Categoría: Entretenimiento

Empezó con una valija de cuero. En la valija había fotos, cartas, documentos familiares. “A vos te gustan esas cosas”, le dijo su suegra a María Angélica Labiano, antes de entregársela en ocasión de una mudanza. Labiano siempre había demostrado interés en las historias que le contaba su suegra, que era sobrina de Cecilia Grierson, la primera médica graduada de la Argentina y defensora de los derechos de la mujer. Resultado de ese hallazgo, el libro El viaje de Cecilia Grierson (Maizal Ediciones) compila material, hasta ahora inédito, de fotografías y cartas.Páginas interiores del libro El viaje de Cecilia Grierson, compilación de María Angélica Labiano (Maizal Ediciones). Foto: gentileza.

La correspondencia, dirigida a sus familiares, está fechada entre mayo de 1899 y abril de 1900 y documenta el viaje que hizo Grierson cuando fue invitada a participar del Congreso Internacional de Mujeres de Londres como delegada de la Argentina.

Al momento de embarcarse, la doctora tenía 39 años, era docente universitaria, había publicado libros y fundado instituciones, entre ellas, la primera escuela de enfermería de Sudamérica, la Sociedad Argentina de Primeros Auxilios y había sido parte del grupo fundador de la Asociación Médica Argentina, que llegó a presidir en 1907.

Aprovechando la ocasión del viaje, el gobierno le encomendó el estudio de la enseñanza de las mujeres en varios países de Europa, por su doble condición de profesora normal y doctora.

Grierson, interesada en seguir perfeccionándose como profesional, extendió su estadía para estudiar y visitar instituciones en distintos países. Durante esos meses, conoció Inglaterra, Escocia, Italia, Suiza, Países Bajos y Francia, en donde se instaló para tomar cursos de Obstetricia y Ginecología, su especialidad.

Mujeres determinantes

Labiano, quien tiene a su vez entre sus antepasados a Julieta Lanteri (la primera sufragista argentina, también médica y colega de Grierson), se casó con un descendiente de Catalina, la única entre los cinco hermanos de Cecilia que tuvo hijos. Por su conexión familiar y su interés personal, fue una de las fundadoras de la Fundación Cecilia Grierson y es responsable de las tareas de investigación y divulgación.Cecilia Grierson. Archivo Clarín.

Cuando empezó a transcribir las cartas, primero a mano, luego en computadora con ayuda de una de sus nietas, no imaginaba que terminaría publicando un libro.

“Yo, en realidad, las transcribí para uso familiar, porque no se pueden tocar, son cartas que tienen 100 años y las iban a estropear y yo era muy consciente de que estaba manejando un documento de gran valor histórico”, cuenta a Clarín. Sin embargo, a medida que profundizaba su conocimiento del contenido del archivo, cambió de idea.

En las cartas, se puede leer a Grierson en un registro íntimo y directo mientras comparte sus impresiones sobre los lugares que visita y compara las costumbres extranjeras con las propias. Así, en su relato, París le gusta menos que Londres, aunque admite que las parisinas se visten mucho mejor que las inglesas.

Visita museos, la catedral de Saint Paul, la exposición de cera de Madame Tussaud, ve actuar a Sarah Bernhardt, compra ropa y muebles, se decepciona con “La última cena” de Leonardo Da Vinci, participa de un five o’clock tea con la mismísima Reina Victoria.

Sobre esa ocasión, anota, con bastante ironía: “La condesa de Aberdeen ha dado varias recepciones y ha conseguido que hoy su ‘Graciosa Majestad la Reina Victoria’ nos reciba en Windsor, donde después visitaremos el castillo y nos servirán, etc. Esto se considera un gran triunfo para la ‘causa de la Mujer’ pues hasta el presente la Reina se había mostrado indiferente a este movimiento feminista y para que las cosas progresen aquí necesitan el aval social de la Reina”.

Para Labiano, hay una carta especialmente conmovedora, aquella que Grierson escribe en su cumpleaños. “Ella cumple sus 40 años sola en París. Esa carta para mí es brutal. Porque está triste, porque está sola, porque era una familia muy unida, se quedaron huérfanos de padre muy chicos y huérfanos de madre muy jóvenes y estaban siempre muy juntitos. En esa carta dice que ‘se regala un fueguito’ porque todo costaba dinero. No les dice a las amigas que es el cumpleaños para no ponerlas en la obligación de que traigan regalos. Cada vez que la leo me conmueve”, destaca.

En el Congreso de Londres, Grierson describió la situación de la mujer en Argentina frente a mujeres de Estados Unidos, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Persia, Palestina, China y diversos países europeos.

“Lo que me ha admirado tanto es la facilidad con que hablan en público todas esas mujeres y sobre todo los acentos inimaginables; disienten como ‘hombres’ diríamos allá; y lo hacen con verdadero talento; verdad es que son mujeres escogidas de cada nación”, le cuenta a Catalina, destinataria de la mayoría de las cartas del volumen.

Ese comentario de admiración casi hace olvidar que la que escribe es una universitaria pionera que se había abierto camino en un ambiente cargado de prejuicios, una mujer que no dudaba en que los principales diarios del país publicarían los artículos que enviaba desde el exterior a través de su hermana.

También, la misma que, al regresar, replicaría en el terreno local la experiencia europea con la fundación del Consejo Nacional de Mujeres de la República Argentina, organizador del Congreso Internacional de 1910.

En su discurso, que preparó unos días antes durante el mismo viaje, presentó a la Argentina como un país de generosidad y libertad que estaba abriéndose al mundo y en el que las mujeres tenían cada vez más oportunidades de prosperar. Tal como permiten descubrir las cartas, esa visión estaba lejos de ser una impostura forzada por el rol de emisaria oficial.

Grierson era hija de inmigrantes escoceses e irlandeses y, aunque reivindica sus raíces y se alegra de recibir elogios por su buen acento inglés, en todo momento expresa un sentimiento patriótico.

A la distancia, sigue leyendo los periódicos argentinos, brinda con champagne el 25 de mayo y viaja acompañada de su mate. “Lo saboreamos en grande y es lo único que nos hace tener la ilusión de que estamos cerca de la patria”, escribe, seguramente rememorando su infancia en el campo de Entre Ríos.

«Hay mucho bueno»

Luego de su periplo por distintas instituciones y visitas a hospitales, llega a una conclusión: “De todo lo que he visto voy sacando en consecuencia que allá por más defectos que tenemos hay mucho bueno y aún mejor que acá en muchas cosas y costumbres. Dirán que soy una salvaje en decir esto, pero creo que es la verdad; una se forma una opinión demasiado grandiosa de esto y luego una encuentra tantas cosas atrasadas”.Páginas interiores del libro El viaje de Cecilia Grierson, compilación de María Angélica Labiano (Maizal Ediciones). Foto: gentileza.

