Categoría: Entretenimiento

Muy reconocida por su labor dentro del campo del diseño lumínico, Leandra Rodríguez reparte su actividad, desde la década del 90, entre el teatro oficial, comercial y alternativo. Si bien esa labor le posibilita vivir de su trabajo y tomar contacto con múltiples proceso creativas de variada intensidad, hay un campo laboral que ha desarrollado con poca frecuencia, el de la dirección teatral.

Ella se formó en actuación y dirección en la Escuela Metropolitana de Teatro (EMAD) y egresó montando un proyecto ligado al universo de Samuel Beckett. Mientras cursaba trabajaba como boletera en el Teatro de la Campana cuyo operador de luces era Gonzalo Córdova. El creador en algún momento decidió renunciar a su trabajo y Leandra le propuso que le enseñara a operar porque de esa manera dejaba la boletería y tenía la posibilidad de ver los espectáculos que se montaban en la sala.

Y Córdova no solo aceptó la propuesta sino que, además, la instó a realizar un primer diseño lumínico. Se trató de una creación de la coreógrafa y bailarina Mabel Dai Chee Chang que se estrenó en el entonces Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI), en 1994. Con ese primer trabajo ambas se presentaron en Berlín, Hamburgo, Fráncfort, Miami y Nueva York. “Tengo una crítica en The New York Times que habla de mis luces”, recuerda hoy sentada en el bar de la Galería del Viejo Hotel, ubicada en San Telmo, y donde alquila un pequeño local que utiliza para realizar diferentes investigaciones lumínicas.

Luego, de la mano de Oscar Barney Finn, empezó a trabajar en proyectos comerciales como Eva y Victoria y hasta integró el equipo que, por la misma década participó de la reinauguración del recuperado teatro Sarmiento.

La dirección teatral quedó relegada aunque en algún momento Ciro Zorzoli la conectó con un grupo de ex alumnas con las que montó, en La Carbonera, Que donde, de Samuel Beckett, un proyecto que estuvo varias temporadas en cartel. Volvió a las luces hasta que en 2018 dirigió junto a Virginia Innocenti su unipersonal Traducción de las noches en el Centro Cultural de la Cooperación y ahí decidió que debía retomar una tarea que estaba relegada pero que no tenía intención de abandonar.

“Ese espectáculo me reactivó mi intención de dirigir –cuenta Leandra Rodríguez– y a partir de ese momento empecé a considerar más conscientemente la posibilidad de dedicarme más tiempo, de cederle espacio en la agenda. Porque el problema es que cuando una profesión te alimenta te copa la agenda. Además de ser placentera y llevarme a los mejores lugares en general también me han tocado obras hermosas para iluminar. Es muy tentadora la iluminación pero conspira un poco contra mi pasión verdadera y cada vez que puedo dirigir lo hago”.

Es así que el próximo domingo, junto a los actores María Marchi, Hugo Cosiansi y Junior Pisanú abrirán la temporada del teatro Payró con la obra Lola Mora, un ángel audaz de Carlos Vittorello, un dramaturgo que comenzó a proyectarse en la escena porteña a mediados de la década del 80 y de quien poco se conoce su última producción. En esta pieza, que escribió durante la pandemia, busca develar algunos de los momentos más significativos en la vida de esta artista plástica nacida en Tucumán en 1866 y cuya obra estuvo por muchos años muy poco protegida y hasta está diseminada en diferentes ciudades del país.

El proyecto le llegó a Leandra Rodríguez a través de María Marchi quien en un comienzo la invitó a realizar el diseño lumínico del espectáculo. Por entonces no se sabía quien iba a dirigirlo. Leandra le dijo a la actriz, “teneme en cuenta” y es así que terminó involucrándose en el rol que tanto ansiaba.

Lamentablemente hoy no resulta tan sencillo conocer en profundidad la historia de Lola Mora. Sus biografías están agotadas y no es fácil seguir puntualmente el derrotero de esta intensa mujer que comenzó siendo dibujante muy joven, que consiguió una beca del Congreso de la Nación para viajar a Italia y formarse con destacados maestros de pintura y escultura y que descolló también en otras actividades ya no ligadas al arte. Llegó a realizar investigaciones en una mina en Salta con la intención de obtener combustible, participó del proyecto de construcción del hoy conocido Tren de las nubes en Salta, fue autora del proyecto del primer subterráneo de Buenos Aires y participó en el trazado de las calles de San Salvador de Jujuy, entre otras cosas Su fuerte personalidad la llevó a crearse numerosos enemigos pero nunca dejó de desarrollar su labor. Murió en Buenos Aires, en 1936.

Leandra Rodríguez explica que en un comienzo sintió “pánico” al abordar a este personaje. Y como no lograba dar con una biografía fiel, inició una investigación que la llevó a un libro de Catastro y otro de fotografías que dan cuenta de como era la ciudad de Buenos Aires en la época en que Lola Mora desarrolló su labor artística.

“La obra transcurre en las últimas horas de vida de Lola –cuenta la creadora–. Creo que un poco basada en esa fábula que no se sabe hasta dónde es real y que cuenta que ella deambulaba, en los últimos días de su existencia, queriendo abrigar a Las Nereidas los días de lluvia o tormenta. Un poco la obra tiene ese color, esa zona del final de Lola. Si nos imaginamos al personaje en esas circunstancias lo que pasa es que sentís que, delante tuyo, se van sucediendo imágenes. La obra nos permite recorrer un par de situaciones de la vida de la artista. Una de ella es cuando se casa. Un momento de amor. Conoce a un joven veinte años menor que ella con el que se va a Italia. Él es quien aporta en la pieza todas las cosas horribles que han dicho de ella y, como contrapartida, hay un personaje que también ella trae en estos momentos finales que es como un par, un amigo, su modisto según el autor, pero básicamente es un colega, es otro diseñador”.

–¿Cómo estaba su salud en esos momentos finales?

–Ella está mal, deteriorada. Está hemipléjica porque tuvo varios accidentes cerebrales. Entonces, aparte del anecdotario propio hay otros conflictos que son los de una señora de su edad, con ese temperamento, con ese historial. Se convirtió en una vieja y antes era desvalorizada porque no atendía un poco a las normas, porque no era hombre, porque encaminaba las cosas como si lo fuera. Y después es olvidada, se borra su identidad de artista. Me hizo acordar a muchas mujeres de mi familia que fueron envejeciendo y se han ido muriendo y han sido personas que en las infancias fueron muy importantes. Pero al final de la vida nadie pone en valor eso que han hecho. Con su deterioro se deteriora todo lo que nos dejan y Lola, al mismo tiempo, dejó una obra monumental que está completamente diseminada y desmembrada porque tallaba grupos escultóricos no esculturas.

–¿Qué cosas de su imaginario te provocan?

–Me alucina pensar cómo ella imaginaba sus productos. Yo hago diseño de luces, dibujo, voy y compro un filtrito. Esta señora imaginaba sobre una piedra del tamaño de una montaña qué sacaba y qué dejaba porque la obra que quedaba, sí o sí, era para que la mires con el cielo de fondo. Una mujer que nació en el norte, por suerte, en la cuna de la cultura, de la educación. Mucho más que la ciudad de Buenos Aires en aquel momento. Por eso ella tiene el impulso de salir a buscar financiamiento porque nace donde nace un poco nuestra historia de arte puro, no europeizado aunque ella después termina viajado a Italia para formarse. Me parece que tiene la fortuna de nacer en esa cuna de tierra roja que es Tucumán y en el centro del país. Tiene muchas dificultades. Queda huérfana de muy joven. Lo que yo leo hoy, con el paso del tiempo, en las biografías, es que ella no se preguntó si podía hacer determinadas cosas. Naturalmente se lanzó hacia ellas. Como la obra va a hablar de todas estas cosas que a ella le pasaron pretendo o me gustaría que sucediera que más allá de que la trataron mal en el teatro ella reciba algo de amor, algo de ternura, algo de lo que no le llegó en su momento.

–Para su época fue una mujer que escapaba a todos los marcos

–Fue una guerrera. Yo a veces me cuestiono sobre mi temperamento que es audaz. Qué injusticia porque si no sos así no llegás, no accedés, no te dan pelota. Tuvo un temperamento tal que le permitió acceder a cosas. Había otras esculturas en la época pero no sé si de ese tamaño de obra. Lo que le pasa a Lola es que más allá de las críticas sociales que recibía por doquier quedó como demodé porque ella entra en el nuevo siglo con una formación del siglo anterior. Imaginate que en ese momento Xul Solar ya estaba produciendo obra. Pero igual ella generó muchas innovaciones en las esculturas también.

–¿En tanto directora te cuesta no involucrarte con el diseño lumínico?

