Categoría: Entretenimiento

La llaman “la carretera de la muerte”. En esa autopista que rodea Jerusalén, un camión impacta contra un bus escolar, que vuelca y se enciende en llamas. Un grupo de personas que estaban cerca empiezan a sacar a los niños. Son todos palestinos y tienen cuatro o cinco años. Las ambulancias tardan en llegar. El padre de uno de los pequeños pasajeros está en la carnicería cuando alguien llama y le pregunta si su hijo fue a la excursión de la escuela. El hombre se llama Abed Salama y está por vivir uno de los peores días de su vida.

Su tragedia personal narrada por el periodista Nathan Thrall en la crónica ganadora del Premio Pulitzer 2024 Un día en la vida de Abed Salama (Anagrama) se convierte en la punta del iceberg para contar la tragedia mayor de un conflicto que lleva más de medio siglo sin encontrar una solución pacífica.https://abb965a4a08021667ef8aa5327c15e65.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

Thrall es estadounidense, pero reside desde hace varios años en Jerusalén. Ha publicado artículos y reportajes en medios como The New York Times Magazine, The Guardian, London Review of Books y The New York Review of Books, donde publicó en 2021 una versión corta de lo que luego sería Un día en la vida de Abed Salama.

Además, ha formado parte durante una década de la ONG International Crisis Group y ha sido profesor en el Bard College.

Preguntas difíciles, invitaciones canceladas

Cuando a principios de octubre de 2023 estaba por empezar una gira para hablar sobre el libro, sabía que tendría que enfrentarse a las preguntas difíciles. Lo que no podía anticipar es que, en la misma semana de la publicación, Hamas atacaría el sur de Israel y varios de los eventos a los que planeaba ir retirarían la invitación.Un día en la vida de Abed Salama, de Nathan Thrall (Anagrama) . Foto: Judy Heiblum, Anagrama.

Un caso similar fue el de la escritora palestina Adania Shibli, quien iba a recibir el premio LIBerturpreis por su novela Un detalle menor cuando la feria de Frankfurt decidió posponer indefinidamente la entrega en un hecho que fue rechazado por autores y profesionales de la edición de todo el mundo.

Las similitudes entre la obra de Shibli y la crónica de Thrall no acaban en esa coincidencia, sino que comparten un enfoque. Dos hechos trágicos como el de una violación, en un caso, o un accidente de tránsito en el otro, sirven como la punta de un ovillo para revelar el entramado entre lo personal y lo político en las vidas de los habitantes de Cisjordania y los terrenos ocupados por Israel.

El siniestro vial ocurrido en 2012 y el laberinto de obstáculos que atraviesa Abed Salama para enterarse del destino de su hijo accidentado lleva las marcas de un sistema de apartheid, tal como lo caracteriza Thrall. Era ese cotidiano impregnado de violencia el que quiso retratar, mucho antes del inicio de los últimos ataques.

Desde lo estilístico, la crónica de Thrall mantiene un pulso de suspenso que, lejos de sentirse como un artificio, subraya la necesidad de prestar atención a los detalles y lleva el mensaje a la forma: para comprender el hecho, es imperioso situarse en el contexto, hurgar con detenimiento en la historia para llegar a las causas profundas.

Omisiones del juicio

El conductor del camión fue condenado, pero Thrall apunta a las omisiones del juicio: los controles del ejército demoraron la llegada de las ambulancias, los servicios de emergencia palestinos requerían de autorización para circular en la zona del accidente y tampoco llegaron a tiempo.

La deficiencia de lugares de juego forzó a la escuela a hacer una excursión por una vía mal mantenida en la que siempre había embotellamientos por los puestos de control que ralentizaban la movilidad de cientos de palestinos.

Una tormenta perfecta de negligencias y abandono estatal –para muchos, evidentemente intencional– que dio como resultado la muerte de seis niños y una docente.

La narración empieza con el angustiante caos del accidente para luego ir deteniéndose en las historias personales de cada uno de los implicados: el propio Abed, los primeros en rescatar a los niños como la médica Huda Dahbour y el conductor que la llevaba a su trabajo en una clínica móvil de refugiados; los paramédicos Nader Morrar y Eldad Benshtein, el primer israelí en llegar a la escena, militares israelíes y miembros de la Autoridad Palestina, otros padres afectados. Son tantas las personas involucradas que el libro incluye un listado de nombres a modo de guía.

Esta abundancia de historias redunda en la clara búsqueda de Thrall de mostrar cómo el conflicto moldea las vidas a uno y a otro lado de los muros de Jerusalén y hace que el relato cobre matices.

Abed es un hombre común con sus virtudes y defectos. Hubo colonos israelíes que se solidarizaron con las familias golpeadas por el accidente a través de una pancarta de condolencias y donaciones. Ni el pueblo palestino ni los habitantes de Israel aparecen como bandos con opiniones homogéneas.

De forma tristemente anticipatoria, el libro concluye con un devastador epílogo en el que se comentan las reacciones en internet y redes sociales que tuvo el accidente en su momento, entre las cuales ya estaba instalado un clima de odio y deshumanización.Un día en la vida de Abed Salama, de Nathan Thrall (Anagrama) . Foto: Anagrama.

“Hay otro camino, una solución política sin supremacías étnicas, con derechos nacionales para nuestros pueblos”, expresó el israelí Yuval Abraham en la última ceremonia de los premios Oscar al aceptar el premio por el documental No Other Land, que dirigió junto a su compatriota Rachel Szor y los palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal.

La de Nathan Thrall es una voz más que reclama por la construcción de ese otro camino, un conmovedor llamado a la empatía que tuvo la mala o justa suerte de aparecer en un tiempo de radicalización de los discursos.

Un día en la vida de Abed Salama, de Nathan Thrall (Anagrama) .

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Carola BrandarizBio completa

Fuente: Clarín.com

El Fondo Nacional de las Artes inauguró dos exposiciones que conectan con la historia de la institución que preside actualmente Tulio Andreussi. Ambas, en la Casa Victoria Ocampo, a cargo de Inés Echebarne.

La primera se titula Resoluciones. Fondo Nacional de las Artes 1958-1962, curada por Roberto Amigo, y consiste en una selección de documentos, resoluciones y materiales de archivo con el objetivo de visibilizar la influencia clave del organismo en el panorama cultural argentino.https://be0d59c03dd3c99fda3db4654b31210b.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

La exposición procura reflexionar sobre el papel del Fondo en la construcción de la identidad cultural argentina, a la vez que da testimonio de la diversidad creativa que caracterizó a la época recortada.

Pluralidad de voces

Si algo se observa en ese recorte es que el Fondo apoyó a una pluralidad de voces y miradas. Entre otros a Julio Le Parc, Bruno Gelber, Adolfo Pérez Esquivel, María Fux, Alberto Ginastera, Nicolás Chumachenco, Jorge Prelorán, Alejandra Pizarnik, Lino Enea Spilimbergo, Ramón Gómez Cornet, Leda Valladares, Víctor de Narké, Magda Frank y Javier Villafañe.Las muestras pueden visitarse hasta el viernes 30 de mayo de en la Casa Victoria Ocampo. Foto: Instagram.

Además hay documentos de instituciones que recibieron apoyo del Fondo, como el Teatro Cervantes, la Facultad de Arquitectura de Mendoza y el Museo Nacional de Arte Decorativo.

En esta expo también se exhiben piezas históricas de algunos de estos creadores pertenecientes a la colección del FNA y a los archivos del Teatro Colón, la Biblioteca Nacional «Mariano Moreno», la Universidad Torcuato Di Tella, la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Mendoza y el Centro Cultural de Cooperación.

Según explicó Andreussi, “desde el comienzo de la gestión la propuesta fue revitalizar la Casa Victoria Ocampo, consolidándola como un espacio de encuentro y reflexión para la creación artística. Recorrer la historia de los primeros e inspiradores años del Fondo reafirma nuestro compromiso con la libertad creativa y el impulso a quienes construyen el patrimonio y la identidad cultural de nuestro país”.

Un circuito de esculturas

La segunda exposición es Esculturas para Victoria, curada por la directora de Artes Visuales del Fondo, María Silvia Corcuera.

En los jardines de la Casa Victoria Ocampo, la muestra reúne obras de las artistas Natalia Abot Glenz, Claudia Aranovich, Marcela Cabutti, Mónica Canzio, Claudia Cerminaro, Noemí Gerstein, María Guallar, Julia Farjat, Gabriela Heras, Vechy Logioio, Lucía Pacenza, Norma Siguelboim, María Torcello, Teresa Tronconi y Paulina Webb, en las que la diversidad de formas, materiales y colores dialoga con la arquitectura racionalista de la residencia.Las muestras pueden visitarse hasta el viernes 30 de mayo de en la Casa Victoria Ocampo. Foto: Instagram.

Cabe recordar que la Casa Victoria Ocampo fue adquirida durante la presidencia Amalia Lacroze de Fortabat al frente del Fondo de las Artes.

Fue en pleno corralito que para salvar los recursos del organismo se invirtió en la propiedad. Ubicada en Barrio Parque –en lo que se conoce como Palermo chico– frente al Instituto Sanmartiniano, se desarrollan allí diferentes manifestaciones artísticas que abarcan todas las disciplinas de las que tiene competencia el FNA.

Victoria Ocampo contrató al arquitecto Alejandro Bustillo para la construcción de esta casa, a quien dio rígidas indicaciones basadas en su gusto personal.

Bustillo estaba enrolado en el estilo neoclásico de la época, por lo que no le resultaba posible construir una casa moderna en un barrio francés.

La casa había tenido como antecedente un proyecto del francés Le Corbusier, también de 1928, que no llegó a realizarse.

Las muestras pueden visitarse hasta el viernes 30 de mayo de Lunes a viernes de 11 a 19 en la Casa Victoria Ocampo, Rufino de Elizalde 2831.

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Susana Reinoso

seccioncultura@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

“Hoy no somos conscientes de la valentía y el descaro que hacían falta para meterse sola en medio de todos aquellos hombres. ¡Pero Dora no le temía a nada! Brillante, inteligente, culta, pasional, radical y combativa”. Son palabras de Brigitte Benkemoun, autora del libro En Busca de Dora Maar para describir a esta artista, de quien se inauguró días atrás una inédita exposición de fotografías en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (Macba).