Pese a su ponderación positiva de Argentina, hay algo que surge tímidamente, tanto en su discurso como en su correspondencia: “recién ahora cuando recibo los elogios en un país extranjero es que me indigna que mis compatriotas no me hayan hecho justicia cuando me presenté a ese concurso para obtener la sustitución de la cátedra”.

En 1894 habían rechazado su solicitud para incorporarse como docente en la Escuela de Parteras de la Facultad de Medicina y tampoco le permitieron ejercer como cirujana.

Hoy, varias calles e instituciones del país llevan el nombre de Cecilia Grierson y su rostro está en el billete de dos mil pesos junto al del exministro de Salud Ramón Carrillo.

Para Labiano, el auge del interés por las cuestiones de género sin duda impulsó una revalorización de la figura de Grierson, aunque todavía se ignora buena parte de su obra. En este sentido, el libro, viene a convertirse en una “referencia histórica, un libro que sirva para pasar la posta”, sueña su autora.

Parte del archivo Grierson fue donado a la Universidad de San Andrés, mientras que las cartas siguen siendo conservadas por la familia, junto con otros materiales, por el momento, inéditos. Esta correspondencia, ahora disponible al público, permite, como nunca antes, conocer a Grierson en su propia voz.

El viaje de Cecilia Grierson, compilación de María Angélica Labiano (Maizal Ediciones).

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Carola BrandarizBio completa

Fuente: Clarín.com

A mediados de año, la ciudad de Buenos Aires estará lista para estrenar un nuevo y singular museo, localizado a la vera del Riachuelo donde en el siglo XIX se encontraba la barraca más antigua de esa zona sur de la ciudad. Para eso, avanzan las obras de recuperación que transformarán la conocida Barraca Peña en una institución dedicada a recuperar la historia de la actividad portuaria hace dos siglos.Barraca Peña , ubicada en La Boca y declarada Área de Protección Histórica, exhibirá hallazgos arqueológicos. Foto: prensa Ministerio de Cultura porteño.

La barraca más antigua del Riachuelo, que data de 1774, está en la avenida Pedro de Mendoza 3003, y lleva el nombre de su fundador, el comerciante gallego Francisco de la Peña Fernández. La zona es el sitio arqueológico más importante de la zona sur y, desde julio, según anunciaron esta semana las autoridades porteñas, se transformará en un museo que mostrará cómo era la pujante actividad portuaria en La Boca en el siglo XIX.

Los trabajos se están realizando realizan por etapas y está previsto que terminen en julio. A partir de entonces comenzará a recibir a todo aquel que quiera descubrir la memoria portuaria.https://e4d0a843398b4dfffc018f582cfd59bb.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Modelo agroexportador

«Barraca Peña es hoy el mayor exponente arquitectónico del modelo agroexportador de fines del siglo XIX y un testimonio de la historia del sur de la Ciudad. Cuenta con dos sectores para producción y acopio (uno en pie y el otro en ruinas), el almacén de ramos generales El Triunfo y el mercado de lana, carbón y frutos La Lanera”, explicaron las autoridades porteñas en un comunicado.

El conjunto comenzó a edificarse en 1863 y había también una estación de tren Barraca Peña (era un ramal del ferrocarril Belgrano Sur construido por Peña para su centro logístico), un puente levadizo que conecta el ferrocarril con la otra orilla del Riachuelo y un muelle cercano desde donde salían las mercaderías a Europa.

El sitio fue declarado Área de Protección Histórica en 2018. Cuando las obras terminen, el nuevo museo complementará las atracciones culturales del barrio, como Caminito, el Colón Fábrica o la Fundación Proa, con hallazgos arqueológicos únicos como un patio con cisterna del siglo XVII que apareció durante la restauración en Barraca Peña o el “Pecio”, un navío del siglo XVI hallado en Puerto Madero cuando se levantaba un edificio y que fue enterrado en los terrenos de la Barraca.

“Barraca Peña es uno de los inmuebles más antiguos que tiene Buenos Aires, con documentación de antes del Virreinato. Comenzamos queriendo recuperar un inmueble y vamos descubriendo capas y capas de historia de la ciudad de Buenos Aires en este objetivo que tenemos, que es proteger nuestro patrimonio, nuestra estructura y lo que nos da identidad”, explicó el Jefe de Gobierno, Jorge Macri, junto a la ministra de Cultura, Gabriela Ricardes, y el subsecretario de Patrimonio y Desarrollo Cultural, Leonardo Bellante.Barraca Peña , ubicada en La Boca y declarada Área de Protección Histórica, exhibirá hallazgos arqueológicos. Foto: prensa Ministerio de Cultura porteño.

Benito Quinquela Martín

Barraca Peña mostrará cómo era la actividad comercial y la vida portuaria que retrató el pintor Benito Quinquela Martín en el bullicioso barrio de La Boca entre los siglos XIX y XX, y se sumará a otras propuestas arqueológicas que ofrece la Ciudad, como los sitios La Cisterna y Virrey Liniers, en Monserrat, y La Noria en Villa Riachuelo.

Las dos primeras etapas de las obras de restauración en la barraca ribereña están concluidas, con la consolidación estructural del almacén El Triunfo como principal objetivo.

En las próximas semanas se avanzará con los trabajos para incorporar allí salas para exposiciones y reabrir en La Lanera la terraza mirador al Riachuelo. También se realizarán tareas de recuperación de elementos hallados en el barco y construirán un estacionamiento para micros turísticos y escolares.

Fuente: Clarín.com

La Manzana de las Luces, uno de los edificios más históricos de nuestro país, donde a pasos del Cabildo ha sido testigo de sucesos de enorme valor desde el siglo XVII, se une al Palais de Glace para presentar en las inmediaciones de su patio y una de las salas la muestra Inercia, que busca sacar a la luz obras que pertenecen al extenso patrimonio del Palais y reúne un cuerpo de 14 esculturas que fueron realizadas a partir de 1920 por artistas que dedicaron su labor principalmente a la figuración.Inauguración de Inercia. Escultura en la colección del Palais de Glace, en el Complejo Histórico Cultural Manzana de las Luces. Foto: Emmanuel Fernández.

Entre esos creadores, se encuentran José de Luca, Alfredo Fermín Sturla, Nicasio Fernández Mar, Arturo Dresco, José Lorenzo Llense, Miguel Ángel Budini, Martha Llansó de Saggese, Sepuccio Tidone, Selva Vega, Arturo Álvarez Lomba e incluso un artista desconocido.

Estas esculturas, aunque en un espectro acotado, resultan de investigaciones del cuerpo, en una época en la que las corrientes establecidas y de mayor aceptación se disputaban al mismo tiempo que convivían con las vanguardias y los nuevos movimientos que se instalaban en el campo del arte nacional.