–No encuentro competencia entre una cosa y la otra. Hay espacio para todo. Me encanta que al director le toquen otras miradas y las tenga que incorporar. A veces yo me siento incómoda cuando un director quiere una luz que ya pensó. Me dan ganas de decirle, “y bueno hacela vos si ya la pensaste. A mí me pasa otra cosa”. Lo tenés que convencer. Tenés que convencerlo de que esto que traés no es de la nada. Lo viste leyendo este texto. Tengo formación y herramientas para crear esos diálogos. Para mí es interesante el intercambio y el choque. “Sin choque no hay chispa”, dice Mauricio Kartun en Terrenal. Lo interesante es sumar miradas sobre el mismo objeto. Ya en la platea habrá una cantidad de miradas inmanejables. Yo relaciono el diseño con el entorno del objeto que estamos mirando. A Lola Mora la entiendo más porque antes de tener la biografía vi las fotos de Buenos Aires, fui al catastro, tomé contacto con imágenes de la época, comprendí qué estaba pasando históricamente, políticamente. Después llegó el personaje. ¿Por qué necesitaba una biografía?, porque tenía que cotejar cuanto era ficción y cuanto no. Cuando agarrás un texto para dirigirlo desenvolvés cada zona del personaje y la potencias. ¿Hacia dónde en el caso de Lola Mora? Siempre lo vas a tener que potenciar hacia la biografía. Ella nació en 1866, cien años antes que yo. Me di cuenta que dos siglos antes son cinco minutos. No es nada. Vos mirá a tus ancestros para atrás y vivían en la misma época que Lola Mora. Es muy joven nuestro país, nuestra historia artística. Está tan lejos y tan cerca. También el conflicto de género. Nosotros llevamos 20 años luchando más abiertamente, más receptivamente por el entorno. Luchar se luchó siempre pero ahora hay más recepción de esa lucha. Cuando Lola tenía 20 ya estaban las mujeres anarquistas tirando bombas y le pegaron a ella más adelante porque hacia este tipo de obra. ¿A qué clase social se dedica esta obra? A la clase alta. Cuestionarla porque no era una artista popular. Si tallaba mármol de Carrara qué pretendían, ¿que fuera a juntar chatarra? No era Berni. Y todo eso fue ayer.

Para agendar

Lola Mora, un ángel audaz

Dirección: Leandra Rodríguez. Teatro Payró, San Martín 766. Domingos, a las 20.Carlos Pacheco

Han pasado tres años desde que la pandemia por Covid hizo que el mundo se detuviera. Sin embargo las historias que se desarrollan durante este complicado momento siguen produciéndose y para muestra está Infiesto, el nuevo film español de Netflix que estrenó este fin de semana y que busca contar un thriller en la época de la pandemia.

Ashton Kutcher y Reese Witherspoon a solas con Infobae por el estreno de “Tu casa o la mia” en NetflixLos famosos actores de Hollywood hablaron de todo y contaron sobre una particular experiencia que los llevó a conectar los personajes. Incluso hablaron de Lionel Messi y el Mundial de Qatar 2022

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La nueva producción sigue a dos detectives, quienes son llamados a un pequeño pueblo minero en las montañas de Asturias, donde una joven, presuntamente muerta desde hace varios meses, de pronto aparece. Durante su investigación, ambos personajes se darán cuenta rápidamente de que la crisi ssanitaria es el menor de sus problemas, ya que un ser oscuro y siniestro anda tras ellos.La película se filmó en escenarios de Galicia. (Netflix)

Los policías en cuestión son el inspector Samuel García, quien a la par de buscar al asesino serial, está lidiando con la ausencia de su familia y su madre, que están separados de él debido a la pandemia de Covid-19. Mientras tanto, la inspectora Castro trata de manejar el que no pueda estar cerca de su pareja Carlos, que está en cuarentena en una habitación cerrada de su casa.

La temporada 4 de “You”, “Tu casa o la mía” y “At Midnight”, entre los estrenos del 6 al 12 de febreroLos servicios de entretenimiento ofrecen nuevos títulos durante la semana, donde también destacarán los estrenos en streaming de “El teléfono negro”, así como el especial de San Valentín de “Harley Quinn”

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Escrito y dirigido por Patxi Amezcua, la producción es protagonizada por Isak Férriz, Iria del Río y Luis Zahera, está filmado en diferentes lugares de la zona minera asiria y Galicia. La película se ambienta en marzo de 2020 en los inicios del Covid-19. Sin embargo, el contexto de la pandemia no tiene nada que ver con la trama, el largometraje se centra en otro tema.El film es protagonizado por Isak Férriz, Iria del Río y Luis Zahera. (Netflix)

Infiesto se cuenta a través de las investigaciones de dos detectives que van en contra de un asesino despiadado que secuestra a mujeres y hombres jóvenes. Estos últimos se convierten en víctimas de sacrificios en nombre de una “potencia superior”. El film se centra precisamente en la cacería del asesino en serie.

A qué hora se estrena “Tu casa o la mía”, la película romántica con Reese Witherspoon y Ashton KutcherDos mejores amigos se han mantenido en contacto por dos décadas y deciden cambiar de lugar en sus vidas para ayudarse, pero solo descubrirán que siempre hubo algo más. Llegará el 10 de febrero a Netflix

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El proyecto se presenta ante el público como un thriller sombrío que busca transmitir al espectador la sensación de inmersión en un mundo surrealista. La trama recorre un largo y delgado hilo de eventos desafiantes.La película está ambientada en 2020. (Netflix)

A pocos días de su estreno, este largometraje ha logrado llamar la atención por su mezcla de acción, suspenso y adrenalina. El elenco completo de la película incluye a Antonio Buíl, Juan Fernández, Andrea Barrado, Ana Villa, Isabel Naveira, José Manuel Poga, Ismael Fritschi, Ismael Fritschi y muchos otros. Además, Emma Lustres es la productora, mientras que Lucas Nolla es el editor.

Según algunos especialistas, el largometraje hace un trabajo sólido al desarrollar la tensión en la historia y aumenta la apuesta escena por escena. El suspenso que estalla en los últimos 15 minutos es satisfactorio y diferencia la historia de piezas de género similares.«Infiesto»es un thriller sombrío. (Netflix)

Puedes disfrutar de Infiesto a través de la plataforma de Netflix.

Fuente: Infobae.com

La serie Fauda se ha convertido en un éxito global que incluso ha hecho que sus creadores tengan un nuevo proyecto con Netflix titulado Hit and Run, el cual se desarrolla en Estados Unidos. Esto no significa que la serie que dio inicio a todo esté en su recta final. De hecho la cuarta temporada que estrenó hace un par de semanas se ha convertido en un fenómeno a donde llega y se estrena, incluso a sitios tan diversos como la India.

La joya escondida del espionaje israelí que no puedes perderte en NetflixEs una producción de 2015 que actualmente cuenta con 4 temporadas. La última recién fue lanzada a inicios de este 2023

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En la cuarta temporada deFauda(que significa caos en árabe), el agente encubierto israelí Doron Kabilio, el capitán Ayub, Eli y su equipo se embarcan en su misión más compleja y peligrosa. Se enfrentan a disturbios simultáneos en dos frentes: por parte de activistas de Hezbolá del Líbano y militantes palestinos de Cisjordania.La cuarta temporada de «Fauda» estrenó el 20 de enero del 2023 y se traslada a Bruselas. (Netflix/ Yes Studios)

La trama se desarrolla en cuatro ciudades diferentes: Bruselas (Bélgica), que es considerada la capital del facto de la Unión Europea; Beirut (Líbano), donde tiene su sede el partido político y grupo militante de Hezbolá; Jenin (o Yenín), una ciudad palestina en el norte de Cisjordania y Ramla, una ciudad que tiene una de las tasas de criminalidad más altas de Israel.

5 series que debes ver en streaming si te gustó “Fauda”La ficción protagonizada por Lior Raz se ubica actualmente en el Top 10 de las producciones más vistas en Netflix

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El programa sigue a una unidad encubierta de las fuerzas especiales israelíes que opera en Cisjordania. Fauda , que es inmensamente popular en todo el mundo (siendo una producción en habla no inglesa), algo que ha asombrado tanto a Raz, que también interpreta al personaje central Doron, como a Issacharoff.Lior Raz (también creador) y Rona-Lee Shim’on son los protagonistas de «Fauda». (Netflix)

Éxito inesperado

El creador del show Avi Issacharoff ha dicho que si bien las producciones que se realizan en su compañía siempre llevan una calidad mundial, nunca pensó que el alcance e impacto de Fauda los llevaría a asociarse con Netflix para futuros proyectos. Además de que les ha permitido desarrollar otras producciones con compañías de todas partes del mundo.

“Cuando Netflix compró el programa, empezamos a notar en las redes sociales que teníamos tantos seguidores en el mundo. Hay una necesidad, tal vez incluso hambre, de buen contenido en todo el mundo y no necesariamente tiene que estar en inglés. Puede estar en hebreo, puede estar en muchos idiomas diferentes. Creo que con Fauda logramos tocar los corazones de muchas personas en todo el mundo, incluso en la India”, dijo Issacharoff a Deadline.En 2017 «The New York Times consideró a «Fauda» como una de las mejores series internacionales. (Netflix)

Cómo se inspiraron para hacer Fauda

Antes de codearse con actores internacionales, la conexión del creador y protagonista de Fauda, Lior Raz, con Hollywood era aún más simple: era el guardaespaldas de nada menos que la estrella de cine y ex gobernador de California Arnold Schwarzenegger. Después de un servicio militar de súper combate que también aportó sus experiencias a la escritura de Fauda, Raz viajó a Estados Unidos para proteger a Schwarzenegger.