No es casual mi inicio con una cita que destaca su singularidad, porque la figura de Maar (París 1907 – 1997) estuvo muy unida a la de Pablo Picasso, de quien fue amante durante casi diez años y musa de varias obras. Pero hace ya un tiempo que, a través de distintos libros y publicaciones, se busca separarla del artista malagueño para arrojar luz sobre su trabajo y personalidad.https://eb2b639cce06b902b591da02c680d1a6.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

“Esta exposición invita a reconsiderar la figura de la gran Dora Maar, una pionera del surrealismo cuya obra desafía los límites del movimiento y las estructuras que lo sostenían. Influenciada por pensadores como Arthur Rimbaud, Alfred Jarry y las teorías de Freud y Babinski, la obra de Maar se caracteriza por su audaz experimentación técnica y la exploración de los estados psicológicos internos. Sus trabajos fusionan elementos dispares para crear imágenes oníricas, absurdas y perturbadoras, territorios ambiguos y fascinantes”, escribe el curador Jonathan Feldman.Dora Maar 54 – Picasso debout sur un escabeau travaillant à Guernica, état VI bis. 1937 Tirage d’exposition réalisé à partir de l’épreuve originale (20,1 x 24,5 cm) conservée au Musée Picasso. RMN-Grand Palais © Jean- Gilles Berizzi Panorama El patrimonio fotográfico en diálogo con la creación contemporánea.

La vida en Buenos Aires

Su nombre era Henriette Théodora Markovitch y vivió en Buenos Aires nada menos que entre los 3 y los 19 años. Fue debido al trabajo de su padre, arquitecto croata quien, entre otras construcciones, realizó la de la Embajada Austríaca en Buenos Aires.

Maar estudió en la Academie Lothe y, tiempo después, ingresó en L’École de Photographie de la Ville de París. Interesada en la alta costura, sus primeras obras fueron imágenes de moda.

Amiga y colega de los célebres fotógrafos Brassaï y Cartier-Bresson, al comienzo de su carrera como fotógrafa seguirá algunos de los procedimientos experimentales iniciados por Man Ray, como la técnica del desenfoque. Y fue miembro del grupo de los surrealistas de París, liderado por André Breton, donde la presencia de mujeres era excepcional.Dora Maar, Composición abstracta (virgen y crucifijo), c. 1980. Fotografía, 30,3 x 24 cm. Cortesía de Amar Gallery, Amar Singh & Camila San Martín, MACBA.

La exposición del Macba, Dora Maar inédita. Luces y sombras surrealistas, proveniente de la Amar Gallery de Londres, presenta dos series separadas por un lapso de cinco décadas. Desde sus primeros trabajos en los años treinta pudiéndose apreciar retratos como los del poeta y dramaturgo Jean Cocteau, Picasso (en la tapa de la revista Time), el actor Jean Louis Barrault, un autorretrato y paisajes urbanos.

En tanto, en la serie de los años 80 prevalecen las luces y sombras en imágenes por momentos fantasmáticas, de ensueños. Se trata de fotogramas creados sin cámara colocando objetos sobre papel fotosensible, lo cual demuestra, en palabras del curador “su ingenio técnico y su capacidad para realzar la belleza de lo cotidiano”.

Limones, crucifijos, objetos geométricos son los protagonistas de creaciones cuyo resultado son imágenes de cierta síntesis compositiva, entre la abstracción y la figuración, e imbuidas de misterio y poesía.

La fotógrafa de Guernica

En 1937, Pablo Picasso inició sus bocetos de Guernica. Entonces, la relación sentimental con Maar se convirtió también en una colaboración fundamental. La artista realizó el registro fotográfico de todo el proceso creativo, desde el 1 de mayo hasta el 4 de junio de ese año, de la emblemática pintura que alude a los horrores de la Guerra Civil Española en el pueblo vasco que da nombre a la obra. En la presente exposición encontramos una imagen de este proceso.Dora Maar, Composición abstracta, c. 1980. Fotografía, 17,7 x 24 cm. Cortesía de Amar Gallery, Amar Singh & Camila San Martín, MACBA.

En la web del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, en cuya colección se encuentra Guernica, la especialista en fotografía de la institución, Concha Calvo Salanova, escribe: “Varias personas del entorno de Picasso intuyeron la importancia de la obra y Christian Zervos, fundador de Cahiers d’art en 1926, solicitó a Dora Maar que documentara el progreso de la pintura”.

El museo atesora, además, 28 fotografías de Maar sobre la realización de Guernica. Calvo Salanova también cuenta que como las fotografías no pudieron tomarse en las mejores condiciones por el gran tamaño del lienzo (349,3 x 776,6 cm) y la poca iluminación en el estudio, Maar empleó, para dar más fuerza a las imágenes, métodos de retoque fotográfico, internegativos y copias de impresiones.

Entre fines de 1935 y principios de 1936 se había producido el encuentro entre la artista y Picasso. Entonces, Maar se encontraba en un momento ascendente de su carrera, mientras que él emergía de un tiempo de parálisis creativa. Sin embargo, su figura quedaría eclipsada por el poder de aquel. Picasso consideraba la fotografía un arte menor y Maar se adentró en la pintura por su influencia.

La relación entre ambos fue tormentosa. Picasso la dejó por otra mujer más joven, la pintora Françoise Gilot. Maar llegó a necesitar ser internada en un hospital mental donde padeció electroshocks. Hasta su muerte vivió creando recluida en un departamento, aunque habiendo abandonado la fotografía.

Menos de diez personas

Cuando falleció en 1997, menos de diez personas fueron al entierro. Había dejado indicado que no quería esquelas. En 2019, la Tate Modern le dedicó una exhaustiva retrospectiva a su “inusual ojo”.

“La Expo de Dora Maar se da en el contexto de nuestra programación dedicada enteramente a la mujer al celebrarse este año el 50 aniversario de la instauración del Día Internacional de la Mujer el 8 de marzo. Su relación con Latinoamérica no sólo se reduce a la Argentina. La Bienal de San Pablo utilizó una obra de Picasso «La llorona» [un retrato cubista de Maar] como imagen de la edición 1953-1954. Reafirma así nuestra presencia internacional a través de nuestra colección, que abarca artistas de 35 países de los cuatro continentes, y de las exposiciones de artistas internacionales que venimos realizando de manera consistente”, señaló a Clarín Aldo Rubino, fundador del Macba

El museo cuenta en su acervo de arte argentino con un 50% de artistas mujeres. Maar está acompañada en otras salas de la institución por las exposiciones de Cecilia Biagini: Enredo simple, con la curaduría de la artista visual Fernanda Laguna, y por el primer episodio de Pulsaciones con destacadas artistas.Dora Maar, Composición abstracta (patrones de luz), c. 1980. Fotografía, 30,3 x 24 cm. Cortesía de Amar Gallery, Amar Singh & Camila San Martín, MACBA.

Este último es un ciclo expositivo a partir de la Colección MACBA, que recorrerá 50 años de producciones que posibilitan rastrear el gran y vital interés por la geometría y sus posibilidades estéticas en nuestra región.

Las tres muestras se pueden ver hasta el 6 de julio en Av. San Juan 328, de lunes a viernes de 12 a 19; y sábados, domingos y feriados de 12 a 19. Entrada General: $5.000 y miércoles, $3.000.

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Laura CasanovasBio completa

Fuente: Clarín.com

En el centro de la ciudad de Córdoba, donde la Cañada se encuentra con el Río Suquía, abrió el jueves una nueva feria de arte, con ímpetu contemporáneo, proyección regional y capitales mixtos. Concebida como una iniciativa privada, Feria Capital, que se extiende hasta el domingo 6 de abril de 15 a 20, cuenta con el apoyo de la Agencia Córdoba Cultura, del gobierno provincial.

“El sector privado es fundamental para apostar por el arte y la cultura, donde el mercado es central, aunque intervienen otros procesos”, explica durante la apertura Luz Novillo Corvalán, codirectora y curadora de la feria junto a Mercedes López Moreyra.

Esta misión de amplificar el universo de compradores de arte se manifiesta en el diseño de una feria boutique, de pequeñas dimensiones que agiliza los contactos y la gestación de una escena.https://0b0804d9044d6960073ce8c5ac97902c.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.htmlMercedes López Moreyra y Luz Novillo Corvalán, en la apertura de Capital, en Córdoba.

Pero también de alianzas con el colegio de arquitectos, una invitación a todos los ambientadores de la ciudad y una sólida selección de 24 galerías invitadas, que pagaron por su espacio a precios muy razonables, según comentaron varios galeristas. “Con la idea de panorama, el recorte habilita que puedan participar galerías más consolidadas y también emergentes, con un grado de profesionalización”, agrega la curadora.

Lo que se exhibe es un panorama de arte argentino federal, con maestros consagrados como Antonio Seguí y Remo Bianchedi, espacios emergentes como la novísima Mina y de renombre como la rosarina Diego Obligado, hoy al frente de la Cámara de galerías. Y un adelanto de la gran muestra que el cubano Dagoberto Rodríguez, integrante de Los carpinteros hasta su separación en 2018, tendrá este año en el Palacio Ferreyra de la ciudad.

El entorno urbano y empresarial de esta torre de 34 pisos será sede de al menos dos o tres ediciones más de Capital, según los organizadores durante una breve presentación. Con la idea de armar un comité de selección y abrir una convocatoria regional.La serie «Bauhaus» (1992), de Remo Bianchedi, en la galería cordobesa Marchiaro.

Stands arremolinados

Inspiradas en unos versos de la poeta chilena Gabriela Mistral, “El viento es un mensajero que va a las ciudades, lleva secretos, recoge voces, trae cambios”, las curadoras pensaron la consigna de la feria Dejarse llevar por el viento. “Cuando vinimos a la explanada, había unas ráfagas de viento terribles y lo tomamos como un impulso: como eje de cambio, que mueve cosas, genera vínculos entre los espacios”, cuenta López Moreyra. Detrás suyo, un enorme globo blanco inflado pregunta: ¿ARTE ARGENTINO? Es una intervención de los mexicanos de PARA A.

En el centro de convenciones del edificio corporativo, todavía revestido de hormigón, los pasillos se distribuyen de manera irregular y los tubos fluorescentes en diagonal, como desordenados, funcionan como una metáfora vincular. “Se gesta un nuevo lenguaje, que estimuló diseños expositivos muy interesantes, y el armado de un relato colectivo”, completa Luz Novillo.

La misión de convocar a nuevos públicos animó a varios espacios a traer propuestas solo show, para presentar a los artistas en profundidad. Fue la elección de las galerías porteñas Moria y Valery’s Factory, que además convocaron a cordobeses dentro de su staff.Stand de Moria, con obras de Maxi Murad, en Capital.

