Viejo Hotel Ostende se consolidó como un faro cultural veraniego. La muestra Mi mar en fotogramas, de la fotógrafa Marula (Marisa Regalbuto), se exhibe durante toda la temporada en el Salón Azul e invita a recorrer la intimidad del paisaje marítimo a través de imágenes construidas entre olas, mareas, surf y sensibilidad poética.

Ubicado en la esquina de Biarritz y Cairo, el hotel también ofrece visitas guiadas que permiten conocer su arquitectura centenaria y su historia ligada al desarrollo de la costa argentina. Entre dunas, tamariscos y un balneario propio, el VHO combina patrimonio y programación cultural: desde talleres y charlas hasta música y cine al aire libre, convirtiéndose en una parada ideal para quienes buscan un verano con encuentros culturales.

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Mercedes Ezquiaga

Periodista especializada en arte argentino y latinoamericano.Bio completa

Fuente: Clarín.com