Investigaciones sobre materiales

Ellas descansan bajo el paraguas de la figuración y devienen de investigaciones sobre materiales como el yeso, la piedra, el bronce y el cemento, dominadas inicialmente por una inercia que las mantiene en un perpetuo estado de reposo, resistiéndose al cambio, hasta que aparece el o la artista en su camino y provoca un acto de transformación hasta develar la obra de arte.

En palabras de Cristina Santa Cruz, directora del Palais: “Algo se mueve en lo que, en apariencia, debería permanecer quieto. Así, esta selección de obras pertenecientes al acervo del Palais de Glace, premiadas a través de las primeras décadas del Salón Nacional, habla de lo que no debería moverse… y que sin embargo late. Es la negación exacta de lo inerte y, al mismo tiempo, su condición física«.

Aun así, una vez que la metamorfosis culmina y la obra se revela, ya sea ideada o descubierta por esas manos creadoras, la pieza en sí regresa a un estado de quietud. Estos trabajos, que conforman el patrimonio de nuestro país al igual que tantos otros, en su mayoría no ven la luz del día ni conviven con los públicos.

Y allí radica la verdadera problemática que ambas instituciones se debaten. Inercia se convierte entonces en un primer paso para sacudir el refugio donde descansa el arte público, para que más personas puedan descubrir el valor de los acervos.Inauguración de Inercia. Escultura en la colección del Palais de Glace, en el Complejo Histórico Cultural Manzana de las Luces. Foto: Emmanuel Fernández.

Sobre esto, Santa Cruz comparte: “Esta exhibición propone un acto de reconocimiento hacia las obras y sus autores, y hacia la escultura entendida como un gesto esencial: una afirmación duradera frente al paso del tiempo. Porque cuando una obra permanece en las sombras y fuera de la mirada pública, su silencio se vuelve una ausencia».

Sacar al arte de las reservas

Así mismo, durante la inauguración reflexionó bajo las últimas horas de luz de un día perfecto de verano, que: “La manzana está tomando mucha fuerza y el Palais se une a ella para esta experiencia que habla de los que pasaron y los que están. Cuando aparecen los artistas, el movimiento se vuelve una constante. Queremos mostrar eso y sacar al arte de las reservas«.Inauguración de Inercia. Escultura en la colección del Palais de Glace, en el Complejo Histórico Cultural Manzana de las Luces. Foto: Emmanuel Fernández.

Considerando que el Palais, a través del Salón Nacional de Artes Visuales que se organiza de forma ininterrumpida desde el año 1911 y cuyos premios mayores son de adquisición, cuenta con una colección de más de 1000 piezas de diversas técnicas, se celebra que estas acciones continúen a lo largo del tiempo y en alianza con más espacios culturales del país, en especial aquellos que no cuentan con un patrimonio propio.

Por último, durante el acto inaugural también se destacó la labor que realizan los equipos de ambas instituciones y los trabajadores de la cultura en general.

Liliana Barela, subsecretaria de Patrimonio Cultural, sostuvo: “Estamos dando lo mejor todos los días. Este es un equipo maravilloso que se pone la camiseta del patrimonio y la cultura. Aunque el tiempo parece nunca alcanzar, estamos todos navegando en el mismo barco con los ojos puestos en los días que vienen».

Inercia. Escultura en la colección del Palais de Glace, de miércoles a domingo de 12 a 19 en las salas y las galerías del Patio de la Procuraduría del Complejo Histórico Cultural Manzana de las Luces (Perú 222). Entrada libre y gratuita.

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Melisa BoratynBio completa

Fuente: Clarín.com

«El Juicio Final» de Miguel Ángel, el imponente fresco del cielo y el infierno que domina la Capilla Sixtina, está pasando por su primera gran restauración en tres décadas, informó el Vaticano.‘El Juicio Final’ de Miguel Ángel será restaurado por primera vez en 30 años en la Capilla Sixtina. Foto: archivo Clarín.

La Capilla Sixtina permanece abierta a los visitantes y así seguirá durante los tres meses de limpieza, aunque los andamios obstruyen parcialmente la vista de la obra, de acuerdo con un comunicado de los Museos Vaticanos.

La limpieza, la primera gran restauración desde 1994, eliminará la acumulación de micropartículas en el yeso debido a la gran cantidad de personas que la visitan cada día.https://8d664fcd1dde5c3b37fbdcf48f0debd2.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

El museo describió la capa como una «neblina blanquecina generalizada, producida por la deposición de micropartículas de sustancias ajenas transportadas por los movimientos del aire».

Seis millones de visitantes

Más de seis millones de personas visitan los Museos Vaticanos cada año, y la Capilla Sixtina es uno de los destinos principales. Con tantas personas en un espacio tan reducido, el Vaticano monitorea constantemente los niveles de humedad y temperatura de la capilla y toma medidas proactivas para protegerla.

El templo lleva el nombre del papa Sixto IV, un mecenas del arte que supervisó la construcción de la principal capilla papal en el siglo XV.‘El Juicio Final’ de Miguel Ángel será restaurado por primera vez en 30 años en la Capilla Sixtina. Foto: archivo Clarín.

Pero fue un pontífice posterior, el papa Julio II, quien encargó las obras a Miguel Ángel. El maestro del Renacimiento pintó el famoso techo, la «Creación de Adán» que muestra la mano extendida de Dios, entre 1508 y 1512 y más tarde regresó para pintar «El Juicio Final» en la pared detrás del altar.

La capilla acogió el cónclave de mayo en el que se eligió al papa León XIV.

Con información de AP.

Fuente: Clarín.com

De la A hasta la Z y desde principios del siglo XVIII hasta la actualidad. El Diccionario Rosarino Ilustrado registra aspectos políticos, sociales, urbanísticos, geográficos, económicos, deportivos, artísticos y culturales, un conjunto de referencias que propone múltiples entradas a la historia de la ciudad y revaloriza un dispositivo clásico de orden y conocimiento en la era de los buscadores digitales.El Diccionario Rosarino Ilustrado (Editorial Municipal de Rosario). Foto: gentileza.

Publicado por la Editorial Municipal de Rosario, el Diccionario se inspira en la obra del historiador y periodista Wladimir Mikielievich (1904-1999) y reivindica el modelo de las enciclopedias no solo por la variedad de sus temas sino por la importancia asignada a la realización visual. Las entradas incluyen fotografías, láminas, logos, dibujos y retratos que provienen de múltiples archivos y abren otras ventanas para apreciar fenómenos tan distintos como las transformaciones de la céntrica calle Córdoba a través del tiempo, los carteles de comercios a principios del siglo XXI o los peces del río Paraná frente a Rosario.