El techito de hormigón que caracteriza a las viviendas del barrio Tomás Yofre aparece en las obras de Maxi Murad, “como un gesto arquitectónico que embellece algo tan noble como el cemento”, detalla Lucía Evangelista, directora de la galería. Realizadas con la técnica calcárea de las baldosas, sus piezas con una dosis de azar están hechas “con materiales que se pueden conseguir en un corralón”.

Una serie escultórica de Samanta Ferro, con resinas, hierro y hasta una performance con un hilo que atraviesa las perforaciones de piercings que la artista hizo en su cuerpo, es la propuesta de Valery’s Factory. “Esta feria, tan fresca, es una oportunidad para demostrar cómo hacer una mega producción en tiempo limitado, si hay ventas mucho mejor”, analiza Sandro Guerrero, al frente del espacio con sede en Villa Crespo. Con una propuesta de arte latino queer es la única galería argentina que participará en la próxima Art Basel, en Basilea.Artilugio X, Samantha Ferro (Valeries Factory, Buenos Aires).

También apostó por el solo show la rosarina Subsuelo. Docente y gran colorista, Carla Colombo acude a los elementos de la tierra con fuerte impronta femenina, atravesados por el Río Paraná. “El arte contemporáneo tiene la agitación del gesto pero no siempre está acompañado por el oficio, que es más del arte moderno, cuando el oficio es el que hace la diferencia”, explica Daniel Andrino, codirector de la galería, frente a un grupo de interesadas.

En tanto la arquitecta Laura San Martín, directora de oda, llevó a su artista cordobesa, Mónica Ferro, que trabaja con delicadeza sublime los libros como materia prima para sus obras imbuidas de movimiento, vinculado a su vocación por la danza.Instalación de Pablo Curutchet, en Mina.

Entre los cordobeses, la novísima Mina, estudio creativo inaugurado en octubre de 2024, presenta un panorama del legado ancestral. “Me gusta pensar en qué habrá visto ese hombre antiguo y qué trae hasta hoy, cuál es el legado, del surgimiento de las religiones, pensamientos, en estos cuatro artistas”, cuenta Romina Calla, directora, con experiencia en un espacio de Unquillo.

Simbolismos, ocultismo, cosmologías… se manifiestan en las pinturas de Nicolás Guardiola, Ana Poulsen, las acciones de Cabezudos y la instalación de Pablo Curutchet: una colección inquietante de cuchillos, armas, crucifijos y calaveras –incluso de diablos– realizados en cerámica en base a una técnica de los pueblos andinos. Junto a las manos que gesticulan, conforman un conjunto que un galerista vecino dijo que podría haber visto en ARCOmadrid.Stand de Gruta, San Pablo.

Panorama internacional

No es habitual ver obras de artistas brasileños como Allan Gandhi o Julia Bianchi, que aquí se presentan en la brasileña Gruta. “Me gusta la conexión con Latinoamérica, porque siempre todos se conectan con América del Norte y Europa pero no entre sí”, sostiene Iran Costa, al frente del espacio que reúne a la escena paulista en todo su espectro: artistas en diferentes estadios de sus carreras, con un objetivo común: potenciar distintos estadios de carrera, un lugar para trabajar, impulsar nuevos coleccionistas.

Con el mismo espíritu, el artista alemán Ruben Einsmann presenta en Capital –por la galería cordobesa OMA– por primera vez en la Argentina sus pinturas de grandes dimensiones, que en dos semanas se verán en Art Dubai. Están en diálogo con piezas de artistas chilenos como las esculturas de Margarita Talep, pinturas de Antonia Teillery, Bastian Pino y Gabriel Holzapfel.

Mientras que la galería chilena NAC tiene reconocidos artistas locales como Pablo Zuleta, Maite Zubizarreta y Javier Lewin.El artista alemán Ruben Einsmann en la galería cordobesa OMA.

Una muestra de la lucidez del cubano Dagoberto Rodríguez, miembro de Los carpinteros (grupo que representó dos veces a su país en la Bienal de Venecia y está en las colecciones más importantes), se puede ver en Capital. Están en el espacio VF, donde la cordobesa Verónica Frank representa artistas iberoamericanos en Luxemburgo. “Acaba de terminar dos pinturas de la serie Gimnasio de pensamiento, que presentó en la última ARCOmadrid, para traer a la Argentina», detalla Romina Castiñeira. Son acuarelas de pesas que tienen cada una 20 kg. de Jorge Luis Borges y Alfonsina Storni.

Se destacan, refulgen las insignias de autos antiguos, como los que aún recorren las calles de La Habana, con frases que usaba el mismísimo Fidel Castro; los frentes de los cines de la ciudad con mensajes retocados digitalmente; pero sobre todo el cartel The End, que marca el fin del cine de Hollywood, en el momento en que Cuba se une a la URSS sobre un edificio de viviendas premoldeadas al estilo soviético que llegaron en ese momento.Dagoberto Rodríguez.

Potencial es la virtud más mencionada en los pasillos de la feria, lugar de encuentros e intercambios, además de transacciones. Y a todas las razones anteriores se suma la histórica:

“Córdoba es una ciudad articuladora de escenas regionales, como centro geográfico e histórico”, define López Moreyra.

“Tiene muchos antecedentes para ser un nodo de encuentro regional y hacer una feria latinoamericana, desde las bienales Ika Motor y el festival de teatro que es regional”, asiente Luz Novillo. “Que sea en el corazón de las empresas de Córdoba muestra un rumbo, que se está armando un relato colectivo”.

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March Mazzei

Editora de la Revista Ñ/ sección Culturammazzei@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

El 15 de abril de 2019, cuando en París caía la tarde, miles de personas asistimos con estupor y tristeza al dantesco incendio de Notre Dame, la catedral gótica construida en el siglo XII. Cinco años después, tal como lo había prometido el presidente Emmanuel Macron, el 8 de diciembre de 2024 Nuestra Señora de París reabrió con su esplendor intacto.

Más de 600 bomberos trabajaron con denuedo desde las 18.18 cuando sonó la alarma de evacuación de la catedral. Con el incendio declarado a las 19.37, hora en que se quebró “la flecha”, y tras más de cuatro horas de trabajo forzado, arriesgando la vida para salvar reliquias del interior, pasadas las 22.30 el fuego quedó controlado.https://64e6ca4677a0635d0daddf88f1b57271.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

Con este nivel de detalle, que hizo su conferencia magistral más vibrante, el eminente arquitecto Benjamin Mouton habló en forma virtual desde París, donde estuvo acompañado por el arquitecto argentino Pablo Katz, vicepresidente de la Academia Francesa de Arquitectura. En Buenos Aires, los integrantes de la Comisión de Patrimonio de la Academia de Arquitectura y Urbanismo, coordinada por la arquitecta Nani Arias Incollá, escuchaban en vilo. El traductor fue Alfredo Conti, también reconocido por sus trabajos en defensa del patrimonio.El arquitecto francés Benjamin Mouton.

Mouton tiene una extensa hoja de vida, coronada con infinidad de reconocimientos y premios. Pero vale destacar que ha sido arquitecto jefe de Monumentos Históricos de Francia así como de la Catedral de Notre Dame de París; también presidió la Academia de Arquitectura de su país y fue vicepresidente de ICOMOS Internacional.

Y un dato clave es que integró el Comité Científico que asesoró a quienes tuvieron a su cargo la responsabilidad de la restauración preciosista que, en los últimos cinco años, le devolvió a la Catedral su esplendor. Notre Dame está inscripta en la Lista de Patrimonio Mundial de la Unesco.

Con algo de suspenso y maestría, Mouton abordó “Los desafíos técnicos y doctrinarios de una epopeya histórica: como fue la reconstrucción de Nuestra Señora de París”. Comenzó apelando a ese clásico tan amado por miles de lectores en el mundo: Notre Dame de Paris, de Victor Hugo.El arzobispo de París, Laurent Ulrich (C), preside la misa de Navidad en la catedral de Notre Dame de París (Francia), el 25 de diciembre de 2024. (Obispo, Francia) EFE/EPA/Teresa Suarez

Dijo que la Catedral es la expresión de la inteligencia y de la fuerza del hombre y que “el patrimonio arquitectónico es una inmensa biblioteca que es necesario leer. Entonces nacerá uno de esos grandes libros. Hoy hablaremos de ese gran libro, de sus fracasos y de sus esperanzas”, subrayó.

Vienen a cuento las palabras del genial escritor francés, cuando en la página 140 de Notre Dame de París, expresan: “La arquitectura ha sido hasta el siglo XV el registro principal de la humanidad; en ese intervalo no ha aparecido en el mundo un pensamiento mínimamente complicado que no se haya hecho edificio; toda idea popular, como toda ley religiosa, ha tenido sus monumentos; el género humano, en fin, no ha pensado nada importante que no haya escrito en piedra. ¿Y por qué? Porque todo pensamiento, sea religioso o filosófico, tiene interés en perpetuarse, (…) ¡Y qué precaria inmortalidad la del manuscrito! ¡Un edificio es un libro mucho más sólido, duradero y resistente! Para destruir la palabra escrita bastan una antorcha y un turco. Para demoler la palabra construida, hace falta una revolución social (…). Y es que Notre Dame, creada en el siglo XII, ¡sobrevivió a la Revolución Francesa!».

En la presentación de Mouton, Nani Arias había señalado que “un proyecto de intervención (sobre un monumento) la trasciende en un diálogo entre pasado y presente. Y esto es profundamente conceptual porque se trata de una resurrección”.

Una historia fascinante

Tras señalar las horas atroces del incendio, en las que fue destacando los estragos, Mouton reiteró lo que ya había dicho en programas de TV a los que fue invitado en Francia para hablar del siniestro y las medidas de seguridad: nada hacía prever los inmensos daños causados por el fuego. La audacia de los bomberos para entrar a la Catedral y salvar “in extremis” el campanario y las campanas” fue heroica.El arquitecto francés Benjamin Mouton.

El día siguiente, contó Mouton, además de evaluar los daños –entre los que hubo que hubo colapsos de mampostería y de estructuras de madera- se comenzó a sopesar el futuro de Notre Dame.

“El libro había perdido muchas páginas y había que empezar los trabajos de apuntalamiento”, explicó el académico, para detenerse luego en los riesgos corridos por los empleados que trabajaron suspendidos en el aire hasta que, “dieciocho meses después, en noviembre de 2020, había una estrategia pragmática: el edificio había sido asegurado y estaba fuera de peligro”. Era el momento de decidir qué hacer de cara al porvenir.