“La Tierra según Philomena Cunk”: el ingenioso documental de la mente creativa de “Black Mirror” que es tendencia en NetflixDe una forma hilarante cuestiona diversas cosas y sucesos que el mundo da por sentados

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“Estuve algunos años en las fuerzas militares y eso me dio una gran experiencia, pero también me dio la idea de crear un show sobre estos grupos de élite y todo lo que ocurre detrás. Son historias de las que casi no se tocan en la televisión y nos pareció una gran idea. Usamos historias que nos cuentan, cosas que salen en las noticias, hablamos con exmilitares y con gente que lidia día a día con la realidad palestina”, explicó a Efe el protagonista.«Fauda» lidera las listas de series más vistas en países árabes. (Netflix)

Fauda es la primera serie en hebreo y árabe que triunfa

Después de que numerosas adaptaciones en inglés de exitosos programas israelíes llegaron a grandes audiencias en todo el mundo, Fauda es el primer programa israelí en hebreo y árabe que realmente tiene éxito en el extranjero. Desde que Netflix lo adquirió, llegó a muchos millones de hogares en todo el mundo, elevando el perfil de la televisión de aquel país y allanando el camino para más programas de ese país aclamados internacionalmente.

“El idioma no es tan importante, lo importante es la historia y sobre todo que el nivel de producción sea muy alto, queremos que el público crea lo que estamos mostrando. Siempre hemos estados interesados en la calidad y la historia. El idioma es lo de menos cuando una historia te logra atrapar”, señaló Issacharoff.Lior Raz en «Fauda», la serie que lo consagró como actor en todo el mundo. (Netflix)

Los actores, parte del éxito de Fauda

Muchas estrellas de Fauda son nombres familiares y veteranos en Israel. Marina Maximillian (Hila) e Idan Amedi (Sagi), por ejemplo, son cantantes famosos, mientras que Itzik Cohen (Capitán Ayoub) es un comediante que formó parte de la banda de drag más icónica del país. Shadi Mar’i (Walid) tiene una carrera cinematográfica y televisiva súper impresionante a sus espaldas, y Netta Garti (Gali) es una de las actrices e íconos de la moda más queridas de Israel.

“No hay duda de que Fauda fue el proyecto internacional más grande del que formé parte. Ha recibido mucha atención tanto en Israel como en el extranjero. Hay una especie de responsabilidad porque se ha convertido en un espectáculo de culto. Logró un gran éxito en Israel y en todo el mundo. Es simplemente increíble. Lior Raz recibe constantemente comentarios de los nombres más importantes del mundo en la industria, que miran y aman el show”, detalló Meirav Shirom.Para su cuarta temporada la historia se traslada a Bruselas. (Netflix)

Fauda es súper popular en el mundo árabe

Desde hace un tiempo, se sabe que Fauda se ha convertido en una especie de placer culpable entre los espectadores del mundo árabe. Pero ahora que la cuarta temporada se lanzó, es oficial: Fauda llegó recientemente a los principales lugares de visualización en Netflix en todo el mundo árabe y musulmán.

Se ha convertido en el programa más visto de Netflix en el Líbano y los Emiratos Árabes Unidos, el segundo programa más visto en Qatar, el tercero en Jordania, el quinto en Turquía, el sexto en Marruecos y el octavo en Arabia Saudita. No está nada mal.Se espera que haya una quinta temporada de la serie. (Netflix)

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La trama se desarrolla en cuatro ciudades diferentes: Bruselas (Bélgica), que es considerada la capital del facto de la Unión Europea; Beirut (Líbano), donde tiene su sede el partido político y grupo militante de Hezbolá; Jenin (o Yenín), una ciudad palestina en el norte de Cisjordania y Ramla, una ciudad que tiene una de las tasas de criminalidad más altas de Israel.

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Éxito inesperado

El creador del show Avi Issacharoff ha dicho que si bien las producciones que se realizan en su compañía siempre llevan una calidad mundial, nunca pensó que el alcance e impacto de Fauda los llevaría a asociarse con Netflix para futuros proyectos. Además de que les ha permitido desarrollar otras producciones con compañías de todas partes del mundo.

“Cuando Netflix compró el programa, empezamos a notar en las redes sociales que teníamos tantos seguidores en el mundo. Hay una necesidad, tal vez incluso hambre, de buen contenido en todo el mundo y no necesariamente tiene que estar en inglés. Puede estar en hebreo, puede estar en muchos idiomas diferentes. Creo que con Fauda logramos tocar los corazones de muchas personas en todo el mundo, incluso en la India”, dijo Issacharoff a Deadline.En 2017 «The New York Times consideró a «Fauda» como una de las mejores series internacionales. (Netflix)

Cómo se inspiraron para hacer Fauda

Antes de codearse con actores internacionales, la conexión del creador y protagonista de Fauda, Lior Raz, con Hollywood era aún más simple: era el guardaespaldas de nada menos que la estrella de cine y ex gobernador de California Arnold Schwarzenegger. Después de un servicio militar de súper combate que también aportó sus experiencias a la escritura de Fauda, Raz viajó a Estados Unidos para proteger a Schwarzenegger.

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Fauda es la primera serie en hebreo y árabe que triunfa

Después de que numerosas adaptaciones en inglés de exitosos programas israelíes llegaron a grandes audiencias en todo el mundo, Fauda es el primer programa israelí en hebreo y árabe que realmente tiene éxito en el extranjero. Desde que Netflix lo adquirió, llegó a muchos millones de hogares en todo el mundo, elevando el perfil de la televisión de aquel país y allanando el camino para más programas de ese país aclamados internacionalmente.

“El idioma no es tan importante, lo importante es la historia y sobre todo que el nivel de producción sea muy alto, queremos que el público crea lo que estamos mostrando. Siempre hemos estados interesados en la calidad y la historia. El idioma es lo de menos cuando una historia te logra atrapar”, señaló Issacharoff.Lior Raz en «Fauda», la serie que lo consagró como actor en todo el mundo. (Netflix)

Los actores, parte del éxito de Fauda

Muchas estrellas de Fauda son nombres familiares y veteranos en Israel. Marina Maximillian (Hila) e Idan Amedi (Sagi), por ejemplo, son cantantes famosos, mientras que Itzik Cohen (Capitán Ayoub) es un comediante que formó parte de la banda de drag más icónica del país. Shadi Mar’i (Walid) tiene una carrera cinematográfica y televisiva súper impresionante a sus espaldas, y Netta Garti (Gali) es una de las actrices e íconos de la moda más queridas de Israel.

“No hay duda de que Fauda fue el proyecto internacional más grande del que formé parte. Ha recibido mucha atención tanto en Israel como en el extranjero. Hay una especie de responsabilidad porque se ha convertido en un espectáculo de culto. Logró un gran éxito en Israel y en todo el mundo. Es simplemente increíble. Lior Raz recibe constantemente comentarios de los nombres más importantes del mundo en la industria, que miran y aman el show”, detalló Meirav Shirom.Para su cuarta temporada la historia se traslada a Bruselas. (Netflix)

Fauda es súper popular en el mundo árabe

Desde hace un tiempo, se sabe que Fauda se ha convertido en una especie de placer culpable entre los espectadores del mundo árabe. Pero ahora que la cuarta temporada se lanzó, es oficial: Fauda llegó recientemente a los principales lugares de visualización en Netflix en todo el mundo árabe y musulmán.

Se ha convertido en el programa más visto de Netflix en el Líbano y los Emiratos Árabes Unidos, el segundo programa más visto en Qatar, el tercero en Jordania, el quinto en Turquía, el sexto en Marruecos y el octavo en Arabia Saudita. No está nada mal.Se espera que haya una quinta temporada de la serie. (Netflix)

Puedes ver las cuatro temporadas de Fauda que se encuentran en Netflix.

Fuente: Infobae.com

Este año, la obra que forjó el estilo de Alfred Hitchcock se ha convertido en noticia. ¿Por qué? Porque, estrenada en 1927, El inquilino (The Lodger: A Story of the London Fog) pasa a ser de dominio público, como otras célebres películas de los últimos años del cine silente: Metrópolis (1926), de Fritz Lang; la pionera en el uso del sonido sincrónico El cantante de Jazz (1927); y la primera ganadora del Oscar, Alas (1927), de William Wellman. Entre todas ellas, la película de Alfred Hitchcock alcanza su estatura de clásico por sellar tempranamente el aura espectral de la obra del director inglés, modelada en su aprendizaje en Alemania por esos años, elemento clave de su posterior triunfo en Hollywood.