Mikielievich fue también coleccionista, estadístico, ilustrador y editor, y dedicó su vida al estudio y la documentación de la historia de Rosario. A su muerte quedó inédito un diccionario que contiene más de veinte mil entradas, comprende 54 tomos y resulta muy difícil de publicar en su forma original por las dimensiones y también por los mismos criterios del registro, que imponían la actualización constante. Esta disposición alerta y sensible ante los pequeños y grandes cambios en la vida de la ciudad caracteriza su enorme legado.https://13e5054f17b30dd4f4a4e2b84f163a73.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Trescientas entradas

El Diccionario Rosarino Ilustrado selecciona doscientas entradas de la obra de Mikielievich y agrega otras cien producidas por la editorial para dar cuenta de la historia reciente. El orden alfabético habilita la miscelánea de materias y épocas y al mismo tiempo la lectura no lineal, librada a la curiosidad y la inquietud de cada lector.El Diccionario Rosarino Ilustrado (Editorial Municipal de Rosario). Foto: gentileza.

Las entradas contemporáneas amplían el espectro conocido. Si las menciones de Lionel Messi, Angel Di María y Luciana Aymar son inevitables en el deporte, el Diccionario incorpora figuras menos conocidas pero igualmente trascendentes: entre otras, Yanina Martínez, distinguida como una de las mejores atletas argentinas de la última década, quien compite en atletismo adaptado; el club Morning Star, protagonista de los Campeonatos Infantiles y Juveniles “Evita”; la tenista Mary Terán, perseguida por su adhesión al peronismo y proscripta de los circuitos oficiales después del golpe de 1955.

En el mismo sentido, las inclusiones de la cantante Nicki Nicole, el dibujante Max Cachimba (Juan Pablo González) y el sello discográfico y colectivo artístico Planeta X, entre otras, corresponden a la actualización de referencias en el plano de la cultura. Menos previsible resulta la incorporación de Galpón Okupa, espacio cultural independiente que funcionó entre 1997 y 1998 en un inmueble abandonado del Ferrocarril Mitre y terminó desalojado por gendarmes y policías en un violento operativo; o la Plaza de la Libertad, que a principios de los años 90 consolidó un lugar de encuentro de la comunidad LGTB pese al hostigamiento policial.

Otro aporte significativo es el reconocimiento de expresiones culturales de los barrios como el artista de trap y rap Freejota, que desde Tablada, una de las zonas azotadas por la violencia narcocriminal del presente, documenta la vida cotidiana en asentamientos y zonas periféricas; o la Carpa del Encuentro, donde se toca y baila chamamé. “Las radios chamameceras están en los límites del dial y hay taxistas y obreros de la construcción que maldicen su llegada al centro porque pierden la sintonía de la radio que, a través de la música, vuelve a conectarlos con el paisaje sonoro de su infancia o juventud”, afirma el Diccionario.

También el astrónomo Víctor Buso (1959) es valorado por el Diccionario. De oficio cerrajero, fundó un observatorio en la terraza de su casa desde el que descubrió la muerte de una estrella y el nacimiento de una supernova (2016), “la primera y única de la historia en ser fotografiada en el momento de su nacimiento», y la partición de un cometa (2020), entre otros sucesos.

Instantáneas del pasado

Como cualquier ejemplar de su género, el Diccionario Rosarino define a sus términos y puntualiza sus aplicaciones. Lo particular del caso es que cada entrada desarrolla una micro historia y refiere en última instancia a la ciudad, abordada desde edificios emblemáticos, obras de infraestructura, planes de vivienda, parques, plazas, monumentos, museos y teatros; biografías de personalidades y figuras pintorescas; fenómenos naturales y acontecimientos históricos.

La impronta de Mikielievich se revela en el detalle del dato preciso, todavía más sorprendente cuando refiere a hechos que no parecerían dignos de notación: “en 1955 funcionaban en Rosario 216 comercios dedicados a la venta y reparación de bicicletas”.

El comercio del hielo, los ladrillos en la construcción desde el siglo XVIII en adelante, el reparto de leche, la norma de circular por la mano derecha, la introducción de las máquinas de coser y la moda de andar por la calle sin sombrero, gorra ni ninguna otra prenda para cubrir la cabeza (adoptada en 1933) no escaparon a su inventario, entre un sinfín de curiosidades. La aparente minucia depara una instantánea del pasado: la goma de mascar Yum Yum, que “se comercializó en Rosario desde el 18 de enero de 1916”, según el historiador, “causó numerosos accidentes, especialmente entre niños, por la falta de costumbre en masticar sin tragar”.Diccionario Rosarino Ilustrado A Agua Tanque de Aguas Provinciales_Riobamba 300 y Alem. Foto: Archivo Museo de la Ciudad.

La inserción del anarquismo en el movimiento obrero rosarino de fines del siglo XIX y principios del XX está registrada con entradas dedicadas a Virginia Bolten, fundadora de “La voz de la mujer” (1896), primer periódico escrito por mujeres, bajo el lema “ni Dios ni patrón ni marido”; Luisa Lallana, obrera de 18 años asesinada por un rompehuelgas (1928) y Joaquín Penina, secuestrado y asesinado por la policía local el 9 de septiembre de 1930, “el primer caso de desaparición de persona en Argentina”. El fusilamiento de Penina (1975), libro de Aldo Oliva que documentó el último caso, también desapareció, ya que la dictadura militar incineró la tirada completa, con otros títulos de la Editorial Biblioteca, entre ellos parte de la primera edición de En el aura del sauce, de Juan L. Ortiz.

Las entradas sobre Adolfo Bello, muerto en la represión del Rosariazo de 1969, y las Madres de Plaza 25 de Mayo reflejan motivos centrales en la memoria política de la ciudad. La controversia no fue solo social en Rosario, como demuestra la entrada “Conflicto con la Cola Cola”: la venta de la gaseosa estuvo prohibida en Rosario entre 1948 y 1955 porque el director del Instituto de Bromatología de Santa Fe se negó a autorizar la distribución de un producto cuya fórmula era secreta.Diccionario Rosarino Ilustrado L Las Flores plaza Itati. Foto: gentileza.

Los barrios Empalme Graneros, Ludueña y Las Flores son desde hace una década territorios de disputa entre bandas criminales; el Diccionario reconstruye sus orígenes y el perfil de sus habitantes, para mostrar que tienen otras historias que contar. Lo mismo surge a propósito de Sunchales, célebre por la densa historia prostibularia extendida entre 1875 y 1933 documentada en las exhaustivas investigaciones de la historiadora María Luisa Múgica; Rosario fue llamada entonces “la ciudad de los burdeles” y dictó la primera ordenanza en el país para regular la prostitución.

El Diccionario acuña otro apodo poco honroso, el de “comegatos”, y recuerda su origen: una nota del movilero Julio Bazán (1996) con un vecino de la zona sur que mostró cómo asaba un gato a la parrilla. La gastronomía rosarina tiene mejores ejemplos con el asado de cordero a campo (la entrada detalla su preparación), el “tinto de verano”, variante moderna de la sangría tradicional, y el Amargo Obrero, “el aperitivo del pueblo argentino” introducido por un inmigrante italiano radicado en la ciudad.Diccionario Rosarino Ilustrado B Barquito de Papel (Silvio MoriconI). Foto: gentileza.