Propuso entonces comenzar por Notre Dame y su historia como iglesia gótica, sus transformaciones (muy criticadas) en los siglos XVIII XIX, su nacimiento como expresión de una arquitectura más radiante, a la manera francesa, y su carácter de catedral única y homogénea como fue inspirada hasta llegar el presente.La gente asiste a la misa de Navidad en la catedral de Notre Dame en París, Francia, 25 de diciembre de 2024. La catedral reabrió al público el 08 de diciembre de 2024. (Francia) EFE/EPA/Teresa Suarez

“En solo 57 años cinco arquitectos anónimos se suceden hasta inicios del siglo XIII. En 1220 Notre Dame se concluye”, dijo señalando que se trató de un ejemplo de maestría en la construcción, en las estructuras, en el uso y disposición de la luz, en su carácter conceptual, en su expresión arquitectónica. “Se erige como una obra maestra incontestable de la arquitectura al servicio de una nueva ambición religiosa animada por un fervor excepcional. Es un monumento admirado universalmente”, subrayó.

Pero en el siglo XVI empieza el tiempo del purgatorio durante el cual el estilo grecorromano destrona al estilo arquitectónico gótico. “La obra maestra de ayer se degrada al rango de obra mediocre. Notre Dame atraviesa este período (Mouton omitió referirse a la Revolución Francesa) hasta el siglo XVIII cuando varias de sus partes son demolidas. Ya en el siglo XIX, “en 1841 Notre Dame es un edificio a salvar. Pero en función de los gastos colosales necesarios se habla de la demolición. Comienza el tiempo de los gigantes”, expresó con buena pasta de divulgador.

En los albores del siglo XIX, como reacción al racionalismo científico del precedente, nace el movimiento romántico que despierta las raíces de la nostalgia: la arquitectura gótica era el emblema de esa nostalgia. “Su restauración entonces se convierte en un acto militante”, expresó.

Un año más tarde el propio Estado francés decide un completo programa de restauración del monumento histórico que lleva 20 de realización. Fue la publicación del libro de Victor Hugo la que prácticamente emplazó al gobierno francés para que restaurara “Nuestra Señora de París”. Se acometió en principio la reconstrucción de la flecha del siglo XIII demolida en el XVI. Efectivamente entre 1857 y 1859 allí se elevó a 765 metros.

Un salto en el tiempo

La Catedral, que recibe 13 millones de visitante por año, tenía que recuperar a partir de 2020 su lugar de emblema no solo francés sino también del Patrimonio Mundial, cuya lista engalana. Sobre todo los conservadores, restauradores y arquitectos tenían que prever una seguridad más exhaustiva porque aquel ícono de la arquitectura que parecía eterno había quedado en parte hecho escombros y cenizas en la primavera boreal de 2019.

A partir de allí, dijo Mouton, se barajaron dos proyectos: ¿creación o restauración? “Aparecieron creadores impacientes que se lanzaron con su ego desmesurado a proyectos desprovistos de reflexión en los que la catedral -que no comprenden- estaba en la base. Pero, paralelamente, fuerzas sobrehumanas estaban comprometidas en la salvaguarda de la Catedral”, señaló.Incendio en la catedral de Notre Dame en Paris/ AFP

Fue a causa del incendio de 2019 que “se hicieron investigaciones documentales y estudios profundos que permitió un corpus doctrinario importante sobre lo que había antes del incendio. En el campo técnico la opción de la restauración era posible y podía proponerse. La Comisión Nacional de Patrimonio validó ese diagnóstico el 9 de julio de 2020, con la responsabilidad a cargo del arquitecto jefe Philippe Villeneuve. Y el gobierno francés jugó su carta: volver a la Catedral gótica original.

En esta instancia de su charla, Mouton da detalles de cuestiones técnicas precisas, como la piedra que se utilizó para reponer las faltantes y que luciera como las antiguas que aún quedaban en pie; la limpieza a látex para devolver armonización al conjunto; los revestimientos en plomo; los 400 robles que se talaron en Normandía para reponer las partes en madera que se asemejaran a la utilizada en su construcción, y así con los distintos aspectos de la restauración. En 2023 se presentó el primer tramo de la recuperación. En diciembre de 2023 se emplazó el Gallo. Y allí comparte el eminente Mouton un dato conmovedor: en su interior, el Gallo lleva tallados los nombres de las 2000 personas que intervinieron en la restauración de Notre Dame de París.

Acercándose ya al núcleo central de su magistral presentación, Mouton dice: “Gracias a un trabajo excepcional la Catedral gótica ha reencontrado su integralidad arquitectónica y patrimonial. ¿Pero qué hay de su autenticidad post trauma?”Vista del interior de la catedral de Notre Dame mientras las llamas consumen el tejado del tempo, a ultimas horas del lunes 15, en París (Francia). EFE/ Yoan Valat

Y continúa: “¿La autenticidad sirve para distinguir la obra original de sus transformaciones? ¿Cuántas autenticidades hay? ¿Es la Catedral gótica del siglo XII o la gótica de los siglos XIII y XIV? ¿Si aceptamos las mejoras de los siglos XVII y XVIII, repudiamos las del siglo XIX?”

Ante su auditorio virtual respondió: “Reemplazando cada piedra alterada por una nueva no estamos reduciendo la autenticidad material. Todas estas reparaciones e intervenciones son sustancias históricas y materiales que deben ser aceptadas en el campo de la autenticidad acumulada”.

¿Pero qué pasa más allá?, inquirió de nuevo para concluir: “A raíz de la consternación mundial (por el siniestro), todas las confesiones de unieron. Notre Dame expresa una necesidad de patrimonio en el mundo que llama a reencontrar las diversidades culturales, la conservación de saberes y de prácticas del pasado, y sobre todo es necesario emocionarnos y enriquecer estos tesoros sublimes de las grandes culturas, como decía Edgar Morin”.

Antes del aplauso final, Mouton reflexionó: “Notre Dame es el símbolo de esa aspiración; su valor patrimonial es cuestión de historia y sustancia material, pero está hecha de valores inmateriales y vivos. Su autenticidad es tanto material como inmaterial. Es más cultural que científica y su campo queda abierto”.Vista de la fachada de la catedral de Notre Dame en París a más de dos semanas de su reapertura.-EFE/ Edgar Sapiña Manchado

Volviendo a Victor Hugo explicó que “la restauración de páginas desaparecidas con el mismo papel a la antigua, pero nuevo, nos permite reencontrarnos con el texto, releerlo y restablecer la riqueza de su mensaje, con las páginas escritas después del incendio de 2019. El 8 de diciembre de 2024, Notre Dame de París reabrió sus puertas, con todas sus autenticidades para transmitir sus valores patrimoniales materiales e inmateriales”.

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Sobre la firma

Susana Reinoso

seccioncultura@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

El año comienza en enero. Vuelve a comenzar en marzo, con el inicio de las clases. Y en abrir tiene un nuevo debut, porque es el mes de los grandes lanzamientos editoriales, que se suman al fenómeno de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Para orientarse entre un mar de libro, Clarín propone una lista con dos decenas de títulos imperdibles.

El loco de Dios en el fin del mundo, de Javier Cercas (Random House)

«Soy ateo. Soy anticlerical. Soy un laicista militante, un racionalista contumaz, un impío riguroso. Pero aquí me tienen, volando en dirección a Mongolia con el anciano vicario de Cristo en la Tierra, dispuesto a interrogarlo sobre la resurrección de la carne y la vida eterna. Para eso me he embarcado en este avión: para preguntarle al papa Francisco si mi madre verá a mi padre más allá de la muerte, y para llevarle a mi madre su respuesta. He aquí un loco sin Dios persiguiendo al loco de Dios hasta el fin del mundo».https://18725683201c2dc5f82e46ce78288389.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

Éste es el arranque fulgurante de un libro único, que nadie había tenido la oportunidad de escribir, entre otras razones porque el Vaticano jamás le había abierto de par en par sus puertas a un escritor. Pero, además de único, éste es un libro de plenitud, donde su autor logra convertir una propuesta insólita en un relato propio y magistral: un thriller sobre el mayor misterio de la historia de la Humanidad.

Con esta novela sin ficción, Javier Cercas vuelve a su línea más personal, en la que consigue enlazar sus obsesiones íntimas con una de las preocupaciones fundamentales de la sociedad actual: el papel en la vida humana de lo espiritual y lo transcendente, el lugar en ella de la religión y el ansia de inmortalidad.Arderá el viento, de Guillermo Saccomanno (Alfaguara). Foto: gentileza editorial.

Arderá el viento, de Guillermo Saccomanno (Alfaguara)

Un extraño matrimonio llega a un pueblo de la costa, con un pasado incierto detrás y la determinación de instalarse en el lugar. Comprar el Hotel Habsburgo será algo que nadie olvidará. En poco tiempo, ese noble húngaro dedicado al arte, esa mujer sensual que lleva adelante el negocio, y sus dos hijos aún más extraños que ellos, se irán volviendo de manera imperceptible, pero definitiva, el hilo que enhebra la miseria, la corrupción y las bajezas de todos los pobladores.

Narrada por una voz profundamente literaria, Arderá el viento, de Guillermo Saccomanno permite oír la conciencia que late en toda ciudad pequeña, y es capaz de capturar el horror en la vida de una villa de mar y la belleza que todavía anida en ella.La traición de mi lengua, de Camila Sosa Villada (Planeta). Foto: gentileza editorial.

La traición de mi lengua, de Camila Sosa Villada (Planeta)

‘La memoria es el afecto más traidor que existe’, dice Camila Sosa Villada en uno de los textos que componen La traición de mi lengua. Los recuerdos siempre huyen desordenados y nos dejan frágiles y vulnerables frente a sentimientos que pocas veces podemos controlar. ¿Es posible resistirse a nuestra memoria?, se pregunta y entonces, como una condición de supervivencia, se aferra a la traición para refexionar sobre el lenguaje y su relación con el erotismo y el pasado.

Esta serie de escritos respeta un caos, juega con la agudeza de pensarse en otro lugar y habitar otra lengua. La acción y la no acción son embestidas por un lenguaje que se hereda y se traiciona. Con una prosa tan glosa como poética Sosa Villada cultiva, una vez más, el arte de escribir lo que no se dice.Media Verónica, de Sergio Olguín (Tusquets). Foto: gentileza editorial.