“El inquilino fuera la primera ‘Hitchcock picture’, el primer film en el que saqué provecho de lo que había aprendido en Alemania. Todo mi acercamiento fue realmente instintivo; fue la primera vez que ejercí mi propio estilo”, le revelaba a François Truffaut en las largas entrevistas del libro El cine según Hitchcock. Bajo las órdenes del productor británico Michael Balcon en los Estudios Gainsborough, Hitchcock había pasado un tiempo en Berlín, familiarizándose con el estilo de producción alemana que ascendía en los años 20 como la vanguardia de la industria fílmica europea. Los ecos del expresionismo pictórico, la influencia del teatro de cámara de Max Reinhardt, el surgimiento del terror como género tras el éxito de El gabinete del Doctor Caligari (1919) y el prestigio de directores como F.W. Murnau y Fritz Lang hicieron de la UFA (Universum Film AG) alemana una cita obligada para muchos directores del mundo.https://www.youtube.com/embed/x6oqXVB_P2k?feature=oembed

Hitchcock pasó en aquellas tierras un tiempo breve pero intenso, integrando hallazgos técnicos como el uso del contraluz y las líneas quebradas a una plástica expresiva de sus temas e inquietudes estilísticas, y El inquilino fue la película que amalgamó ese aprendizaje. Su punto de partida fue una obra de teatro titulada ¿Quién es?, basada en la novela de Mrs. Belloc Lowndes, que Hitchcock declaraba haber visto en el West End. “La acción transcurría en una casa de habitaciones amuebladas cuya propietaria se preguntaba si su nuevo inquilino era un asesino conocido por el nombre de Vengador o no. Una especie de reversión de la historia de Jack el Destripador”, le contaba a Truffaut. Esa idea dio vueltas en su cabeza y fue el productor Balcon quien se decidió a comprar los derechos de la obra para satisfacer a quien entonces era su mejor baluarte en los modestos estudios londinenses. Así comenzó entonces el camino de El inquilino. ¿O no?

La otra versión

La versión que ofrece Donald Spoto en su extensa biografía Alfred Hitchcock: La cara oculta del genio es bastante diferente. Según sus investigaciones, a fines de abril de 1926 Balcon le comunicó a Hitchcock que había conseguido los derechos de una obra literaria para su adaptación a la pantalla y que el escritor Eliot Stannard estaba listo para reunirse con él a conversar los detalles del guion. “Balcon pensó que el intenso sentido de los personajes y la narrativa de Hitchcock podrían equilibrar los aspectos misteriosos de la novela [publicada en 1913] y que Una historia de la niebla londinense, tal como era subtitulada, justificaría cualquier toque visual fantasmagórico de los que Hitchcock había aprendido con los alemanes”, explicaba Spoto.

Al parecer Stannard no tardó mucho tiempo en completar el guion y a principios de mayo todo estaba listo para comenzar el rodaje. Hitchcock había confeccionado storyboards de cada una de las escenas –pequeños dibujos de cada escena, como las viñetas de una historieta que definían el encuadre y la posición de la cámara-, había realizado las ilustraciones de los personajes y entregado indicaciones sobre el mobiliario y la utilería. “En cierto sentido la película estaba terminada sobre el papel antes de que se hubiera colocado el primer rollo de cinta”, aclaraba Spoto, confirmando el peso de la preparación del rodaje en el estilo de Hitchcock, esquivo desde sus inicios a la excesiva improvisación. Fue Balcon quien decidió el reparto de actores secundarios -la mayoría provenientes del teatro-, y contrató a dos estrellas para los protagónicos: el galés Ivor Novello –una especie de Rodolfo Valentino de aquellas tierras- para interpretar al inquilino; y la joven June Tripp para interpretar a Daisy Buntin, la hija de la casera a cuya morada llega el inquilino.

“La elección de Novello supuso la mayor dificultad”, se lamentaba Hitchcock en la charla con su par francés. “Era una gran estrella del teatro y tenía un gran cartel en ese momento. Ese es el problema al que tenemos que enfrentarnos con el sistema de estrellas: a menudo la historia queda comprometida porque la estrella no puede ser el villano”. Hitchcock se refería al interrogante sobre la verdadera identidad del misterioso inquilino. ¿Era o no el Vengador, el asesino serial de rubias platinadas? La siguiente pregunta de Truffaut apuntaba a determinar si él hubiera preferido que su protagonista fuera culpable y tuvo que ceder porque el estudio no se lo permitió, condicionado por la fama de Novello. “No necesariamente –respondía entonces-, pero en una historia de este tipo me hubiera gustado que el personaje desapareciera en la noche y que no llegáramos a saber nunca de su inocencia o culpabilidad. Pero no se puede hacer eso con una estrella, hay que decir que es inocente” [lo mismo le sucedió años después en Hollywood con el personaje de Cary Grant en La sospecha, de 1941].

Conflictos y trucos en el set

Con el guion terminado, el rodaje comenzó durante la primera semana de mayo de 1926 en los estudios de Islington. El primero de los problemas que tuvo que afrontar el director fue la presencia en el set de Graham Cutts, veterano director de los Estudios Gainsborough, quien había sido su superior apenas hacía unos años. Amargado por el declive de su carrera y el meteórico ascenso de su antiguo discípulo, Cutts llamaba a Hitchcock “el chico del set”, menospreciando su tarea, y recelaba la rapidez con la que filmaba, logrando que la cooperación del equipo alimentara su creciente resentimiento. Spoto conjeturaba que esa soterrada disputa con Cutts hizo que Hitchcock se dejara el bigote para conseguir cierta apariencia de madurez, aunque le duró apenas un mes hasta que su futura esposa, Alma Reville, le señaló que no lo favorecía y le sugirió que se lo afeitara.https://www.youtube.com/embed/fHWnEdOhGG0?feature=oembed

Como pieza clave de escenografía, se construyó en el set una casa característica de la zona de Bloomsbury, con estrechas paredes y techos bajos, con tres lados expuestos a la cámara y el hueco de la escalera disponible para el movimiento en ascenso y descenso de la cámara. El sistema de iluminación resultó bastante complejo debido a que Hitchcock quería trabajar con penumbra y sombras proyectadas, aunque Baron Gaetano Ventimiglia, director de fotografía de la película, se las ingenió para crear una atmósfera inquietante y por momentos aterradora. El prólogo de la película combina el peligro y la ironía por igual, instalando la sombría presencia del Vengador y sus crímenes, al igual que la paranoia que invade a la ciudad, y especialmente inquieta a las rubias, blanco predilecto del criminal. Hitchcock apela a resoluciones ingeniosas que combinan el cabello de una mujer rubia esparcido sobre un vidrio, iluminado desde abajo para conseguir un aura trágica al mismo tiempo que una pizca de humor negro con los carteles del vodevil que anuncian “Esta noche, Bucles de Oro” reflejados en el mismo agua del cual sacan un cadáver.

“¿Qué sucede en la ciudad?”, se preguntaba Hitchcock de manera retórica ante Truffaut. “Las rubias están aterradas, las morenas bromean, se esparcen las reacciones en la peluquería, donde algunas rubias roban pelucas negras y se las colocan debajo del sombrero”. Ese juego de tonos entre el drama y la comedia precede a la presentación del ambiente donde trascurrirá la acción y a la introducción de la familia de la casera, su hija y el novio –policía de Scotland Yard-, quienes escuchan un insistente llamado a la puerta. Recién entonces un hombre con capa negra señala el cartel “Se alquila habitación”. “¡Presenté al actor principal luego de 15 minutos de película!”, exclamaba entusiasmado Hitchcock, para luego describir el truco con el que construyó el aura tenebrosa que rodeaba al recién llegado: “El inquilino se aloja en su habitación y su ir y venir de un lado al otro hace oscilar la lámpara del piso de abajo. Como en aquella época no teníamos sonido, hice instalar en el suelo un cristal muy grueso a través del cual filmaba al inquilino caminar en su habitación. Hoy ese efecto probablemente sería sustituido por un efecto sonoro, pero en su momento resultó muy efectivo”.

A mediados de mayo Hitchcock tenía más de la mitad del rodaje concluido y la atmósfera en el set era cordial y agradable. Varios visitantes llegaron a los estudios en Islington, entre ellos la autora de la novela, la señora Belloc Lowndes, quien era amiga íntima de Novello. También el actor y escritor Rodney Akland se dejaba ver por los estudios y un día interrogó a Hitchcock sobre la decisión de encuadrar a Novello con arreglos florales o macetas alrededor de su cabeza o a sus espaldas. Hitchcock jugaba pequeñas bromas con la apariencia elegante y delicada de Novello [quien era abiertamente homosexual], y le contestó a Akland con tono burlón: “Con ese perfil, ¿por qué debería importarle a Igor [Novello] aparecer con una maceta con flores en su cabeza?”. El peculiar sentido del humor del director inglés sería una marca registrada que luego trasladaría a su estancia en los Estados Unidos.

Hacia el final del rodaje llegó el momento de situar el intento de linchamiento por parte de la población contra el inquilino, falsamente acusado de ser el Vengador. Su escape se combina con una serie de imágenes crísticas que confirman el aura católica que define a la obra de Hitchcock ya desde sus primeros trabajos. “Quería mostrarlo escalar una verja y quedar colgado de ella, enganchado por la esposas. Las esposas siempre encierran cierto fetichismo. Y a ello se suma el momento en el que la gente lo levanta y él tiene las manos alzadas. He pensado en Cristo, por supuesto”. La referencia a las ataduras de los personajes, en términos criminales y también sexuales, se convirtió en una idea recurrente de la obra de Hitchcock, que encuentra una nueva representación en Los 39 escalones (1935), en la que la condición de prisionero y enamorado se encadenan a partir de las esposas que unen al Robert Donat y Madeleine Carroll.