“El Diccionario Rosarino Ilustrado es una invitación a diseñar tu propia imagen de Rosario”, dicen los editores. Y con la multiplicación de las posibilidades asoma una ciudad dispuesta a nuevas visitas.

Diccionario Rosarino Ilustrado (Editorial Municipal de Rosario).

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Sobre la firma

Osvaldo AguirreBio completa

Fuente: Clarín.com

La performance se llama [AFK] away from keyboard (lejos del teclado), su autora e intérprete es la argentina Lux Valladolid y todo transcurre durante una inauguración en Art Basel 2025, en la sede original de la feria de arte más influyente del mundo.Lux Valladolid en ArtBasel 2025. Foto: gentileza.

Sobre la punta inferior del edificio del Kunstforum Baloise Park, en Suiza, está acostada boca abajo una chica que parece salida de un videojuego. Lleva un trajecito blanco tan pulcro que brilla. Que contrasta además con sus anteojos polarizados estilo Matrix, su pelo negro y rojo flúor, atado en dos colas de caballo, y en general con todo el entorno. La figura que interpreta está fuera de contexto, se parece a uno de esos avatares que en estas animaciones se chocan con una pared y quedan ahí atorados, como desconectados o fuera de la interfaz. Esta chica domina su propio cuerpo en una quietud prolongada e insólita, que la mantiene en equilibrio mientras parte suya está en el aire. La gente la observa con algo de desconcierto, algunos se acercan, tratan de procesarla con la mirada, le sacan fotos.

Lux Valladolid, desde hace tiempo, investiga y se entrena en función de este personaje: un NPC (Non Player Character, Personaje No Jugador). “El NPC es el personaje secundario en los videojuegos, suele estar de relleno, no es relevante en la historia ni está pensado para ser notado. Sino programado para repetir movimientos o diálogos fijoLibre albedrío, de Lux Valladolid se presentará el jueves 12 de febrero a las 19 en el Museo MAR de Mar del Platas”, explica la artista a Clarín en su estudio, el piso 29 de un edificio de Belgrano.https://6e40a13e5599c9d2f25ebea03c406640.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

¿Qué te gusta hacer?

“El paralelismo con la vida real tiene que ver con no sentirse el main character de tu propia vida. Siempre hay factores externos que influyen en lo que hacemos pero, ¿qué de todo es en realidad una decisión? ¿Qué te gusta hacer? ¿Es esta la vida que te imaginabas?”, plantea.Lux Valladolid en ArtBasel 2025. Foto: gentileza.

El NPC es el gen de todo este proyecto que en 2025 captó la atención del programa Pro Helvetia Sudamérica, perteneciente al consulado de Suiza. La artista quedó seleccionada por el programa para profundizar su investigación en una residencia financiada de tres meses en Basilea.

“Estoy obsesionada con los estereotipos. En mi performance, las poses son non humans, no orgánicas, y a la vez hacerlas requiere de muchísimo control del propio cuerpo. Entender la arquitectura de los espacios también es indispensable, ya que no son fondos neutros sino estructuras que condicionan y organizan el comportamiento del cuerpo. La acción se plantea como una pausa que interrumpe la automatización y abre la pregunta de cuánta agencia real tenemos sobre lo que hacemos”, sugiere.

Antes de participar de la programación de Art Basel Suiza, su performance estuvo en el Malba en el marco de la muestra de la artista china Cao Fei, El futuro no es un sueño. Incluso, cuando se enteró del festival de performance de Kunsthochschulen, durante su residencia en Basilea, Valladolid irrumpió allí mismo con una intervención que reunió público como una más de las actividades planificadas. El 29 de enero presentó formalmente Libre albedrío en el Museo MAR de Mar del Plata y volverá a verse el jueves 12 de febrero antes de aterrizar en marzo en la Semana del Arte de Madrid.

Lux es licenciada en Ciencias de la Comunicación y artista. Vivió toda su infancia en Mar del Plata y se mudó a Buenos Aires a los 18 años “como una chica que cree que le pertenece la gran ciudad”, según cuenta. Estudió teatro, periodismo, fue incluso columnista radial y pasó por el programa de arte de la Universidad Di Tella.

En teatro me di cuenta que tenía mucho por expresar, pero me gustaba esta cosa del vivo sin ensayo. La primera vez que vi un cubo blanco en una galería dije ‘yo quiero esto, posibilidades’. Eso es lo que busco desde que me fui de Mar del Plata. El cubo representa un infinito donde mi imaginación brilla. En Buenos Aires empecé a experimentar con la performance, el vestuario y las intervenciones públicas”, relata.

Lo que inspira a este personaje son los comportamientos sociales serializados, los guiones establecidos, las vidas que parecen preprogramadas o impuestas.Lux Valladolid en el Malba. Foto: gentileza.

“Para mí, la performance es un método de investigación más que de exposición. Quizás viendo a alguien fuera de contexto nos preguntemos si, acaso, nosotros estamos en el contexto correcto. Sobre el control de nuestras vidas o por qué elegimos lo que elegimos. Me interesa ver cuánto de nuestro comportamiento en la vida real se asemeja al de estos personajes: automatizados, predecibles, pasivos. Todos somos un NPC en la vida de alguien, el problema es si sos uno en la tuya”, exclama.

¿Los NPC piensan, tienen sentimientos? ¿Qué es estar en control de tu propia vida? Lux da entidad y presencia a aquello que quiere pasar desadvertido, a la tensión entre el contexto digital y el real cuando se empiezan a parecer quizás más de lo que deberían. A esa quietud de quien no está jugando, y que aún así, puede ser la más llamativa en un parque público, en un festival de arte o en un cocktail en la mansión de un coleccionista, si se la pone en cuestión.Libre albedrío, de Lux Valladolid se presentará el jueves 12 de febrero a las 19 en el Museo MAR de Mar del Plata. Foto: gentileza.

“Lux es el opuesto a los personajes sin alma que encarna, ella es alegre, nerviosa, empática, sensitiva”, apuesta Alexandra Stäheli, la directora del programa internacional de intercambio que recibió a la performer argentina en el Atelier Mondial.

“Yo aprendí a trabajar y vivir con incertidumbre, eso afuera se valora mucho. Es muy fácil si tenes los recursos, pero yo no los tengo y estoy buscándolos para hacer la vida que quiero vivir”, cierra la artista.

Libre albedrío, de Lux Valladolid se presentará el jueves 12 de febrero a las 19 en el Museo MAR de Mar del Plata con entrada gratuita.

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Nicole Giser

Periodista cultural.Bio completa

Fuente: Clarín.com

La filosofía y la poesía abren alas en el ensayismo agambiano, que también explora lo filosófico político, la biopolítica, y otras cuestiones de alta acústica conceptual en la cultura occidental.El filósofo italiano Giorgio Agamben. /Archivo Clarín.