Media Verónica, de Sergio Olguín (Tusquets)

Verónica Rosenthal, nuestra audaz periodista de investigación ideada por Sergio Olguín, pasa por una etapa dolorosa e incierta: su padre, Aarón Rosenthal, uno de los abogados más prestigiosos de la Argentina, tiene una enfermedad terminal. Además, Federico, su expareja, está por tener un bebé con una joven colega. Su mundo está destrozado, y Vero decide poner en pausa su vida para dedicarse a cuidar a Aarón y aprovechar el último tiempo con él.

Así, conoce de primera mano la historia de amor que tuvo con una hermosa militante en los años 70, hija de la familia militar y de quien no sabe nada hace más de cuarenta años. Por otra parte, Manuel Cobos García, un renombrado médico sevillano que vive en Estados Unidos, adopta a Aarón como su paciente favorito y se muda a Buenos Aires, donde empieza a frecuentar a su familia.

Cuando conoce a Verónica, estalla una pasión imprevista e irrefrenable que les va a cambiar la vida a los dos. La nueva entrega de la saga de Verónica Rosenthal nos ofrece una historia repleta de aventuras, secretos, declaraciones de amor y el doloroso final que implican todas las despedidas.Extrema derecha 2.0, de Steven Forti (Siglo XXI). Foto: gentileza editorial.

Extrema derecha 2.0, de Steven Forti (Siglo XXI)

El especialista en nuevas derechas europeas Steven Forti recorre en Extrema derecha 2.0. Cómo combatir la normalización global de las ideas ultraderechistas el origen, desarrollo y auge de las extremas derechas en todo el mundo, para pensar la novedad de esta derecha “desdiabolizada”, promovida por tecnomultimillonarios y apoyada en redes transnacionales cada vez más poderosas, a la vez que interpela a las izquierdas por su inacción. Un libro punzante, por un autor reconocido internacionalmente que nos estará visitando para la Feria del Libro.Una herencia salvaje, de Megan Maxwell (Planeta). Foto: gentileza editorial.

Una herencia salvaje, de Megan Maxwell (Planeta)

Amanda McRae, la hija pequeña de Duncan y Megan, es una joven apasionada y de fuerte carácter, conocida por su franqueza y su amor por los niños. Desde siempre ha soñado con unos misteriosos ojos grises que cree que pertenecen al hombre de su vida, por lo que descarta a cualquier pretendiente que no posea esa mirada enigmática. Brodrick Fraser, conde de Aviemore, acaba de quedar viudo tras un matrimonio sin amor que terminó en tragedia y con dos pequeños a su cargo.

El destino los reúne cuando Amanda y sus padres visitan el castillo del conde para presentarle sus condolencias. Durante su estancia, la conexión que sintieron meses atrás en el castillo de Eilean Donan resurge con una fuerza inesperada. Lo que comienza como una mera obligación se convertirá en una apasionada y emotiva historia de amor. Amanda y Brodrick descubrirán que, a veces, el amor surge de las situaciones más inesperadas y complicadas; que vale la pena luchar por lo que realmente importa, y que los sueños se cumplen no solo soñándolos, sino también trabajando por ellos. Adéntrate en la décima entrega de «Las guerreras Maxwell» y descubrirás que el amor es capaz de desafiar el destino y unir dos corazones en un solo latido.

Menotti, el primero, de Ezequiel Fernández Moores (Sudamericana)

César Luis Menotti, el Flaco, tenía 32 años cuando, a comienzos de los 70, en una cena con amigos, anunció su plan para «salvar» el fútbol argentino. Romper el camino «europeo» de juego más físico y recuperar el de toque y pausa, más sudamericano. La Nuestra. Una meta que estuvo por encima, incluso, de las contradicciones que podría haberle generado a un hombre de izquierda ganar la copa del 78 bajo una dictadura que buscó lavarse la cara con el festejo popular. ¿Las tuvo?

Este libro de Ezequiel Fernández Moores, una biografía vital y futbolera, intenta responder esa y otras preguntas sobre Menotti. El entrenador politizado y el del «achique» maldito. El que, después de llegar tan rápido a la cima, jamás volvió a salir campeón, pero mantuvo hasta el final su discurso de fútbol bello y eficaz. El que cuando empezó a dirigir la selección, en una época en que apenas se arañaba la participación en los mundiales y los técnicos durab an un año, fue el primero en presentar un proyecto y en viajar por el país buscando jugadores.

La familia, de Gustavo Ferreyra (Godot)

Dice Mariana Enriquez que La familia, de Gustavo Ferreyra, es el Obelisco de Gustavo Ferreyra o quizá su bomba atómica: destila sus libros anteriores, hace estallar su poética y a la vez erige un puente construido sobre el trabajo anterior y se proyecta a un futuro sin horizonte a la vista.

“Ferreyra es un caso de escritor visionario, que se concentra en sus ideas y su voz, lo hace con sus propias reglas y se trae entre manos textos poderosos. Y afables, esto es importante. Hay en La familia y en Ferreyra una ausencia de cinismo (no de sarcasmo, que abunda: de esa amargura elitista que es el cinismo). Al contrario, están dotados del carisma de alguien que se divierte con su talento y su extravagancia”, agrega EnriquezEl niño de oro, de Penelope Fitzgerald (Impedimenta). Foto: gentileza editorial.

El niño de oro, de Penelope Fitzgerald (Impedimenta)

Un museo londinense expone por primera vez los tesoros de los garamantes, un antiguo pueblo del norte de África, y los visitantes aguardan en filas eternas para ver las dos piezas más célebres de la exposición: la madeja y el niño de oro. Se dice que el niño está maldito, y los rumores alzan el vuelo cuando se produce un intento de asesinato en el museo.

La llegada de la policía coincide con la visita de dos prestigiosos académicos, momento en que el director del museo debe enfrentarse a una red de intrigas que se va complicando entre celos, ambiciones, rencores y secretos mal guardados.Alguien que canta en la habitación de al lado, de Alan Pauls (Random House). Foto: gentileza editorial.

Alguien que canta en la habitación de al lado, de Alan Pauls (Random House)

Novela familiar de un lector recalcitrante, Alguien que canta en la habitación de al lado convoca a maestros y pares, dioses y demonios, devociones y desconciertos. Alan Pauls descubre que muchas de las cosas que valió la pena escribir las escribió sobre otros, en estado de curiosidad, de fervor o de pasmo, para afinar con músicas ajenas.

Es el Pauls de El factor Borges y Trance el que vuelve aquí con las herramientas pasionales de la crítica para ponerlas a prueba en la práctica del ensayo, único género capaz de revitalizarlas. Los ensayos de Alguien que canta… van y vienen entre tonos y objetos diversos: clásicos (Woolf, Kafka, Mansilla, Arlt), ídolos (Barthes, Piglia, Deleuze, Aira, Saer), contemporáneos (Chejfec, Guebel, Fresán, Chitarroni, Ramos), caballitos de batalla (Puig, Borges), enigmas (Walsh, Libertella), tótems incómodos (Fogwill, Lamborghini), amazonas únicas (Ludmer, Walsh, Moreno, Bléfari).

Pero la pregunta que se hace el libro siempre suena más o menos así: ¿qué dicen los otros que escriben de la aventura del sentido? ¿Cómo la arman, cuánta fe o desconfianza le tienen, cuán lejos son capaces de llevarla?Salir de noche, de Mario Calabresi (Libros del Asteroide). Foto: gentileza editorial.

Salir de noche, de Mario Calabresi (Libros del Asteroide)

En un libro que ha sacudido Italia, Mario Calabresi investiga los hechos que rodearon el asesinato de su padre y narra las consecuencias que tuvo para su familia.

La mañana del 17 de mayo de 1972, el arma que apunta por la espalda al comisario Luigi Calabresi cambiará la historia de Italia, que se adentrará en uno de sus periodos más oscuros, los años de plomo. Los dos disparos de esa pistola alterarán el curso de los acontecimientos políticos y transformarán radicalmente la vida de una mujer y sus tres hijos pequeños.

En una obra sincera y conmovedora que ha vendido centenares de miles de ejemplares en Italia, el periodista Mario Calabresi, hijo de Luigi Calabresi, investiga el caso de su padre, asesinado tras ser acusado falsamente de defenestrar desde su despacho en la comisaría de Milán al anarquista Giuseppe Pinelli. El autor explora con lucidez aquellos años marcados por la violencia y relata el brutal acoso al que fue sometido su padre mientras rememora las consecuencias del asesinato en su vida y en la de su familia. Su historia se entrelaza así con la de muchas otras víctimas que tuvieron que afrontar en la intimidad una catástrofe que realmente concernía a todo el país. Un libro imprescindible para entender las profundas cicatrices que el terrorismo deja en la sociedad.Calle Londres 38, de Philippe Sands (Anagrama). Foto: gentileza editorial.

Calle Londres 38, de Philippe Sands (Anagrama)

Abogado especializado en derecho internacional, ensayista y reconocido escritor de no ficción, Philippe Sands explora en este apasionante relato la relación entre Augusto Pinochet y Walther Rauff, oficial de las SS alemanas que tras abandonar Europa encontró refugio en Punta Arenas, en el sur de Chile.

A raíz del arresto del dictador chileno en Londres en 1998, Sands fue contratado como abogado por Human Rights Watch, y tuvo la oportunidad de participar en uno de los casos penales internacionales más importantes desde los juicios de Núremberg. Años después, mientras se documentaba para un libro, encontró una misiva escrita por un antiguo líder nazi llamado Walther Rauff.

Basándose en documentos, archivos, testimonios y conversaciones, Sands trata de arrojar luz a una historia fascinante; pese a la imposibilidad de trazar un círculo completo y llegar a una verdad única, el autor busca desvelar la escalofriante realidad oculta tras las vidas de dos hombres y sus destinos, que convergen en el número 38 de la calle Londres de Santiago: una doble historia de asesinatos en masa y un inquietante vínculo entre las atrocidades del pasado y las de nuestros días.

El resultado de esa exploración es un exhaustivo relato sobre la justicia y la impunidad, pero también sobre la memoria y la delicada línea que separa los hechos de la ficción, la verdad del mito.Triste tigre, de Neige Sinno (Anagrama). Foto: gentileza editorial.

Triste tigre, de Neige Sinno (Anagrama)

Esta es la historia de una mujer que de niña sufrió abusos por parte de su padrastro y que reflexiona sobre el sentido de la experiencia que le tocó vivir. Sabe que nunca va a entender realmente qué pasó, y aun así sigue buscando, con la distancia pacificadora de los años pero con la rabia intacta. Pensar es como la lucha de un samurái contra un monstruo, y, para luchar contra los monstruos del pasado y los nuevos monstruos que aparecen en el momento de ser madre, esta mujer usa las armas con las que se ha formado: las armas de la literatura.