Y la condición de inocencia del inquilino sienta las bases de uno de los temas hitchcockianos por excelencia: el hombre acusado de un crimen que no cometió. “El tópico del hombre acusado injustamente produce mayor sensación de peligro en los espectadores, que cuando quien intenta escapar es un culpable. Y yo siempre he pensado en el público”. En sintonía con esa preocupación, El inquilino también se convierte en la primera película en la que Hitchcock se desliza en el mundo de la ficción, un cameo que funcionará a futuro como una firma registrada. Esa primera inclusión, para él “estrictamente utilitaria y destinada a amueblar la pantalla”, luego se convirtió en una superstición y más tarde en un gag. “Con el tiempo se convirtió en un gag bastante embarazoso y, para permitir que el público vea la película con tranquilidad, procuro mostrarme ostensiblemente durante los primeros cinco minutos de película”.

Al borde del precipicio

El inquilino concluyó su rodaje en los primeros días de julio de 1926 con un costo total de 12 mil libras, un presupuesto mediano pero considerable para los Estudios Gainsborough, que se encontraban en una situación financiera algo precaria. Debido a ello, Balcon había formado la Picadilly Pictures como unidad oficial de producción de los Estudios Gainsborough y para la distribución de sus películas gestionó una asociación con la Compañía Distribuidora W y F, con el financista C. M. Woolf como presidente. Durante el mes de agosto, la película fue tintada en el laboratorio, tal como era la costumbre de la época. “Grises, marrones y verdes fueron añadidos para complementar la tenebrosa iluminación de los interiores y exteriores que el director tan arduamente había iluminado con la ayuda de su fotógrafo Ventimiglia”, explica Spoto en su libro. Sin embargo allí comenzaron los problemas que pudieron convertir a El inquilino en una película maldita.

“Fue uno de los mejores y más templados veranos de la historia inglesa y Hitchcock y Alma [Reville], entonces su prometida, celebraron sus cumpleaños [el de él, el 13 de agosto, el de ella, el 14] con comidas campestres, anticipando el estreno de la película previsto para septiembre. Pero la inquina de Cutts estaba alcanzando una temperatura superior a la de la estación y cuando Balcon regresó de un viaje a Estados Unidos fue recibido con una tormenta de protestas”, señalaba el biógrafo de Hitchcock. “Hitch no podía comprender qué había hecho para ofender a Cutts”, recordaba el propio Balcon según cita Spoto. “Yo tuve que explicarle que no había hecho nada malo, que Cutts simplemente estaba celoso. Y por ello empezó a decirle a todo aquel que quisiera escucharlo que teníamos un desastre entre manos con El inquilino. Desgraciadamente una de las personas que más lo escuchó fue Woolf, que por supuesto era quien tenía la última palabra en cuanto a la distribución”.

El dictamen de Woolf fue lapidario tras haber visto la película y amenazó con “colocarla en una estantería y simplemente olvidarse de ella”. Para Balcon resultó un revés terrible, tanto artístico –puesto que él había impulsado a Hitchcock- como financiero –todo el dinero invertido se perdería-. Y a ello se sumaba el hecho de que las dos últimas películas de Hitchcock, El jardín de la alegría (1925) y El ángel de la montaña (1926), también estaban a la espera de la distribución. “A menos que Balcon pudiera encontrar alguna idea para salvar a El inquilino, era completamente posible que la carrera de Alfred Hitchcock terminara sumariamente”, sentenciaba Spoto. Y el salvataje llegó cuando Balcon convocó a un joven graduado de Cambridge, Ivor Montagu, crítico y traductor de intertítulos en la compañía de Adrian Brunel, director miembro de la London’s Film Society. Montagu era hijo de un banquero, educado en una mansión de Kensington, pero a sus 22 años se había convertido en crítico del Times y en 1925 había sido enviado a Alemania para cubrir el desarrollo de aquella industria cinematográfica.

Al día siguiente de la negativa de Woolf de distribuir El inquilino, Balcon convocó a Montagu a un pase privado. El crítico resultó vivamente impresionado y sugirió algunos cambios al productor, como recortar algunos intertítulos y volver a filmar algunas escenas poco claras. También le aconsejó convocar al diseñador estadounidense Edward McKnight Kauffer, quien entonces vivía en Londres, “para dibujar siniestros fondos para los rótulos que realzaran el diseño triangular estructural y temático del film (el triángulo no solo era la forma del papel con la nota que dejaba el asesino, sino también el símbolo de la contienda amorosa a tres bandas de la película: entre el policía, la hija de la casera y el inquilino)”, detallaba Spoto. Los cambios sugeridos por Montagu fueron llevados a cabo: las breves escenas filmadas nuevamente, los intertítulos reducidos de 300 a unos 80 y los dibujos de McKight Kauffer insertados en los fondos. La película tendría ahora un nuevo pase de prensa.

Hitchcock relataba la situación de manera escueta en la conversación con Truffaut, señalando a Cutts –a quien no menciona con nombre propio- como el responsable del boicot a la película. “Sospecho que el director del que había sido ayudante, y que me hizo despedir, seguía intrigando contra mí. Me enteré que le había dicho a alguien: ‘No sé lo que filma, no comprendo absolutamente nada de lo que hace’”. Sin embargo no mencionaba a Montagu en la entrevista, y apenas señalaba que “meses más tarde vieron la película de nuevo y quisieron hacer algunos cambios. Acepté efectuar dos y en cuanto se proyectó El inquilino fue aclamado como el mejor film británico realizado hasta la fecha”. El recelo de Hitchcock por el destrato, y la defensa de su merecida autoría lo pueden haber llevado a ignorar el rol de Balcon y su colaborador en el rescate de la película. También la situación puede haber condicionado su posterior decisión de firmar un contrato con British International Pictures, el estudio rival de la Gainsborough.

Para Spoto, cuya pluma algo insidiosa siempre rasga la coraza protectora de todos sus biografiados, “fue el primer ejemplo claro del rasgo no generoso en la naturaleza de Hitchcock”. Lo cierto es que la película fue un éxito y catapultó a Hitchcock a la cima de una cinematografía como la inglesa que hasta entonces no había tenido grandes logros comparados con los de la industria francesa o la alemana. En su análisis, Spoto señalaba que el interés de Hitchcock en la historia de El inquilino nunca fue la sociopatía del crimen y mucho menos la identidad del verdadero asesino [punto que de hecho no resuelve], sino el efecto del crimen sobre la comunidad, desde la sospecha y la sed de castigo hasta los reparos de la hija de la casera respecto a la culpabilidad del inquilino debido a sus buenos modales y elegante presencia. Allí Hitchcock analizaba no solo prejuicios y comportamientos de la masa sino que invocaba al público a ser parte de ese juego de posibles respuestas.

En tanto, el propio inquilino se ve empujado a seguir los rastros del asesino para quitarse la culpa de encima y descubre que puede ser capaz de matar por venganza. “Culpabilidad e inocencia conviven a todas luces en la misma persona, porque el inquilino es espiritualmente culpable de un asesinato, mientras que es inocente de haberlo cometido en la realidad”, concluía Spoto. Hitchcock recogió la predilección británica por la ficción criminal, añadió un retrato de esa sociedad de entreguerras signada por las culpas solapadas y un intento de prístina inocencia que podía conjeturarse en su herida población, al mismo tiempo que asimiló a su cine la influencia del cine alemán con soltura e identidad. Y el dueto sexo y crimen, que serían luego un tópico central de su obra, encontraron aquí su pionera representación. Toda la película es un delicado equilibrio entre atracción y repulsión, la paranoia del asesino al acecho y la burla de esa paranoia para sentirse aliviados. Hitchcock capturó un miedo subyacente a las pequeñas cosas de la vida cotidiana que serían la clave de su posterior consagración.

Paula Vázquez Prieto

Fuente: La Nación

Luego de que comenzara a sonar “Después de la playa”, Taylor Swift saltó de su asiento y sin ningún reparo empezó a moverse al ritmo del reggaetón. Sobre el escenario, Bad Bunny abría la gala de los Grammy 2023 en una presentación, en donde dejó en claro su enorme carisma para atraer y hacer bailar al público. Poco tiempo -y algunas fotos- después, los fanáticos convirtieron al nuevo dúo en los artistas más trascendentes de la noche y en una tendencia en las redes. ¡Y pidieron por un futuro artístico juntos!

El episodio que unió al cantautor puertorriqueño y a la artista norteamericana tuvo como protagonista a la pegadiza música del Bad Bunny. Es que lejos de mostrarse tímida o reacia a dejarse llevar por el ritmo -como varias otras celebridades-, Swift se robó la atención de todos con su desinhibido baile, al pie del escenario, en la primera fila del Crypto.com Arena.

La ganadora a mejor video musical por “All too well” se convirtió de inmediato en tendencia en las redes sociales y sus videos bailando música latina se volvieron virales. También la foto que luego se sacó con el galardonado cantante urbano, en donde dejaron en claro que la buena onda también se puede congelar en una imagen. Emocionados por la buena química entre los artistas, los fanáticos de ella y también los de él comenzaron a especular con una posible colaboración musical entre ellos.

Además de alzarse con una estatuilla y robarse todas las miradas durante el tema de Bad Bunny, Swift se puso de pie también con el tributo de Stevie Wonder y Chris Stapleton a Berry Gordy y Smokey Robinson y con la interpretación de Harry Styles, su exnovio, de “As It Was”.

Con luz propia

Swift comenzó a impactar al público desde que puso un pie en la alfombra roja. Con cuatro nominaciones y un conjunto azul impresionante, fue una de las artistas más ovacionadas por los críticos de moda que aseguraron que la elección de su look fue completamente acertada combinando elegancia y sensualidad.