La demarcación entre la palabra poética y la filosófica se realza en el libro de Giorgio Agamben, Estancias. La palabra y el fantasma en la cultura occidental, publicado por Adriana Hidalgo Editora/ A.hache, con traducción de María Teresa D’ Meza Pérez y Rodrigo Molina–Zavalía.

Hegel le atribuye a la ironía romántica, de un Friedrich Schelegel o Novalis, la trampa de una «infinita negatividad absoluta» que avala lo inexpresable como «lo mejor»; eso indecible es lo que susurra la lengua poética, mientras que la filosofía no puede renunciar a la enunciación del saber.https://ad2fa9e9083312a69d6af7878e6dcb60.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

El poeta se encamina hacia valles o palacios siempre inalcanzables por palabras que resbalan en la bruma. Así, «la crítica –asociada a la poesía– no consiste en encontrar su objeto, sino en asegurar las condiciones de su inaccesibilidad«, afirma Agamben.

Descensos al abismo

El filósofo, por su lado, a la manera hegeliana, desea eregir sólidos bastiones de un conocimiento absoluto; el poeta, por el contrario, sin escaleras, desciende a abismos de los que no siempre regresa.

El desacuerdo entre palabra poética y palabra filosófica aflora de un modo tan original en nuestra tradición cultural que Platón ya podía atestiguar esa «vieja enemistad». Esta separación se incrusta en la modernidad «en el sentido de emerger de un modo tan original que la poesía posee su objeto sin conocerlo y la filosofía lo conoce sin poseerlo», asegura el filósofo.

La divisoria entre poesía y filosofía, que fulge «entre un polo extático–inspirado y un polo racional consiente», donde ninguno de estos términos puede controlar o sujetar al otro, deriva en «la esquizofrenia del hombre occidental», según Aby Warburg, el historiador alemán especializado en el Renacimiento italiano y sus vínculos con el paganismo.

Y Agamben recuerda que los poetas del siglo XIII identifican el núcleo de su poesía, de la poesía trovadoresca en particular, como una «morada» o «estancia» enraizada en el jardín en el que crece su «único objeto».

La poética lírica trovadoresca–stilnovista (unida al nuevo estilo o «dulce estilo» de Dante Alighieri) declara Agamben, es el mirador central de su investigación de «una teoría del fantasma por la cual la poesía se convierte en su propia autoridad o «estancia» en la que … la poesía late en la experiencia amorosa como alegría o goce que nunca termina».

Así, todos los ensayos de la obra comentada tejen una topología o clasificación de las «estancias» por las que el ánimo poético busca apropiarse o decir algo que invariablemente emana el vaho de lo «inapropiable». Esta búsqueda que principia con la poesía que no puede balbucear y poser lo que pretende decir, es parte de una utopía, de una «topología de lo irreal». Aun así, Agamben no desiste de proponer algunos procesos ejemplares que exsudan lo inexpresable dentro de la historia de la cultura.

Esas andaduras incluyen la acidia medieval, la mecancolía y el eros, la obra de arte constrastada con la mercancía fetichizada; o la poesía medieval trovadoresca afectada y, a la vez potenciada, por «la perdida de su objeto» inasible.

«Demonio meridiano»

En la Edad Media, la acedia, la pereza, o la indiferencia ante los deberes religiosos, es «flagelo peor que la peste»; es «demonio meridiano» que obsesiona la mente. En el monje medieval por ejemplo, el objeto mismo del aletargamiento perezoso es una «forma de la negación y la carencia».El filósofo italiano Giorgio Agamben. Foto: Gorka Lejarcegui_EL PAIS.

Sobre la melancolía, por su parte, ejerce fuerte influjo la astrología, en el llamado Renacimiento hermético o mágico en el siglo XVI. La casa zodiacal de Saturno regentea la ambigua influencia astral de lo meláncolico que impele «el recogimiento interior y el conocimiento contemplativo»; la vida activa se desplaza, entonces, en favor del deseo de «una enigmática sabiduría», lo que expresa el ángel melancólico en el célebre grabado «Melancolia I» (1513), de Alberto Durero. En esta obra, entre distintos instrumentos de geometría, el ser angelical inmerso en su meditación melancólica rebosa en «potencias que custodian lo inaccesible» y «la epifanía de lo inasible».

La cima de la meditación agambiana sobre el nexo de la palabra y el fantasma, sobre lo que se manifiesta como ausente o perdido, brilla en la poesía trovadoresca provenzal medieval y en «il dolce stil novo» de Dante de la mujer idealizada en términos de sabiduría.

El objeto del amor que canta el poeta trovador y cortesano a distintas damas medievales, señoras de los castillos en ausencia de sus esposos, los señores feudales, es «imposible objeto de amor» que, paradojalmente, solo puede ser retenido como «objeto perdido»; a pesar de esto, la poesía occidental sigue animada por la vitalidad de una «alegre e inexhausta ‘unión espiritual’ con el propio objeto del amor».

De vuelta, la poesía como atracción de lo perdido e inasible; lo ajeno al conocimiento de la filosofía asentada sobre firmes acantilados. La poesía y sus brisas esparcidas en un territorio irreal y fantasmal, pero que, a su vez, contiene las «estancias», radiantes, que lo poético explora y habita.

Estancias. La palabra y el fantasma en la cultura occidental, de Giorgio Agamben (A.hache).

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Esteban Ierardo

Filósofo, docente y escritor. Su último libro La red de las redes, ed. Continente; su página cultural “La mirada de Linceo: (www.estebanierardo.com)”Bio completa

Fuente: Clarín.com

Presidentes, presidentas, dictadores, gobernantes latinoamericanos: a casi todos parece gustarles esgrimir durante sus mandatos las armas que en algún momento, o no, usaron sus predecesores en el campo de batalla. Sables y espadas, simples o adornadas, han sido trasladadas, generalmente sin medidas de protección o robadas de los lugares donde las situó la historia, un testamento o diversas voluntades, y esgrimidas como parte de otras batallas, entre ellas supersticiones personales, sin que literalmente corra sangre, en guerras con victorias pírricas, en las que las historias de sus propietarios originales son acomodadas al gusto.Cristina Fernández de Kirchner no usó guantes en ocasión del anterior traslado del sable corvo de San Martín al Museo Histórico Nacional. Foto: Télam.

Pocas reliquias concentran tanta densidad simbólica como el sable corvo de José de San Martín, que se conserva en Argentina, y la Espada de Lima de Simón Bolívar, en Venezuela.