Triste tigre es una aventura del pensamiento que nos propone acompañar a la narradora mientras se cuestiona la violencia sexual, el mal, el trauma, el silencio, pero también las formas de ser un adulto protector, la libertad, la verdad, el relato. ¿Cómo contar una historia que no se puede contar? ¿Cómo escuchar una historia que nadie quiere escuchar? ¿Qué hacer con eso que es terriblemente grave y a la vez perfectamente normal?Algo que nadie hizo, de Matías Aldaz (El gran pez). Foto: gentileza editorial.

Algo que nadie hizo, de Matías Aldaz (El gran pez)

Dicen que este libro es un Pedro Páramo moderno. Han vaciado el pueblo. Nadie sabe bien por qué. Lo cierto es que la mayoría de sus habitantes se han marchado al pueblo más cercano. Todos, salvo nuestro protagonista, que se instala en una casa rodante abandonada, desde donde observa la nueva muralla que separa la modernidad del olvido.

Desde allí nos habla de la relación con su hijo, Luriel, de los pocos conocidos que aún lo visitan y de su trabajo como carpintero. También, a la sombra de los árboles que él mismo planta, nos invita a espiar el pueblo abandonado, recorrer sus calles, entrar en las casas aparentemente vacías.

Algo que nadie hizo es una novela con ecos de Rulfo y Lynch: un viaje por los paisajes oníricos de un pueblo y sus secretos, una exploración de la muerte en sus múltiples formas. Un relato que, como la vida, calla cuando no hay más que decir y abre misterios que, como lectores, sabremos completar.

Un libro ágil, escrito en fragmentos breves y poéticos, ideal para leer de una sentada en la reposera o bajo la sombra de un árbol cuyo nombre pronto querremos aprender.Búfalos salvajes, de Ana Paula Maia (Eterna cadencia). Foto: gentileza editorial.

Búfalos salvajes, de Ana Paula Maia (Eterna cadencia)

¡Ana Paula Maia vuelve a sorprendernos! Llega Búfalos salvajes, una novela tan atrapante como vertiginosa, traducida por Mario Cámara, que se suma a la extensa obra de la autora brasileña publicada por Eterna Cadencia Editora.

Un año después de los acontecimientos narrados en su último libro, el fin del mundo no sucedió, pero la tierra se vio sacudida por muertes y devastaciones. Fueron tiempos oscuros, en los que solo unos pocos se animaron a hacer lo que nadie podía. Edgar Wilson figura entre estos elegidos. Sin embargo, ya está cansado de recorrer las rutas recolectando animales muertos.

En esta zona compartida entre el matadero y el circo, Ana Paula Maia encuentra la ocasión perfecta para indagar en la relación entre lo humano y lo animal, la explotación y la precariedad de la vida, lo sobrenatural siempre en tensión con lo religioso.Las brujas: Sospecha, traición e histeria en Salem, 1692, de Stacy Schiff (FCE). Foto: gentileza editorial.

Las brujas: Sospecha, traición e histeria en Salem, 1692, de Stacy Schiff (FCE)

Todo comenzó en 1692, durante un invierno excepcionalmente crudo en Massachusetts, con los gritos y las convulsiones de la hija de un ministro. El pánico estalló por todo el pueblo e involucró a los hombres y a los políticos más prominentes de la colonia. Padres e hijos acusaron a esposas y hermanas, y a todo ser viviente que pudiera resultar una amenaza. Ese año la Colonia de la Bahía ejecutó por brujería a catorce mujeres, cinco hombres y dos perros.

La hechicería se materializó en enero y en septiembre murió la última ahorcada; siguió después un silencio absoluto y lleno de azoro que duró una generación. Lo que perturbó a quienes sobrevivieron el calvario no fue la maliciosa práctica de la brujería, sino la torpe administración de justicia a una mayoría compuesta por mujeres.

En 1692 el dogma y la implacable cruzada contra el mal se combinaron en Salem y ofrecieron el escenario ideal para el episodio sensacionalista por definición, un capítulo distópico del pasado colonial puritano que con espasmos, crujidos y destellos sigue abriéndose paso a través del imaginario colectivo a más de trescientos años de distancia.

Historia natural, de Marina Yuszczuk (Blatt & Ríos)

En Historia natural encontramos a Virginia Moreno, la hija del explorador y coleccionista Perito Francisco Moreno, en su hogar, que al mismo tiempo se va transformando en lo que será el Museo de Ciencias Naturales de La Plata, una ciudad en construcción. En el borde de su lente fantasiosamente familiar está el ejército que para 1880 le arrebata la capital a la provincia de Buenos Aires y ha tomado la Patagonia. Virginia acaba de cumplir doce años cuando el padre suma a su colección de restos humanos a un contingente de indios vivos.

La señorita del gótico está allí para hacer girar su caleidoscopio y armar una taxonomía paralela en la que se ordenan, vivos y muertos, los seres domésticos y los otros. Taxidermista y ejemplar de su propia clasificación, Virginia no sabe entrecerrar los ojos en el museo, zoológico, cementerio que con pasión e indiferencia ella también funda, secretamente.

Marina Yuszczuk toma materia histórica y biográfica para dar forma a esta novela de límites y fronteras en estado de arrebato, donde el yo es un invento y lo familiar es la política del terror.La ley de Heisenberg, de Ida Vitale (Ampersand). Foto: gentileza editorial.

La ley de Heisenberg, de Ida Vitale (Ampersand)

“Detrás de todos los libros que leyó en su vida Ida Vitale hay una niña encandilada por la abundancia de autores que poblaron una vez la biblioteca familiar. Pero la lectura no está hecha tan solo de tramas, sino del misterio de un poema repetido sin entender durante años, que desató con el tiempo la pasión de la lengua en la poesía. Este libro enseña a leer sin prejuicios, a dejarse llevar por la imaginación palpando los libros hasta dejarlos impresos para siempre en la memoria sensorial. Porque La ley de Heisenberg no es solo un repaso de lecturas que la autora viene realizando desde hace décadas, sino la revelación de una poética que liga el principio de incertidumbre con la literatura y con la vida”, apunta Graciela Batticuore.

La parte del sonambulismo, de Nicolás Hochman (FCE)

El sueño restaura los depósitos de energía del cerebro, vuelve más eficiente el sistema inmunológico, ayuda a codificar y consolidar la memoria, produce hormonas, baja el estrés. Los sonámbulos, sin embargo, se ven privados de minutos, a veces horas, de estas ventajas; cuentan con una tasa alta de accidentes domésticos, e incluso se registran casos de asesinatos. Los estudios científicos no se ponen de acuerdo en las características básicas de esta población y el narrador de La parte del sonambulismo se pregunta “¿cómo sacar estadísticas de algo tan íntimo, tan tangible, tan difícil de asentar y delimitar?”. Más aún, ¿cómo poner en palabras el sonambulismo?

Con una maestría y una sensibilidad notables, Nicolás Hochman se anima a bucear las profundidades del vasto y oscuro océano que se abre ante este interrogante. Su narrador escinde la vida en dos partes: la que se vive de día, con plena consciencia, y la otra, la del sonámbulo nocturno. Como caras de una misma moneda, las experiencias de ambas partes se entrelazan en las páginas y conforman un todo indisoluble que enriquece al narrador, lo constituye y nos sitúa a nosotros, sus lectores, frente a la asombrosa incomodidad de percibir la vulnerabilidad de lo humano.Un nombre para tu isla, de Katya Adaui (Páginas de espuma). Foto: gentileza editorial.

Un nombre para tu isla, de Katya Adaui (Páginas de espuma)

En el paisaje de la amistad y del amor, ¿cómo construimos cada día el puente que une las islas que somos? Entregados a la vida, los protagonistas de estos cuentos inventan las fronteras de sus vínculos, los celebran, los traicionan, los anticipan, los confrontan. Siempre en tránsito, viajan hacia lo nuevo con asombro, hacia ese instante cuando esperábamos risas al sol y nos heló la sombra. En estos relatos, ¿qué es agua dulce y qué agua salada? En Un nombre para tu isla, Katya Adaui, con humor y piedad, y un oído iluminado para los diálogos y la trama, recoge la intimidad de los afectos que nos sostienen, así como el malentendido rabioso que los devasta.

Fuente: Clarín.com

Con la idea de impulsar un nodo del arte local y regional en la provincia de Córdoba, entre el 3 y el 6 de abril debuta la feria Capital, que reúne en un distrito empresarial a 24 galerías y proyectos de diferentes ciudades de Argentina, Brasil, Chile, Perú y México. Concebida como una feria boutique, esta iniciativa privada adoptó un modelo curatorial que seleccionó un grupo de galerías invitadas.

“Es vital la idea de que tenga un carácter privado porque nos permite marcar nuevos horizontes, links con empresas y captar a nuevos compradores de arte, más allá de los coleccionistas”, señala a Clarín Mercedes López Moreyra, codirectora y curadora de Capital junto a Luz Novillo Corvalán.Vista del Distrito Capitalinas, donde se realizará la feria.

Dinámica urbana y empresarial

La locación elegida manifiesta el espíritu de la feria: el futuro centro de convenciones, aún con las paredes de hormigón, del Distrito Capitalinas, un edificio donde tienen su sede 55 empresas nacionales y multinacionales. “Es muy interesante la arquitectura en construcción porque la feria se concibe en construcción”, agregó López Moreyra sobre la iniciativa, que cuenta con el apoyo de la Agencia Córdoba Cultura, del Gobierno de la Provincia de Córdoba, más allá de que la ciudad organiza su feria histórica.https://a79bb8a8fd44316f35f54525f473d160.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

En su primera edición, Capital busca impulsar el mercado con una selección curatorial de 24 galerías con eje en Latinoamérica. Entre ellas, dos galerías brasileñas: Cada (Río de Janeiro) Gruta (San Pablo); dos de Santiago de Chile: NAC y OMA; una de Perú: Paiján (Trujillo); otra de Ciudad de México, PARA A; y el resto de diferentes ciudades de la Argentina.20 kg. de Jorge Luis Borges, del artista cubano Dagoberto Rodríguez.

El listado incluye una buena representación de Córdoba: Via Margutta, Mina, Sasha D, Marchiaro, Artis, Satélite y Maria Wonda, de la capital provincial; Ankara, de Colonia Caroya; y Esaa, de Unquillo. Se suman las galerías rosarinas Crudo, Diego Obligado, Espacio Barraco y Subsuelo. Y Linse, Miranda Bosch, Moria, Oda y Valeries Factory van en representación de las galerías porteñas.