La artista optó en esta oportunidad por un outfit de dos piezas del reconocido diseñador Roberto Cavalli. La prenda, un cropped top de cuello perkins de manga larga y una falda de tiro alto y cola de un tono azul noche, tenía aplicaciones de brillantes que generaban un efecto “fuegos artificiales”. Además completó su look con unos llamativos pendientes de oro blanco y diamantes y con sus labios pintados de rojo.

Luego de pasar una divertida noche en la ceremonia de los Grammy, Swift volverá a enfocarse en sus próximos objetivos: se lanzará como directora de cine de la mano del estudio Searchlight Pictures. La multipremiada cantante y compositora escribió un guion original, que será producido por el estudio ganador del Oscar detrás de los films Nomadland y La forma del agua. Otros detalles clave, como la trama y el casting, se mantienen en reserva por el momento. Para la compañía resulta todo un éxito haber conseguido este proyecto.

El rey del reggaetón

Luego de abrir la noche con “Después de la playa”, Benito Antonio Martínez, más conocido como Bad Bunny y el artista más escuchado del momento, se ganó una ovación gracias a la interpretación de “El apagón”. Luego, SZA presentó la categoría de mejor álbum de música urbana y el Grammy fue, como podía preverse, para Bad Bunny.

“Hago discos con amor y pasión y cuando hacés las cosas de ese modo, todo es más fácil, la vida es más fácil, gracias a los artistas del mundo entero, a todos los que trabajaron en este disco, gracias a Puerto Rico, a las leyendas del reggaetón, a los nuevos que mantienen vivo el movimiento, llevando este género a otro nivel, los quiero”, expresó el cantante de “Yo no soy celoso”.

Las emotivas palabras del cantautor llegaron luego de que a principios de diciembre del año pasado anunciara que se retiraba de la música por un tiempo. El puertorriqueño indicó que en 2023 no lanzará música nueva y tampoco brindará conciertos. La revista Billboard fue el medio responsable de confirmar dicha información. El intérprete de la canción “Neverita” explicó que se tomará este descanso para enfocarse en su salud física y mental.

Fuente: La Nación

El Día de San Valentín se celebra el 14 de febrero y es un día para mostrar amor y afecto hacia la pareja, familiares y amigos. Se considera una festividad secular en muchos países y se celebra en todo el mundo, especialmente en los Estados Unidos, Reino Unido y Australia. Aunque su origen es incierto, se cree que la festividad proviene de una combinación de tradiciones paganas y cristianas.

5 series y películas para disfrutar del talento de Pedro PascalEl actor de origen chileno que saltó a la fama luego de su participación en «Game of Thrones» es el protagonista de la serie «The last of us», pero también de otros títulos y te contamos dónde verlos

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Algunas recomendaciones de películas románticas para ver en San Valentín son:https://584ff4d10e6e4515bb63e4b73145e87e.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.html

1– “La La Land” es una película musical de comedia dramática que cuenta la historia de dos soñadores en Los Ángeles, Mia y Seb, que luchan por sus sueños y su relación amorosa. Mia es una actriz que sueña con hacerse famosa y tener un papel importante en Hollywood, mientras que Seb es un pianista de jazz que sueña con tener su propio club de jazz. A pesar de que inicialmente se ven como obstáculos el uno para el otro, Mia y Seb terminan enamorándose y apoyándose mutuamente en su camino hacia el éxito.https://imasdk.googleapis.com/js/core/bridge3.554.2_es.html#goog_18799190121 second of 15 secondsVolume 90% La La Landa, el musical más ganadoro de los Globos de ORo

La película explora la tensión entre la búsqueda de la felicidad y la realización de los sueños, y cómo a veces pueden entrar en conflicto con la vida amorosa y personal. “La La Land” es una celebración de la música, el amor y la aventura, y ha sido aclamada por la crítica por su dirección, su banda sonora y sus actuaciones.

“One Piece” presentó el primer vistazo de la adaptación para Netflix y todos los detalles de la serieEl proyecto llegará este 2023 a la plataforma y promete una fiel adaptación del clásico anime

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Protagonizada por: Ryan Gosling como Sebastian Wilder, un pianista de jazz que sueña con tener su propio club de jazz y Emma Stone como Mia Dolan, una actriz que sueña con hacerse famosa y tener un papel importante en Hollywood.

2– “To All the Boys I’ve Loved Before” (A todos los chicos: para siempre) – Esta película de romance y comedia sigue la historia de una joven llamada Lara Jean, quien escribe cartas de amor secretas a todos sus crushes, pero accidentalmente las envía.https://www.youtube.com/embed/8Y8qe1D-P5M?feature=oembed

3– “Always Be My Maybe” (Quizás para siempre) – Una comedia romántica que sigue la historia de dos amigos de la infancia que se reencuentran después de años y descubren que sus sentimientos el uno por el otro han cambiado.https://www.youtube.com/embed/Qro8MkEMwzk?feature=oembed

4– “Set It Up” (El plan imperfecto) – Esta película es una comedia romántica sobre dos asistentes de oficina que traman para que sus jefes se enamoren para que ellos puedan tener un horario más libre.https://www.youtube.com/embed/X-eRc9PF3TU?feature=oembed

5– “Isn’t It Romantic” (¿No es romántico?) – Esta comedia romántica sigue la historia de una mujer que despierta en un mundo paralelo donde todo es una película de romance y debe encontrar la forma de regresar a su vida real.

Los protagonistas de la película de comedia romántica “Isn’t It Romantic” son: Rebel Wilson como Natalie, una arquitecta de Nueva York que es escéptica sobre el amor y las películas románticas. Liam Hemsworth como Blake, un arquitecto guapo y exitoso que trabaja en la misma oficina que Natalie.https://www.youtube.com/embed/aa3nEnbQ5vs?feature=oembed

Bonus track: aquí van algunas otras sugerencias:

“Tu casa o la mía” estrenará días antes de San Valentín (10 de Febrero) y promete ser una de las películas favoritas en Netflix. Dos de los nombres más reconocidos en las comedias románticas son los de Reese Witherspoon y Ashton Kutcher, quienes paradójicamente nunca habían trabajado juntos.https://imasdk.googleapis.com/js/core/bridge3.554.2_es.html#goog_18799190131 second of 15 secondsVolume 90% Debbie y Peter son mejores amigos, pero son muy distintos. Cuando intercambian sus casas por una semana, ambos descubren que lo que pensaban que querían quizás no era lo que realmente necesitaban.

La película cuenta la historia de Debbie (Witherspoon) y Peter (Kutcher), dos mejores amigos desde hace dos décadas, quienes un día descubren que lo que pensaban que querían en sus vidas, quizás no necesariamente era lo que realmente necesitaban.

Hay muchas razones por las cuales ver películas románticas puede ser una experiencia agradable y enriquecedora. Algunas de ellas incluyen:

– Emoción: Las películas románticas suelen ser emotivas y pueden provocar sentimientos fuertes como la alegría, la tristeza y el amor.

– Escapismo: Ver una película romántica puede ser una forma de escapar de la rutina diaria y sumergirse en un mundo de fantasía y amor.

– Reflejo de la vida real: Muchas películas románticas pueden mostrar relaciones realistas y enseñar lecciones valiosas sobre el amor y las relaciones.

– Entretenimiento: Las películas románticas suelen ser entretenidas y pueden proporcionar una forma de entretenimiento relajante y divertida.

En resumen, ver películas románticas puede ser una experiencia emocionante, divertida y enriquecedora que puede ayudarte a conectarte con tus sentimientos y a escapar de la vida diaria.Te puede interesar: 14 películas para ver el 14 de febrero: elige tu favorita para la noche de San Valentín entre las mejores en streaming

Sobre las sugerencias: los gustos personales en términos de entretenimiento varían de una persona a otra. Sin embargo, estas películas son populares y han recibido buenas críticas, por lo que es probable que a muchas personas le gusten.

Fuente: Infobae.com

Cómo ocurre con todas las estrellas, el público del mundo cree conocer su vida y se siente con derecho a opinar y juzgar. El caso de Pamela Anderson es uno de los más emblemáticos acerca de la fama, la violación de la intimidad y el poder de los fenómenos mediáticos para arruinar una carrera. La modelo y actriz nacida en Canadá tuvo su esplendor durante la década del 90, época en la que se convirtió en una de las grandes figuras de la década.

A qué hora se estrena “Pamela Anderson: una historia de amor”, la docuserie sobre la vida de la famosa actriz y modeloEl documental basado en las memorias de Anderson llegará a través de Netflix el 31 de enero

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Su ascenso meteórico empezó con sus fotos en la revista Playboy, convirtiéndose Anderson en una de sus modelos principales. Pero, su verdadera fama llegó con Baywatch (1992-1997), una serie donde todo el elenco explotaba la condición de sex symbol de cada uno de ellos, aunque fue Pamela la más beneficiada con este fenómeno televisivo.(Netflix)https://799266d783adbca0c84926dba86f7355.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.html

Pamela Anderson: una historia de amor recorre su carrera de cine y televisión, así como también su participación en los productos de Playboy, pero recorre como nunca su vida privada y su presente. Por supuesto que un punto fuerte es el robo y la difusión del video privado de Pamela y su marido, Tommy Lee, que fue robado de su domicilio y convertido en un fenómeno de piratería que destrozó la vida de ambos y arruinó la carrera de ella.