Cuando todas las miradas hoy están puestas en el posible traslado del sable corvo de San Martín ordenado por el presidente Javier Milei, del Museo Histórico Nacional al Regimiento de Granaderos a Caballo «General San Martín», la unidad más emblemática del Ejército Argentino, creada por el Libertador el 16 de marzo de 1812, y se futuriza cómo el argentino puede hacer uso de este durante la ceremonia, otros presidentes latinoamericanos las han mal manipulado: algunos sin mucha información, otros a su gusto y conveniencia.https://8e6c24d036a7ca3fc09a5f25dea9c985.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Testigos del pasado

Las armas blancas históricas no son solo piezas de colección, sino también testigos de épocas pasadas. Un cuidado adecuado es crucial para su conservación.

Existe un protocolo que se supone inviolable y que garantiza su conservación. Si hablamos de armas originales o réplicas de alta gama, el sudor humano es el mayor enemigo debido a su acidez, por lo que siempre deben sostenerse con guantes.

Esto parece no ser conocido por presidentes latinoamericanos, tal como demuestran fotos de asunciones y traslados en los que las armas y otras reliquias históricas han sido utilizadas.Gustavo Petro, el actual presidente de Colombia, retardó su ceremonia de asunción para sostener la espada de Simón Bolívar que había sido antes robada por el M-19, movimiento al cual él perteneció. Foto: archivo Clarín.

Cristina Fernández de Kirchner no usó guantes en ocasión del anterior traslado del sable corvo de San Martín al Museo Histórico Nacional, momento en el que blandió el arma. De este mismo museo fue robada el arma en los años 1963 y 1965.

Tanto Hugo Chávez como, principalmente, Nicolás Maduro, en Venezuela, convirtieron en un fetiche bolivariano la llamada Espada de Lima de Simón Bolívar. Maduro acostumbraba a esgrimirla, sin protección alguna, en múltiples actos políticos y la mantenía, no en el Banco de Venezuela, donde estuvo muchos años a resguardo, sino cerca de sí, en su despacho.

Técnicamente conocida como la Espada del Perú, es considerada una de las piezas de orfebrería más valiosas y bellas del mundo. La espada nunca se usó en una batalla ni vio la sangre del enemigo. Fue creada por el orfebre indígena Chungapoma. La firma del autor está grabada en la hoja: «Chungapoma me fecit en Lima» (Chungapoma me hizo en Lima).

Regalo de la Municipalidad de Lima a Simón Bolívar en 1825, tras las victorias de Junín y Ayacucho, es de acero damasquino de la más alta calidad, grabada con inscripciones en oro que dicen: «Simón Bolívar: Unión y Libertad» y «Libertador de Colombia y del Perú». El pomo y la empuñadura están hechos de oro puro; tiene un total de 1.367 brillantes, 8 rubíes y 7 esmeraldas incrustadas en diferentes partes de la guarnición y la cazoleta.

No tan famosa como la que está en Venezuela, otra espada de Bolívar en Colombia ha sido protagonista de varias historias. Gustavo Petro, el actual presidente de Colombia, retardó su ceremonia de asunción para sostener la espada de Simón Bolívar que había sido antes robada por el M-19, movimiento al cual él perteneció.Hugo Chávez y Nicolás Maduro, en Venezuela, convirtieron en un fetiche bolivariano la llamada Espada de Lima de Simón Bolívar. Foto: archivo Clarín.

Petro sí usó guantes, aunque, según cuenta Roldán Esteva-Grillet, el destacado investigador venezolano y autor de varios artículos sobre el culto a las reliquias y el imaginario de los héroes que lucharon por la Independencia.

“La espada que Petro quiso tener a la vista –explica– es un sable de la época de la independencia, pero no hay ninguna documentación que pruebe que haya sido de Bolívar; simplemente entró a la Quinta de Bolívar en Bogotá y la gente la fue atribuyendo a Bolívar, y con ese simbolismo fue sustraída por la guerrilla del M-19, a la que el mismo presidente colombiano perteneció, por su lado civil. Robada de la Quinta en 1974, reapareció en manos de Fidel Castro en los noventa, cuando en Colombia se realizó una Asamblea Constituyente. Se resguardó entonces en el Banco Central, pero últimamente fue trasladada al Palacio de Nariño, y de allí fue que Petro esperó hasta media hora para que la trasladaran hasta la plaza de Bolívar, donde sería su juramentación”.

Recordemos que el rey de España que asistió a la toma de posesión no se puso de pie ante el paso de la espada de Bolívar, como señal de respeto, como sí lo hicieron el resto de los invitados.

Las réplicas

Una réplica del sable corvo de San Martín fue recibida por el presidente Charles de Gaulle (Francia) en 1964. De Gaulle fue clave para que el testamento original de San Martín regresara al país y fue el presidente Arturo Illia quien se la entregó. La pieza fue hecha por el Batallón de Arsenales 601 «Esteban de Luca» del Ejército Argentino.

Durante su mandato, la presidenta Cristina Fernández de Kirchner le entregó una réplica a Fidel Castro en La Habana y una a Hugo Chávez en Venezuela, ambas hechas por el orfebre Juan Carlos Pallarols.

Pallarols, en la década de 1990, hizo un calco del sable corvo original de San Martín, reproduciendo hasta los detalles más minúsculos, como rasguños y cicatrices. Trabajó directamente sobre el sable original en su taller y fabricó varias piezas. En el Regimiento de Granaderos a Caballo hoy se exhibe una copia que será sustituida por el original.

Hugo Chávez y Nicolás Maduro inauguraron en Venezuela la tradición de entregar réplicas de la Espada de Lima de Simón Bolívar. La recibieron, entre otros, Vladímir Putin (Rusia), Xi Jinping (China), Ebrahim Raisi (Irán), Fidel y Raúl Castro, Miguel Díaz-Canel (Cuba), Evo Morales (Bolivia) y Daniel Ortega (Nicaragua).

Las réplicas están bañadas en oro de 24 quilates, con cristales o piedras semipreciosas que imitan los diamantes y rubíes originales; llevan grabado el nombre del destinatario y la fecha, junto a la frase: «La Unión y la Libertad».El abogado Michel Capelo Portillo, último descendiente de Simón Bolívar, quien trabaja para que el legado de este sea recordado con respeto. Foto: gentileza.

Mientras en la sociedad argentina son muchos los debates políticos sobre la intención del cambio de lugar del sable de San Martín y pocos relacionados con las medidas de seguridad de las reliquias históricas, y cuando descendientes de San Martín y Rosas toman partido por el no traslado del arma, le pregunté al abogado Michel Capelo Portillo, último descendiente de Simón Bolívar, quien trabaja para que el legado de este sea recordado con respeto y entendido en el contexto histórico en el que se desarrolló.

–¿Qué opinas sobre el uso de la espada de Bolívar y San Martín como amuleto y símbolo por parte de los políticos?