“Buscamos priorizar el contenido, la curaduría y los procesos. Entre todos ponderamos la profesionalización del sector, con parámetros interesantes para las producciones a exponer, y también que haya una representación de trayectorias diferentes, como otras formas de comercializar arte sin ser específicamente una galería”, sostiene la curadora.Vista del Espacio

Destaca el caso de Paiján, un espacio que recluta artistas para una residencia en Trujillo –una ciudad de la periferia– antes de comenzar a trabajar con ellos. Del galerismo cordobés están espacios tradicionales como Vía Margutta o Sasha y Mina y Satélite, más recientes, y Ankara, una galería rural y con interés en lo patrimonial.

“Son espacios que se adaptan a la fragilidad por la economía que compartimos con otros países de la región, que siempre se están pensando, reformulando”, completa.Fabio Risso, representado por la galería Linse.

El programa de la feria se completa con un agenda de charlas distendidas en el auditorio del Distrito Capitalinas, a cargo de Tomás Bondone y un panorama de instituciones y actividades para realizar en la ciudad de Córdoba. En la previa, un encuentro a cargo del coleccionista José Luis Lorenzo y otros entusiastas del arte, convocaron a interesados para fomentar el mercado.

“Detrás de esta feria está la necesidad de construir la escena y lo federal desde el lugar de cada uno”, completa la curadora. “Reconocer a las personas que se quedaron en su ciudad, porque esto genera diversidad y necesidad de que se expanda a ciudades más grandes sin que se pueda construir desde lo propio”.

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Sobre la firma

March Mazzei

Editora de la Revista Ñ/ sección Culturammazzei@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Los artistas españoles Miquel Barceló, Cristina Iglesias y el mexicano Javier Marín realizarán la propuesta artística para la fachada de la Gloria que se está empezando a construir en la Sagrada Familia de Barcelona, una obra maestra del modernismo que es uno de los monumentos más visitados de España.

Según informó la Basílica de la Sagrada Familia, el Patronato de la Junta Constructora ha escogido a este trío de artistas para que hagan una propuesta sobre cómo debería ser el diseño del que será el principal acceso al templo católico que proyectó el arquitecto español Antoni Gaudí (1852-1926), uno de los genios del modernismo.https://7b43af9f4aefa7466d6ad6679ef27362.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

Las creaciones de Barceló, Iglesias y Marín «servirán para que el Patronato pueda seleccionar al artista o a los artistas que finalmente llevarán a cabo su ejecución», añadió la entidad gestora, sin descartar que se combinen propuestas.

Última etapa

La fachada de la Gloria es la última que queda por construir y será la principal del templo barcelonés, la que estará orientada al mar. Estará dedicada a explicar la historia de la humanidad desde Adán y Eva hasta el juicio final, así como las enseñanzas de Jesús, explica el templo.

Actualmente, lo esfuerzos en la construcción están centrados en la torre de Jesús, la más alta de la Sagrada Familia y que contará con una cruz mirador en la cima.La basílica de la Sagrada Familia. EFE/Marta Pérez.

Esta torre se prevé culminar al final de este año para ser inaugurada en junio de 2026, coincidiendo con los actos del centenario de la muerte de Antoni Gaudí.

En paralelo, la Sagrada Familia ha iniciado este año la construcción vertical de la fachada de la Gloria, el acceso principal.

De momento, de la fachada de la Gloria solo están puestos los fundamentos, sobre los que se alzarán cuatro torres, junto con el resto de los elementos arquitectónicos, durante los próximos años.

Para la fachada está previsto en el futuro una extensa decoración, que contará con un centenar de figuras.

La basílica comenzó a erigirse en 1882 y su construcción se financia con donaciones. La parte que llegó a construir el propio Gaudí fue declarada en 2005 patrimonio de la humanidad por la Unesco.

Los artistas

Nacido en 1962 en el estado de Michoacán, Javier Marín ha realizado proyectos en espacios religiosos como la iglesia de San Agustín en Pietrasanta, en Italia, el Convento de San Francisco de Asís, en La Habana, y la Catedral Basílica de Zacatecas, en México.Un grupo de personas visita la basílica de la Sagrada Familia en Barcelona el 29 de mayo de 2021 con motivo de su reapertura para las visitas turísticas. (Foto de Josep LAGO / AFP)

Por su parte, el mallorquín Miquel Barceló es a los 68 años uno de los artistas contemporáneos españoles más famosos. Recientemente fue seleccionado para diseñar un tapiz para la catedral de Notre Dame en París, y es autor de un mural en una capilla de la catedral de Palma de Mallorca.

Finalmente, Cristina Iglesias, artista vasca de 68 años, ha representado a España en dos ocasiones en la Bienal de Venecia. Entre sus proyectos de arte público destacan las puertas de la ampliación del Museo del Prado, en Madrid, y la fuente de la plaza Leopold de Wael, en Amberes, Bélgica.

Con información de EFE y AFP.

Fuente: Clarín.com

Malba Puertos inauguró este sábado en Escobar su primer programa del año 2025, que se podrá visitar con entrada gratuita hasta agosto, y que recibe el desafío de sostener una programación que convocó a casi 135 mil personas desde septiembre pasado, el 80 por ciento de ellas debutantes en esto de visitar museos, miles de chicos que fueron con su escuela y una recepción de la comunidad (y más allá) que superó las expectativas ampliamente. «Bienvenidos», dijo ayer a la tarde Eleonora Jaureguiberry, coordinadora general del espacio, antes de comenzar la recorrida que propone los nombres de un clásico como Xul Solar y tres artistas jóvenes y consolidados: Daniel Leber, Florencia Sadir e Ivana Vollaro.

Jaureguiberry recordó que el año pasado el emprendimiento encabezado por el coleccionista Eduardo Costantini con una inversión de 10 millones de dólares de la firma Consultatio –socio corporativo del Malba– a 45 kilómetros de la Ciudad de Buenos Aires, generaba no pocas preguntas.https://20bb6d0bc0e6ff70ecd7142dfa3b69af.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

«¿Quién va a ser nuestra audiencia? ¿Quién va a venir hasta acá? ¿Cómo nos vamos a relacionar con estas audiencias? ¿Qué va a pasar con esta comunidad? –enumeró la coordinadora de Malba Puertos y continuó–. Muchas de estas preguntas están siendo respondidas en estos meses fundacionales del museo y este camino que inauguramos es el que queremos reafirmar en esta segunda muestra, la primera de este año«.La curadora Alejandra Aguado; el director del Malba , Rodrigo Moura; la coordinadora de Malba Puertos, Eleonora Jaureguiberry y Teresa A.L. Bulgheroni, presidenta del Consejo de Administración del museo durante la inauguración de tres muestras en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

Xul Solar y Daniel Leber

Antes de la inauguración, un grupo de periodistas recorrió las tres muestras de la mano de la curadora Alejandra Aguado, que dialogó además con los tres artistas convocados en cada caso. La gran Sala del Lago, que recibió en septiembre la muestra Ensayos naturales (I), en la que dialogaban las obras de gran porte de Mondongo con las delicadas y susurrantes pinturas del artista rosarino Luis Ouvrard, invierte ahora las proporciones con Vuelo infinito que pone en diálogo una selección singular de Xul Solar con grandes (y pequeñas) piezas de Daniel Leber.Inauguración de Xul Solar y Daniel Leber: Vuelo infinito, en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

Leber es un estudioso de la obra de Xul Solar, así como de otros creadores como Joaquín Torres García y Liliana Maresca, con especial interés «en los símbolos, a través de los cuales busca traducir realidades superiores en elementos tangibles y cotidianos», apunta el texto curatorial de Alejandra Aguado.

«Vuelo infinito reúne dos artistas y dos tiempos y, en su encuentro, busca perpetuar el deseo y la posibilidad que ambos artistas manifestaron de abrirse hacia los misterios del cosmos«, anotó Aguado.Xul Solar y Daniel Leber: Vuelo infinito, en Malba Puertos. Foto: Clarín.

Con un siglo que los separa, Alejandro Xul Solar (1887−1963) fue uno de los artistas argentinos más importantes del siglo XX, «creador múltiple de imágenes, astrólogo, estudioso de las culturas y de las religiones y promotor de la creación de una lengua universal», sintetizó la curadora, mientras Daniel Leber (1988) es un artista contemporáneo, seguidor de la obra de Xul, «cuyo trabajo expresa la misma vocación por el estudio de las tradiciones filosóficas, por hacer de cada imagen un puente hacia lo intangibley por buscar en la cotidianidad manifestaciones impensadas de lo divino», agregó.Inauguración de Xul Solar y Daniel Leber: Vuelo infinito, en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

Ese encuentro entre ambos aparece en el inicio de la recorrida con la imponente obra «Aquí no hay allá», una colección de símbolos en hierro galvanizado que anticipa la comunión entre «geometría y palabra que se funden con imágenes visionarias de reinos, paisajes y seres que manifiestan su participación en un orden cósmico», continúa la curadora. Ahí aparecen una casa construida con cartas, moscas, peces, una escalera, el humano, pájaros, aunque también la geometría y flechas que indican que no hay una sola lectura posible.

Esas búsquedas de Solar y sus prácticas espirituales atraviesan también las obras de Leber, que con distintas técnicas también reflexiona en torno a la posibilidad de crear o encontrar símbolos que sean capaces de expresar verdades universales.

La exposición toma su título de una frase («Mi vuelo infinito será») presente en una pequeñísima obra vertical y estilizada de Xul Solar de 1919 en la que la palabra y la imagen revelan la aspiración del artista al ascenso y una permanente persecución de lo divino. Leber también traza un camino de (auto) conocimiento, pero en lugar de buscar una elevación, en su caso el trazado es horizontal.

En el mismo espacio, se pueden ver obras de madera de Xul Solar: su «Pan Altar Mundi» o su «Panajedrez», un tablero de 13 casillas por 13 que representan constelaciones y sus fichas pobladas de símbolos.El artista Daniel Leber durante la inauguración de Vuelo infinito, en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

La muestra combina obras de la colección del Malba y de Eduardo Constantini con otras prestadas por el Museo Xul Solar y Fundación Pan Klub.