“Dear Edward”, “Pamela Anderson: una historia de amor” y “1923”, entre los estrenos del 30 enero al 5 de febreroLas plataformas de entretenimiento ofrecen nuevos títulos durante la semana, algunos como “Class”, la versión creada en la India del éxito español “Élite” y otros lanzamientos exclusivos en streaming como “Lilo, Lilo, cocodrilo”, protagonizado por Javier Bardem

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Sin maquillaje, Anderson se muestra en su casa familiar en Canadá, alejada de todo, rememorando su vida, mostrando videos familiares, contando la historias de sus padres y leyendo textos que ella escribió a lo largo de su vida. Simplemente humaniza y muestra en su totalidad a la mujer que durante una década completa fue la obsesión sexual de millones de personas. Es un contraste muy fuerte que ya en esta época de la humanidad no debería sorprender a nadie.(Netflix)

Anderson nunca llegó a tener la carrera de cine que soñó y su éxito televisivo se redujo a una serie. Se inició en el mundo artístico explotando su sexualidad, lo que no por su culpa la condenó más adelante a convertirse en una víctima de la locura de internet. Sin carrera, tuvo que aprender de nuevo y aprovechar con inteligencia el lugar de caricatura que, según ella misma, el mundo le terminó dando.

Otros títulos de ciencia ficción y futuristas para ver en Netflix si te gustó “Jung_E”La película coreana de acción y sci-fi es actualmente una de las más vistas en la plataforma de streaming

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Sin embargo, hay algo significativo que casi nadie menciona y que incluso la famosa miniserie Pam & Tommy (sobre el robo de la cinta y sus consecuencias) narra como corresponde. Pamela Anderson tenía un hijo cuando salió a la luz el video y pronto quedaría embarazada nuevamente. Ya había perdido un embarazo y el sufrimiento de aquellos años fue terrible. En esta película se hace un poco de justicia sobre ese tema. Aparecen en la película los dos hijos de ella, lo que también ayuda a entender más a la persona detrás de la estrella.(Netflix)

Lamentablemente, en la película, uno de sus hijos solo ve los primeros tres episodios de Pam & Tommy, justamente aquellos que son muy diferentes a los demás. Espero que hayan visto el resto, porque la mirada sobre Pamela Anderson es mucho más generosa y justa de lo que parece al comienzo.

No hay duda de que ella fue una víctima, pero este no es un documental de queja, sino más bien lo contrario. Lo que aquí se ve es la locura a la que fue sometida, su vida con altas y bajas y la aceptación de muchos errores. Su fama siempre estará relacionada con su sexualidad, más allá de su activismo actual y su deseo de seguir creciendo. Venerada y subestimada a la vez, Pamela: Una historia de amores un documental de Netflix que ayuda a entenderla de forma completa.

Fuente: Infobae.com

Will Smith ha sido por varios años el rostro de Bad Boys (Policías rebeldes) junto a su compañero Martin Lawrence. La primera parte de la película fue lanzada 1995, la segunda en 2003 y la tercera en el 2020. Ahora, a inicios de este año el también actor de Rey Richard (film con el que ganó el Oscar) confirmó en redes sociales que él y su colega volverán a la acción en la gran pantalla gracias a la cuarta entrega de la franquicia.

Se anuncia el preestreno de “Ant-Man and the Wasp: Quantumania” en cines de América LatinaLa película protagonizada por Paul Rudd y Evangeline Lilly será el comienzo de la fase 5 del Universo cinematográfico de Marvel

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El largometraje aún no cuenta con un título oficial, pero se confirmó que está en las primeras fases de preproducción en el estudio Sony Pictures. Además, los directores de la tercera parte, Adil El Arbi y Bilall Fallah también regresarán a trabajar de forma conjunta, según adelantó Deadline.Will Smith y Martin Lawrence aceptan el premio a la Mejor Película por «Bad Boys III» en esta captura de pantalla de la 52ª edición de los NAACP. (Reuters)

Aún se desconoce información detallada sobre la trama de Bad Boys 4, pero, lo que sí es seguro es que Smith y Lawrence regresarán interpretando a los detectives Mike Lowrey y Marcus Burnett, respectivamente, en su nuevas aventuras en Miami.

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Las películas previas de la franquicia han recaudado más de 840 millones de dólares en todo el mundo. Y de hecho, solo la tercera parte se embolsó 204 millones en Estados Unidos, llegando a ser el largometraje más taquillero de 2020 antes del covid-19.Mike Lowrey es Mike Lowrey en «Bad Boys». (Columbia Pictures)

Franquicia de Bad Boys

Estas son las 6 películas de DC que aún faltan estrenar y no serán parte del nuevo universo“¡Shazam! La furia de los dioses”, “The Flash” y más producciones que llegarán este año no están integradas dentro del nuevo universo DC de James Gunn

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Bad Boys (1995) gira en torno a “un alijo de heroína valorado en 100 millones de dólares, el cual es robado del mismísimo depósito de la policía de Miami. El caso le será asignado a los agentes Mike Lowery (Smith) y Marcus Burnett (Lawrence), una pareja conocida por ser bastante peculiar en los métodos que utilizan. La única pista que tienen para comenzar es la de una joven testigo informante de la policía, que les ayudará a identificar a los atracadores, misma a la que tendrán que proteger”, según su sinopsis.

En la segunda parte los agentes investigan un cartel urbano cubano mientras una multitud de pastillas de éxtasis inunda Florida, situación que los lleva a adentrarse en una guerra de mafias. Por último, en la tercera entrega Marcus está más que listo para un merecido descanso, hasta que su compañero Mike se convierte en el objetivo principal de un sanguinario cártel que lo obliga a volver al ruedo.«Bad Boys» (1995) fue la primera entrega de esta famosa franquicia de comedia y acción policiaca. (Columbia Pictures)

Mientras llega la próxima entrega de Bad Boys, las anteriores películas se encuentran disponibles en Netflix y Prime Video.

Fuente: Infobae.com

La película sobre la vida y obra de Michael Jackson comenzará a filmarse en este año. Llevará el nombre de Michael y desde que se anunció el proyecto las teorías y la danza de nombres sobre quién daría vida al cantante no tardaron en aparecer y multiplicarse.

Zoe Saldaña, la actriz de los millones: está en 4 de las películas más taquilleras de la historiaLa estrella integra las franquicias de “Avatar” y Marvel Studios, cada una de estas tiene dos películas posicionadas entre las más taquilleras del cine

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Luego de idas y venidas se reveló quién será el encargado de ser Michael en pantalla: se trata de Jaafar Jackson, de 26 años, hijo de Jermaine Jackson, hermano de la estrella de la música que formó parte del mítico grupo Los Jackson 5 y de la colombiana Alejandra Patricia Oaiaz.PUBLICIDADLa biopic recorrerá los orígenes del cantante, sus éxitos mundiales y las denuncias por pedófilo que enfrentó en su vida hasta su muerte REUTERS/Leonhard Foeger/File Photo

La noticia fue confirmada a través de la cuenta de Instagram Antoine Fuqua (Emancipación), director de la biopic y expresó su conformidad con la elección del joven: “Es increíblemente emocionante ver a Jaafar darle vida a Michael. Hubo una conexión espiritual cuando conocí por primera vez a Jaafar, tiene una habilidad natural para emular a Michael y una gran química con la cámara”, expresó el director.

Steven Spielberg cuenta su propia infancia en una emocionante e inolvidable película llamada “Los Fabelman”El director recrea su dura vida familiar y el proceso que lo llevó a enamorarse del cine

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Así mismo Jaafar usó sus cuentas de redes sociales para expresar su gratitud al haber sido elegido: “Me siento humilde y honrado de dar vida a la historia de mi tío Michael. A todos los fanáticos de todo el mundo, los veré pronto”, escribió el cantante. Jaafar se dedica exclusivamnte el mundo de la música así es como en 2019 lanzó su primer sencillo “Got Me Singing”.https://imasdk.googleapis.com/js/core/bridge3.553.0_es.html#goog_20527076151 second of 15 secondsVolume 90% El sobrino de Michael Jackson es cantante y bailarán y será quien protagonice la biopic de su tío

En Michael se relatarán los orígenes del cantante, su participación en el grupo Los Jackson 5 hasta su fallecimiento en junio de 2009 a los 50 años luego de la ingesta de calmantes. Según lo trascendido, se mostrarán las luces y sombras de este talentoso artista que tuvo severas acusaciones de pederastia, tema que estaría presente en la trama.