–Siento que es una conexión directa entre el presente y el pasado. ¿Te imaginas posar la mirada en el mismo lugar que estuvo la de Simón Bolívar o San Martín? Ahora piensa poder palparlo. ¿Te imaginas que sea tu mano la que ponga sus huellas en aquella pieza que les acompañó al momento de decidir? Y ahora piensa que tengas un cargo parecido: cuál es la siguiente parte de la línea de preguntas: ¿Seré yo la reencarnación del proceso?

“Las espadas deben estar a la vista de todos”, concluye.

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Claribel Terré MorellBio completa

Fuente: Clarín.com

Un dibujo de un león hecho por el pintor holandés Rembrandt recaudó en una subasta este miércoles 17,8 millones de dólares en Nueva York, un dinero que irá a parar a la organización Panthera, dedicada a la conservación de los felinos salvajes.

Una persona toma una fotografía a la obra ‘Young Lion Resting’ (Joven león descansando) del pintor holandés Rembrandt van Rijn, en la casa de subastas Sotheby’s en Nueva York (EE.UU.). EFE/ Ángel ColmenaresUna persona toma una fotografía a la obra ‘Young Lion Resting’ (Joven león descansando) del pintor holandés Rembrandt van Rijn, en la casa de subastas Sotheby’s en Nueva York (EE.UU.). EFE/ Ángel Colmenares
La pieza, titulada ‘Young Lion Resting’ (‘Joven león descansando’), superó levemente el precio estimado por la casa de subastas Sotheby’s, entre 15 y 20 millones de dólares.

Esta era la estrella de la primera venta de la semana anual de «antiguos maestros» de Sotheby’s, en la que vende al mejor postor pinturas de artistas europeos desde finales del siglo XIII hasta principios del XIX y con la que este año espera recaudar 100 millones de dólares.

La obra subastada hoy es la única representación animal de Rembrandt que permanecía hasta ahora en manos de un particular, y ha sido cedida por el empresario y filántropo estadounidense Thomas Kaplan.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, León joven descansando, alrededor de 1638-42. Foto: Cortesía de Sotheby’sRembrandt Harmenszoon van Rijn, León joven descansando, alrededor de 1638-42. Foto: Cortesía de Sotheby’s
«Realmente significativo»
Gregory Rubinstein, jefe del Departamento de Dibujos de Antiguos Maestros de Sotheby’s, explicó que este es el primer dibujo «realmente significativo» de Rembrandt que sale a subasta en al menos 25 años.

En ella, el holandés esboza un león que descansa sobre una superficie pero que parece preparado para atacar, transmitiendo a través de él una combinación de calma e intensidad, según Sotheby’s.

Se cree que el pintor neerlandés representó al felino entre finales de la década de 1630 y principios de la de 1640, y que lo hizo en directo.

El artista realizó múltiples bocetos como este, que fueron «esenciales» a la hora de profundizar su comprensión del mundo y su capacidad para incorporar sus elementos en sus composiciones, apunta la casa.

El papel de Panthera en la subasta

Panthera, una organización estadounidense dedicada a proteger a los felinos salvajes y sus ecosistemas, juega un papel fundamental en la subasta de esta pieza, pues el 100 % de lo recaudado será destinado a la entidad.

Según Panthera, en el último siglo las poblaciones de leones se han desplomado casi un 90 %, de 200.000 a apenas 20.000, y más del 40 % de todas las especies de felinos salvajes se encuentran en peligro de extinción.Fotografía que muestra la obra ‘Young Lion Resting’ (Joven león descansando) del pintor holandés Rembrandt van Rijn exhibida, en la casa de subastas Sotheby’s en Nueva York (EE.UU.). EFE/ Ángel Colmenares

«‘Young Lion Resting’ establece un paralelismo intencionado entre las reflexiones de Rembrandt del siglo XVII y la acelerada crisis de biodiversidad actual, preguntándose si las generaciones futuras verán a los leones como animales vivos o meras representaciones históricas», escribe Panthera en su página web.

Así, la pieza de Rembrandt da pie a una conversación sobre «la extinción, el legado y lo que percibimos y sentimos cuando algo icónico desaparece», insiste la organización.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com

El Ministerio de Cultura de Perú declaró como patrimonio cultural de la nación 22 obras del célebre escritor Julio Ramón Ribeyro publicadas entre 1955 y 1992 y que son primeras ediciones o ejemplares con especial valor en el recorrido literario del autor, especialmente conocido por sus cuentos.Perú declara patrimonio cultural 22 obras de Julio Ramón Ribeyro, el gran cuentista del siglo XX.

A través de una resolución viceministerial publicada en el diario oficial El Peruano, el ministerio indica que esas obras pertenecen a la Biblioteca Nacional del Perú (BNP).

«Es considerado el mejor cuentista peruano de todos los tiempos (Luchting, 1988) y uno de los más importantes en lengua española del siglo XX (Higgins, 1991), así como el fundador literario de la Lima moderna», reza el documento oficial.https://77c2f0566ea2e116236ebdd8e321e477.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-45/html/container.html

Patrimonio cultural

El Gobierno peruano expone que declara como patrimonio cultural de la nación esas obras de Ribeyro (1929-1994), escritor y ensayista peruano de la Generación del 50, porque es uno de los autores más importantes de la escena literaria nacional contemporánea y uno de los principales narradores hispanoamericanos del siglo XX.

«La importancia de la obra de Julio Ramón Ribeyro se funda en el fuerte vínculo que existe entre el contenido de las obras y la realidad nacional peruana. Las obras propuestas tuvieron un fuerte impacto en el campo literario, contribuyendo a la construcción de una nueva representación de la ciudad de Lima y sus habitantes», añade la resolución.

En cuanto a la relevancia de los ejemplares, las 22 obras son primeras ediciones y una buena parte de estas destacan por los importantes editores, editoriales e imprentas que estuvieron detrás de sus publicaciones, como Juan Mejía Baca, Milla Batres, Mosca Azul, Minerva y, en algunos casos, instituciones como la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (UNMSM), el Instituto Nacional de Cultura y la Municipalidad de Lima.

El ministerio sostuvo que Ribeyro transformó el género de los cuentos y marcó un hito en la historia de la literatura peruana.Perú declara patrimonio cultural 22 obras de Julio Ramón Ribeyro, el gran cuentista del siglo XX.

El mejor cuentista

«Gracias a la obra de Ribeyro, el cuento, como género literario, logró afirmarse y consolidarse dentro de la literatura peruana (Prado y Portugal, 2022). Esto lo ha llevado a ser considerado el mejor cuentista peruano de todos los tiempos (Luchting, 1988) y uno de los más importantes en lengua española del siglo XX (Higgins, 1991)», agrega.

El Ejecutivo también subrayó el valor histórico y artístico de sus novelas, como Cambio de guardia, que «marcó un hito en la literatura peruana, siendo el último aporte de la corriente neorrealista de la Generación del 50» y de su producción teatral, donde destacó Vida y pasión de Santiago el pajarero y Atusparia.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com