También Leber presenta obras en madera, aunque las suyas retoman una tradición vinculada a sus ancestros eslovenos que utilizaban los paneles de los colmenares para decorarlos con pinturas en ocasiones religiosas y en otras con imágenes decorativas. El artista argentino trabaja en una colección que homenajea ese legado artesanal y eligió cinco de esas tablas para esta muestra.La curadora Alejandra Aguado durante la inauguración de tres muestras en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

Vuelo infinito avanza con una serie tardía de Xul Solar compuesta de óleos sobre vidrio que el artista realizó en los años 50 y «en los que retoma la calidad más expresionista de su trabajo temprano para experimentar con lo transparente desde otro lugar, no tanto como lo hacía con las acuarelas, sino pintando el frente y el fondo de estos vidrios», explicó la curadora.

Leber tuvo muestras individuales en las galerías Calvaresi Contemporáneo (2022) e Isla Flotante (2021), entre otras. Es director de Detox, plataforma multidisciplinaria de contenidos que cruzan mística y actualidad y su obra participó de numerosas muestras colectivas, entre las que se destacan A 18 minutos del sol y Una historia de la imaginación en la Argentina (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2023 y 2019).Xul Solar y Daniel Leber: Vuelo infinito, en Malba Puertos. Foto: Clarín.

Y para cerrar, una selección de grafías diseñadas por Xul Solar en diálogo con algunas de sus acuarelas de los 50 y unas tintas también de esos años. Esa sala ofrece, por su parte, seis dibujos de Leber con «variaciones posibles de cuerpos humanos, donde busco qué es lo que trasciende lo particular en cada una de las individualidades. Se trata no tanto de prestar atención a qué es lo que nos diferencia, sino a qué es lo que nos hace todos parecidos. Y de alguna manera se conecta con la pieza de hierro al salir que se llama «Reflejo de lo uno en lo otro», que quiere pensar las similitudes y así acceder de lo particular a lo universal», detalló el artista.

Una caja de alisos

En septiembre pasado, la Sala del Bosque era una idea y hoy, el notable crecimiento de aquellos plantines de alisos, son ejemplares de más de dos metros de alto que conforman ciertamente muros etéreos y móviles capaces de contener tres espacios bien diferenciados que la artista salteña Florencia Sadir tomó como punto de partida para la elaboración de las tres piezas que componen la muestra Yendo por dentro del agua, he llegado muerta de sed.Obra «Refugio» de la muestra Yendo por dentro del agua, he llegado muerta de sed de Florencia Sadir en Malba Puertos. Foto: Clarín.

El sugerente título nace de una copla de la intérprete Mariana Carrizo e integra tres propuestas especialmente diseñadas para Malba–Puertos, que, según el texto curatorial de Alejandra Aguado «traen historias de agua, tierra y cielo» para revelar «la relación compleja que establecemos con la naturaleza, así como el vínculo estrecho que los trabajos de la artista entablan con el entorno».

La curadora señala que desde su hogar en los Valles Calchaquíes «–donde recolecta, moldea, esmalta y hornea pacientemente la arcilla hasta convertirla en cerámica, elemento fundamental de este proyecto–, Sadir da forma a una práctica escultórica que, si bien está basada en la construcción material, se concreta como una ofrenda, una invocación y una conversación con la tierra y con su tiempo».

La primera instalación se titula «Cosecha de agua» y presenta un laberinto de mallas de las que cuelgan cientos de pequeñísimas gotas de cerámica pintadas en plata. La segunda, «Refugio», es una construcción piramidal de muros anchos de barro y de cal, «que evoca la arquitectura característica de nuestra historia colonial, y ofrece algo de amparo ante la intemperie e invita a mirar el cielo a través de la abertura triangular que dejaron sus muros volteados, testigos del agua y del viento». En el centro, un tronco de algarrobo quemado que con su negrura es en sí mismo una escultura y una denuncia.

Cierra el recorrido la notable instalación «Serpiente», dos espejos de agua de trazado irregular conectados por una serpiente de arcilla con acabado de plata que fuera de la vista del público circula entre uno y otro estanque.La artista Florencia Sadir durante la inauguración de Yendo por dentro del agua, he llegado muerta de sed, en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

Dice la curadora: «Figura del río, símbolo de la fertilidad y encarnación, en la cosmología diaguita, de un rayo que cae con la lluvia desde el cielo, el animal lleva sobre su lomo dibujos que narran, a la manera de una escritura antigua, los procesos que humanos y naturaleza atraviesan como partes de un mismo ciclo vital que integra cultivo, transformación y cosecha».

Los trabajos de Sadir participaron de numerosas exposiciones en Japón, el Museo Moderno de Buenos Aires, Uruguay y el Museo de Arte Contemporáneo de Salta.Inauguración de Yendo por dentro del agua, he llegado muerta de sed de Florencia Sadir, en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

Palabras en la reserva

Para el espacio de la reserva, que conserva las obras de la colección del Malba, fue convocada la artista Ivana Vollaro, que desarrolló la propuesta Reservados, partiendo de una serie de palabras que disparan nuevos sentidos en el momento en el que encuentran un nuevo contexto.Reservados de Ivana Vollaro en Malba Puertos. Foto: Clarín.

«Vollaro despliega una serie de obras que juegan con el más fino y contradictorio de sus límites –sus ventanas y paredes vidriadas– para indagar en aspectos simples del acto de mostrar. En las reservas o depósitos, que son zonas de intercambio, guarda y espera, los acontecimientos son algo esporádico; su naturaleza está orientada a proporcionar estabilidad y sostener a la obra de arte como una existencia casi perenne», analiza la curadora.La artista Ivana Vollaro durante la inauguración de Reservados, en Malba Puertos. Foto: Alejandro Guyot, gentileza Malba.

Sobre el final de la tarde, el director del Malba, el brasilero Rodrigo Moura, encabezó el acto formal de inauguración. «Malba Puertos en proyecto fantástico con enorme potencial futuro cimentado en su emocionante arquitectura, equipos apasionados y públicos comprometidos por lo que les agradezco a todos que estén aquí esta noche», dijo Moura.

Las tres muestras se pueden visitar en Malba Puertos (Alisal, Puertos, Av. de la Bahía 160, Belén de Escobar) hasta el 31 de agosto de martes a domingos de 12 a 19.

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Sobre la firma

Débora Campos

Editora de la sección Culturadecampos@clarin.comBio completa

Fuente: Clarín.com

Devolver a la vida a los enormes colosos romanos, a tumbas de faraones egipcios como Tutankamón o a esculturas de Bernini a través de reproducciones exactas es la misión de Factum Foundation, encargada de preservar, digitalizar y reproducir las grandes obras de arte de la humanidad.

El objetivo es garantizar la conservación del patrimonio de las grandes ciudades y lugares del mundo, así como del patrimonio en zonas de riesgo (…) El secreto está en que los objetos que fabricamos deben ser idénticos a los del museo, tanto para los expertos como para el público en general”, asegura el fundador de esta organización sin ánimo de lucro, Adam Lowe, en una entrevista.https://9cc91bb3b4fb16c4a78a28b926befe07.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.html

Para devolver estas obras de arte y hallazgos arqueológicos a la vida, Lowe instaló su fundación en Madrid, y le dotó de la última tecnología para poder digitalizar y reconstruir las piezas de arte y restos arqueológicos mediante procesos de verificación digital de la obra.

Modelos que una vez digitalizados con inteligencia artificial y técnicas de fotogrametría se transforman en imágenes y datos susceptibles de ser fabricados de nuevo con una precisión milimétrica y todo lujo de detalles, gracias a tecnología de impresión 3D o reconstrucción con moldes.

Reproducciones que son exactas al original: “El objetivo es verificar, no falsificar. Los datos que registramos se ponen a libre disposición con fines educativos y de conservación», destaca Lowe.Devolver a la vida a las grandes obras de arte de la humanidad es la misión de Factum Foundation. EFE/Javier Lizón

Arqueología, arte y tecnología

En la fábrica de la fundación se almacenan decenas de obras en proceso de reconstrucción. Enormes partes de un coloso, pinturas de clásicos del renacimiento o piezas arqueológicas. Otras permanecen ocultas para no desvelar su estado, bien por ser encargos confidenciales o por encontrarse aún en un estado inicial.

La fundación aspira a tener registradas las mayores obras de arte de la humanidad y reproducirlas para que todo el mundo tenga acceso a ellas en condiciones, en muchos casos, mucho más favorables que las actuales.

“Creo que nuestro objetivo es el futuro de los museos, que puedan ofrecer un acceso privilegiado a las obras, no sólo detrás de un cristal o a kilómetros de distancia (…) Si piensas en los museos ahora, tienes que hacer cola, están llenos (…). La gente ve a la Mona Lisa con sus teléfonos móviles a 50 o 40 metros de distancia” , añade.

En su taller multidisciplinar de Madrid construyen piezas de todo tipo, como el monumental coloso del siglo IV del emperador Constantino de 13 metros de altura del que apenas se tenían 10 fragmentos conservados en los Museos Capitolinos de Roma.

“El mayor reto fue reconstruir el resto de la figura que faltaba y que supone un 80 % de la escultura total”. Un trabajo en el que emplearon cerca de seis meses y para el que usaron herramientas digitales y programas de modelado 3D, asegura por su parte la experta en modelaje 3D de la Fundación, Irene Gaumé.

Sistema de referencias

La reconstrucción se realiza mediante un sistema de referencias con esculturas parecidas de la época que se encuentran en mejor estado.

El proceso es primero digitalizar e imprimir en 3D o en plástico los modelos para, posteriormente, reconstruir con materiales lo más parecido al original: “Si una pieza es de piedra, intentamos que la piedra sea lo más parecida posible, de mármol, de bronce”, añade Gaumé.

Un trabajo así habría servido para restaurar con todo lujo de detalles partes destruidas de la catedral de Notre Dame (París) antes del incendio y otras obras de arte en zonas en conflicto de las que no se tenía un registro y que se han perdido.Devolver a la vida a las grandes obras de arte de la humanidad es la misión de Factum Foundation. EFE/Javier Lizón

“Mientras los talibanes estaban destrozando unos leones alados en Mosul, nosotros estábamos replicando otros aquí” asegura Juan Carlos Andrés Arias, jefe de Taller y uno de los encargados en convertir los modelos 3D en esculturas reales.

La fundación no se pone límites y cuenta con infinidad de proyectos arqueológicos en todo el mundo, como la cueva sagrada de Kamukuwaká (Amazonía brasileña), el San Sebastián de Bernini o una parte de la cámara mortuoria del faraón Seti I.

Con información de EFE.

Fuente: Clarín.com