“Avatar 2” se metió en el ranking de las 5 películas más taquilleras de la historiaLa ficción protagonizada por Sam Worthington y Zoe Saldaña es uno de los más grandes éxitos del cine y superó a “Avenger: Infinity War”

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El film cuenta con la producción de Graham King, quien estuvo detrás de la gran Rapsodia Bohemia (biopic de Freddy Mercury, la voz del grupo Queen), mientras que el guion estará a cargo de John Logan, creador de los textos de los films de James Bond, Skyfall y Spectre y a su vez, tres veces nominado al Oscar por los guiones de Gladiator, La invención de Hugo y El aviador.Jaafar Jackson en el video clip «Got Me Singing»

Fue el mismo King quien expresó cómo fue la ardua tarea de encontrar a la persona perfecta para protagonizar esta historia: “Conocí a Jaafar hace más de dos años y quedé impresionado por la forma en que personifica orgánicamente el espíritu y la personalidad de Michael. Era algo tan poderoso que, incluso después de realizar una búsqueda por todo el mundo, estaba claro que él es la única persona para asumir este papel”, dijo el productor y agregó, “estoy más que encantado de que se haya subido a bordo para retratar a su tío y no puedo esperar a que el mundo lo vea en la gran pantalla como Michael Jackson”.Tito, Jackie, Jermaine, Marlon y Michael Jackson cuando confromaban el grupo «The Jackson 5» (Photo by RB/Redferns)

Lionsgate será el estudio encargado de producir de este título y desde donde informaron que en el film serán “incluidas sus actuaciones más icónicas que le llevaron a convertirse en el mayor artista de todos los tiempos”.

La figura de Michael Jackson siempre vivió opacada por las denuncias por abusos que tuvo a lo largo de su carrera. Para conocer un poco más sobre este lado más oscuro y siniestro, puedes ver en el catálogo de HBO Max el documental Leaving Neverland, que cuenta con el testimonio de varios hombres que cuentan cómo fueron sometidos a abusos durante su infancia mientras tenían contacto con el cantante.Michael Jackson afronó varias denuncias sobre pedofilia a lo largo de su vida

Por ahora resta esperar quiénes más formarán parte del elenco de la biopic y la fecha de inicio de filmación que se estima será en este año. Cabe recordar que Fuqua se encuentra actualemnte en Europa dirigiendo The Equalizer 3, por lo tanto Michael comenzará a realizarse ya avanzado el 2023.

Fuente: Infobae.com

En los westerns clásicos, el cielo siempre dominaba la escena. El celeste casi cegador, el sol inclemente que reflejaba cada partícula de polvo, la noche oscura llena de estrellas, el horizonte tan inmenso como ominoso y los hombres a caballo luchando contra los elementos de la naturaleza -pero sobre todo contra sí mismos- hacían del género una experiencia audiovisual fascinante.

Y es de esos grandes films que tomaron la conquista del Oeste como eje y escenificaron allí la idea del bien y el mal, poniendo al ejército norteamericano de un lado y a los pueblos originarios del otro, de los que toma inspiración esta serie dramática protagonizada por Emily Blunt como la inglesa a la que parece hacer referencia el título en castellano (que reduce equívocamente el gentilicio original en inglés, The English). La literalidad de la traducción deja afuera varios de los temas que la serie explora desde el comienzo: el papel de los ingleses en la aniquilación literal y cultural de los indios norteamericanos. “Por eso nos conocimos: estaba escrito en las estrellas. Y nosotros, vos y yo, creíamos en ellas”. Con esa frase en off dicha con la perfecta dicción aristocrática de Blunt comienza la que ya es una de las grandes series de 2023. Ese prólogo pone en marcha, sin muchos detalles pero con fascinante contundencia, lo que se verá en los seis episodios ya disponibles en HBO Max. Lo que sigue es un viaje al pasado y a una tierra tan despiadada como bella, una travesía repleta de venganza, violencia y un romance que desafía las convenciones del género.

1. Siempre Emily Blunt. Usualmente, los actores, aún los mejores, no deberían ser razón suficiente para elegir ver una serie. Más allá de la posibilidad de que sus interpretaciones sean extraordinarias, sin guiones a la altura de su talento no tendrán forma de demostrarlas. Y sin embargo, en este caso no hay dudas que el mejor argumento para darle play a La inglesa es Blunt. La actriz británica, reconocida por sus papeles en El diablo viste a la moda, Sicario y Un lugar en silencio, entre muchos otros, encarna a Lady Cordelia Locke, una aristócrata inglesa de fines del siglo XIX con una misión: vengarse del asesino de su hijo. Con ese objetivo viaja desde Londres a los Estados Unidos, un país que la hace cuestionar todo lo que conoce y que la insta a preguntar y preguntarse si allí solo viven ladrones y asesinos. La respuesta que esgrime la serie parece ser un rotundo sí hasta que Locke se cruza con Eli Whipp (Chaske Spencer), un sargento del ejército en busca de recuperar su lugar en el mundo tras décadas de trabajar para el gobierno que aniquiló a su pueblo. La alianza entre Cordelia y Whipp, primero por necesidad y luego por afinidad, funciona lejos de los viejos estereotipos del género que solían confinar a los papeles femeninos a un lugar secundario, víctimas sin voz ni voto. Nada de eso ocurre con la Cordelia de Blunt, una mujer inteligente, decidida, capaz de enfrentarse a lo que sea cuyos tropiezos parecen hacerla más fuerte e impulsiva. La imagen de la rosa inglesa bajo el sol de la pradera conduciendo una carreta como si estuviera en Hyde Park completa el cuadro que la actriz pinta con prodigiosa destreza.

2. Un autor igual a ninguno. Tal vez el nombre de Hugo Blick no resulte conocido para muchos espectadores. Los cinéfilos más memoriosos quizás relacionen su nombre con el del actor que interpretó al joven Jack Napier, el personaje que eventualmente se convertiría en el Guasón del Batman de Tim Burton, pero lo cierto es que más allá de su trabajo frente a las cámaras, Blick es uno de los creadores más originales de la TV actual. El guionista, actor, productor y director inglés desarrolló gran parte de su carrera en la pantalla chica de su país, especialmente escribiendo miniseries para la BBC, cadena para la que creó, entre otras, The Honourable Woman (disponible en HBO Max) y Black Earth Rising (disponible en Netflix), dos ficciones con más de un punto de contacto con La inglesa. Además de que ambas están protagonizadas por extraordinarias actrices -Maggie Gyllenhaal y Michaela Coel, respectivamente- al igual que este western, la mirada está puesta en la fortaleza de esas mujeres cuyas tragedias pasadas moldean cada instante de su presente y anticipan su futuro. El planteo utiliza líneas de tiempo fracturadas que van armando una narración que exige la atención completa de los espectadores, una rareza en estos tiempos, Blick escribe rompecabezas de suspenso en los que la memoria y el punto de vista son los principales catalizadores del drama, que por momentos vira en un estudio de carácter tan hipnotizante como la fotografía de La inglesa.

3. Estoicos y siniestros, el elenco lo tiene todo. La hazaña de conseguir a Blunt para interpretar a Cordelia -es una de las productoras del programa-, no es la única conseguida por La inglesa. Para empezar, tan fundamental como el hallazgo de la actriz ideal para interpretar al personaje principal femenino era encontrar quien pudiera encarnar a Whipp, su compañero de ruta. La buena noticia es que Spencer, un actor nativo americano nacido en Oklahoma -el territorio en el que transcurre la trama- se destaca en cada escena en la que aparece. Ya sea como el estoico veterano de guerra en busca de algo de paz o como el hombre atormentado por lo que ya no puede cambiar, el intérprete logra tal conexión con Blunt que cada vez que la historia los aleja, la angustia de la ausencia se transmite sin interferencias. Más allá de los dos personajes centrales, desde el primer episodio queda en claro el elevadísimo nivel de interpretaciones: aparecen los actores británicos Toby Jones (El topo, Los juegos del hambre y muchísimas más) y Ciarán Hinds (Belfast, Munich), a los que luego se suman Tom Hughes (Victoria), Rafe Spall (Una aventura extraordinaria) y el siempre perfecto Stephen Rea (El juego de las lágrimas), el actor fetiche de Blick, con el que ya había trabajado en las miniseries The Shadowline y la mencionada The Honourable Woman.

4. La historia laberíntica. Una de las marcas de autor más claras en la obra de Blick es su peculiar manera de conducir el relato, que asemeja a un laberinto que va revelando callejones sin salida hasta que por fin los personajes encuentran el modo de resolver el misterio que los encierra en él. Usualmente se trata de trampas construidas por ellos mismos. Pero no hay roles sencillos en el mundo de La inglesa. Hay villanos y personajes con buenas intenciones pero unos y otros pueden intercambiar lugares a medida que se va completando la narración. En esta serie, la travesía de Cordelia en busca del hombre que odia la acerca a una trama de violencia e injusticia que va mucho más allá de ella. La historia de las masacres y el desplazamiento de los nativos americanos desde la llegada de los ingleses a sus tierras y su revictimización ocurrida durante la conquista del Oeste es contada desde una perspectiva novedosa, muy lejos de las fórmulas binarias de otros tiempos.

5. El género. Para los amantes del western, La inglesa tiene, al menos en apariencia, todas las características necesarias: llanuras desoladas, pueblos armados casi a la carrera en los que la ley es una concepto nuevo y poco apetecible, y la muerte está siempre a la vuelta de la esquina. Incluso los planos que ubican a los personajes en la inmensidad que buscan domar pero que inevitablemente termina domándolos a ellos. Elementos que completan este homenaje al western que, al mismo tiempo, aporta una nueva mirada sobre él. Aventureros, forajidos, ganaderos y comerciantes aparecen retratados con una profundidad y matices que tanto la fotografía a cargo del catalán Arnau Valls Colome (Competencia oficial) como la música creada por el argentino Federico Jusid, reflejan con maestría.

Natalia Trzenko

Fuente: La Nación